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Sheriff of Bablon Vol. 2 – Donde está el enemigo

El primer volumen de Sheriff of Babylon termina con el segundo tomo que por fin llegó a mis manos, y entiendo perfectamente porqué esta serie de Tom King y Mitch Gerads, con portadas de John Paul Leon, se ha situado como una de las mejores series del 2016.

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Sheriff of Babylon es una obra notable que ofrece una visión realista de la guerra de Irak y la ocupación americana de Bagdad, en el que las líneas que separan a los buenos de los malos desaparecen, pero siempre son los inocentes los que acaban pagando el precio.

Christopher Henry, un antiguo policía de Florida convertido en instructor de la policía iraquí se ha metido en un autentico polvorín mientras investigaba la muerte de uno de sus reclusos. Gracias a la ayuda de Nassir, un antiguo policía del regimen, y de Sofia, la hija de un antiguo líder iraquí asesinado por Saddam, parece que han descubierto al asesino: El líder terrorista Abu Rahim. Pero cuando lleguemos al climax descubriremos que se han metido en una autentica telaraña de intriga y mentiras en la que nada es lo que parece.

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Tom King demuestra su conocimiento en primera persona de la realidad del Bagdad de 2004, al trabajar para la CIA en el terreno. Va tejiendo su historia a ritmo lento pero construyendo una tensión en aumento hasta alcanzar un climax perfecto con giro final incluido igual que vimos en su excelente Omega Men. La historia sirve además como lección de geopolítica gracias a las historias que se van tejiendo a lo largo de los 2 números de esta serie.

Mitch Gerads es el perfecto partner-in-crime para King. Su estilo fotorealista y sucio trasmite realismo y verdad, y te hace sentir como si estuvieras allí.

Es muy interesante desde un punto narrativo la elección en muchos momentos de una distribución de páginas con 6 y 9 viñetas que establecen un ritmo constante sabiamente roto por varios momentos impactantes sobre todo trasmitidos por el sonido POW de disparo omnipresente en el comic y que da título a la historia: Pow, Pow, Pow.

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Sheriff de Babylon es una obra perfecta en su intención y su ejecución que gustará a todo tipo de lectores, pero en especial a los fans de las historias de ficción inspiradas en situaciones reales de la actualidad.

PUNTUACIÓN: 8.5/10 

The Sixth Gun termina por la puerta grande

Estas navidades terminé de leer los últimos tomos que me faltaban de The Sixth Gun, el excelente western sobrenatural creado por Cullen Bunn y Brian Hurtt  que ha sido editada en los USA por Oni Press, y cuyo final ha sido perfecto.

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The Sixth Gun está ambientada al final de la Guerra Civil americana y se centra en la búsqueda de un conjunto de seis pistolas que poseen poderes sobrenaturales. El portador de cada pistola gana una habilidad única con cada arma, y está atado a la pistola hasta su muerte. Las armas están numeradas, y la Sexta Pistola que da título a esta serie acaba en posesión de una joven inocente, Becky Montcrief, que consigue la habilidad de ver imágenes del pasado y del futuro. El otro protagonista es Drake Sinclair, un pistolero cínico que las busca las pistolas siguiendo su propia oculta. Los villanos de la serie incluyen el fallecido General Hume, los Caballeros de Salomón, la Espada de Abraham, y otros seres sobrenaturales que compiten por el control de las armas.

Pero la serie no trata solo del poder que confieren las pistolas a sus portadores, sino del significado y el propósito detrás de su creación, y de quién será capaz de poseerlo y controlarlo.

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The Sixth Gun ha finalizado en su noveno tomo (50 números en total) y con 4 tomos complementarias con varios personajes secundarios. Y el final ha sido perfecto. Es genial leer un comic tan largo y comprobar como las ideas planteadas en el primer episodio culminan satisfactoriamente. La serie muestra multitud de momentos violentos y sangrientos, pero sería  el equivalente a una película PG-13, ya que aunque lo sobrenatural está perfectamente dibujado, no se recrea en el gore y la sangre. En este sentido, la mezcla de historia del oeste con elementos sobrenaturales me ha parecido muy novedosa, y narrativamente funciona perfectamente.

El guión de Cullen Bunn está planteado como un blockbuster cinematográfico, contando una historia centrada en la acción pero que tiene también ocasión de centrarse en los personajes y sus motivaciones. La acción funciona porque los personajes te importan, y te duele cuando van cayendo a medida que avanza la historia y los peligros se incrementan. Bunn ha escrito una gran novela a lo largo de 6 años en los que todo encaja y consigue terminar en el momento justo. Me gustó además que hayan publicado varias miniseries centradas en personajes secundarios, de forma que pudimos conocer más detalles de los Jinetes del General Hume, de Billjohn O’Henry, el amigo y compañero de Drake Sinclair, o de Roberto Vargas, el Caballero de Solomon, entre otros, sin que estas historias interfieren en el ritmo de la trama principal.

Por su parte, el dibujo de Brian Hurtt es increiblemente limpio y fluido, con un estupendo sentido del ritmo y centrado en la narración antes que en adornarse innecesariamente. Hurtt ha comentado que piensa que The Sixth Gun es de largo su mejor trabajo, pero no porque su técnica haya evolucionado y sea mejor, que sin duda lo es, sino porque estaba completamente involucrado en la historia. Y para mi, ese cariño hacia los personajes se nota en cada página.

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The Sixth gun es problemente el mejor tebeo de aventuras que nunca leiste, y te recomiendo que subsanes este error lo antes posible, sobre todo ahora que ya ha terminado. Si te gusta el cine de aventuras tipo Indiana Jones con un toque sobrenatural, deberías empezar ahora mismo a leer esta serie. Aunque tendrás que hacerlo en inglés, porque no puedo explicarme como es posible que aún no haya sido editada en España. Pero de verdad os digo que merece la pena.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Crononautas, desfase a través del tiempo

Mark Millar y Sean Murphy nos han regalado uno de los comics más gamberros y divertidos de los últimos tiempos: Crononautas. Esta serie de Image Comics ha sido editada en España por Panini y cuenta las aventuras de dos viajeros por el tiempo, pero bajo la premisa de presentarnos una locura tras otra con la acción más «over-the-top» posible.

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Mark Millar nunca fue un guionista sutil, pero sabe crear historias super divertidas que se amoldan a los gustos del artista de turno, en este caso el genial Sean Murphy. El concepto de Crononautas no puede ser más sencillo y directo: Dos científicos descubren la tecnología que les permite viajar por el tiempo y se dedicarán a buscar diversión por todo el continuo espacio-tiempo, aunque ello pueda provocar paradojas que acaben con la Tierra tal y como la conocemos. Una historia políticamente incorrecta marca de la casa Millar, que como en otras ocasiones es perfecta para ser utilizada como storyboard para una futura adaptación cinematográfica.

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Si el guión de Millar va directo al grano y no se guarda nada en la manga, eso es porque tiene de colaborador a un Sean Murphy (Punk Rock Jesus, The Wake, Hellblazer) en plena forma que se nota que ha disfrutado un montón cada viñeta. La mezcla de elementos de diferentes épocas es un locura, pero una que Murphy hace que sea espectacular, sorprendente y muy divertida. Gangsters, samurais, mongoles, dinosaurios, incluso Marilyn o Cristobal Colón tienen cameos que sirven para que digamos «¡Venga ya!» con una sonrisa en la boca. Pero al final, el entretenimiento es total. ¡Objetivo cumplido! Eso si, no le busqueis lógica ni penseis en todas las paradojas que se plantean, que no solo no resuelven sino que inventan otras nuevas por el camino.

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Quizá el único defecto de esta historia está en el propio arte de Sean Murphy. En su obra todas las caras son siempre las mismas, y su estilo tiende a abocetar en exceso a las personas, quedando muchas viñetas casi como caricaturas. En todo caso, esto lo vemos en toda su obra, no solo en Crononautas, y es una opinión mía personal que aparentemente no es muy compartida, ya que Murphy parece ser una de los dibujantes con mayor base de aficionados en la actualidad.

En todo caso, este detalle queda compensado con unos fondos y unos detalles en armas y vehículos sobresalientes. Y encima en la versión americana publicaron algunas portadas excelentes que homenajeaban películas clásicas como esta de Top Gun que os muestro, Regreso al Futuro, Arma Letal  y otras. Una gozada que es una lástima que no hayan sido publicadas en la versión española de Panini.

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Comparto a continuación las primeras páginas de esta historia sin viñetas para que podais disfrutar del arte de Murphy, que está perfectamente acompañado por Matt Hollingsworth en los colores.

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Crononautas es una lectura super divertida que creo que ofrece exactamente lo que se espera de ella. Un comic entretenido y sorprendente. Lo que para mi es más que suficiente para recomendarosla esta semana.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cry, Havoc – La rebelión de los mitos

Quiero comenzar el año recomendando Cry Havoc, serie editada por Image Comics escrita por Simon Spurrier, dibujada por Ryan Kelly y con colores de tres coloristas diferentes en función del momento temporal y del lugar: Nick Filardi (Londres – azul), Lee Loughridge (El lugar rojo) y Matt Wilson (Afganistán – ocre). Una lectura que mejora cuanto más la lees, motivo por el que haya tardado en recomendar esta historia.

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Como dicen en el llamativo cartel publicitario que podeis ver abajo, Cry Havoc no trata sobre una mujer lobo lesbiana que va a la guerra. Excepto que en parte si.

Louise Canton es una músico que se verá arrastrada a una guerra imposible tras ser mordida por lo que parece ser un hombre lobo. Aunque los licántropos no existen, son solo mitos, ¿no? Contactada por el gobierno, se dirigirá a Afganistán formando parte de un grupo de seres «especiales» para cazar a Lynn Odell, también poseedora de estos dones y que planea lanzar una revolución contra la sociedad moderna y su ánsia de controlar y conocerlo todo.

Por supuesto las cosas no son tan sencillas, ni hay unos buenos o malos claramente definidos. Y para complicarlo más, la narración alterna tres momentos temporales de la vida de Louise, que están claramente definidos por los cambios de coloristas. Azul para Londres (color que suele asociarse a la tristeza o a la depresión, Rojo para la escena final (color de la ira o la intensidad), con un ocre para la misión en Afganistán que marca el viaje de un estado al otro. Esta fragmentación consigue que sintamos que estamos ante un gran puzzle que hay que resolver, añadiendo cada elemento matices a detalles que pensábamos que estaban claros al principio, haciendo incluso que te replantees toda la historia.

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Muchas veces he leído a un escritor comentar que su obra inicialmente era diferente a como finalmente fue publicada, pero que a medida que escribía a un personaje u otro, estos cobraron vida y llevaron la historia a lugares que el autor jamás imaginó al comenzar. Y también como un concepto expresado en una obra cobra vida en un lector generando otra idea totalmente diferente que no hubiera surgido sin esta lectura previa, que a su vez engendra nuevas historias e ideas en los siguientes lectores, creando un río infinito de ideas que se alimentan unos de otros.

Cry Havoc tiene ciertas similitudes con otra obra anterior de Simon Spurrier, Six-Gun Gorilla, desde el punto de vista que ambas resaltan la importancia de las historias y los cuentos para nuestra sociedad actual, obsesionada con tener información absoluta, pero sin la necesaria reflexión o análisis. En este sentido Cry Havoc presenta a unos seres mitológicos del folklore popular, como los hombres lobos y muchos más, resaltando su importancia y la necesidad que no todo tiene porqué ser explicado ni tener sentido, y de hecho el Caos a veces es bueno y necesario para nuestra salud mental.

Esto es lo que me sugirió esta lectura, pero quizá lo que yo entendí no tenga porqué ser lo que la obra intentaba contar. Tal vez nada de lo que digo tenga sentido y el significado de Cry Havoc sea otro. Quien sabe.

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Ahora que empiezo a conocer la obra de Simon Spurrier, me está pareciendo sumamente interesante. Me gusta que las lectura sean exigentes y que obliguen al lector a un poco de esfuerzo y que provoquen una reflexión tras terminarlas. Cry Havoc en este aspecto va de menos a más a medida que vas cerrando el círculo y completando el puzzle.

El arte de Ryan Kelly, en colaboración con el equipo de coloristas de Filardi, Loughridge y Wilson, es perfecto. La fluidez narrativa y las caracterización de los personajes es excelente, y los momentos sangrientos y violentos consiguen impactar al lector. Un equipo perfecto para este comic.

Comparto a continuación las primeras páginas de este tomo, para que sepais un poco qué esperar de este comic.

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Cry Havoc es una muy interesante lectura. Además, aunque este tomo da un buen cierre a la historia, la intención de Spurrier / Kelly es que esta serie continúe y sepamos qué pasa a continuación, con la intención de que sea una serie abierta. Una alegría para el lector, aunque el segundo volumen aún no tenga fecha de inicio de publicación.

Por todo esto Cry Havoc es mi recomendación de esta semana.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Omega Men, el precio de la revolución

Omega Men es una serie de 12 episodios editada por DC Comics que pone de manifiesto que cuando un autor está «on-fire», hay que leer y disfrutar todo lo que publique. El autor en cuestión es Tom King, en mi opinión el escritor más destacado de 2016 y creador de series como Sheriff of Babylon y The Vision.

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Omega Men está ambientada en Vega, un sistema en el que existen 6 planetas habitados y que son el único punto de la galaxia donde puede obtenerse Stellarium, un elemento extremadamente raro y valioso que sirve para estabilizar núcleos planetarios y que evita que catástrofes como la de Krypton puedan volver a producirse. Vega está dominada por el imperio estelar de La Ciudadela, que bajo la apariencia de un gobierno benévolo lleva controlando el sistema desde hace décadas de forma cada vez más autoritaria.

Cuando la llama de la rebelión en Vega empieza a prender, encarnada en los misteriosos Omega Men, aprenderemos que el camino al infierno está plagado de buenas intenciones. Y en este polvorín, la llegada de Kyle Rayner, el White Lantern, que llegará para intentar mediar entre el gobierno «legítimo» y  los rebeldes, será la chispa que prenderá un fuego que amenaza con arrasar con la galaxia.

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Me encanta leer una una historia en la que desde la primera página se nota que el autor tienen claro qué quiere contarnos y como conseguirlo. Y en Omega Men, todos los personajes son imprescindibles, al igual que los 6 planetas del sistema. Son engranajes fundamentales para que la historia encaje a la perfección, creando varias capas en la historia que hacen que la lectura sea mucho más interesante que la típica lucha de unos nobles y valerosos rebeldes frente a un malvado imperio galáctico, y que nos traslada a problemas y situaciones de nuestra sociedad actual.

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Y en esta historia de grises en la que descubriremos que no existen el blanco y el negro, el optimista Green Lantern Kyle Rayner tiene un papel fundamental, no solo para el desarrollo de la historia, sino porque su condición de «outsider» nos sirve de ojos y oidos en estos planetas extraños, y su optimismo choca radicalmente con la dura realidad que le rodea.

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Como ya comenté, los planetas de Vega tienen una gran importancia en la historia y sirven de metáfora de elementos de nuestra sociedad actual:

Ogyptu es un planeta recreativo al que los ricos del sistema van a relajarse, y en el que sus habitantes son sirvientes de los poderosos. Es el hogar de Primus, un pacifista que nunca había cogido un arma y que sin embargo es el lider de los Omega Men. Este planeta representaría el oasis en el desierto.

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Karna es el planeta natal de Tigorr, un ser medio tigre que fue criado por el Virrey de La Ciudadela a pesar de intentar asesinarle, y cuya sociedad está siempre en lucha consigo misma. Karna es la jungla, un lugar caótico que representa a una sociedad que solo sabe pelear y casi les da igual si entre ellos o frente a un enemigo exterior.

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Euphorix es el hogar de la Princesa Kalista, secuestrada por los Omega Men para chantajear a su rico padre, el Rey. Un planeta dividido entre los ricos Bramins que colonizaron el planeta y los Euphorians, los habitantes autóctonos del planeta que son obligados a vivir en la miseria. En un mundo de desigualdades y de altos muros.

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Changralyn es un rocoso planeta religioso y es el hogar de Broot, el hijo del Gran Sacerdote de la religión nativa, que fue desterrado al descubrir que es el dinero y el poder y no la fe lo que mueve a los sacerdotes, que mantienen esclavizados a los creyentes con sus propias creencias.

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Hyn´xx es un gran planeta bazar en el que todo está en venta, si el precio es el correcto y en que incluso las personas son solo mercancía con la que negociar.

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Por último, Voorl es es planeta natal de Scrapps y oculta un secreto bajo el escudo planetario en que sus habitantes llevan décadas refugiados. La Ciudadela quería extraer Stellarium de su núcleo y el proceso convertiría el planeta en tóxico, por lo que sus habitantes decidieron ocultarse bajo su Escudo para evitarlo, por lo que hace décadas que nadie entra o sale del planeta.

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A Primus, Tigorr, Scrapps y Broot les acompaña DOC, un robot modelo 141-D fabricado por La Ciudadela y que tras una larga historia ha encontrado en los Omega Men el grupo perfecto para cumplir su misión. Y en esta misión, la Princesa Kalista y Kyle Rayner tienen un papel fundamental que se explicará a medida que se desarrolla la serie.

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EL Virrey de La Ciudadela controla el sistema con mano de hierro, pero a la vez tiene que negociar con la coalición de planetas la entrega del Stellarium. Esto me recuerda cuando en Dune (la película y también la novela de Frank Herbert), decían que «la especia debe fluir». Es decir, que no permitirán que nada interrumpa el suministro de Stellarium. Lo que me recuerda cuando todos nos horrorizamos con el trabajo infantil de Indonesia o la India, pero realmente exigimos que la ropa o los iPhones sean cada vez más baratos. Y esta es solo una de las dualidades que la historia pone de manifiesto. Esto hace que Omega Men sea una obra redonda y casi perfecta. Y fruto de esa claridad de ideas, la serie termina con un gran final que te deja con un gran sabor de boca.

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Tom King consigue que entendamos las motivaciones de todos los personajes y su evolución a medida que avanza la historia, lo cual no significa que sean buenos o malos. ¿Quienes son los Omega Men? Pueden ser héroes o villanos, libertadores o asesinos, o tal vez todo eso a la vez. Este es otro aspecto fundamental, la historia sirve a los personajes, y los personajes marcan la historia, no hay un dominio de un aspecto sobre el otro, consiguiendo una unión casi perfecta.

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Es una pena que con una historia tan interesante y compleja, el dibujo no esté a la altura. Omega Men ha sido dibujada por el novato Barnaby Bagenda, con colaboraciones a modo de fill-ins de Toby Cypress, Ig Guara y José Marzan Jr. Como detalle interesante, Romulo Fajardo aplicó los colores directamente desde el lápiz sin entintar, lo que consigue un efecto bastante llamativo y resultón. Pero que sin embargo no consigue tapar las carencias del dibujo, muy estático y sin conseguir que sus personajes transmitan las emociones a las que están sometidos. A pesar de esto, viendo el vaso medio lleno, lo cierto es que Omega Men es un de las primeras obras de Barnaby Bagenda, por lo que tiene un enorme margen de mejora. Quien sabe si en el futuro no pueda convertirse en un gran dibujante. Aunque mucho camino le falta para que llegue ese día.

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En este caso, se nota que Omega Men era una serie menor para DC Comics, que no quiso «quemar» a sus mejores artistas en una serie de difícil viabilidad comercial. Y no iban desencaminados, ya que la serie estuvo a punto de ser cancelada por bajas ventas en el número 6. Menos mal que las peticiones de los fans hicieron que DC se decidiera a publicar la historia completa. Pero lo cierto es que si, por ejemplo, Stuart Immonem hubiera dibujado este comic, estariamos hablando quizá de una obra sobresaliente y a lo mejor de uno de los mejores tebeos del año, quien sabe si de la década.

Aprovecho para destacar las llamativas portadas de Trevor Hutchison, inspiradas en los posters de propaganda de principios de siglo XX, que son super icónicas y que trasmiten la personalidad de este comic, muy diferente a todo lo que se puede encontrar en las estanterías de las librerías, dominadas por super-héroes «tradicionales».

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A pesar del pequeño pero del dibujo, Omega Men es un gran tebeo de ciencia ficción que sirve para que nos preguntemos sobre el mundo en que vivimos, y que sin duda os recomiendo.

PUNTUACIÓN: 8/10