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Crítica de Curso de escritura creativa de Brandon Sanderson

Tenía muchas ganas de leer el Curso de escritura creativa de Brandon Sanderson, y me he encontrado un libro super interesante, claro y esquemático que sin duda puede ayudar a todos aquellos que quieran dedicarse a la escritura profesionalmente.

PUNTUACIÓN: 8/10

El curso de escritura creativa que Brandon Sanderson lleva casi dos décadas impartiendo en la universidad, por primera vez en formato libro.

Curso de escritura creativa convierte en libro las clases que Brandon Sanderson lleva 16 años impartiendo anualmente en la Universidad Brigham Young, donde estudió. Él mismo dice que nunca ha dejado de darlas porque es un recurso que necesita para seguir creciendo como escritor. El curso se centra en los engranajes de la escritura y tiene un enfoque muy práctico; en él nos habla de la trama, la ambientación y los personajes, pero también de la parte empresarial. Sin embargo, no hace falta querer ser un escritor profesional para leer este libro. Su objetivo es ayudar a cualquier lector a comunicarse mejor y crear buenos hábitos para escribir de forma consistente, con los valiosos consejos de uno de los mayores creadores de nuestro siglo.

«Os animo a que utilicéis este curso del modo que más os ayude a lograr vuestros objetivos.» Brandon Sanderson

BRANDON SANDERSON (Lincoln, Nebraska, 1975) es el gran renovador de la fantasía del siglo XXI, con veintidós millones de lectores en todo el mundo, y el autor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión, El Héroe de las Eras, Aleación de ley, Sombras de identidad Brazales de Duelo. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada El Ritmo de la Guerra (además de la novela corta Esquirla del Amanecer). Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en fantasía épica.

Sanderson vive en Utah con su esposa e hijos y enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young.

El Curso de escritura creativa de Sanderson es un libro de 336 páginas que me he zampado como si fuera un paquete de pipas en un partido de fútbol. Sanderson es un maestro y junto a Pratchett y Abercrombie formaría mi trío de Ases de la literatura fantástica. Sus libros me encantan, aunque reconozco que aún me faltan varios para ponerme al día con su bibliografía. Y si sus libros son fantásticos, sus dotes didácticas y la claridad con que explica todo me han encantado. De hecho, como dice la sinopsis, se nota que Sanderson es un profesor universitario y tiene esta materia super clara y super trabajada, cosa que se transmite en el libro desde la primera página.

Un comentario recurrente que todo escritor al que le preguntan por consejos para nuevos escritores, y que Sanderson también hace suyo, es que si quieres ser escritor debes escribir a ser posible todos los días. Cuanto más escribas, más refinarás tu estilo y mejor te saldrán las cosas. Esto me recuerda un comentario que alguien hizo cuando le preguntaron si tuvo suerte al conseguir el éxito con sus novelas, y el escritor en cuestión (no recuerdo quien fue) aceptó que a lo mejor era cierto que tuvo suerte, pero cuando la suerte llegó le pilló trabajando, escribiendo. En este sentido, es fundamental la idea que si empiezas a escribir una novela (o lo que sea), debes terminarla sea como sea, algo que no todo el mundo consigue. Porque lo escrito puede revisarse y mejorarse para quitar errores, limar asperezas y mejorar el estilo, pero si te quedas bloqueado porque algo no cuadra y no terminas lo empezado, nunca tendrás nada. Y las cosas se mejoran trabajando en ellas, no dejándolas a mitad.

El libro cuenta con once capítulos incluyendo la introducción, con los conceptos clave a la hora de crear cualquier obra literaria maravillosamente esquematizados. La trama, cómo crear una trama, el punto de vista, las leyes de la magia, cómo crear un mundo, cómo crear un personaje, caracterización, humor, finales y revisiones, la publicación tradicional y la autopublicación son los temas en los que está dividido el libro.

Como resumen de estos conceptos clave, el libro es una maravilla y un prodigio de síntesis. Y este elemento es lo primero que me gusta, dado que no hay grandes descubrimientos en este libro. Muchos de estos conceptos sobre caracterización y narrativa ya los había escuchado a otros escritores y directores o guionistas de cine, pero es genial tener las ideas principales condensadas en una única obra de referencia. De hecho, Sanderson insiste muchísimo en que estas son sus ideas pero no son la Biblia, no son algo inamovible que todo escritor deba seguir en cualquier contexto, sino que invita a cada uno a seguir su propia creatividad. Pero eso sí, las claves de la narrativa debes conocerlas, y si decides saltarte algún concepto, que sea a sabiendas por una buena razón, no por desconocimiento.

En lo que sí he encontrado elementos más novedosos ha sido en la parte de la caracterización, a la hora de construir a los protagonistas, con advertencias a evitar los adverbios y las grandes parrafadas interiores de los protagonistas, para que las acciones y el lenguaje utilizado por los personajes en sus diálogos hablen por ellos y la lectura sea más dinámica y menos tostón. Hay además un elemento muy chulo y es que el libro incluye un apartado de preguntas y respuestas en cada capítulo, preguntas que le han hecho estudiantes de su curso y que se centran en dudas concretas sobre estos conceptos, que aportan información muy interesante también.

Junto a esto, que un crack como Sanderson tenga dentro de su esquema de escritura distintas fases de revisión de sus libros es otro elemento muy interesante, porque la idea del escritor creativo que empieza de cero un libro y cuando lo termina está perfecto para ser impreso y distribuido a las librerías no puede estar más lejos de la realidad del mundo editorial. Al menos en lo referido a la literatura fantástica o la ciencia ficción. Los dos últimos capítulos en los que habla de las ventajas y desventajas de la edición tradicional (contando con un agente o haciendo las gestiones tú mismo) o de la autopublicación, empezando por el % que el escritor cobra respecto al precio de venta del libro en cada caso, lo he encontrado super interesante también. Además, me gusta que además de las cifras americanas, el libro añada los porcentajes que se cobran en España.

El único problema de este libro es que es un solamente un ensayo en el que Sanderson condensa los elementos más importantes sobre trama, caracterización, narrativa, publicación, etc… que todo escritor debe conocer. NO es un curso universitario de 120 horas con trabajos específicos para cada apartado que te ayude a mejorar cada uno de estos elementos. Se que esto que estoy diciendo es una obviedad enorme, pero realmente es lo único que se me ocurre, dado que ahora tendré que mirar de donde saco ejemplos de ejercicios para ejercitar mi escritura en narrativa, algo que no controlo en absoluto.

Aparte, por supuesto da un poco de envidia ver la creatividad y la rapidez con que Sanderson es capaz de escribir sus libros. Aunque tengo claro que la calidad y creatividad hay que tenerla, es el trabajo constante lo que consigue crear un marco y una dinámica de trabajo que ayuda a que dicha creatividad fluya. Este libro tampoco sirve para ayudar a cultivar tu imaginación y creatividad. Para escribir hay que tener una idea, un concepto que quieras desarrollar que valga la pena, y este libro no te va a ayudar a tenerlo. Lo que sí hará es que cuando esa idea surja, tengas una guía de los elementos que tu novela debe tener para conseguir atrapar al lector y dejarles, con suerte, con ganas de más.

Como fan de los libros de Sanderson, es una pasada escucharle dando ejemplos de lo que funciona mejor y peor de sus libros, de cómo juntó varias ideas para llegar a crear la serie de Nacidos de la Bruma, y de las cosas que aprendió a cambiar porque no eran la mejor versión posible. De hecho, que alguien como Sanderson reconozca que su primera versión de El Camino de los Reyes de 2002 no funcionaba y tuvieron que pasar 7 años para poder entender el problema de la novela para cambiarlo y poder publicarlo recalca lo que comentaba antes sobre escribir y acabar lo que se empieza, porque para revisarlo también hay tiempo. Además, hay que tener la suficiente modestia para saber que tu primera novela nunca será un best-seller de éxito, pero igual a medida que escribes y mejoras, en algún momento futuro otra de tus obras si pueda captar la atención de algún editor o del gran público.

Tanto si te gusta Sanderson como escritor de fantasía y ciencia ficción, o si como es mi caso estás pensando si puedes tener alguna historia que contar, este libro lo encuentro super interesante y una lectura obligada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítíca de Marvel vs DC, 50 años de guerra editorial de Reed Tucker (Planeta Comics)

Dentro de mi afición a los comics de superhéroes, sobre todo de Marvel y DC, el salseo siempre ha sido una fuente de diversión complementaria. Leer Marvel vs DC, 50 años de guerra editorial de Reed Tucker, editado por Planeta, ha sido una espectacular fuente de información sobre las relaciones de ambas editoriales a lo largo de casi medio siglo, escrito con un toque de humor irónico con el que conecté del principio a fin que hizo que prácticamente me leyera este libro en una sentada.

PUNTUACIÓN: 8,5/10



SON LOS DOS TITANES DE LA INDUSTRIA DEL COMIC, la Coca Cola y la Pepsi de los superhéroes, y durante más de 50 años Marvel y DC han estado enzarzadas en una épica batalla por la supremacía en el negocio del spandex. Lo que está en juego no son solo las ventas, sino la relevancia cultural y los corazones de millones de aficionados.
Para muchos devotos, Marvel está ahora en la cima. Pero durante gran parte de principios del siglo XX, DC fue la líder indiscutible tras el lanzamiento del género del superhéroe americano con la publicación en 1938 de la serie de Superman de Joe Shuster y Jerry Siegel. Los títulos de DC vendían millones de ejemplares cada año, y casi todos los norteamericanos estaban familiarizados con sus icónicos personajes. Superman, Batman, Wonder Woman… DC los tenía todos. Y entonces, en 1961, una advenediza editorial apareció de la nada para sacudirle un bofetón en los morros a la poderosa DC. Con la publicación de Fantastic Four n.º 1, Marvel cambió la forma de hacer superhéroes. El guionista y editor Stan Lee, el artista Jack Kirby y los talentosos miembros del Bullpen de Marvel desplegaron una serie de deslumbrantes nuevas creaciones, entre las que se incluyen Avengers, Hulk, Spider-Man, X-Men e Iron Man. El auge de Marvel dividió para siempre a los aficionados en dos tribus enfrentadas. De repente, la pregunta más reveladora que podías plantear a un amante de los superhéroes pasó a ser, «¿Marvel o DC?».

MARVEL VS DC, el primer libro que relata la historia de este épico enfrentamiento en una única y detallada narración, es la historia de la mayor rivalidad corporativa jamás contada. Con entrevistas a los nombres más destacados de la industria, MARVEL VS DC revela el arsenal de argucias que las editoriales han utilizado en su empeño por aventajar a la competencia, ya sea robar ideas, birlar empleados, colocar espías, plagiar personajes o decretar guerras de precios. La contienda jamás ha llegado a desaparecer por completo, y hierve a fuego lento hasta el día de hoy. En todo caso, con los personajes de DC y de Marvel convirtiéndose en iconos globales valorados en millones de dólares, nunca ha habido tanto en juego.

Reed Tucker es periodista free-lance y autor que escribe principalmente sobre cultura popular y entretenimiento. Su trabajo ha aparecido en New York Post, Esquire, Fortune y USA Today, entre muchos otros. Se graduóo en la Universidad de Nort Carolina en Chapel Hill. Vive en Brooklyn, N.Y.

La disputa de los Marvel Zombies y los DC Maniacos solía estar dominada por el típico «¿Quién es más fuerte, Superman o Hulk?» Sin embargo, más allá de las disputas que tuviéramos de críos, descubrir en este libro el origen de los históricos desencuentros entre ambas editoriales en los que millones de dólares y el ser la editorial más importante de comics en Estados Unidos me ha parecido una pasada.

Reed Tucker plantea una profunda investigación sobre esta cuestión y para ello ha hablado con numerosos profesionales de ambas editoriales que vivieron esta rivalidad en primera persona, además de estudiar numerosísimas fuentes bibliográficas. Comprobar el final del libro las más de 20 páginas de notas en las que indica las fuentes de las que ha sacado numerosas frases literales me ha volado la cabeza. Además, esta opción de hacer que la historia la cuenten los actores vivos que estuvieron allí hace que la lectura sea más amena y la dota de mayor relevancia académica.

Lo mejor de este ensayo es que además de ser super interesante por la información que da, es super fácil de leer y Tucker lo cuenta todo con mucha gracia y una fina ironía con la que he conectado desde la primera página. Leerle en la introducción su opinión sobre la horrenda Batman v Superman de Zack Snyder ya me indicó que era una persona cabal e inteligente con la que iba a conectar. Cosa que por supuesto acabó sucediendo. Aparte de la broma, lo cierto es que este libro no reparte carnets de buenos y malos, y Tucker no se posiciona (como no podía ser de otra forma) sobre qué editorial es mejor o quien tenía razón. Porque sería absurdo y aparte, porque ambas han hecho a lo largo de los años muchas cosas bien y otras que no lo eran tanto. El relato cronológico permite conocer las interioridades de ambas editoriales y la forma en que ambas desarrollaban su actividad, y el inevitable rumbo de colisión en el que se enzarzaron cuando una joven Marvel controlada por Stan Lee empezó a ganarle terreno a la hasta ese momento poderosa DC. Las 340 páginas de historia están llenas de anécdotas y situaciones buenísimas que valen su precio en oro.

Decir que Stan Lee, Jack Kirby, Steve Ditko y el resto del Marvel Bullpen produjeron comics que conectaron con el público de los años 60 mejor que DC no es ponerse del lado de Marvel, sino indicar una realidad histórica. Como lo es que sin la DC de los 80 no se hubiera producido el salto de calidad del medio hacia contenidos más adultos e interesantes que permite ahora en 2021 disfrutar de una edad de oro en lo referido a variedad y calidad de la oferta disponible a nuestra disposición. Eso si, leer el libro me permitió recordar lo gilipollas que era Bill Jemas y lo chunga que fue la campaña de insultos que organizó contra DC como forma de realizar una campaña publicitaria que hiciera que los fans volvieran a acordarse de Marvel.

La vertiente personal y el business son dos caras de la misma moneda, y es refrescante ver la forma en que analiza cómo los cambios en una faceta provocaban también desencuentros en la otra. Recordar como los cambios en la propiedad de Marvel Comics provocó una espiral de búsqueda de benefició a toda costa que acabó provocando el crack en los años 90 me ha gustado mucho. Y no es que DC estuviera libre de pecado, claro. Como también que se recuerde que ahora mismo los comics de Marvel y DC son una pequeña parte del pastel del sector del entretenimiento, sin duda de las menos rentables.

Otro elemento muy chulo, además de poder leer todas las anécdotas que aquí se resumen, es poder tenerlo todo en un único volumen, ya que conocía algunas de las situaciones que aquí se cuentan, y muchas de hecho las viví en directo cuando era un lector habitual de web como CBR, Newsarama o Bleeding Cool. Poder tener toda esta información y estas anécdotas en un único libro en mi librería para poder revisar siempre que lo necesite es sin duda otro gran plus de la compra de este libro.

El único pero de este estupendo libro ha sido descubrir que el libro fue editado originalmente en 2017 en Estados Unidos. Que haya tardado cuatro años en ser editado en España provoca que me haya quedado con la miel en los labios ante los choques y desencuentros que se han producido en los últimos años que lógicamente no pueden estar incluidos en el libro. Por no hablar de las locuras producidas a partir del Snyder-Cut de Justice League. En todo caso, tener estos más de 50 años de historia resumidos aquí es una pasada.

Entenderéis que si este es el único pero del libro, la cosa pinta muy bien, y lo cierto es que este Marvel vs DC me ha encantado. Una lectura obligada para todos los fans de los comics de superhéroes a los que les guste la intra-historia de la industria.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

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Crítica de Supergods de Grant Morrison

Supergods es la carta de amor de Grant Morrison al género de superhéroes que le ha convertido en escritor superestrella, y una lectura obligada para todos los fans del género.

PUNTUACIÓN: 8/10

De uno de los escritores más aclamados y profundos del mundo de los cómics surge una exploración emocionante y provocativa del gran mito moderno de la humanidad: el superhéroe

El primer cómic de superhéroes publicado, Action Comics no. 1 en 1938, introdujo al mundo algo sin precedentes y atemporal: Superman, un dios con capa para la era moderna. En cuestión de años, los cielos del mundo imaginario se llenaron de extraños mutantes, extraterrestres y vigilantes: Batman, Wonder Woman, los Cuatro Fantásticos, Iron Man y los X-Men, la lista de nombres tan familiares como los nuestros. En menos de un siglo, han pasado de no existir en absoluto a estar en todas partes: en nuestras pantallas de cine y televisión, en nuestros videojuegos y sueños. ¿Pero qué intentan decirnos?

Para Grant Morrison, posiblemente el más grande de los cronistas contemporáneos del «supermundo», estos héroes son arquetipos poderosos cuyas historias en curso, que abarcan décadas, reflejan y predicen el curso de la existencia humana: a través de ellos contamos la historia de nosotros mismos, nuestra problemática historia, y nuestras aspiraciones en las estrellas. En esta emocionante obra de su vida, Morrison recurre al arte, la ciencia, la mitología y sus propios viajes asombrosos a través de este universo sombrío para proporcionar la primera historia verdadera del superhéroe: por qué importan, por qué siempre estarán con nosotros, qué nos cuentan sobre nosotros mismos… y en lo que aún podemos llegar a ser.

Grant Morrison es uno de los escritores contemporáneos más populares y aclamados de cualquier género. Su larga lista de créditos como escritor de cómics incluye JLA, New X-Men, Seven Soldiers, Animal Man, Doom Patrol, The Invisibles, We3, The Filth y Batman: Arkham Asylum, la novela gráfica original más vendida de todos los tiempos . También es un galardonado dramaturgo y guionista.

What masked vigilantes, miraculous mutants and a sun god from Smallville can teach us about being humans.

Si te gusta el género de superhéroes americano, Supergods de Grant Morrison es una lectura obligada. Morrison transmite en cada página su amor por el género mientras hace una narración de la historia del medio desde la publicación del Action Comics 1 en 1938 hasta 2010 / comienzos de 2011 en que se publicó este libro. Supergods es mitad historia del género de superhéroes mitad historia autobiográfica, al adornar Morrison la narrativa con sus propias vivencias, sus comics favoritos y como consiguió pasar de lector y fan a profesional best-seller, además de transmitir su particular filosofía de vida que incorpora en la mayoría de sus obras.

Morrison plantea cuatro etapas históricas que le sirven para clasificar los principales momentos del sector unido a sus vivencias y puntos de vista sobre los principales cambios que sufrió el mundo del comic durante esos años:

  • The Golden Age comprende desde la publicación al Action Comics 1 en 1938 hasta la caza de brujas del doctor Fredric Wertham a partir de su libro “Seduction of the innocent” y la creación del Comic-Code en 1954.

  • The Silver Age se desarrollaría desde 1958, viendo como los comics de superhéroes se adaptaron al nuevo código, hasta 1976 en la que nuevos autores como Jim Starlin revolucionaron el medio con su psicodelia, provocado en muchos casos por el consumo de drogas.

  • Morrison comienza The Dark Age en 1970 con el surgimiento del comic “social” con el Green Lantern / Green Arrow de Denny O´Neill y Neal Adams, deteniéndose en el terremoto creativo que provocaron The Dark Kight Returns de Frank Miller y Watchmen de Alan Moore y Dave Gibbons, llegando hasta la explosión de Image Comics y sus dibujantes super-estrella.

  • Por último, The Renaissance llegaría desde mediados de los años 90 hasta 2011 en que el libro fue publicado, aprovechando Morrison una gran parte de esta etapa para hacer un “making-of” de algunas de sus obras más conocidas, como Justice League, All-star Superman o Final Crisis, todas para DC Comics, editorial en la que ha realizado la mayoría de sus obras, o al menos las más recordadas.

La narración de Morrison es super clara y directa al grano, adornando cada momento de interesantes detalles de esos años. Para él, Superman no es sólo el primer superhéroe, sino el que mejor ejemplifica las virtudes y cualidades a las que debemos aspirar los seres humanos. Toda la narración gira en torno suyo y del segundo gran personaje del género, Batman.

Durante las diferentes etapas vemos como la situación social de la étapa ayuda a explicar el nacimiento de Superman y el resto de los héroes posteriores (Batman, Wonder Woman,…) y como los cambios sociales provocaron una evolución en la forma en que DC presentaba a sus héroes ante sus lectores. Además, es interesante comprobar como desde el comienzo estos personajes de comic tuvieron su traslación a otros medios, como fueron los seriales radiofónicos y las series en blanco y negro estrenadas en los cines en los años post-WWII antes de la creación de la televisión en los años 50, y como estos seriales a su vez también influyeron en los comics.

Morrison ha realizado la gran mayoría de su obra en DC, y aunque habla en gran detalle de la explosión de Marvel en los 60 y como sus comics revolucionaron el género frente a los “anticuados” comics de la DC de la época, se nota que la naturaleza mitológica de los héroes de DC conectan mucho más en su conjunto de valores.

La lectura de Supergods ha sido un suspiro y me ha gustado mucho. Dicho esto, y a pesar de ser un gran fan de la obra de Morrison, creo que las partes más interesantes del libro son las referidas a la evolución del género y no tanto su “auto-bombo” cuando habla de la creación de sus propios trabajos. Por ejemplo, me parece super interesante leer la opinión de Morrison sobre el TDKR de Miller y como ha influido en todo el género durante más de 20 años, y mucho menos leer sus ideas sobre Invisibles, o como su uso de drogas para expandir la consciencia le ayudó a crear su propias creencias sobre la realidad y el mundo en que vivimos.

Aún teniendo en cuenta que los detalles de su vida y su obra creo que son los detalles menos potentes del libro, la verdad es que he disfrutado también estos pasajes, dado que soy un gran fan de Morrison y desde Zenith he comprado todos sus comics. Me parece muy interesante como el éxito de su Arkham Asylum le aseguró su independencia económica al haber vendido más de medio millón de ejemplares desde su publicación en 1989, o como su King Mob de Invisibles fue un intento consciente para convertirse en superhéroe.

Morrison explica en las notas finales cómo por motivos de concreción muchos de sus comics y autores favoritos no pasaron el corte de las últimas revisiones del libro. Dicho esto, y que por supuesto esta narración es totalmente subjetiva, me parece curioso que Morrison emplee un párrafo para hablar rápidamente de Chris Claremont y sus X-Men, que fueron el comic más vendido durante 15 años, mientras habla con profusión de detalles de la obra del hasta ese momento amigo Mark Millar, al que Morrison no puede evitar mostrar en el libro casi como un aprendiz suyo. Teniendo en cuenta que la relación entre ambos escritores se rompió justo después de publicarse este libro, supongo que de haberlo escrito ahora, la importancia de Millar en este libro sería muchísimo menor.

Otro detalle muy divertido es ver la tirria que Morrison le tiene a Alan Moore. Aunque intenta tener un tono lo más neutro posible, hay algunos momentos gloriosos, como cuando comenta que Moore volvió a los comics “mainstream” por motivos económicos tras el “fracaso” en la publicación de su inacabada Big Numbers con Bill Sienkiewicz.

Junto a las anécdotas interesantes, el gran elemento de esta obra es la opinión de Morrison que los superhéroes de los comics, a pesar de ser seres en 2D, son tan reales como nosotros, y desde luego más importantes, dado que estos personajes nos van a sobrevivir a todos nosotros y sus valores influyen en la vida de miles de personas en todo el mundo, los personajes de comic son mucho más importantes, influyentes y, por qué no decirlo, reales de lo que yo jamás llegaré a ser.

Dado que Supergods se publicó en 2011, sería genial que Morrison se planteara escribir una continuación con su opinión sobre los cambios que el medio ha sufrido en la última década. Yo sin duda lo compraría. Y en todo caso, si eres fan de los comics de superhéroes, este libro es sin duda una lectura obligada, te lo recomiendo totalmente.

Supergods es una lectura imprescindible para todos los fans del género de superhéroes que destila todo el amor de Morrison por un género que nació hace más de 80 años y probablemente nos sobreviva a todos.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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