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Crítica de La casa el dragón temporada 2 (MAX)

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La segunda temporada de La Casa del Dragón ya es historia en Max, por lo que ya puedo compartir mis impresiones de esta serie spin-of / precuela de Juego de Tronos.

PUNTUACIÓN: 7/10

La serie transcurre 200 años antes de los eventos ocurridos en Juego de Tronos y cuenta la épica historia de la casa Targaryen.

George R.R. Martin estuvo super implicado en la creación de esta serie, que ha sido creada por él, el guionista Ryan Condal y el director Miguel Sapochnik, director de alguno de los mejores episodios de Juego de Tronos. Condal es el showrunner de esta segunda temporada de ocho episodios, y ha escrito el primero y el cuarto episodio de esta temporada. Otros guionistas son Sara Hess, David Hancock, Ti Mikkel y Eileen Shim. En la dirección Alan Taylor, director super asociado al mundo de Juego de Tronos ha realizado el primer y el cuarto episodio de esta temporada. Clare Kilner, Geeta Vasant Patel, Andrij Parekh y Loni Peristere son los otros directores de la serie. El músico Ramin Djawadi vuelve también con la icónica melodía original.

Dentro del reparto encontramos a Emma D’Arcy como la Reina Rhaenyra Targaryen: Hija y heredera del Rey Viserys I Targaryen, primogénita y única superviviente de Viserys y su primera esposa, la Reina Aemma Arryn. Tras la muerte de su padre es coronada reina por sus partidarios, los «Negros», después de que su hermanastro usurpara el trono. Es una jinete de dragones que monta al dragón Syrax. Olivia Cooke interpreta a la Reina viuda Alicent Hightower: Compañera de infancia y mejor amiga de la princesa Rhaenyra Targaryen, y más tarde segunda esposa y reina consorte del rey Viserys I Targaryen. Alicent promueve el ascenso al trono de su hijo el Príncipe / Rey Aegon II Targaryen (Tom Glynn-Carney), lo que provoca la guerra abierta entre ambas facciones.

Matt Smith es el Príncipe Daemon Targaryen, el hermano menor del Rey Viserys I Targaryen y tío / marido de la Princesa Rhaenyra Targaryen. Daemon es un guerrero feroz y empuña la espada de acero valyrio Hermana Oscura. Es un experimentado jinete de dragones que monta al dragón Caraxes, también conocido como el «Wyrm de Sangre». Rhys Ifans es Sir Otto Hightower: El padre de la Reina Alicent Hightower y la Mano del Rey del pequeño consejo del Rey Viserys I Targaryen y continúa manteniendo su posición bajo el Rey Aegon II Targaryen. Cuando su hija se convirtió en reina, comenzó a conspirar para poner a su hijo mayor Aegon en el Trono de Hierro, en lugar de Rhaenyra, cosa que consiguió. Steve Toussaint es Lord Corlys Velaryon: El Señor de Driftmark y jefe de la Casa Velaryon, una de las familias más ricas y poderosas de los Siete Reinos. Conocido como «la Serpiente Marina», es el marino más famoso de la historia de Poniente. Eve Best como la Princesa Rhaenys Targaryen: Prima mayor de Viserys y Daemon y esposa de Lord Corlys Velaryon. Rhaenys es la única hija del Príncipe Aemon Targaryen, el difunto heredero e hijo mayor del Rey Jaehaerys I Targaryen, y de Jocelyn Baratheon, hermanastra de Jaehaerys.

La casa del dragón ha confirmado en su segunda temporada que es uno de los máximos entretenimientos de la televisión actual, aunque también tiene sus zonas grises que son más cuestionables. Empezando por los aspectos positivos, el marketing de HBO planteando que los espectadores pudieran elegir entre #TeamGreen o #TeamBlack en función de si apoyábamos a Rhaenyra o Alicent sirvió para resaltar uno de los aspectos más positivos de la primera temporada, que es que ambas creían tener razón, lo que alejaba la historia de la típica historia de buenos contra malos. Otro aspecto positivo de La casa del dragón es que los actores ya han hecho suyos a los personajes que interpretan, o los espectadores ya les tenemos cogidos el tranquillo, y los personajes transmiten el carisma que necesitan. Rhaenyra y Alicent siguen siendo unas protagonistas morales que actúan según lo que creen es correcto, con Alicent llevándose un golpe de realidad al descubrir que sus hijos igual no son los adecuados para el trono, mientras que Sir Cole va a quedar traumatizado tras ser testigo del combate de dragones que diezmó a su ejército. Hay muchos personajes y la mayoría tienen un detalle que les convierte en interesantes. Por ejemplo, la escena de Alyn de Hull, en el que se enfrenta a su padre Corlys Velaryon tras años de ignorarle por ser bastardo, me parece un escenón espectacular. Y como ese hay muchísimos momentos, como los de Mysaria, la consejera de Rhaenyra, o Larys Strong, consejero de Aemond.

El gran momento de la serie ha sido el episodio 4 en el que por fin tuvimos el combate de dragones que llevábamos anticipando desde la primera temporada. El combate es brutal y puede ser de lo mejor que se ha visto en toda la serie, y en la televisión de 2024. Una serie que ya nos dejó de forma anticlimática la temporada pasada que anticipó una guerra que no llegó a suceder. Aparte de lo brutal del combate de Aemond Targaryen montando al dragón Vhagar contra la Princesa Rhaenys, que además deja quemado y muy malherido a su hermano el Rey Aegon II, el combate tiene añade un factor fundamental para la serie: Cuando los dragones luchan, es como si se lanzara una bomba nuclear. Los soldados de Sir Cole mueren calcinados y las muertes se cuentan por centenares si no miles. Que empiece la guerra de dragones sólo anticipa la destrucción mutua asegurada en la que seguro será el pueblo llano el que pagará el precio. Y ese es el gran drama que Rhaenyra sabe e intenta evitar a toda costa, hasta que se queda sin opciones.

El otro elemento que me ha gustado mucho es el uso que la serie guarda para la gente corriente. Por un lado, el pueblo de Desembarco del Rey está a punto de rebelarse contra el regente Aemond al que le da igual si su pueblo se muere de hambre. Y sobre todo, ver a hijos bastardos de los Targaryen dominando a varios dragones controlados por Rhaenyra, rompiendo el factor de que los jinetes de dragones deben ser «nobles», me parece una idea super interesante. Unido a que no tengo claro qué harán estos jinetes cuando de verdad tengan que entrar en combate.

La duración de ocho episodios me parece adecuada con lo visto en esta segunda temporada, y me gusta que haya aumentado el metraje de los dragones en esta segunda temporada. En el apartado técnico, el diseño de producción, las localizaciones (entre ellas el casco histórico de Cáceres), el empleo de extras y los efectos especiales me parece que lucen increíblemente en esta serie. Dentro de las cosas positivas, La casa del dragón ofrece el entretenimiento que promete, y la verdad es que me ha dejado (con matices) con ganas de más. Por cierto, HBO ha confirmado que va a producir las 2 próximas temporadas de La casa del dragón para que la historia pueda contarse con la extensión que George R.R. Martin comentó que necesitaría la serie cuando estaba promocionando el estreno de la primera temporada. Algo por lo que los espectadores sin duda tenemos que alegrarnos.

Dentro que la serie me ha gustado y seguro veré la tercera temporada, hay bastante cosas que comentar que son cuestionables. Empezando por el mismo final de la temporada, planteado como un trailer de lo que está por venir y que vuelve a dejarnos con la sensación que ya tuve en la primera temporada: Excepto el cuarto episodio que es realmente espectacular y dramático, todos los episodios de esta segunda temporada han vuelto a dejarme con la sensación de vendernos la idea de «vuelve la semana que viene, que ese episodio será el bueno». De hecho, todo el final de la temporada es precisamente ese: «No te hemos mostrado las batallas que hemos sugerido, pero vuelve que a la próxima igual si». Y esta sensación de anticlimax en realidad no es buena, porque es la segunda vez que la serie nos hace lo mismo.

Cuando vi el espectacular cuarto episodio tuve claro que esa iba a ser la única batalla que veriamos en toda la temporada. Por supuesto en ese momento podía haberme equivocado, pero las emisiones posteriores han acabado dándome la razón. Ya sea por motivos presupuestarios, que seguro ha sido un factor, o por la propia narrativa a fuego lento que plantean los creadores, el resultado es una serie descompensada que nos ha ofrecido lo mejor en la mitad y ha ido cuesta abajo a partir de ahí. A esto hay que añadir que los medios americanos comentan que el rodaje de la tercera temporada comenzará a primeros de 2025, por lo que entiendo que estamos ante un estreno en 2026. Esto significa que prácticamente van a volver transcurrir los casi dos años que pasaron entre las temporadas 1 y 2. Y esto es muchísimo tiempo pensando en el coitus interruptus que nos está ofreciendo la serie. En este momento me acuerdo que la serie se redujo de 10 episodios a 8, y en condiciones normales esos dos episodios que nos han «robado», de nuevo no se si por tema presupuestario, narrativo o una combinación de los dos, son los que tendrían que habernos dado el climax que la historia precisaba.

El otro gran problema de la temporada ha sido todo el arco de Daemon Targaryen en Harrenhal, el centro de las Riverlands y castillo clave para el desarrollo de la guerra. Daemon se pasa casi la totalidad de su tiempo sufriendo visiones que se convirtieron en los verdaderos «minutos de la basura» de la serie. Que al final todo ello le lleve a ver la visión de lo que se profetiza en La Canción de Hielo y Fuego y le lleve a jurar lealtad a Rhaenyra es un final que puede ser lógico, pero que no oculta lo alargado y sin interés que fue su participación esta temporada. Dicho esto, Rhaenyra obtiene la lealtad de los señores de Riverlands y se ha hecho con tres nuevos jinetes de dragones, por lo que lo que el equilibrio de fuerzas parece que se ha decantado a su favor. El tamaño de Vhagar, sin embargo, hace que no se pueda descartar alguna nueva matanza de Aemond.

Hablaba del acierto de marketing del Team Green / Team Black. Sin embargo, narrativamente, esto no es así. Desde el primer momento los espectadores sabemos que el Rey Viserys quería que su hija Rhaenyra reinara, aunque dio la opción a Alicent de malinterpretar su repetición de la Canción de Hielo y Fuego. Este desequilibro se va agravado por la incompetencia de los hijos de Alicent, que hace que el espectador desee que ganen los Verdes de Rhaenyra. Primero con el incompetente Aegon II y después con la crueldad de Aemond montando a Vhagar. A todo esto, ya no sorprende que la serie plantee que todas las mujeres son personas morales y «buenas», mientras que los hombres son los que muestran todas las cualidades negativas posibles.

En realidad la serie me ha gustado. Pero tengo claro que La casa del dragón NO está al mismo nivel que Juego de Tronos, empezando por la menor complejidad al tener sólo dos tramas (tres si contamos el decepcionante arco de Daemon) frente a las múltiples localizaciones y personajes de Juego de Tronos. Tampoco los personajes son igual de memorables, en especial sus virtuosos y poco complejos personajes femeninos. Sin embargo, yo sabía todo esto y lo acepto sin problemas. Porque en realidad, como he comentado, la serie me entretiene muchísimo, a pesar de la constante sensación de trailer de lo que está por venir y su excesivo ritmo expositivo y anticlimático.

Comparto el trailer de esta temporada:

La segunda temporada de La casa del dragón confirma que es una buena serie de televisión con una narrativa que como mínimo debe ser calificada de cuestionable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de El Increíble Hulk 9-11 de Phillip Kennedy Johnson y Danny Earls (Marvel Comics – Panini)

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Me gustan las historias que Phillip Kennedy Johnson está creando en su etapa en El Increíble Hulk, con un terror y unos monstruos asentados en el folk y la mitología. Sin embargo, el desastroso dibujo de Denny Earls han hecho que estos comics sean ilegibles. Lo que me faltaba.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Charlotte congelada.

El deambular de Hulk y Charlie les conduce hasta un poblado sobrenatural, azotado por un asesino en serie. Pero no se trata de un asesino convencional, y Hulk necesitará la ayuda de un detective diferente si quiere acabar con él.

Phillip Kennedy Johnson me parece un escritor muy interesante que ha sabido encontrarle el punto que necesita Hulk para que sus historias funcionen. Por ejemplo, a pesar de que el over-the-top inicial resultó divertido, Donny Cates no supo encontrar ese punto, y por eso su etapa no funcionó, aparte de su accidente que le obligó a abandonar la escritura. El pitch es que con un Banner y un Hulk cada vez más enfrentados, la Progenitora que domina a los monstruos del Universo Marvel obliga a Bruce y a su acompañante Charlie a moverse por toda la geometría de los Estados Unidos escapando de estas amenazas sobrenaturales. Esto les lleva hasta Nueva Orleans para este arco de tres números en que conoceremos a Nephele, consorte de Lucifer Lucero del Alba y la más hermosa de los Nefilim, que fue arrastrada a la Tierra tras la caída de Lucifer. Nephele es un mito de Nueva Orleans, una asesina en serie que desde hace más de un siglo se dedica a matar jóvenes víctimas para sacarles sus almas y dejarlas almacenadas en figuras diminutas. Este arco ofrece otra muestra del folk-terror creado a partir de mitos y leyendas, religiosas o no, lo que hace que su ambientación tenga un toque onírico que me funciona,

En la segunda historia contenida en el número 11 de Panini, que incluye la nueva historia del Giant-Size Hulk 2024, Hulk se encontrará con Parches Jack, el supervisor sobrenatural de los trenes que se encarga que todos los polizones paguen su billete. El combate resultante y la destrucción están a la altura de lo que se espera de un comic de Hulk. Hablando con mi hermano Fernando sobre este comic, me comentaba que la idea de «vencer a ostias a amenazas sobrenaturales» es algo que ya en Hellboy no nos funcionaba (de hecho, es el motivo por el que no compramos el comic de Mignola y otros). Sin embargo, no se por qué, pero de momento las historia de Johnson me funcionan de formas que Mignola nunca consiguió.

El problema gravísimo es este arco es el lamentable dibujo de Danny Earls. En el Spot-On Julián Clemente comenta que Earls es un jugador de futbol británico que llegó a debutar en la Premier y que jugó durante muchos años en Estados Unidos. Tras volver a su casa en Inglaterra decidió volcarse con su otra vocación, dibujar comics, consiguiendo cierta notoriedad tras ser alabado por Gail Simone. Esto le consiguió sus primeros encargos en Marvel, entre los que tenemos este arco de tres números.

Matthew Wilson en el color no puede hacer milagros, porque los lápices de Earls parecen los de un niño de 10 años que no acaba de saber dibujar figuras de forma profesional, con figuras anatómicamente horrendas que además parece como si estuvieran a medio terminar. Aparte de unos dibujos básicos e insatisfactorios, su narrativa me parece terrible también, haciendo que todo luzca acartonado y estático. Además de todo esto, quizá lo menos malo sean las imágenes de las personas «normales», en cuanto se pone a dibujar elementos sobrenaturales, empezando por el mismo Hulk, sus imágenes son aún peores. Earls no sabe dibujar a Hulk, pero aquí le tenemos cobrando por haber dibujado tres grapas del personaje.

Me quedo muerto pensando en que un editor vio las páginas de prueba de Earls y le gustaron lo bastante como para pagarle. Me he encontrado con muchos artistas mediocres y sin personalidad en Marvel y DC en los últimos años. Pero Earls está a otro nivel, puede ser el peor dibujante que he visto en un comic Marvel seguro de los últimos 10 años. Terrible.

Fijaros como será la cosa que tras sufrir estos comics lamentables de Earls, tener a Andrea Brocardo dibujando la historia de Giant-Size Hulk, con color de K.J. Díaz, me pareció como si tuviera a George Pérez o John Byrne en su mejor momento. La realidad es que Brocardo está bien, pero es la comparación lo que hizo casi elevarle a los altares. Cuando en realidad estamos ante otro comic que está bien sin más.

El comic es ante todo un medio que cuenta historias con imágenes. Y si estas imágenes no están a la altura, el resultado final solo puede ser suspenso. Y seguro que Earls es una bellísima persona, pero su mediocridad y falta de calidad no le dan para ser un dibujante profesional de comics mainstream de superhéroes. El palo que me han pegado estos comics me ha parecido tremendo. Ojalá no tenga que leer otro comic dibujado por este artista. Desde luego, si puedo evitarlo no. Y mucho menos pagar por ello, como hice con estos comics.

Comparto las primeras páginas del número 9 USA, que curiosamente son las páginas «buenas» de este arco. Y si estas páginas son las mejores, imaginad el resto:

Con dibujos como el de Danny Earls resulta imposible comprar un comic mainstream. Por suerte, el mes que viene vuelve Nic Klein, pero qué desastre estos tres últimos números.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de D.I.O.S.E.S. 7 de Jonathan Hickman y Valerio Schiti (Marvel Comics – Panini)

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D.I.O.S.E.S. de Jonathan Hickman y Valerio Schiti, con color de Marte Gracia, se acerca al final. Comparto mis impresiones de este séptimo y penúltimo número centrado en Dimitri, el compañero de Wyn.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Dimitri es un huérfano que nació en el Cosmódromo. En alguna parte está lo que ha estado buscando toda su vida. El camino de entrada es el camino de paso. Todo lo que tienes que hacer es escuchar la señal.

Llegados al séptimo número de D.I.O.S.E.S., está claro que no se le puede pedir a este comic que sea algo que no es. Sin embargo, refleja para bien y para mal lo que es el estilo de escritura de Jonathan Hickman y sus tics recurrentes. Cosas que pueden volarle la cabeza a algunos lectores pero que provocan desconexión a otra parte de fandom.

Pero antes de todo, tengo que quitarme el sombrero antes Valerio Schiti y Marte Gracia. Luego entro en la historia, pero el dibujo super dinámico de Schiti y el color espectacular de Gracia hacen que el comic sea un manjar para los sentidos. Los posibles problemas del comic son sobre la historia de Hickman, Schiti está a un nivel de super estrella en que merece la pena leer todo lo que haga. Sus composiciones de página, la forma en que hace que conversaciones que no apartan nada resultan interesantes, la fluidez narrativa y la maravilla que son sus escenas de acción hacen que este comic destaque sobre todo por su acabado artístico.

El «problema» de este comic no es el dibujo, claro, sino la historia de Hickman a la que sólo le falta un número para su finalización. Y más que «problema», el gráfico de Hickman que comparto a continuación y que aparece en este número explica los problemas que tengo con Hickman. Con la escritura de Hickman a nivel general, y con la premisa y ejecución de este comic.

En este séptimo número protagonizado por Dimitri tenemos el origen del ayudante de Wyn. Descubrimos que sus padres eran cosmonautas rusos que desaparecieron hace décadas, y todo lo que ha hecho Dimitri en su vida, incluso unirse al Orden Natural de Todo, estuvo motivado con su lucha para encontrarlos. A lo largo de la miniserie Dimitri estuvo dejando balizas en las diferentes localizaciones que visitaba. Hasta este comic parecía que era un plan del Orden Natural de todo, pero en este comic descubrimos que Dimitri tenía su propia agenda. Esto en si ya debería ser problemático, pensando en que el Orden parece ser una «organización» super poderosa. Pero en realidad, el problema es que toda la aventura parece una excusa para lo que parece que es más interesante para Hickman: El cuadro en el que nos explica que la realidad del Universo Marvel se construye dentro de un cuadrado creado dentro de las coordenadas Ciencia-Magia, Bien-Mal, Nacimiento-Muerte. Esto Hickman lo llama «el eje de poder».

Los padres de Dimitri desaparecieron en 1963 cuando era un niño de ¿8-10 años? Desde luego, Dimitri se conserva bien pensando que tiene casi 70 años. La búsqueda de sus padres le obliga a abrir un portal a un lugar fuera de la realidad conocida. Y dentro que la aventura está chula, dentro que la madre de Dimitri aparece de la nada, a todo el conjunto le falta tensión ya que no sabemos qué son estos seres habitantes de esta otra realidad. Aparte, la historia resulta anticlimática con el rescate de la madre de Dimitri sólo para verla morir cuando su cuerpo recibe de golpe los 60 años en que estuvieron perdidos. Además, la historia tiene un no final, dado que Dimitri desaparece para buscar a su padre, quedando la historia inconclusa. Así que dentro de un comic con un dibujo super chulo, tenemos una historia donde alguien viaja a un sitio para encontrarse con algo no explicado, para volver a viajar una segunda vez sin saber lo que ha sucedido. Y como pasa con Hickman, sumado a la premisa del octavo número, esto parece que va a quedarse colgado hasta otro momento. Que no será en esta serie que aún no se sabe si va a tener continuación. Plantear un comic supuestamente inteligente que sólo plantea preguntas sin responder nada en realidad es más fácil de lo que parece. Y seguro es más tramposo.

Aparte, Marvel vendió este comic con la premisa de ver a Jonathan Hickman reinventar la cosmología del Universo Marvel. Para ello creó dos facciones, los Poderes Fácticos y el Orden Natural de Todo. Wyn es el avatar de los primeros mientras que Aiko y Dmitri pertenecen a los segundos. Pero tras 7 números nunca hemos llegado a saber exactamente qué es el Orden Natural de Todo, de donde surge su poder y cual es la diferencia que tienen con los Poderes Fácticos. De momento, sabemos que alargan la vida de sus adeptos, pero poco más. De hecho, no dejo de leer en el prólogo de cada grapa lo de «una alianza incómoda entre ciencia y magia» para definir la relación entre estos poderes pero al final queda como una frase vacía sin interés dado que Hickman no se ha molestado en responderla. A estas alturas del comic, y sobre todo con la certeza que es una pregunta que Hickman no se ha planteado responder para empezar, es casi insultante para el lector.

Esta nueva cosmogonía se suponía que tenía que sustituir a la anterior, pero diría que los conceptos de Hickman no han cuajado. Si lo hubiera hecho esta miniserie no hubiera tenido tan sólo 8 números, o tras su finalización Marvel ya habría anunciado su continuación futura, cosa que de momento no ha hecho. Así que Hickman ha vuelto a colar a los lectores un comic con montones de conceptos ambiguos cuyo desenlace no está claro donde se va a producir. Por otro lado, puesto en la balanza, sigo quedándome completamente con Stephen Extraño como ser más poderoso del ámbito mágico de Marvel. Y no se si veo a Jed MacKay usando los conceptos de Hickman para sus estupendas aventuras.

D.I.O.S.E.S. no ha conseguido conectar con mis gustos, a pesar del estupendo dibujo de Schiti y Gracia. Una pena. Y sin embargo, aún confío que Hickman sea capaz de darnos un final a la altura. Aunque en realidad, creo que va a ser un final tan anticlimático como ha sido la serie en general.

Comparto las primeras páginas del comic:

D.I.O.S.E.S. no es un mal comic, y desde luego está super bien dibujado. Pero los ticks de Hickman impiden que sea uno notable.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Teenage Mutant Ninja Turtles 1 de Jason Aaron y Joëlle Jones (IDW)

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Tenia ganas de leer el relanzamiento de las Teenage Mutant Ninja Turtles encargado a Jason Aaron por su editor de IDW. Y la verdad es que estando bien este primer número, que cuenta con dibujo de Joëlle Jones y color de Ronda Pattison, creo que el concepto de separar a las tortugas ha provocado que este número se sienta un pelín anticlimático.

PUNTUACIÓN: 7/10

Estreno de una nueva serie ¡Nuevo punto de partida! Las Tortugas Ninja han abandonado Nueva York para perseguir sus propios intereses, pero se están reuniendo fuerzas que las volverán a unir, les guste o no a los malos. El primero: Raphael. Pero, ¿por qué está en prisión el luchador favorito de todos? Cuando un ataque sorpresa entre rejas pone en peligro la posición de Raph, éste tiene que averiguar cómo salir de la cárcel y avisar a sus hermanos de que se avecinan problemas. El guionista Jason Aaron (The Mighty Thor, Batman: Off-World) se une a Joëlle Jones (Lady Killer, Catwoman) para el primer número de una nueva serie de TMNT que iniciará una nueva y audaz era, celebrando el 40 aniversario de los TMNT y preparándolos para los próximos 40 años.

Jason Aaron se mostró entusiasmado con este encargo. «Lanzar una nueva serie de cómics de TMNT en medio del 40 aniversario de los personajes es claramente uno de esos trabajos soñados de todos los trabajos soñados de los cómics. Especialmente para mí, un niño que se enamoró por primera vez de las Tortugas hace tantos años debido a esa serie original de Mirage Studios, comprando esos temas innovadores recién salidos del estante, cómics que te pateaban en la cara con su valor lleno de acción y actitud gloriosamente cruda. No podría sentirme más honrado y emocionado de contribuir a ese estimado legado de patear caras en los cómics, especialmente como parte de una increíble carrera de IDW que ha expandido el mundo y la línea de tiempo de las Tortugas de maneras tan atrevidas y emocionantes. En términos de lo que está por venir, el niño que hay en mí quiere que sepas que puedes esperar algo de coraje a la antigua usanza, una pizca de actitud nueva y oscura y toda la acción desgarradora que cuatro hermanos ninja mutados posiblemente puedan manejar».

Por su parte, Joëlle Jones comentó a IGN que «Para mí trabajar en TMNT fue primero un golpe de nostalgia, ¡siendo una niña de los 80 lo consumí todo! Pero en el fondo, y por lo que creo que todavía resuena entre la gente hoy en día, es que es una historia sobre una familia de marginados rebosante de personalidad y los conflictos que surgen de ella. O tal vez sólo me gusta la figura paterna de la rata gigante, ¡que podría ser algo que tendría que desmenuzar con un terapeuta más adelante!»

El concepto de Aaron es plantear que los 4 primeros números estén protagonizados por una tortuga, con artistas diferentes. Si en este estreno tenemos a Raphael dibujada por Joëlle Jones, a continuación tendremos a Michelangelo por Rafael Albuquerque, Leonardo por Cliff Chiang y Donatello de Chris Burnham. Desde luego, se trata de un equipo All-Star de dibujantes.

De todas las formas que tenía Jason Aaron para relanzar el comic de las Tortugas Ninja, esta es la que a priori más extrañeza me generaba a priori, sensación que se ha visto confirmada tras leer esta grapa. Y es que los lectores veteranos p jóvenes que nos hemos reenganchado a las Tortugas Ninja lo que queremos es ver a los 4 hermanos junto dando cera a ninjas malvados. Que no se vayan a reunir hasta el quinto número, pensando en los cuatro primeros números autoconclusivos que se han anunciado, cada uno protagonizado por una Tortuga, es lo contrario a lo que creo que queremos los fans. (Esto me recuerda lo que a veces se dice sobre que al fan no hay que darle lo que pide sino lo que aún no sabe que quiere, rompiendo las expectativas).

Y entrando a valorar lo que nos cuenta Aaron en esta grapa, la historia empieza en medio de todo, al ver a Rafael preso en una prisión sin saber qué ha provocado su detención. La vida de Rafael en prisión es el centro de esta grapa, hasta que un ataque dentro de la prisión le convence que hay una conspiración más peligrosa y amplia de lo que podría imaginar, lo que le lleva a intentar buscar a sus hermanos antes que sufran otros ataques. El comic se lee en un suspiro, dicho esto en el mejor sentido posible, gracias a un estupendo dibujo de Joëlle Jones y el color de Ronda Pattison. y en realidad no puedo decir nada malo de un comic que lo hace todo bien, excepto la parte de hacerme esperar al menos 4 meses más para ver a mis quelonios favoritos.

El arte de Joëlle Jones es uno de los valores positivos del comic. Jones se lo ha currado mucho, por lo que si que me creo que es cierto que las TMNT era una de sus series favoritas cuando era niña. Lo primero en lo que acierta es con la caracterización de Rafael. No hay nunca una sonrisa en su rostro, solo dientes apretados y ceño fruncido. La escena de acción del comic tiene una coreografía super dinámica, difuminando los detalles de los fondos para transmitir la velocidad y la ferocidad de las habilidades ninja de los luchadores. Todos los presos de la cárcel parecen personas reales, no la repetición del mismo esquema de preso común. Esto entiendo que debió provocar que Jones invirtió mucho más tiempo en dibujar esta grapa, y es algo que yo como lector agradezco enormemente.

No conocía a Ronda Pattison, pero era la colorista de IDW que trabajó en la etapa previa de TMNT. Entiendo que este detalle hace que haya cierta continuidad entre una etapa y otra. En lo referido a esta grapa, los colores son en su mayoría oscuros y sombríos, algo que cuadra con la ambientación de la historia en una prisión. El cambio cromático en la escena de acción, con fondos de color amarillo brillante, ayuda a que todo luzca mucho más dinámico. En general el apartado artístico del comic me parece que ayuda a que este comic luzca estupendamente y se lea de maravilla.

Como decía al principio aún estoy esperando que la historia de Aaron me enganche, pero reconozco que estoy intrigado con el estado en que se ha quedado la historia y qué va a hacer ahora Rafael. Y el resto de Tortugas, claro. A ver con qué sensaciones me deja la historia de Michelangelo que dibuja Rafael Albuquerque.

Comparto las primeras páginas del comic:

El principio de la nueva etapa de Teenage Mutant Ninja Turtles la verdad es que me ha dejado un poco frío. La idea de separar a las tortugas para este reinicio me ha parecido arriesgado y anticlimático, siendo generoso. Aunque en realidad tengo curiosidad por saber cómo va a continuar Aaron esta historia. Así que supongo que ni tan mal.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Transformers 10 de Daniel Warren Johnson y Jorge Corona (Image Comics)

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Décimo número de Transformers de Daniel Warren Johnson y Jorge Corona, con color de Mike Spicer, un número de transición que nos prepara para el Big-Bang del final de este segundo arco pero que está lleno de momentos super potentes.

PUNTUACIÓN: 8/10

Revelado el plan de Shockwave. ¿Podrán los Autobots recuperarse de su última derrota a tiempo para salvar a todos?

Una de las cosas que me gustan mucho de los comics de Transformers de Daniel Warren Johnson es que consigue con todas las grapas que termine con la sensación que han pasado muchas cosas en este número, a pesar de estar ante una grapa de 20 páginas. Este número 10 puede considerarse de transición porque revela el plan de Shockwave, que era nada más y nada menos que traer a CYBERTRON a la Tierra para que pueda consumir los recursos naturales de la Tierra. El comic nos deja con uno de los cliffhangers más bestias que hemos tenido en la colección, y la verdad es que hemos tenido varios de categoría astronómica. Y lo mejor es que tengo claro que el comic va a mejorar en los dos números que restan de este segundo arco de la colección.

La presentación de Beachcomber sin diálogos me parece magistral, aunque hay que reconocer que su llegada en el número pasado para salvar a Spike fue un poco porque si. Junto a esto, me gusta mucho la escena de Optimus Prime y Elita con el reproche que ella le lanza al considerar (con razón) que Optimus abandonó a los Autobots que se quedaron a combatir a los Decepticons cuando él se subió en el Arca. Por el lado de los villanos, Shockwave y Soundwave se están mostrando como unos Decepticons fantásticos, y nos dan grandes momentos cada vez que aparecen.

La revelación de Cybertron me parece una pasada porque como en los grandes comics de Robert Kirkman, me parece un acierto que Transformers NO se guarde nada y vaya a tope siempre con la mayor amenaza posible. En otros comics o editoriales, la posible amenaza de Cybertron sería algo que se sugeriría durante meses y casi años hasta que llegue a concretarse, en Skybound, acaba de llegar a la órbita de la Tierra en apenas 10 números. La capacidad de síntesis de Daniel Warren Johnson, refinando lo más importante de cada situación pero conservando los personajes todo su carisma, me parece uno de los grandes aciertos del autor afincado en Chicago. La fuerza y la personalidad del dibujo de DWJ siempre fue su fuerte y lo más reconocible que tiene, pero queda claro en cada grapa que también es un escritor y un narrador sobresaliente.

El dibujo de Jorge Corona con color de Mike Spicer es una pasada, y confirma que parte clave del éxito del comic es gracias a su arte. El arranque del comic con el origen de Beachcomber (un Autobot que creo que no conocía de nada) y la forma en que está contada su llegada a la Tierra con varias páginas sin diálogo me parecen magistrales. Corona resulta espectacular cuando tiene que serlo, pero me asombra su capacidad de generar emoción con unos seres metálicos es digna de alabanza.

Y si la parte de Beachcomber maravillándose con la vida animal de la Tierra es super emocionante, ver lo que significa el sense-of-wonder de Shockwave ante la vida marina de la Tierra nos ofrece otro momento aterrador que confirma la villanía de este Decepticon. El climax con la llegada de CYBERTRON a la Tierra es otro momentazo de WHOOOA! que me ha dejado flipado. Y todo es gracias a un dibujo increíble.

Otra cosa que me gusta mucho de Corona es su distribución de página, que podéis ver a continuación en las páginas de preview. Como en números anteriores, Corona alterna páginas con 5/6 viñetas con otras muchas con 9 y 10 viñetas, que alternan la narración vertical y horizontal. La forma en que transmite el paso del tiempo simplemente alargando las viñetas me parece extraordinario, y lo hace de una forma super elegante. Además de dibujar imágenes potentes, un buen dibujante de comics debe saber NARRAR una historia, y lo que está haciendo Corona cada mes me parece que le coloca a la altura de los artistas super top de Marvel o DC. Me declaro muy fan.

Transformers es el mejor comic mainstream actual. Y esta es una opinión que se renueva cada mes, con cada grapa. Esto es también otra cosa que merece ser celebrada. Si a esto le sumamos que los dos números que quedan de arco pueden ser acojonantes, se confirma que estamos en un buen momento para hacerse fan de los Transformers.

Comparto las primeras páginas del comic:

Este mes Transformers nos plantea un número de transición que nos prepara para el gran climax final de los próximos dos números. El entretenimiento es máximo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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