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Crítica de Green Lantern 16-18 + Civil Corps Special de Jeremy Adams, Xermánico y Salvador Larroca (DC Comics)

Tras el tie-in del evento Absolute Power, el comic de Green Lantern de Jeremy Adams vuelve a ponerse cósmico con el arco Civil Corps, que inaugura la nueva etapa DC All In. Unos comics con dibujo del español Xermánico y color de Romulo Fajardo Jr.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Las semillas de la guerra han sido sembradas, ¡y ahora una batalla masiva se extiende por toda la galaxia! Hal Jordan, John Stewart y Guy Gardner deben correr para desvelar el misterio de la resurrección de la Estrella Oscura, lo que significa para su querido amigo Kilowog y cómo luchar contra un planeta entero. ¡La furia roja de Mogo llueve sobre nuestros héroes mientras Civil Corps se calienta!

Desde el inicio de la actual etapa de Green Lantern de Jeremy Adams, la amenaza de Thaaron, el lider de la recién formada coalición de planetas que ha tomado el control tras la desaparición de los Guardianes de Oa, planteaba que estábamos ante la posibilidad de una guerra total. Y es eso lo que tenemos en este arco de 4 números, tres de la serie regular y el especial Civil Corps que lanza la historia.

Empezando por este especial realizado por Adams con Phillip Kennedy Johnson, y dibujo del español Salvador con color de Luis Guerrero, lo primero que tengo que decir es que veo a Larroca muchísimo más acertado respecto a sus últimos años en Marvel. La gran mayoría del tiempo parece que realmente él dibuja, frente a sus comics previos en los que las muletas de photoshop eran demasiado evidentes y me sacaban completamente de la lectura. Se que decir que ver a un dibujante dibujar es lo mínimo que se debería pedir a cualquier comic, pero ese era el lamentable nivel previo de Larroca, así que cualquier mejora es más que bienvenida. No se si perder el contrato en exclusiva de Marvel le ha hecho ver las orejas al lobo a Larroca, pero la verdad es que si lo hace bien, hay que decirlo.

Pero si hablamos de lo verdaderamente destacado de este arco Civil Corps en lo referido al dibujo, es el impresionante dibujo de Xermánico con color de Romulo Fajardo Jr. Xermánico tiene un sentido de la épica alucinante, algo que resulta imprescindible para que la historia de Adams triunfe como lo ha hecho. Me parece alucinante la forma en el español consigue que cada personaje sea super reconocible y la acción sea memorable, con numerosos hallazgos viduales en cada número.

Otra cosa que me ha llamado la atención es que pasan tantas cosas en este arco Civil Corps que en numerosas ocasiones Xermánico tiene que plantear páginas con 8 viñetas o más para poder mostrar las diferentes situaciones de esta guerra a varias bandas. Tener unos comics con tantas viñetas, unido a una historia super comprimida que cuenta en tres grapas lo que hubiera dado para una mega saga, ayuda a dar la sensación de estar ante unos comics de una época anterior. Y es una sensación que me gusta mucho.

Pero no os penséis que estamos ante un comic de viñetas apretadas, porque Xermánico tiene un capacidad narrativa increíble, y sabe plantear splash-pages bestiales, unido además a una estructura de página super atractiva que me vende completamente este comic.

Y es que toca destacar a un Jeremy Adams excelso que en los números previos demostró que conocía perfectamente a todos los miembros de los Corps, y cuando toca ponerse cósmico con una acción más grande que la vida con el destino de la galaia en juego, parece el alumno destacado del mejor Geoff Johns. Destacaba antes la enorme cantidad de cosas que pasan en apenas tres grapas, pero es que me parece increíble que en los tiempos que corren Adams plantee una historia a esta escala y consiga resolverla de forma tan satisfactoria en apenas tres números.

Por la parte de los villanos, la sorpresa es que al malvado Thaaron armado con el anillo Dark Star hay que sumar a Star Shroud, enemigo presentado en la colección de John Stewart, lo que hace que la amenaza tremenda, incluso cuando inicialmente estos villanos peleen entre ellos por la supremacía de la galaxia. El final es super satisfactorio, pero dejando la puerta abierta para que en cualquier momento del futuro puedan ser recuperados.

Hal Jordan era el protagonista absoluto de esta colección, pero otra cosa que me ha encantado es la forma en que ha evolucionado a una historia coral. Empezando con el protagonismo de Carol Ferris, convertida (de nuevo) en una Star Sapphire. Kyle Rayner, Guy Gardner o Jessica Cruz están muy bien en esta historia.

Como me pasa con Jed MacKay en Marvel, me gusta mucho poder disfrutar de un guionista que tienen claro que esto es un comic de superhéroes y triunfa planteando una historia que sirva para destacar a los protagonistas, y a la vez permita el lucimiento de sus dibujantes. Jeremy Adams es el nuevo gran nombre de DC Comics, y se encuentra en un momento en que creo que voy a comprar todo lo que tenga su nombre. Porque un buen comic lleva a comprar otros comics.

Comparto las primeras páginas del número 16 USA, que empiezan por todo lo alto y pueden ser SPOILER. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad:

Green Lantern ha vuelto a la grandeza gracias a un estupendo guion de Jeremy Adams pero también gracias al dibujo alucinante de Xermánico.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de G.I. Joe 2 de Joshua Williamson y Tom Reilly (Image Comics)

El segundo número de la nueva etapa de G.I. Joe dentro del Energon Universe del sello Skybound realizado por Joshua Williamson, Tom Reilly y el color de Jordie Bellaire, marca el standard de calidad que deberían tener todos los comics maimstream USA, ya sean de superhéroes o no.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

¡CONTINÚA EL MAYOR LANZAMIENTO DE CÓMICS DE LA DÉCADA!

El Comandante Cobra desvela la siguiente fase de su plan: conoce a LAS VALKYRIAS, la nueva unidad de operativos especiales de Cobra. Y mientras corren para recuperar la nueva y misteriosa arma, ¿sufrirá Duke su primer fracaso como líder de G.I. Joe?

Tengo que empezar comentando que en realidad no pensaba escribir una reseña de este segundo número de G.I. Joe. Tras comentar mis impresiones del primer número, que me gustó mucho, la idea era ya volver a hablar de esta colección una vez el primer arco se hubiera publicado. Si he cambiado de opinión ha sido por dos motivos. Por un lado, porque he disfrutado como un enano con esta grapa. El segundo motivo viene provocado por mi insatisfacción con los comics que compro a Marvel. Y es que fue terminar de leer esta grapa y pensar que ya le gustaría a las colecciones que compro actualmente de Marvel ser la mitad de buenas de lo que me ha parecido G.I. Joe. Estar igual de bien dibujados como lo está este comic y tener una historia que acierta en todo lo que plantea, teniendo claro el tipo de comic que es y lo que necesita la historia para enganchar a los lectores.

Empezando por el dibujo, es un placer leer un comic tan bien dibujado como este G.I. Joe. Tom Reilly me parece un fuera de serie, se nota que su obsesión es contar la historia de la forma más clara posible. Unido a esto, su estructura de página y sus viñetas consiguen que todo luzca super dinámico, con unos planos de cámara atractivos que refuerzan el carisma de los protagonistas y las apuestas del juego. Unos protagonistas mostrados en su versión más icónica y reconocible.

Tengo un pequeño pero con el color de Jordie Bellaire. En mi reseña del primer número comentaba que se notaba que habían planteado unos colores planos que recordaran los comics clásicos de los años 80. Como tal, el objetivo está más que conseguido. Sin embargo, en este segundo número creo que continuando con el mismo objetivo, en varios momentos me provocó una sensación extraña mientras leía el comic. No es algo malo malo, pero «extraño» no es un calificativo que quiero asociado a mis comics favoritos.

En todo caso, por no desviarme, si Duke me flipó gracias al dibujo de Reilly, G.I. Joe está siendo su consagración. Con lo que estoy viendo en esta colección, Reilly se une al grupo de autores cuya compra es obligada da igual lo que hagan. Por suerte para mi, el compromiso de Reilly con G.I. Joe parece a largo plazo, lo que nos asegura un disfrute total durante mucho tiempo.

Entrando en la historia de Joshua Williamson, me flipa todo lo que consigue contarnos en apenas 20 páginas. El primer elemento destacado es que con apenas dos grapas ha situado el nivel de amenaza a niveles nunca antes vistos. Me encanta el comic clásico de G.I. Joe de Larry Hama, que también está publicando Skybound. Pero en ese comic tenemos a los mismos Joes (y villanos) en el número 301 que los que vimos en su primer número de los años 80. Esto provoca cierta sensación de falta de peligro, como sabemos que Spiderman nunca morirá en su colección. Y si lo hace, será resucitado al poco tiempo. Esto ha saltado por los aires en esta colección con lo que acabamos de ver en los dos primeros números. Ahora nadie está a salvo, cualquiera puede morir y la sensación de amenaza y de que cualquier cosa es posible me parece una pasada. Como ya vimos en Transformers, el Universo Energón ha empezado desde cero este universo compartido, pero la idea no es volver a contar las mismas historias del pasado, sino plantear nuevas historias. Y el éxito es monumental.

Otra cosa que me gusta mucho es la forma en que en estos primeros números Cobra es una máquina perfectamente engrasada que está pasando por encima de los recién formados Joes, que se encuentran totalmente en inferioridad y con problemas de falta de potencia de fuego. Esto ayuda a que la sensación de peligro sea todavía más clara. Y la idea de un «David contra Goliat» me parece un acierto total. Porque de momento no tenemos a dos organizaciones que se miran de tu a tu en igualdad de condiciones, Cobra es mucho más poderosa. El contraste del poderío de Cobra lo tenemos en unos Joes que están recién formados y están envueltos en problemas de egos y de personalidades enfrentadas. Si quieren derrotar a Cobra antes tendrán que ponerse de acuerdo y dejar de pelear entre ellos. Algo que hace que el terreno de juego lo tenga todo a favor para los Cobra.

Junto a todo lo anterior, esta grapa de G.I. Joe termina con un cliffhanger alucinante que me ha dejado con unas ganas bestiales de leer el siguiente número. El objetivo de hacer que esta grapa te invite a comprar la siguiente es otro éxito absoluto, algo en lo que se nota la mano de Robert Kirkman, presidente de Skybound.

Hacía antes la comparación de esta grapa de G.i. Joe con los comics Marvel actuales. Y la realidad es que G.I. Joe es el ideal al que aspiramos todos los lectores de superhéroes. Una grapa con un dibujo TOP y una historia notable que plantea buena acción en la que nadie está a salvo, con buenas caracterizaciones y un cliffhanger que te hace querer seguir leyendo. No le puedo pedir más.

Comparto varias páginas de este comic:

Los comics de G.I. Joe no es que me estén gustando, me están flipando. No puedo recomendar más efusivamente esta colección y en general todo el Universo Energón del sello Skybound.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Capitán América 9-13 de J. Michael Straczynski y Jesús Saiz (Marvel Comics – Panini)

No se qué ha pasado con la etapa de J. Michael Straczynski en Capitán América, pero me apena la sensación que me han dejado los números 9 al 13 de la edición de Panini, dibujados por Jesús Saiz y Carlos Magno. Que es que los editores han cortado en seco esta etapa, obligando al escritor a cerrar en falso su historia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

¡Firme ante la muerte! El Capitán América tiene una nueva misión: reunir a seis nuevos agentes de cambio bajo la protección del misterioso Cabaret Entrada Principal antes de que los encuentren aquellos que los quieren erradicar. ¡Pero su primer recluta ya está en peligro!

¡El precio de la libertad! El Capitán América ha conseguido encontrar a uno de los agentes de cambio que figuran en su lista. Ahora parece sencillo ofrecerle toda la protección del Cabaret Entrada Principal. Pero ¿cómo se puede proteger a alguien que no quiere tu ayuda?

El Centinela de la Libertad ha encontrado al último Agente del Cambio. Se trata de alguien que puede modificar el rumbo del planeta para siempre… una vez que muera. Mientras Steve valora los condicionantes morales de su misión, alguien de su círculo interno le traicionará…

La Muerte ha venido a la Tierra y trata de barrer a la humanidad del tablero de juego. El Capitán América ha reunido a los Agentes del Cambio, aquellos que pueden salvar a todo el mundo. Pero quizás sea demasiado tarde. ¿Lo es?

Mientras la Muerte hace todo lo posible por destruirlo, el Capitán América debe tomar una decisión: proteger a los Agentes del Cambio o proteger su propio futuro. Pero uno de los mutantes rescatados tiene sus propias ideas y la intención de que nadie decida por él. 

El primer arco de Capitán América de J. Michael Straczynski se desarrolló en los números 1-6 de la colección que fue relanzada por Marvel para destacar la importancia del retorno a Marvel del autor de etapas muy celebradas en Spiderman y Thor. Después tuvimos un interludio (Intermezzo) de dos números en los que Steve Rogers conocía que el demonio Asmodeo era el menor de sus problemas, ya que Lyra, la personalización de la VIDA se está enfrentando a su hermano MUERTE.

En este segundo arco tenemos el desarrollo de lo que se nos había sugerido en los números previos. Para conseguir la supervivencia del Cabaret Entrada Principal de Lyra, Steve Rogers tiene que viajar por todo el mundo para encontrar a 4 personas superdotadas cuyas habilidades son claves en todo lo que está por venir. Así tenemos viajes a Chile, Londres y Chicago antes del combate final en Nueva York. Y lo que es una historia interesante con unos nuevos personajes que se intuía que podrían dar mucho juego en el futuro de la colección ha quedado cortado de raiz de forma para mi incomprensible.

Straczynski es un escritor super veterano, y me resisto a pensar que la historia publicada por Marvel fuera la que él pensó inicialmente. Porque lo que empieza como la presentación de una nueva faceta del universo Marvel con personajes ambiguos e interesantes ha quedado en nada con dos últimos números imposibles de calificar que terminan con la desaparición del Cabaret y todos sus ocupantes, de facto todo lo novedoso que el guionista presentó en su etapa. El papel de la traidora, la ambigüedad de Piélez o incluso la posibilidad que los planes de Lyra pudieran provocar situaciones que fueran incómodas para Steve se fueron al traste. Un arco que hubiera podido llegar hasta el número 20 USA ha terminado de mala manera en su número 13. Y no lo entiendo.

En la parte positiva, si algo ha quedado claro es que Straczynski conoce a la perfección a Steve Rogers / Capitán América, y sabe presentar dilemas morales interesantes para Steve que resolverá siempre de la manera correcta. El combate final de Steve contra MUERTE en el que renuncia a un final feliz alejado de la guerra para ponerse delante de un enemigo invencible, con el único plan de dar tiempo a sus protegidos para que puedan ponerse a salvo, me parece un momento muy puro que deja clara la naturaleza heroica de Capitán América y cómo pone siempre su vida al servicio de los demás.

Estoy pensando todo el rato que ha sido Marvel la que ha recortado la etapa de Straczynski en esta colección. La idea de un Cabaret de artistas y seres extraordinarios en un plano adyacente de la realidad y tener a la VIDA y la MUERTE peleando por el destino del mundo ha podido ser una temática que no le ha funcionado a Marvel. Quien sabe si esta opinión se vio confirmada por una caída de ventas abrupta que puso en pánico a los editores.

En ese sentido, tras el coutus-interruptus del final de este arco, aún quedan tres números guionizados por Straczynski, en los que reunirá a Steve con sus dos personajes fetiches de Marvel: Spiderman y Thor. Un team-up que claramente es más del agrado de Marvel respecto a lo que estaba haciendo con el Cabaret. Y que seguro provocan el aumento puntual de las ventas.

Pero también es posible que sea Straczynski el que no haya estado a gusto en Marvel, igual su trato con su editor provocó algún desencuentro, y haya decidido acortar su trabajo en esta colección. Es posible que sea el caso, no lo se. Pero en realidad eso chocaría con que aún se quede tres números más para el team-up. Si estás desagusto, abandonas el comic inmediatamente, no lo haces en diferido dentro de unos meses. Por eso no me cuadra.

En cualquier caso, ya sea por un motivo u otro, el resultado es que un comic que empecé a comprar con muchas ganas se ha ido al traste de una forma lamentable en dos meses. Igual en menos tiempo.

Otra muestra de la pérdida de interés de Marvel en esta colección viene del hecho que Marvel separó a Jesús Saiz, el artista oficial de Capitán América, de esta colección quedando apenas un número para terminar este arco. Esto en todo caso me parece una enorme falta de respeto por parte de Marvel hacia sus clientes, los lectores compradores. Y también hacia la propia colección y su guionista. Saiz, con el color de Matt Hollingsworth, es un artista que siempre me ha gustado. El diseño de los nuevos personajes me parece que está muy guay, y su narrativa siempre muestra la acción de la forma más clara posible, lo que hace que sus comics sean un placer de leer. Con Saiz dibujando un comic, es difícil que le pueda poner un pero al apartado artístico.

El sustituto de Saiz para el último número es Carlos Magno, con color de Espen Grundetjern. Magno dibujó los números 7 y 8 de esta colección y me parece un buen dibujante con un estilo adecuado para un comic del Capitán América. En esa parte no tengo queja. El problema es la falta de respeto de Marvel al quitar al artista oficial de una colección a falta de una grapa para terminar el arco en curso. La primera señal de que una colección está en peligro viene cuando Marvel quita a los dibujantes «buenos» para no quemarlos en comics que no lee nadie o que están a punto de ser cancelados. Y este cambio de Saiz realmente me ha molestado desde todos los punto de vista posibles.

Otro problema que le veo a estos comics viene de las portadas de Taurin Clarke para los números 10 a 13. Cuando veo la portada del número 9 de Jesús Saiz, veo una pose icónica del Capitán América que me resulta super potente. Incluso cuando le vemos de espalda. Sin embargo, veo las otras cuatro portadas y no qué nos quiere contar, ni desde luego por qué este comic es especial y debería pagar por leerlo. Las librerías están tan abarrotadas que a menudo las editoriales buscan ilustradores que llamen la atención con imágenes poco convencionales. Pero en el caso de Clarke, veo un artista que no tiene clara la primera convención del género, y es que la portada debe provocar que el lector quiera comprar este ejemplar. Ver al Capitán América leyendo unos expedientes es lo contrario a esto. Aunque las cuatro portadas me parecen flojas, quizá la mejor sea la del número 11 con Steve dirigiéndose hacia ese ser de luz. Pero las portadas del número 12 y 13 me parecen especialmente malas. ¿Quién es ese ser en segundo plano del número 12? Da igual. ¿Qué sensación de peligro da? Ninguna. Y lo mismo para la flojísima portada del número 13 en la que ni siquiera es capaz de mostrar a estos personajes en una pose dinámica. Aparte, de nuevo, con la incorporación de personas en segundo plano que no se sabe quien son y no aportan nada. Si acaso, añadiendo una sensación estática a una imagen realmente floja. Acepto que el gusto es particular de cada uno, pero no entiendo que un editor de Marvel vea estas portadas y crea que son adecuadas para un comic Marvel. Me resulta incomprensible.

Me he llevado un buen chasco con el final abrupto de la etapa de J. Michael Straczynski. Este no-final ha sido tan decepcionante que me sabe mal haber comprado este comic. Y vais a pensar que estoy un poco tonto, pero a pesar de todo quiero comprar los 3 últimos números para ver qué plantea el guionista para el Capi, Thor y Spiderman, y tener completa esta corta etapa de Capitán América. Espero que al menos estos tres últimos números consigan dejarme con buen sabor de boca. Porque este número 16 desde luego no lo ha conseguido.

Comparto las primeras páginas del número 9 de la edición de Panini:

Me sabe muy mal la forma en que Marvel ha cortado este arco de J. Michael Straczynski y nos han dejado compuestos y sin historia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de La Guerra de Veneno 1 de Al Ewing e Iban Coello (Marvel Comics – Panini)

La actual etapa de Veneno de Al Ewing parece que llega a su punto culminante con La Guerra de Veneno, la miniserie-evento de Ewing, el español Iban Coello y Frank D´Armata en el color que parece que va a enfrentar a Eddie Brocl contra su hijo Dylan por el control del simbionte Veneno.

PUNTUACIÓN: 6/10

El simbionte de Veneno se ha ligado a Eddie Brock y a su hijo Dylan en diferentes momentos. Ahora, ambos Brock entran en colisión por el nombre de Veneno. El choque de padre contra hijo amenaza con romper su mundo en pedazos. Al Ewing Iban Coello narran la batalla de simbiontes que no esperabas.

Este primer número de la edición de Panini incluye FCBD 2024 Spider-Man/Ultimate Universe y Venom War 1 USA.

Empecé con muchas ganas con la actual etapa de Veneno de Al Ewing, en la que planteaba dos narrativas diferentes con dos protagonistas, Eddie Brock y su hijo Dylan. Pero tengo que reconocer que el paso de los meses y del alargamiento de estas tramas paralelas me han dejado bastante desencantado con este comic. Llega ahora este evento La Guerra de Veneno que se supone que va a cerrar estos casi tres años de historias.

Y empezando por los elementos positivos de este primer número de la miniserie, dentro que tenemos un enoooooorme número expositivo, Al Ewing se las apaña para contar los aspectos principales de su arco actual y la historia del simbionte Veneno, para que posibles lectores que no hayan comprado su comic puedan ponerse al día y no sentirse perdidos a la hora de leer esta miniserie. El comic está dibujado por el estupendo Iban Coello con color del veterano Frank D´Armata. Y por la parte del dibujo el comic luce estupendo, a pesar de toda la plancha expositiva que tenemos a lo largo del comic.

Esta miniserie La Guerra de Veneno van a ser 5 números publicados por Panini con ritmo mensual entre enero y mayo. Y aparte de la miniserie, Marvel ha planteado esta guerra de simbiontes como un evento de la franquicia arácnida de Marvel, con múltiples especiales y miniseries adicionales. Leyendo en el Spot-On, Julián Clemente comenta que Al Ewing ha planteado su historia de forma que pueda ser entendida perfectamente únicamente leyendo esta miniserie. El resto de comics pueden ampliar la escala del evento, pero no son imprescindibles. Y esto creo que es un acierto total, porque viendo que los tie-ins del evento de la colección de Veneno van a estar escritos por Torunn Grønbekk, creo que es mejor si me los puedo ahorrar.

En la parte negativa, dentro de pensar que estamos ante un buen comic de inicio de evento, la verdad es que no he conectado con varias partes de la historia de Ewing, empezando en situar la acción en medio de un combate de WWE, con personajes de cuarta categoría desconocidos que no suponen ni media amenaza para Eddie Block. La forma en Eddie que tortura y destroza a varios de esos villanos le pone casi en el lado de los villanos. Los verdaderos villanos de Roxxon tienen planes que seguro que van a arruinar los intentos de acercamiento entre el bando de Eddie y el de Dylan, con Peter Parker situado en medio intentando mediar para que haya paz. Estando como estamos en un comic Marvel, ya sabemos que Peter no va a tener éxito y al menos en el próximo número tendremos enfrentamiento entre simbiontes antes que tengan que unirse contra el enemigo común.

La lucha libre parece que está de moda en el mundo del comic desde que Daniel Warren Johnson nos volara la cabeza a los lectores con esa maravilla que es Do a powerbomb. Pero que Ewing sitúe la acción en un ring es un elemento un poco ridículo que no ayuda a que entre en lo que nos quiere contar. Aparte, este evento pone de manifiesto un problema recurrente de muchos comics Marvel. En el momento en el que Marvel hace que hayan muchos personajes con las mismas habilidades, le están quitando a los protagonistas aquello que les hace grandes en primer lugar. Si es problemático ver a Eddie con las diferentes versiones de si mismo de la corriente temporal, ver a los simbiontes amigos de Dylan refuerza la idea de personajes redundantes y repetitivos.

Voy a comprar esta miniserie de La Guerra de Veneno, pero en realidad es mi plataforma de salida de la colección de Veneno. Al Ewing tiene una forma de escribir que me parece lo contrario a entretenida, y ha quemado todo el interés que hubiera podido tener por el personaje. Por cualquiera de los dos protagonistas de la familia Brock. Me sabe mal porque son ya varios años comprando ininterrumpidamente Veneno, pero Ewing no es un escritor que tenga nada que me interese leer. Espero que al menos este evento esté entretenido, dentro que sólo voy a comprar esta miniserie, y consiga darnos un buen final.

Comparto las primeras páginas del comic:

La Guerra de Veneno arranca de forma correcta explicando las apuestas del juego para cada bando, pero mostrando el agotamiento que sufre la actual historia de Ewing.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Conan El Cimmerio 6: Sombras de hierro a la luz de la luna de Virginie Augustin (Planeta Comic)

Sexto volumen de la edición de Planeta Cómic de las aventuras de Conan El Cimmerio publicadas por Glénat. Sombras de hierro a la luz de la luna de Virginie Augustin me parece un comic que resume muy bien los temas y el impacto que convirtieron al personaje creado por Robert E. Howard en un icono.

PUNTUACIÓN: 8/10

Sombras de hierro a la luz de la luna es la historia de una doble huida: la de Conan y Olivia escapando del continente (es decir, de la civilización, oriental en este caso) para terminar en una isla que, de hecho, es una enorme trampa en la que se enfrentarán a tres amenazas habituales en las regiones salvajes de la Era Hiboria: lo sobrenatural (las estatuas), los humanos semibárbaros que se ganan la vida con la espada (los piraras) y lo animal (el simio).

Robert E. Howard (Texas, 1906-1936) escribió decenas de relatos que vieron la luz en la revista Weird Tales, donde publicaban H. P. Lovecraft o Clark Ashton Smith. Su héroe más popular, Conan, generó una larga colección de cómics y adaptaciones cinematográficas. Además de fantasía, redactó historias de boxeo, al que era muy aficionado, aventuras orientales y del Oeste.

Virginie Augustin (Chatou, 1973) es una veterana que acumula ya dos décadas de carrera en la BD y varios años previos de experiencia en animación. En España, hemos podido ver su trabajo en Alim el curtidor, con Wilfrid Lupano; Whaligoë, con Yann Le Pennetier; Las 40 elefantas, con Kid Toussaint, o Allí donde nacen las historias, la aventura de Valerian que realizó junto a Pierre Christin.

Sombras de hierro a la luz de la luna me parece un relato modélico que explica muchas de las claves de la obra de Robert E. Howard. Empezando por un Conan que está escapando tras haber sido masacrado el ejército donde él prestaba sus servicios, encontrándose en un pantano. Su rescate de la joven Olivia resalta el contraste entre un mundo «civilizado» en el que los padres venden como esclavas a sus hijas, frente a un salvaje como Conan que jamás haría algo así. Luego, la aventura que vivirán ambos les llevará a una isla con una triple amenaza, que también resume los diferentes tipos de enemigos a los que se ha enfrentado Conan. Una amenaza mágica, de un animal salvaje gigante, y por supuesto la de unos piratas. Por cierto, que Olivia tome un papel proactivo para ayudar a Conan convierte al personaje en mucho más que la clásica damisela en apuros que era tan habitual en las obras de esos años, siendo por tanto un elemento en el que Howard se adelantó a su tiempo. El final en positivo de esta historia resalta la naturaleza indómita de Conan y cómo al final, su fuerza y astucia consiguen su supervivencia. En este caso con un premio añadido, al decidir Olivia compartir aventuras con él.

Este comic es la primera obra que compro / leo de Virginie Augustin y la verdad es que me ha gustado mucho su estilo de dibujo y su narrativa. Augustin dibuja a un Conan muy clásico, muy Buscema, un salvaje en plenitud física que es una fuerza de la naturaleza. Su Olivia es una joven bella y voluptuosa que es normal que centre la atención de Conan. Y su naturaleza está llena de peligros, transmitiendo el feeling correcto que se le supone a una historia de Conan. Los momentos de acción están muy bien resueltos, consiguiendo que la lectura de este comic fuera un placer y un suspiro. En lo relativo a este comic, creo que Virginie Augustin lo hace todo bien.

Otra cosa que me gusta mucho de la edición de Planeta de este Conan El Cimmerio son los textos que incluye el comic. Unos textos que dan contexto a la creación original de Howard y que me parecen siempre super interesantes. Estos álbumes de Planeta me parece que son una pasada imprescindibles para todos los amantes de Conan y de la obra de Howard. Y tras este volumen, siento que debo comprar lo antes posible el siguiente, que nos trae la adaptación del clásico relato «Clavos Rojos». Sin duda, estamos en un buen momento para ser fan de Conan.

Comparto las primeras páginas del comic:

Sombras de hierro a la luz de la luna me ha parecido un maravilloso relato de Conan, realizado por una autora que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 8/10

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