Crítica de Blood train de Adam Glass y Bernard Chang (Image Comics)

Tras leer el primer numero de nuevo sello Ninth Circle de Garth Ennis y Mike Perkins, Freddie The Fix, he comprado Blood train, el segundo one-shot creado por Adam Glass (Supernatural) y Bernard Chang (Deadpool, Superman).

PUNTUACIÓN: 7/10

28 días después se encuentra con Las ruinas en esta historia de terror de alto riesgo.

Después de recorrer Asia como mochileros, un grupo de amigos sube a bordo del Expreso de Siberia para emprender el viaje de vuelta a casa. Lo que no saben es que han comprado un billete de ida al infierno, ya que uno de ellos ha sido infectado con un arma biológica que lo convertirá en un monstruo que masacrará a todos los que viajen en el tren. Y el arma biológica iniciará la Tercera Guerra Mundial si llega a su destino en Europa. Ahora, estos amigos deben tomar una difícil decisión: matar a alguien a quien aman para salvar el mundo o morir en el intento.

De NINTH CIRCLE, que te trae cada mes el MEJOR terror de la mano de los mejores creativos de la industria. NOTA: este one-shot estará perfectamente encuadernado, tendrá un tamaño de revista (8,5 x 10,875) y una cubierta de cartulina.

Ninth Circle es una nueva editorial cofundada por el veterano escritor Garth Ennis (Preacher, The Boys, Punisher), Marguerite Bennett (DC’s Bombshells, Animosity), Joe Pruett (Negative Burn, Cable),  Ram V (The Many Deaths of Laila Starr, Detective Comics, The Swamp Thing), y Adam Glass, showrunner y productor ejecutivo de Hollywood (The Equalizer, Supernatural, The Chi) y novelista gráfico (Suicide Squad, Deadpool, Luke Cage, Teen Titans). El principal inversor de Ninth Circle es Kimberly Steward (productor de Manchester frente al mar, Suspiria), y su productora K Period Media se asociará con Ninth Circle para producir determinados títulos.

Inspirándose en Dante, que creó nueve círculos del Infierno en Inferno, Ninth Circle se propone redefinir la narrativa de género combinando la creatividad visionaria y la experiencia de estos narradores de increíble talento. Sin capas, sin mallas y sin romance (a menos, por supuesto, que ese romance incluya asesinatos, sangre y caos). Adam Glass, guionista de Blood train nos cuenta que «Ninth Circle trata de abrazar el género de terror en todas sus formas. Con la incomparable habilidad de Garth para crear mundos inolvidables; el atrevido ojo de Ram, Marguerite y Joe para traspasar los límites del medio; y mi propia experiencia en la narración a través de múltiples medios, estamos impacientes por compartir estas historias con los fans.»

Ninth Circle se lanzará como un sello de Image Comics. A partir de diciembre cuando se publiquen Freddie the Fix y Blood train, los planes de la editorial pasan por publicar cada mes varios especiales independientes entre si con principio, nudo y desenlace. Como empresa fundada por artistas para artistas, Ninth Circle pretende ser un hogar (o quizá una casa encantada) para todos los artistas; un centro creativo donde escritores y artistas consagrados y prometedores puedan poner a prueba su imaginación para ofrecer al público relatos nuevos, emocionantes y terroríficos.

Blood train es un buen comic que me ha recordado sobre todo a Train to Busan en la parte de tener un monstruo en un espacio cerrado como es un tren lleno de pasajeros que son víctimas propiciatorias. Adam Glass escribe el guión a partir de una historia suya y de Andrew Dabb, y presenta a un grupo de 5 amigos viajando por el mundo en tren, que en la última etapa de su viaje en el Transiberiano se verán envueltos en una pesadilla. La historia da los detalles justos para que empaticemos con los protagonistas, sobre todo las jóvenes Amy y Kara. Los otros tres jóvenes, Stevie, Diego y Ryan, el alocado hermano de Kara, tienen menos protagonismo pero también tienen su momento a lo largo de la historia.

Blood train me parece una historia modélica que todo lo hace bien. En la caracterización, el ritmo, las sorpresas y sobre todo, los momentos gores cuando el virus eclosione y comience el infierno entre los viajeros. Dado que tenemos siempre el punto de vista de los jóvenes, tiene sentido que no sepamos el motivo detrás de que alguien quiera que ese virus terrible se extienda en el tren, o que los soldados rusos sepan del mismo y lleguen al tren para acabar con el virus y con todo el que entre en contacto con él. Esos detalles y otros como que el silbido del tren afecte al monstruo no se sabe por qué, sumado la sorpresa final que es impactante pero un poco tramposo, hace que la historia esté bien pero no sea una pasada.

En la parte del dibujo me pasa un poco lo mismo. Creo que Bernard Chang es un buen dibujante que hace un trabajo estupendo con el diseño de los personajes, consiguiendo que sean reconocibles en todo momento. Además la creación del monstruo de aspecto impactante y peligroso me parece también un acierto. Chang dibuja y colorea el comic, ayudado en el color por Nelson Zorzetto y Ace Dibbs. Y creo que es un buen comic bien dibujado, pero al mismo tiempo igual los momentos gores hubieran podido ser mucho más impactantes y sangrientos, algo en lo que el color no ayuda a vender el terror y el salvajismo.

Quizá por ponerle un pero, este one-shot casi parece un storyboard para poder vender la historia para Hollywood. De hecho, pensar que el principal inversor de Ninth Circle es un productor de Hollywood sin duda muestra la clave para la creación de este sello. Y que quede claro que todo lo que signifique que los autores cobren más y tengan más ingresos me parece genial. Pero al mismo tiempo, creo que el comic podría haber sido mucho más over-the-top de lo que es si no hubieran querido mantenerlo en un tono ¿realista? ¿barato? de cara a la adaptación cinematográfica. Dentro de tener un virus que convierte a jóvenes en maquinas de matar casi inmortales.

De hecho, tras leer los dos one-shots publicados por Ninth Circle, me sabe mal tener que decir que producir comics «correctos» en realidad no es suficiente para que esta editorial pueda tener un futuro viable en el mundo del cómic. En ese sentido, el propio concepto de one-shot provoca que la historia sea correcta pero su duración sea demasiado justa, no habiendo espacio para desarrollar realmente nada. Para ser una historia tipo Train to Busan, los momentos gores son demasiado cortos para lo que se esperaría en un comic de este tipo. En todo caso, con vender un par de comics a Hollywood seguro que la editorial habrá cumplido su objetivo, económicamente hablando. Y me sabe mal que siendo un buen comic, siento que este Blood train podría haber estado mucho mejor.

Comparto las primeras páginas del comic:

Blood train podía haber resultado mucho más divertido de los que lo ha sido debido a un dibujo con el que no he conectado y creo que no era del todo adecuado.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Guerra de Veneno 3 de Al Ewing e Iban Coello (Marvel Comics – Panini)

Llegamos al ecuador de la miniserie evento Guerra de Veneno, realizado por Al Ewing, Iban Coello, Carlos Nieto y color de Frank D´Armata.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¡Una guerra a tres bandas por el simbionte! Eddie Brock. Dylan Brock. Peter Parker. ¿Quién será el anfitrión definitivo del simbionte? Si gana la opción equivocada, sería un desastre para el mundo. ¿Quién puede salvarnos a todos? ¡La dirección de la guerra cambia, después de que uno de ellos sea eliminado de la ecuación!

Este número contiene Venom War 3 USA.

La etapa actual de Veneno de Al Ewing ha sido una historia río super compleja. Y este episodio es un ejemplo perfecto, al confluir al mismo tiempo varias de las tramas abiertas de la colección, como son la intervención de Doctor Muerte y de Kang. De momento la historia se ha centrado en los tres héroes que deben dirimir sus diferencias antes de que lleguen los villanos Matanza y Meridius. Por un lado tenemos a Spiderman llevando de nuevo al simbionte Veneno. Luego tenemos a Eddie Brock con su versión futura de Locura, y su hijo Dylan con Durmiente y Flexo. El comic tiene varios momentazos que consiguen que la lectura sea satisfactoria. Dejándome además en todo lo alto de cara al cuarto número de este evento.

Hablo de EVENTO, pero en realidad la publicación de Panini nos está robando esta sensación al no publicarse al mismo tiempo que estas grapas ninguno de los tie-ins. Sin ir más lejos, tras plantear la lucha de un Flexon controlado or Doctor Muerte contra el simbionte del Duende Rojo controlado por Kang va a dilucidarse en un tie-in que no se podrá leer hasta dentro de unos meses. Y lo mismo podemos decir del comic central de Veneno y del resto de especiales. No es que eso hace que este comic sea más o menos disfrutable, pero si es reseñable que Marvel en realidad vive del efecto en las ventas que provocan los eventos.

Junto a una buena historia de Ewing hay que reconocer que tener a Iban Coella dibujando este comic hace que todo luzca de maravilla y la lectura sea un placer. El comic es ante todo un medio visual, y Coello es un seguro de vida ahora mismo. Por la parte del dibujo, todo está muy bien.

No se si es algo malo, pero si es interesante comentar la extrañeza ante el hecho de tener un evento de Veneno en el que los teóricos villanos Matanza y Meridius apenas han hecho acto de presencia. Además, se supone que una parte importante del evento es asistir al plan de Meridius de liberar una horda de seres medio zombis medio simbiontes sobre la ciudad de Nueva York y amenazando con transformar a héroes, villanos e inocentes en sus sirvientes sedientos de sangre. En realidad eso es algo que no hemos visto tampoco apenas en la serie principal y entiendo que se queda para los tie-ins del evento sobre los que comentaba antes que NO estamos pudiendo leer al mismo tiempo. Pensando que quedan apenas dos números de esta miniserie, va a ser difícil que pueda ser un factor decisivo de cara al final. De hecho, tener un montón de gente «zombificada» por Meridius en el cuarto número para que sean liberados en el quinto creo que puede ser demasiado poco, demasiado tarde. Pero esto será un problema para el mes que viene, porque reconozco que este número de Guerra de Veneno me ha gustado.

Comparto las primeras páginas del comic:

Guerra de Veneno 3 me ha gustado mucho más que el número anterior, aunque aún estamos huérfanos de los que se supone son los villanos de este evento. Entiendo que las cosas se activarán en el próximo número .

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Mickey 17 de Bong Joon-ho

Tenía muchas ganas de ver Mickey 17, la nueva película de Bong Joon-ho (Parásitos, The host) protagonizada por Robert Pattison. Y no ha decepcionado para nada.

PUNTUACIÓN: 8/10

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. Adaptación del libro original de Edward Ashton. (FILMAFFINITY)

Bong Joon-ho (Daegu, Corea del Sur, 1969) es un cineasta surcoreano. Ganador de tres Oscar, su obra se caracteriza por el énfasis en temas sociales y de clase, la mezcla de géneros, la comedia negra y los cambios bruscos de tono. Bong se dio a conocer al público y ganó seguidores de culto con su debut como director de largometrajes, la comedia negra Barking Dogs Never Bite (2000). Posteriormente logró un gran éxito de crítica con sus siguientes películas: el thriller policíaco Memories of Murder (2003), la película de monstruos The Host (2006), la película de acción y ciencia ficción Snowpiercer (2013), que supuso el debut de Bong en lengua inglesa, y Parasitos (2019), gran ganadora de los Oscars. Todas las películas de Bong han sido producciones surcoreanas, aunque Snowpiercer, Okja (2017) y Mickey 17 (2025) son coproducciones de Hollywood.

Mickey 17 es una película escrita y dirigida por Bong Joon-ho, adaptando la novela Mickey 7 de Edward Ashton. La película de 137 minutos de duración ha contado con un presupuesto de casi 120 millones. La película se rodó en los estudios de Warner Bros en Inglaterra, y ha contado con fotografía de Darius Khondji, montaje de Yang Jin-mo y música de Jung Jae-il.

En el reparto tenemos a Robert Pattinson como Mickey Barnes / Mickey 17 , un empleado prescindible en Niflheim en su decimoséptima iteración. Naomi Ackie es Nasha Barridge, una agente de seguridad e interés amoroso de Mickey, Steven Yeun es Timo, un piloto y amigo de la infancia de Mickey que siempre se ha aprovechado de él. Mark Ruffalo como Kenneth Marshall, un político ególatra con siniestros designios para Niflheim y Toni Collette como Ylfa Marshall, la enrevesada y controladora esposa de Kenneth Marshall completan el raparto en sus papeles principales.

Da gusto ver una película tan diferente, tan inesperada, tan divertida, tan inteligente. Mickey 17 me ha encantado. Es una ciancia ficción estupenda con una estupenda crítica social y hacia los extremismos religiosos. La película arranca desde la comedia negra negrísima cuando aprendemos cómo Mickey es un prescindible, una persona que ha firmado para que le clonen con una tecnología prohibida en la Tierra, de forma que los mandos de la expedición al planeta Niflheim le usan como cobaya y para realizar los trabajos más penosos y peligrosos. Cada vez que muere, es clonado con una nueva versión, de ahí el nombre de la película Mickey 17. Esta película es la típica que cuanto menos sepas de la película, mejor. Y no es que esta sea una película de «sorpresa», pero si creo que cuando hay una historia tan imaginativa, se disfruta mucho más cuando descubres todo al ritmo que el director ha planteado.

Hay que quitarse el sombrero con la carrera de Robert Pattinson. Da la sensación que busca tan claramente alejarse de la imagen de galán / actor atractivo, que busca papeles que me muestren de formas menos favorecedoras. Y es que este Mickey es un chaval con bastantes pocas luces que no se da cuenta que su «amigo» en realidad es un egoista que se aprovecha de él todo lo que puede. La película le permite a Pattinson hacer un despliegue interpretativo gracias a las diferentes versiones que veremos a lo largo de la película.

La única alegría de Mickey viene de su novia, la agente de seguridad Nasha Barridge. Junto a Pattinson, tenemos a unos Mark Ruffalo y Toni Collette lanzados con unos papales pensados para criticar a los líderes mesiánicos cuasi-religiosos, planteando un over-the-top en la creación de unos villanos penosos. Algo que está por supuesto es la idea de Bong Joon-ho

La llegada al planeta Niflheim plantea una situación típica de ciencia ficción al encontrarnos que el planeta está habitado por unos seres muy diferentes de los humanos. El crossover de géneros es constante y ayuda a que el visionado fuera super satisfactorio. La sensación de no saber qué va a suceder es uno de los grandes éxitos de una película. De hecho, la película tiene un claro elemento woke al hacer que los «malos» extremistas religiosos sean blancos, mientras que las soluciones las den personajes diversos. Sin embargo, en realidad es algo que no molesta al ser una historia tan entretenida e inesperada.

Me encanta que las películas no me lo den todo mascado, y creo que Mickey 17 es una película perfecta para los espectadores que queremos que nos entretengan, pero también que sea una historia interesante que contenga un mensaje inteligente que no me lo restrieguen por la cara como los muchos panfletos que también pueblas la cartelera y las cadenas de streaming. Si queréis pasar un gran rato en el cine, os la recomiendo.

Comparto el trailer de la película:

Me encanta ver una película tan inesperada, sorprendente e inteligente como ha sido esta Mickey 17. Ojalá muchas más películas así.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Invencible 3×07 (Prime Video)

La tercera temporada de Invencible estaba siendo buena, pero el séptimo episodio emitido esta semana marcará la serie a partir de ahora. Ha sido increíble.

PUNTUACIÓN: 9/10

Episodio 7. ¿Qué he hecho?

Los héroes más poderosos de la Tierra unen sus fuerzas para luchas contra una amenaza inimaginable.

Episodio de 51 minutos dirigido por Haylee Herrick con guion del mismísimo Robert Kirkman, con Simon Racioppa como showrunner.  La serie de animación adapta el exitosos comic creado por Robert Kirkman, Ryan Ottley y Cory Walker.

En las voces tenemos como siempre a Steven Yeun (Mark Grayson/Invencible), J.K. Simmons (Nolan Grayson/Omni-Man), Sandra Oh (Debbie Grayson), Zazie Beetz (Amber Bennett), Gillian Jacobs (Atom Eve), Walton Goggins (Cecil Stedman ), Andrew Rannells (William Clockwell), Jason Mantzoukas (Rex Splode), Mark Hamill (Art Rosenbaum), Khary Payton (Black Samson), Malese Jow (Dupli-Kate), Kevin Michael Richardson (The Mauler Twins), Seth Rogen (Allen the Alien), Mahershala Ali (Titan), Chris Diamantopoulos (Doc Seismic) y Sterling K. Brown (Angstrom Levy).

Tras todos los momentazos que hemos disfrutado esta temporada, llegamos a este séptimo episodio y de forma increíble consigue que lo que estaba siendo notable se convierta en sobresaliente. En los comics Robert Kirkman planteó la Guerra de Invencible como uno de esos experimentos que de vez en cuando lanzaba en su colección, planteando lo que sería un evento alucinante en cualquier colección una historia contada en un único número especial. Un número en el que además contó con múltiples invitados especiales de Image comics.

Cuando ha llegado esta historia a la serie de televisión descubrimos que Armstrong Levy, al que Mark realmente no asesinó la temporada anterior. La venganza de Levy pasa por buscar a versiones alternativas malvadas de Marc de otras realidades y lanzarles a la Tierra de Marc para destruirla. Lo que significaría la venganza definitiva contra él. Y el ataque de estos Invencibles malvados es devastador.

Durante las reseñas de los diferentes capítulos he ido comentando que la serie de televisión está superando al comic en lo fundamental, que es en dar espacio a que los sucesos impacten de la forma que las limitadas páginas del comic nunca pudo. Y este episodio es un gran ejemplo. Los ataques de los Invencibles malvados son tremendos, y lo que en el comic veíamos en apenas una viñeta en este episodio podemos verlo en toda su escala y todo su dramatismo. Los combates de los héroes de la Tierra son super desiguales y en su mayoría están condenados, incluso a pesar de que estos Invencibles malvados no son tan fuertes como nuestro Marc. Y el episodio nos da momentos super dramáticos. La escena en la que varias versiones malvadas permanecen sobre las ruinas de varias capitales del mundo es terrorífica. Lo que fue una idea simpática del comic se convierte en uno de los momentos más dramáticos gracias al espacio que el formato televisivo permite a cada uno de los episodios. Un episodio que además vuelve a contar una historia completa.

Otro de los puntos fuertes de la serie de televisión es el buen uso de los personajes secundarios. Por supuesto Atom Eve es un amor y tiene la escala de poder para mirar de tu a tu a su novio Marc. Verla herida de gravedad es un momento super doloroso, pero nada nos preparó para el final de Rex Explode. Me encantaba su caracterización en la serie y cómo a pesar de ser un sobrado, tenía el corazón en el sitio correcto porque todo lo que quería era ser un héroe. Su relación con Shrinking Rae fue un encanto y verle sacrificarse para que sus amigos sobrevivan va a ser uno de los momentazos de una serie en la que todo son momentazos. Qué final. Y qué seriaza es Invencible.

El final del episodio nos deja otro de los grandes momentos del comic, con la llegada a la Tierra de Conquest, uno de los Viltrumitas más poderosos que llega al planeta para disciplinar a Marc en el momento en el que más bajo se encuentra. Si este episodio ha sido bestial, tengo claro que el climax de la temporada va a ser monumental. Todo lo bueno que era el comic, la serie de televisión la está superando en cada episodio.

Comparto el trailer de la tercera temporada:

Invencible está haciendo historia televisiva. Y este séptimo episodio va a quedar como uno de los mejores momentos.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Conan The Barbarian 17-18 de Jim Zub y Danica Brine (Titan Comics)

Tras el evento Conan: Battle of the Black Stone, la colección Conan The Barbarian nos trae un arco de dos números en los números 17 y 18 en el que Jim Zub viene acompañado por la dibujante invitada Danica Brine, con Joao Canola en el color. Una historia que sirve de preludio de la siguiente gran amenaza para el cimmerio.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

¡COMIENZA EL NUEVO ARCO ARGUMENTAL DE CONAN EL BÁRBARO!

Conan el Cimmerio y Bêlit, Reina Pirata de la Costa Negra, están en la flor de la vida, disfrutando de una vida de decadencia y libertinaje, pero un flagrante destello de riqueza atrae la atención de ladrones con gusto por el peligro y agentes de Estigia en una oscura misión para su dios serpiente.

Jim Zub continúa en esta historia en dos números con las claves que hemos tenido durante el año y medio previo como guionista de Conan The Barbarian. Sus historias pueden leerse de forma independiente, ofreciendo historias con principios y finales más o menos satisfactorios (a nivel general, luego entro a este arco concreto), que sirve además para construir la que entiendo va a ser la gran historia del segundo / tercer año de la colección. Si en el primer año los tres primeros arcos de alguna manera construyeron la narrativa que culminaría en el evento Conan: Battle of The Black Stone, en este arco tenemos una primera aventura enfrentando a Conan y a Bêlit contra guerreros estigios adoradores del dios Serpiente. Estoy seguro que el próximo arco estará ambientado en otro momento temporal de Conan y le volverá a enfrentarle con otro servidor de la Serpiente, pero que no será el sumo Sacerdote o el mago ¿Toth Amon? al que no veremos hasta el arco final de esta historia-río. Y tengo que reconocer que me gusta la planificación de Zub y sus planes a medio y largo plazo.

En lo relativo a esta historia, tengo que reconocer que NO he conectado con algunas cosas, empezando por el inadecuado dibujo de Dánica Brine, del que luego comentaré. Volviendo a la historia, Conan no es especialmente protagonista en este arco, siendo herido en el combate final y teniendo que ser salvado por Bêlit. Y acepto que con ella en el comic el protagonismo debe ser compartido, pero no hasta el punto de desnaturalizar al Cimmerio. De hecho, que Conan sea herido de bastante gravedad con un arma mágica y que no tenga relevancia a continuación me parece un recurso un poco tramposo que ayuda a una sensación poco satisfactoria. De hecho, incluso pensando que la ladrona Tarnasha que les acompaña en este arco volverá a aparecer en el futuro, su no final es otro de los elementos que explican la sensación un poco negativa que me ha dejado este comic.

La historia de Jim Zub está así así, pero creo que tengo un problema muy grande con el estilo de la dibujante invitada Danica Brine. Y es que su estilo «bonito» es totalmente INADECUADO para un comic de Conan The Barbarian. Hasta el punto que creo que es el primer gran fallo de los editores de Titan Comics. No había leído nada de Brine antes de estas grapas y no creo que compre nada suyo en el futuro. La sensación que tengo es que los editores han buscado una dibujante de comics de romance o de temática femenina para intentar captar a un posible público femenino aprovechando el gancho de tener una historia de amor de Conan y Bêlit. Pero la realidad es que ¡Una chica no va a comprar un comic de Conan aunque lo dibuje una mujer!! Y para captar a alguien que no existe han dado el dibujo de este arco a una dibujante que no está al nivel que los lectores compradores fans de Conan demandamos en esta colección.

Brine tiene un dibujo «cuqui» que dibuja muy guapos y atractivos a Conan y Bêlit, esmerándose en detalles de vestuario que no son necesarios, y fallando terriblemente en las escenas de acción, en crear un ritmo que haga atractiva la lectura, y en general a la hora de plantear personalidades a los personajes femeninos. Por ejemplo, la ladrona Tarnasha aparte del pelo corto podría ser la hermana gemela de Bêlit, porque Brine las dibuja igual. Además, cuando llegue el momento sobrenatural con los servidores de la serpiente, Brine fracasa estrepitosamente planteando un villano que parezca que puede ser un rival físico para Conan, incluso a pesar que la historia de Zub hace que lo sea. El dibujo de estos dos números me parece muy flojo, y lo que es peor totalmente inadecuado con lo que se espera que tiene que ser un comic de Conan.

Dibujos como el de Brine es lo que hace que deje de comprar colecciones. Esto resulta doblemente sangrante si pensamos que está colección de Conan se supone que ya tenía dos dibujantes talentosos dibujando arcos alternos, el alumno aventajado de John Buscema Rob de la Torre y el formalmente impecable pero menos brillante Doug Braithwaite. De hecho, compruebo que las siguientes grapas las dibuja Braithwaite, lo que me hace temer por si De la Torre podría haber abandonado la colección. Esto sería una gran pérdida, la verdad. Ojalá sea una situación puntual y el siguiente arco ya tengamos al español. De momento estoy muy ilusionado con Conan The Barbarian, pero como encadenen varios arcos con dibujos malillos, pueden provocar que abandone esta colección. Por supuesto eso es adelantarme mucho, pero todas estas cosas se me pasan por la cabeza tras dos números con un mal dibujo. Comentaba que también tuve algún reparo con la historia de Zub, pero tengo claro que sí este arco lo hubiera dibujado De la Torre y hubiera contado lo mismo pero con su fuerza y su personalidad, estas cosas no me hubieran supuesto un problema. O al menos, no uno grande como si ha pasado con estos comics.

Decepción importante con estas dos ultimas grapas de Conan por el deficiente dibujo, un pecado en el que un comic de Conan nunca debería caer.

Comparto las primeras páginas del número 17 USA:

No he disfrutado como me hubiera gustado este arco de Conan The Barbarian debido al inadecuado dibujo de Danica Brine. Espero que la cosa mejore en el siguiente arco con el retorno de Doug Braithwaite al dibujo.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros