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Crítica de Abigail de Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

Me animé a ver Abigail, la película de Matt Bettinelli-Oplin y Tyler Gillet (Scream, Ready or not) a pesar de conocer el giro de la historia. Y me lo he pasado muy bien.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

A una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.

Los directores Matt Bettinelli-Olpin (California, 1978) y Tyler Gillett (Arizona, 1982) son cocreadores de los colectivos cinematográficos Chad, Matt & Rob y Radio Silence. Antes de Abigail, se dieron a conocer por su trabajo en películas de terror V/H/S, Southbound, Ready or Not, Scream y Scream VI.

Abigail es una reimaginación de la película de 1936 La hija de Drácula, a partir de un guion escrito por Stephen Shields y Guy Busick. La película de 109 minutos de duración fue rodada en Dublín y ha contado con un presupuesto de 28 millones de dólares. Cuenta con fotografía de Aaron Morton, montaje de Michael Shawver y música de Brian Tyler, habitual colaborador de estos directores.

La película cuenta con un casting reducido al plantearse la historia como un grupo de gente encerrada en una localización misteriosa. Además de la niña Abigail, interpretada por Alisha Weir, el grupo de secuestradores está formado por Melissa Barrera como Joey, Dan Stevens como Frank, Kathryn Newton como Sammy, Will Catlett como Rickles, Kevin Durand como Peter y Angus Cloud como Dean. Además, en papeles secundarios apenas cameos tenemos a Giancarlo Esposito como Lambert y Matthew Goode como el padre de Abigail.

Quiero empezar mi reseña hablando de la premisa y la promoción de la película, y para ello es inevitable referirme a ella CON SPOILERS, aunque no tengo claro que quede alguien que no sepa el giro de la película, viendo por ejemplo el poster de la película. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad.

Abigail me parece que tiene un guion muy chulo planteado a partir de la premisa que la niña inocente secuestrada no es en absoluto inocente, al tratarse de una vampira centenaria que lo ha preparado todo para tener alimento y diversión. Tras unos años con numerosas películas de terror dedicadas al «home invasion», en los últimos tiempos se han estrenado varias películas subvirtiendo este concepto, convirtiendo a los agresores en víctimas propiciatorias. Recuerdo Dont´t breathe (Fede Álvarez, 2016) como una de las primeras. De forma que la mansión del padre de Abigail se convierte en una trampa mortal contra los secuestradores, que se verán envueltos en un terror que nadie podía haber imaginado.

Y la película plantea prácticamente la primera mitad de la película para construir el que se supone que es el impactante giro de la película, al mostrarnos el secuestro de Abigail, la llegada a la casa que ha preparado Lambert, el organizador del tinglado, y el inicio de unos sucesos extraños en la casa. Esta parte creo que está bien planteada, presentando de forma adecuada a los 6 secuestradores para intentar más o menos que nos importen de cara a su futura muerte. Sin embargo, dentro que este giro narrativamente funciona en la película y da el toque de sorpresa y gore que requiere la historia, toda la experiencia tiene un problema fundamental de base: LOS ESPECTADORES YA SABEMOS QUE ABIGAIL ES UNA VAMPIRA. Por ello, en esta primera mitad se da la circunstancia que nosotros sabemos más cosas que los personajes, algo que es una lástima, dado que esta sorpresa no la tenemos.

Esto me lleva a la promoción de Abigail. Por un lado entiendo que si hubiera visto esta película en Sitges sin que el público supiera nada de la trama y sin haber visto trailers o posters, el shock hubiera sido histórico. Sin duda hubiera sido una de las películas más comentadas de ese año. Pero al mismo tiempo entiendo que los estudios tienen que vender la película para provocar que el público quiera verla, y la parte del secuestro de una niña sin spoilers no da para vender la película. Sin embargo, el pitch de «niña vampira masacrando criminales» resulta una idea muchísimo más golosa y sorprendente como para dejarla correr. No se cuánta gente hubiera visto Abigail si hubieran mantenido el tema del vampirismo oculto, pero con el auge del streaming tienes que vender muy bien una película para incitar a los espectadores a verla. Y aunque es una pena no descubrir el giro a la vez que los protagonistas, entiendo que el estudio se encontró en una situación imposible. Que resolvió de la forma que estimó mejor. Dentro de la pena que supuso no tener esta sorpresa, no puedo decir que no entienda los motivos, dado que los mejores momentos implican momentos super gores asociados al vampirismo y a la masacre que realiza.

Otro elemento que me ha resultado curioso son las muertes que tenemos en esta película. Pensando que en realidad hay 6 secuestradores más Lambert, el cerebro de la operación que se descubre que trabaja para Abigail, estaba claro que NO podía haber una masacre, al estar ante una película de pocos personajes en un espacio cerrado. Pero lo que sí sorprende es descubrir las pocas muertes que son causadas por la vampira Abigail, que queda claro a lo largo de la película que es una asesina sanguinaria a la que le gusta jugar con la comida. Pensando en el giro final, me doy cuenta que no es casualidad que las dos primeras muertes causadas por Abigail se produzcan fuera de plano para no ver a la niña matar a nadie, de forma que sea más fácil empatizar con ella. Sobre todo, debido al segundo giro de la película que convierte a Frank (Dan Stevens) en un vampiro que desafía a Abigail y es presentado como alguien aún peor que la niña.

Y es que entrando a valorar al reparto, Dan Stevens roba completamente la película con su creación de un ex-policía al que le gusta el poder sin control, y que se convierte encantado en un vampiro que le dispute el nivel de maldad y sadismo a Abigail. Stevens está on-fire en los últimos tiempos, y la verdad es que cumple siempre da igual el papel que interprete, como acabamos de ver en Godzilla y Kong: El nuevo imperio. Pensando en Don´t breathe que comentaba antes, en la película de Fede Álvarez también había un personaje femenino dentro del grupo de ladrones con la que acababas empatizando. En Abigail ese personaje es Joey, interpretado por Melissa Barrera. Una ladrona adicta a las drogas que intenta compensar el dolor que causó, para lo que necesita el dinero del golpe. Y Barrera lo hace muy bien dando el toque bienintencionado que necesita la película, primero intentando proteger a Abigail cuando piensa que es una niña normal, y luego intentando sobrevivir en una situación de «guatemala o guatepeor.» Completando el trío protagonista, creo que la niña Alisha Weir como la niña vampira Abigail lo hace muy bien, sobre todo en la primera mitad. Cuando se confirma que es una vampira, las prótesis en los dientes y los ojos hace que su interpretación se pierda, al convertirse en varios momentos en un perro rabioso. En lo referido al resto del reparto, creo que todos cumplen con lo que la película necesitaba de ellos, con papeles que tampoco les daban demasiado margen para lucirse, al ser corderos camino del matadero.

Aunque hay pocas muertes, me ha gustado mucho ver las explosiones de sangre que tuvimos en algunas. Ya que hay pocas, que sean impactantes, debieron pensar los directores. Y lo verdad es que me han funcionado de maravilla, dándome las explosiones de sangre que tenemos en el tramo final el toque se salvajismo (y diversión) que me justifica el haber pasado por taquilla para ver la película en pantalla grande. Otro aspecto que creo que merece destacarse de Abigail es el control del tempo de la película que tienen los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, creando una tensión estupenda a lo largo de todo el metraje y planteando buenas sorpresas y giros impactantes más allá de la propia premisa de la niña vampira. Abigail es una película que se nota está creada por profesionales que tienen claro que lo primero es el elemento de entretenimiento, cosa que ofrecen más que de sobra.

La verdad es que Abigail me ha gustado, me ha dado dos horas estupendas de entretenimiento. No le pido más. Y dentro que todo me gusta y está suficientemente justificado en la película, puestos como siempre a buscar algo menos bueno, me llama la atención como la historia se las apaña para dejar viva a Abigail a pesar de ser un ser sádico que lleva años llevando a gente a su casa para masacrarlos. Como digo, creo que la idea de hacer que Frank sea un vampiro aún peor que Abigail funciona adecuadamente en el contexto como nos lo presentan. Además que ya indican que si matan a Abigail su padre, un super capo criminal, les encontrará da igual donde se encuentren, por lo que la opción de Joey es intentar no matarla, cosa que consigue no hacer finalmente. Pero no dejo de pensar que estamos ante un último ejemplo de sororidad femenina en el ámbito cinematográfico. Al menos, es uno que no chirría tanto como en otras películas recientes, y no me molestó durante el visionado.

Como digo, Abigail sabe en qué liga juega y nos da un estupendo entretenimiento para todos los fans del terror y el cine de acción.

Comparto el trailer de la película:

Abigail me ha parecido una película super entretenida que me ha dado lo que le pedía. Todo bien.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Sangre Bárbara Edición Salvaje de El Torres y Joe Bocardo (Karras Comics)

Había oído un montón de cosas buenas de Sangre Bárbara, el comic de Conan de El Torres y Joe Bocardo, con color de Manoli Martínez, publicado por Karras Comics. Aprovechando la nueva Edición Salvaje en blanco y negro me animé a comprarlo, y el disfrute ha sido máximo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Fue guerrero, mercenario, ladrón, pirata, saqueador, general de reyes… y al final, rey por su propia mano. Su hijo lleva sobre sus hombros la responsabilidad del reino de Aquilonia,la ambición de tallar su nombre en las piedras de la Historia…Y el amargo rencor hacia su padre.
Su nombre es CONAN.

Al fin, la aclamada obra de EL TORRES y JOE BOCARDO, junto a MANOLI MARTÍNEZ, en la edición de lujo que los aficionados al bárbaro cimmerio esperaban, donde nos adentramos una aventura que profundiza sobre los conflictos entre civilización y barbarie, entre padre e hijo, además de un sentido homenaje, junto a un profundo estudio sobre los personajes creados por ROBERT E. HOWARD.

Edición especial limitada, 136 páginas en blanco y negro a tamaño 18,20x28cm, lomo en tela con estampación plateada. Cuatro páginas inéditas en su interior.

El Torres (Málaga, 1972) prolífico guionista y emprendedor editor malagueño, con una notable trayectoria internacional, especializado en historias de terror y de aventuras. Algunas de sus obras más reseñadas han sido The Veil (El Velo, 2009), la serie Nancy in Hell (2010-2014) y The Suicide Forest (El Bosque de los Suicidas, 2010), que fue premiado con tres Premios Haxtur y ha llamado la atención de las compañías cinematográficas. En 2015 recibió el Premio al Mejor Guionista, en Expocómic, por la novela gráfica El Fantasma de Gaudí, que también fue premiado en el Salón de Barcelona 2016 como Mejor Obra Nacional. En 2017, recibió también el I Premio Carlos Giménez por el guión de Camisa de Fuerza, libro que también recibió el Premio del Salón del Cómic de San Sebastián. Actualmente está inmerso en varios proyectos destacando la trilogía basada en personajes creados por Robert E. Howard de los que ya ha publicado Sangre Barbara y El Puritano.

Joe Bocardo, nació en Cádiz (España) en 1980, actualmente reside en Sevilla, con su mujer e hijos. Siempre le ha fascinado el dibujo y los cómics, pero ser padre fue lo que le empujó a lograr su sueño de ser artista. Ha publicado: -“1937, la desbandá”, Carmona en viñetas. -“Phantasmagoria”, Karras Comics (España) y Scout comics (EEUU). -“Sangre Barbara” Karras Comics, ambos con guion de El Torres (el velo, IDW). -“The Recount”, Scout Comics. -“The Shepherd”, Scout comics. -“West Moon Chronicle”, Scout comics. -“Nightwalkers”, Source Point Press comics.

Hay una idea que se transmite en cada página de este comic, y es el amor que El Torres y Joe Bocardo profesan a Conan en sus diferentes versiones a lo largo de los años. Y aprovechando que el personaje entró en el dominio público hace algunos años se animaron a publicar esta historia que tiene la esencia perfecta de lo que los lectores queremos leer y ver cuando abrimos un comic del personaje creado por Robert E. Howard. Curiosamente, el personaje literario puede ser de dominio público, pero Conan, Conan The Barbarian, etc… son marcas registradas que no pueden utilizarse, de ahí tener un maravilloso comic de Conan que no puede anunciar en su portada que lo es.

De la historia de El Torres me gusta mucho que tenga tantas capas y todas ellas sean interesantes. Por un lado tenemos al anciano (pero ni mucho menos indefenso) Rey Conan de Aquilonia buscando la forma de escapar a sus obligaciones, mientras su hijo Conan se esfuerza para demostrar a todos pero ante todo a si mismo que está a la altura de la leyenda de su padre. Y la guinda de todo es que de alguna manera esta historia puede ser considerada una continuación emocional del relato de Howard «Más allá del Río Negro«. La caracterización de padre e hijo me parece una maravilla, con una interesante reflexión sobre la lucha entre la civilización y la naturaleza salvaje y los pueblos indígenas. La voz del narrador igual no es tan florida como los relatos de Robert E. Howard nos tenían acostumbrados, o los texto de Roy Thomas, pero a mi me han funcionado de maravilla transmitiendo la dureza de esta era, los valores de los protagonistas y cómo la muerte puede llegar a cada paso que dan los personajes.

El Torres plantea una narración fragmentada en la que el príncipe Conan es más protagonista que su padre, que se encuentra en otro lugar enfrentándose a otros desafíos. Y ambas historias son estupendas, pero cuando por fin llega el climax con la reunión de padre e hijo, la escena tiene una fuerza y una emoción bestial, dándonos el cierre que este comic se merecía. No se le puede poner un pero a El Torres, que realiza un trabajo super conseguido que se siente correcto en todo, aunque no sea una traslación de un relato de Howard.

He comprado la Edición Salvaje en blanco y negro, por lo que sólo puede valorar el trabajo del dibujante Joe Bocardo. Y tengo que reconocer que su dibujo «sucio» te obliga a tener que entrar en su estilo para disfrutar del comic. Pero una vez el ojo se acostumbra a él, el disfrute fue máximo. La representación del Conan Rey anciano y cansado y del valiente e inteligente príncipe me parece espectacular. Por comentar algo menos bueno, en algunas páginas toma algún «atajo» en cuanto la narración, como una de las primeras peleas en las que sólo se ven los pies de los guerreros para empezar a caer cabezas de enemigos de Conan. Estas páginas son diferentes a las típicas peleas de Conan, pero en realidad creo que no me acaban de funcionar, y podría haberse planteado otra opción más violenta y satisfactoria. Pero esto es un pero pequeño, dado que Bocardo triunfa en lo más importante, la personalidad de los dos protagonistas y con la fuerza que imprime a la narración.

Aparte, el comic imita más a la Espada Salvaje de Conan que a la versión en los comic-books de Conan The Barbarian. Lo digo por el nivel de salvajismo de algunos combates y por unas bellas mujeres ligeras de ropa, algo que es de agradecer en una historia de Conan de esta naturaleza. Sangre Bárbara cumple ampliamente con todas las cosas que espero de una historia de Conan. ¡Si hasta aparece un monstruo en la parte final!

Tenía mucha curiosidad con Sangre Bárbara. Y aparte de ser un comic maravilloso, quiero que destacar la fantástica edición en tapa dura de Karras Comics, que resalta de forma increíble la edición en blanco y negro incluida en esta Edición Salvaje. Desde luego, el comic vale cada €uro que me ha costado, y es una de esos comics que justifican de sobra su compra.

Comparto páginas del comic:

Sangre Bárbara me ha gustado mucho. Qué gozada tener un comic español de Conan que puede mirar de tú a tú a muchos comics americanos o europeos.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Star Wars: La remesa mala temporada 3 (Disney+)

Star Wars: La remesa mala ha terminado de la mejor manera posible en la tercera temporada que Disney+ acaba de emitir esta semana.

PUNTUACIÓN: 7/10

La lucha de la Fuerza Clon 99 por sobrevivir al nuevo Imperio llega a una conclusión épica.

La historia comienza justo donde lo dejamos en la segunda temporada, con Omega y Crosshair encarcelados en las instalaciones imperiales de Monte Tantiss y el resto de sus hermanos -Hunter, Wrecker y Echo- desesperados por recuperarla con la Fuerza Clon 99.

Tras The Clone Wars, Dave Filloni creó esta serie de animación ambientada entre el final del Episodio III y el inicio de la trilogía original, el momento temporal de Star Wars más querido para Filloni. Esta tercera temporada de 15 episodios ha contado con Jennifer Corbett y Brad Rau como showrunners. Todos los episodios han sido dirigidos por Stewart Lee, Nathaniel Villanueva y Saúl Ruiz, mientras que los guiones han sido escritos por un equipo dirigido por Jennifer Corbett, con Matt Michnovetz, Ezra Nachman, Amanda Rose Muñoz y Brad Rau.

En esta temporada Dee Bradley Baker vuelve a poner las voles de todos los miembros de La Remesa Mala -Hunter, Wrecker, Echo y Crosshair, mientras que Michelle Ang pone voz a Omega. Otras voces de esta temporada son Jimmi Simpson como Royce Hemlock, el director de la División de Ciencia Avanzada (ASD) del Imperio, y Keisha Castle-Hughes como Emerie Karr, una clon adulta hermana de Omega que trabaja con Hemlock.

Lucasfilm ha decidido terminar la serie de animación La remesa mala, y me alegra que este final haya sabido dar el final perfecto que estos personajes merecían. La serie siempre ha tenido a Omega de protagonista, con el resto de clones de la fuerza 99 a su alrededor. Y de estos 15 últimos episodios me ha gustado especialmente la forma en que la joven clon devolvió al lado de la luz a Crosshair, que empezó la serie quedándose en el lado imperial y fue viendo poco a poco como el Imperio sólo utilizaba a los clones como si fueran maquinaria averiada. El viaje de Crosshair ha sido de largo lo mejor de la serie en su conjunto, siendo un personaje que se merecía un final feliz.

La serie ha mantenido la naturaleza episódica, creando pequeñas misiones que hicieran avanzar la trama, primero mostrando como Hunter, Wrecker y Echo buscan a Omega mientras ella intenta escapar de la base imperial de Monte Tantiss, luego una vez escapada para descubrir qué es lo que el Doctor Hemlock necesita de Omega y esa misteriosa «M-count» en su sangre, para construir el climax final de nuevo en Tantiss. Como serie de televisión de formato semanal, creo que La remesa mala te daba suficientes elementos para querer volver la semana siguiente, algo que no todas las series de Star Wars consiguieron.

Junto a una buena progresión dramática, la serie ha añadido pequeños easter-eggs con la aparición de otros personajes de Star Wars que conocemos de otras series o incluso juegos, algo que hará las delicias de todos los fans hardcore de la franquicia. En mi caso, estos invitados especiales no me parecen ni bien ni mal, me suelen dejar más bien frío. Está todo bien, pero bien sin más.

Por la parte de los villanos, el doctor Hemlock ha resultado ser un villano a la altura, personificando la villanía del Imperio. Hemlock es una persona fría que bajo su apariencia educada y calmada se encuentra alguien que no ve a las personas como seres humanos sino como recursos que explotar. Y que descartar cuando dejan de tener utilidad. Dentro de ser un buen villano, me he encontrado algunos problemas derivado de la naturaleza de serie de animación con un target juvenil. Digo esto porque para ser tan listo, deja que la científica Kaminoana Nala Se le paralice su investigación durante bastante tiempo sin que se de cuenta. Y lo mismo para la eventual traición de la doctora Karr, una clon hermana de Omega criada por Hemlock que se ve a la legua que va a terminar traicionándole. Aparte que Karr tampoco muestra tener muchas luces cuando Nala Se le boicotea muestras repetidamente sin que se de cuenta.

En positivo, las versiones mejoradas de los clones que ha creado Hemlock han resultado ser unos villanos estupendos que daban una sensación de peligro real y de que podían derrotar a los protagonistas. Unos clones que se encuentran cada vez más cascados, todo hay que decirlo. La forma en que se ha ido construyendo la tensión me ha parecido que estaba bien, con un último episodio que ha creado un climax final a la serie que me ha parecido super satisfactorio.

Por comentar lo menos bueno, la idea de los Midiclorianos fue una pifia por parte de George Lucas. No se puede expresar de otra manera. Que algo como es la Fuerza se pudiera medir por un índice en un análisis de sangre eliminaba toda la parte mítica y mística que tenía la Fuerza y con ello, los Caballeros Jedi. Si. George Lucas la cagó con esto. (Y con más cosas, pero no es momento de entrar a ello ahora). Ser el creador de Star Wars no significa que fuera un ser infalible.

Digo esto porque la serie vuelve a este concepto fallido de los midiclorianos, pero sin atreverse a nombrarlos porque sabe que el concepto nunca ha gustado. De ahí lo de «M-count» y que Hemlock busca niños con un nivel alto de midiclorianos se entiende para avanzar en las investigaciones de clonación del Emperador que se vieron en el terrible Episodio IX. Y claro, igual que no funcionaba en La amenaza fantasma, por mucho que Dave Filloni y su equipo de Lucasfilm se empeñen en reivindicar todos los conceptos de la trilogía precuela de Lucas, sigue siendo un concepto fallido. En todo caso, la forma en que vencen los clones al final y se destruye toda la investigación de Hemlock es una forma adecuada de cerrar esta historia sin entrar en contradicciones con las películas o con otras series cronológicamente posteriores.

Otra cosa que encuentro menos buena es la forma en que fuerzan que los clones realicen pequeñas misiones sucesivas para poder encontrar pistas para llegar hasta el Monte Tantiss donde se encuentran Hemlock y Omega. Estas misiones de los últimos tres/cuatro episodios en realidad me han parecido «minutos de la basura» que alargaban la espera para llegar al momento que queriamos ver, que sucede todo en el último episodio. No es que fueran malos episodios, pero tampoco me han encantado.

En todo caso, lo mejor de La remesa mala es que siempre ha tenido el corazón en el sitio adecuado. Omega siempre fue el corazón de la serie y el resto de clones transmiten lo mucho que la quieren y cómo es como una hija para ellos por la que harían cualquier cosa. La idea de familia y que nunca dejan a nadie atrás es otra gran idea de la serie que es llevada hasta sus últimas consecuencias en este temporada. Esto hace que el climax final me haya parecido perfecto por el lado emocional, si bien con el problema de las series juveniles de animación, todo resulta demasiado conveniente y hasta facilón en todos los episodios.

Esta conveniencia y en general la animación de la serie, dentro que estoy super acostumbrada a ella, es lo que hacen que dentro que todo me ha gustado, en realidad no haya nada que me parezca notable o me haya flipado. Dicho esto, tengo que reconocer que la parte emocional del final de la serie SI que me ha gustado mucho, al igual que la forma en que estos viejos soldados pueden tener su final feliz y su merecido descanso. Por cierto, el epílogo en el que se añade que la lucha contra el imperio continúa y alguien coge el relevo es otro detalle super chulo de este finalo.

Si eres un fan de Star Wars, creo que seguro disfrutarás de La remesa mala. Aunque por todo lo anterior creo que poco o nada probable que alguien no iniciado en la franquicia vaya a animarse a ver esta serie.

Comparto el trailer de este temporada:

Star Wars: La remesa mala ha sido una estupenda serie de Star Wars que han sabido terminarla de la mejor manera posible.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Farmhand vol. 3 de Rob Guillory (Image Comics)

Tercer arco de Farmhand, el inclasificable comic de Rob Guillory (Chew) sobre una granja de órganos que esconde un oscuro secreto.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

VOL. 3: LAS RAÍCES DE TODOS LOS MALES

Jedidiah Jenkins es un simple agricultor. Pero su cultivo comercial no es el maíz o la soja. Con la Semilla de Jedidiah filtrándose en el ecosistema local a un ritmo cada vez mayor, la búsqueda de una cura por parte de los Jenkins les llevará a las raíces mismas de la creación de la semilla. Lo que allí encuentren sacudirá Freetown y destrozará a su familia. No hay vuelta atrás.

Este volumen recopila FARMHAND #11-15 USA, publicados originalmente entre 2019 y 2020.

Rob Guillory (Lafayette, Luisiana, 1982) es un dibujante de cómics estadounidense conocido por Chew, serie de la que es co-creador junto a John Layman, publicada por Image Comics. Farmhand, también en Image Comics es una serie de creación propia en la que él realiza labores de autor completo. Además, ha creado Mosley, comic publicado por Boom! Studios.

Farmhand es una lectura super loca y divertida con la que he conectado un montón. Y en este tercer volumen, de cuatro que forman esta colección, tenemos las respuestas a preguntas que me hacía desde el comienzo del comic, al mostrarnos el pasado de Freetown cuando Jedidiah Jenkins, la doctora Monica Thorne, el que será el futuro alcalde Randall Lafayette y el pastor John Moore, con sus esposas respectivas, eran amigos y planeaban cómo iba a mejorar la vida del pueblo gracias a las investigaciones de Jenkins y Thorne. Una investigación que se torció cuando Thorne enfermó y Jedidiah se negó a crear cerebros vegetales, lo que la condenaba a la muerte. Una muerte que como podéis imaginar no llegó, por los sucesos que vemos en este arco.

Una cosa que me gusta mucho de Guillory es que aparte de todas las situaciones super peculiares, tenemos una buena construcción de los diferentes personajes, teniendo en todas las grapas varios momentos que te hacen empatizar con todos y preocuparte por ellos incluso cuando se equivocan o toman malas decisiones. Me gusta también la idea que transmite el comic de ser una historia cerrada con un final claro desde antes incluso que se publicara el primer número.

El estilo de dibujo de Guillory conecta con el cartoon y es perfecto para transmitir el humor freak que tiene el comic. Guillory aporta un montón de personalidad y expresividad a los personajes con este estilo, consiguiendo que conectemos inmediatamente con ellos. Aparte de las caracterizaciones me gusta mucho como añade muchos detalles super locos y divertidos en el fondo de las imágenes que aumentan el disfrute del comic. Aparte del humor, cuando se pone gore Guillory también sabe crear imágenes super impactantes. Por ejemplo, que el árbol «maldito» de la doctora Thorne del que brotan los órganos ¿contaminados? tenga la forma de un órgano reproductor femenino me parece un puntazo tremendo. Y hay detalles así en todos los números de este volumen.

En este tercer volumen Taylor Wells realiza el color en los números 11 y 12 USA, con Jeremy Treece en el número 13 y Rico Renzi en el 14 y 15. Y la verdad es que al menos yo no noto la diferencia, ayudando todos ellos a que la lectura sea fluida y satisfactoria.

Me lo estoy pasando genial con Farmhand. Y la lectura de este volumen me ha dejado con muchísimas ganas de comprar cuanto antes el cuarto y último volumen, para saber como cierra Guillory esta historia.

Comparto las primeras páginas del número 11 USA:

Farmhand ha dado muchas de las respuestas a las preguntas que la serie llevaba planteada desde el primer número. Y lo ha hecho de forma super entretenida.

PUNTUACIÓN: 7.5 /10

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Crítica de Grandes Tesoros Marvel. Doctor Extraño: Amanecer de Otoño de Tradd Moore y Heather Moore (Marvel Comic – Panini)

Tras volarme la cabeza con Estela Plateada: Negro, tenía que comprar el siguiente comic de Tradd Moore. Y descubrir que se trataba de una miniserie del Doctor Extraño, Amanecer de Otoño, publicada por Panini en formato extra-grande, lo convirtió en el combo perfecto.

PUNTUACIÓN: 9/10

¡De la alucinante mente de Tradd Moore, llega una nueva obra maestra como sólo el creador de Estela Plateada: Negro podría producir! El Doctor Extraño se encuentra atrapado en un mundo distante. Rodeado de peligro, el Hechicero Supremo debe explorar esta tierra de espadas y misterio para desentrañar secretos arcanos y escapar de los terrores que lo acechan.

Tradd Moore (Georgia, 1987) es un dibujante y creador de cómics estadounidense que ha publicado con Marvel Comics, Image Comics y DC Comics. Cuando aún estaba en la universidad, fue descubierto por el escritor Justin Jordan, quien le propuso el guion de un nuevo cómic, The Strange Talent of Luther Strode, publicada en 2011 por Image Comics. DC Comics le pidió que ilustrara un número de la antología de Batman Legends of the Dark Knight antes de dar el salto a Marvel en 2013. Moore dibujó los cinco primeros números de All-New Ghost Rider que presentaron al personaje de Robbie Reyes. También colaboró en las portadas de toda la serie de Aleš Kot Secret Avengers, con el que ya había colaborado en Image en un número de su Zero. En 2019 Moore colaboró con su colega Donny Cates, al ser ambos antiguos alumnos del Savannah College of Art, en la serie de cinco números Estela Plateada: Negro, que me voló la cabeza. Amanecer de Otoño es su siguiente comic de importancia, y la primera obra de importancia en la que es autor completo. (Dicho esto por el propio Moore, cuyas historias cortas que creó en solitario no las pone al mismo nivel que este trabajo).

Echando la vista atrás mientras redactaba el resumen de la obra de Tradd Moore, me hace gracia recordar lo rompedor que resultó en su momento el relanzamiento de Ghost Rider. No sólo por crear a Robbie Reyes y que llevara un coche y no una moto, resaltando las múltiples acepciones de «rider», sino sobre todo por un dibujo de Moore que rompía todos los convencionalismos del género de superhéroes. Un dibujo que reconozco que no me acababa de gustar a pesar del alucinante sentido de la velocidad que imprimía a sus páginas. Tras esto probé a leer su Luther Strode y era un desfase super over-the-top, un comic super influido por el manga y el anime con unas exageradísimas escenas de acción y grandes dosis de gore. Algo con lo que tampoco llegaba a conectar, aunque en realidad yo debería ser claramente público objetivo de un comic como ese. No fue hasta Estela Plateada: Negro en que Moore encontró el vehículo perfecto para que su psicodelia pudiera explotar en la página impresa. Ese comic SI me gustó, y convirtió en inevitable la compra de este, que a priori prometía que Moore iba a desatarse aún más.

Y empezando a comentar mis impresiones de este comic, la acepción de «Obra de arte» está más que justificada para valorar este comic. ¡Qué locura! El comic es una explosión de formas y colores que transmite una poesía y una belleza a la que los lectores de comics de super héroes no estamos acostumbrados. Es interesante leer que para Moore esta es la primera vez en que crea una obra completa que siente totalmente suya. Incluso en el trabajo colaborativo que fue Luther Strode (o el resto de comics), aunque colaboró con los guionistas a todos los niveles, al final está trasladando a la página la idea del escritor. Cosa que en este comic ya no pasa y todo es 100% suyo.

Leyendo una super interesante entrevista a Moore en el Comics Journal, el autor comentaba que «En el arte y la literatura, no voy a decir que sea más fácil comunicarme allí, pero me siento más cómodo trabajando las ideas y los sentimientos en su plenitud en ese espacio tranquilo y aislado. El terror, la angustia, el odio, el amor. La confusión. Todas estas cosas; cada pequeño hilo tenue. No se trata de encontrar respuestas -a menudo es todo lo contrario-, sino de desarrollar y exponer un pensamiento completo. Una persona puede expresarse de forma abstracta en el arte, que se siente como en casa. Me siento más en paz y más yo mismo cuando no hablo ni intento dar sentido a nada.» Y es interesante leer esto, porque estas ideas se transmiten en el comic, en el que la abstracción y las ideas más-grandes-que-la-vida cobran vida en su forma más pura, superando las limitaciones del dibujo figurativo.

Una de las cosas que más me alucina de este comic y que hace que se diferencia de cualquier otro comic que haya leído, es que el arte de Moore plantea imágenes potentísimas en las que parece que no ha empleado ninguna línea recta, creando todas las figuras siempre con líneas curvilíneas que transmiten una sensibilidad única. Además de este detalle, que ya es importante de por si, me flipa como esta historia sólo podía haberse creado como comic, sacando todo el partido de las posibilidades expresivas y narrativas del medio. Digo esto porque Moore juega constantemente con la estructura de la página, el número de viñetas, la orientación de la acción, ayudando a crear tensión y ritmo como sólo se puede hacer en un comic. El propio Moore comenta que cuando quiere acelerar la historia coloca pocas imágenes por página y al revés, cuando quiere crear tensión o dar sensación que varias cosas están pasando al mismo tiempo, crea páginas abarrotadas con viñetas pequeñas. Al mismo tiempo, para que el impacto visual de una splash-page sea mayor, en las páginas previas juega también con el número y tamaño de las viñetas, de forma similar a la estructura de una canción rock / heavy / dance / etc… que construye un climax que estalla en una explosión para que la gente bailemos en la discoteca o en el concierto.

Amanecer de Otoño plantea una historia con grandes ideas y aspectos filosóficos y teológicos. Es una historia que habla de madres e hijos, de moralidad, virtud, valor, desesperación, crueldad y aceptación. Pero en un comic con un arte tan abstracto, en contraste con el arte figurativo al que estoy acostumbrado, imagino que cada lector podrá sacar otras claves relacionadas con la fe y cualquiera de las diferentes religiones. Dicho esto, en lo que a mi respecta Tradd Moore podría estar hablando del partido de futbol de su pueblo, que abrir cada una de las páginas me hubiera volado la cabeza igual. Puestos a comentar algo menos bueno, este comic es 95% dibujo, de forma que la historia queda en muchos momentos en un plano secundario. Una historia que a mi parecer se entiende a pesar de la sobrecarga sensorial del dibujo de Moore, pero que puede provocar la desconexión por algún lector que se acerque a esta obra sin tener el estado mentar adecuado para disfrutar de este comic.

Amanecer de Otoño es un comic que transmite la sensibilidad creativa de Tradd Moore. Pero es importante destacar el trabajo de la colorista Heather Moore, que ha creado una explosión de color alucinante y obviamente sin ella el comic no tendría la fuerza visual que tiene este comic. Por cierto, no he conseguido saber si Tradd y Heather son pareja, hermanos o no están relacionados en absolutos, pero han formado un equipo creativo maravilloso y transmiten una personalidad única. Ganazas de saber cual será su próximo trabajo juntos, pero Heather Moore lo está petando también en la colección regular de Doctor Extraño junto a Pasqual Ferry.

Doctor Extraño: Amanecer de Otoño es un comic único, y si te gusta el arte, no deberías tener dudas en darle una oportunidad. A mi me ha flipado de manera increíble.

Comparto algunas páginas del comic:

Doctor Extraño: Amanecer de otoño es una obra de arte. El despliegue visual de esta colección se sale de la escala, resultando en una sobrecarga sensorial que me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9 /10

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