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Crítica de El príncipe Dragón temporada 4: El misterio de Aaravos (Netflix)

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Casi por sorpresa y tres años después del final de la tercera temporada, Netflix ha estrenado una cuarta temporada de El Príncipe Dragón, la serie de animación que ha creado un estupendo mundo de fantasía.

PUNTUACIÓN: 7/10

Dos años después del final de la tercera temporada, Claudia ha conseguido realizar el hechizo para resucitar a su padre Viren, lo que da inicio a una nueva amenaza que puede destruir todo el mundo de fantasía de Xadia.

El príncipe dragón es una serie de animación creada por Aaron Ehasz y Justin Richmond. Uno de los objetivos fundamentales del equipo creativo con respecto a El Príncipe Dragón es «retratar un mundo de fantasía que se sienta más diverso y representativo que los mundos e historias de fantasía que hemos visto en el pasado». Tras las exitosas tres primeras temporadas, Netflix dio luz verde a la producción de 4 nuevas temporadas, cada una de 9 episodios, de la que esta es la primera. Un arco que cerrará completamente la historia que los creativos plantearon desde el comienzo de la serie.

Los personajes principales de la serie son (gracias wikipedia):

Ezran: El hijo de 10 años del rey Harrow y hermanastro menor de Callum que tiene la capacidad de hablar con los animales. Ezran comienza como príncipe heredero, pero se convierte en rey de Katolis al comienzo de la tercera temporada.

Callum: hermanastro mayor de Ezran, de 14 años e hijastro del rey Harrow. En el transcurso de la serie, se convierte en el primer humano que maneja la magia primigenia por sí mismo y comienza una relación con Rayla. Tras la caída de Viren, se convierte en el nuevo Alto Mago de Katolis.

Rayla: Una prodigiosa asesina elfa de la sombra de la luna de 15 años que se alía con Callum y Ezran para devolver al Príncipe Dragón a su madre. Con el tiempo, ella y Callum comienzan una relación romántica.

Viren: Consejero del rey Harrow y uno de los principales antagonistas de la serie. Practicante de la magia oscura, busca el avance de la raza humana y su dominio sobre Xadia por cualquier medio, y acaba siendo manipulado por Aaravos en el curso de su búsqueda. Los dos hijos de Soren son Claudia, su hija de 16 años, y una talentosa maga oscura que es muy leal a su padre a pesar de sus ambiciones de dominar Xadia, y Soren, su hijo de 18 años y miembro de la Guardia de la Corona Katoliana. Un soldado fanfarrón e inmaduro, pero hábil y de buen corazón.

General Amaya: La tía materna sorda de Callum y Ezran que se comunica en lenguaje de signos y comandante del ejército katoliano. Mantiene además una relación sentimental con Janai: Una guerrera elfa de Sunfire y la hermana menor de su reina Khessa. También es conocida como la Caballero de Oro de Lux Aurea, la capital de los Elfos Fuego del Sol. Tras la muerte de su hermana a manos de Aavaros y Viren, se convierte en la nueva reina de los Elfos del Fuego Solar.

Aaravo: Un elfo de las Estrellas también conocido como la Estrella Caída, y uno de los principales antagonistas de la serie que fue encarcelado dentro de un espejo que pertenece a los Reyes de Xadia por crímenes desconocidos. Es un maestro de la magia primitiva y oscura que utiliza a Viren para lograr sus propios objetivos. Su historia de fondo se explica en el Libro Cuarto: La Tierra, que ha cambiado el nombre de la serie por El Príncipe Dragón: El Misterio de Aaravos.

El Príncipe Dragón es una de esas pequeñas joyas de la fantasía que pudimos disfrutar gracias a la apuesta de Netflix por las series de animación. Las tres primeras temporadas fueron una gozada absoluta, y una muestra genial que se puede hacer una serie de personajes diversos que conecten con el público sin que ello genere polémicas ridículas. Polémicas que por otro lado surgen cuando los estudios lo primero que plantean al adaptar personajes nacidos en obras en otros medios (novelas, comics o video juegos) es cambiar el sexo, la raza o la orientación sexual de algunos de los personajes para convertirla en «más diversa». En esta serie tenemos una historia de amor entre dos mujeres, una de ellas con una discapacidad, y no hay ningún problema por ello a mi entender (y en el de cualquier persona con dos dedos de frente).

En lo referido a la animación, El príncipe dragón surgió con una estética muy particular nacida de la combinación de animación por ordenador 3D con técnicas de animación dibujada a mano. Hay cierta sensación de desconexión de los personajes respecto a los fondos en los que tiene lugar la acción, como si flotaran en pantalla, haciendo que la serie alterne momentos visualmente bestiales con otros que parecen sacados de un cartoon de los 80. Dicho obviamente en el peor sentido posible. Pero esto es una situación que ya viene desde la primera temporada, y en mi caso entiendo que la animación es la que es y no va a cambiar ahora, así que no me supuso un problema grave mientras vi la serie.

La tercera temporada ofreció un estupendo climax a la historia que habiamos visto hasta ese momento, de forma que si la serie hubiera terminado ahí podría decirse que tenía un final super satisfactorio. Pero este final anticipó también lo que podría ser la principal fuente de problemas para el reino de Xadia, al asistir a la resurrección del villano Viren por su hija Claudia. Con el estreno de esta cuarta temporada tres años más tarde, asistimos a la sorpresa que esta resurrección tuvo lugar 2 años después de los sucesos de la temporada anterior, que es el momento en que va a tener lugar la serie. Por cierto, ahora que lo pienso, aparte de ver a Ezran más crecidito, la verdad es que sorprende lo poco (o nada) que ha cambiado el reino en este tiempo. De hecho, que tras todo este tiempo los elfos del Sol liderados por Janai sigan viviendo en tiendas de campaña no se si tiene demasiado sentido. La serie presenta lo que va a ser el conflicto principal de las próximas temporadas, al buscar Viren y Claudia liberar al malvado elfo oscuro Aaraven de su prisión. Aaraven es el principal cáncer que sufrió el reino durante años (siglos) y si escapa, su poder descontrolado puede destruirlo todo. Pero antes, hay que encontrar donde se encuentra esta prisión, lo cual será el hilo conductor de esta primera temporada y entiendo que la siguiente.

La serie plantea, además de la trama principal, una segunda trama sobre el conflicto que se vive en el asentamiento de los elfos del Sol al chocar las tradiciones de los elfos con la de los humanos con los que comparten hogar provisionalmente. Aparte de una nada sorprendente lucha por el trono de los elfos en la que una reina benevolente (mujer) tiene que enfrentarse a las ansias de poder de su hermano (un hombre), la serie plantea en esta trama una interesante historia sobre que hay que respetar las tradiciones de los demás, pero más importante es el perdón y en poner por delante el construir un futuro en común.

Si tengo un problema con algo, es con la forma en que nos están contando las acciones de Claudia, una hechicera que controla la magia negra y que está realizando acciones de una verdadera villana que sin embargo son mostradas como si todo fuera super chupi-guay. Me gusta que en su momento la serie mostrara personajes con sombras de grises, y que el villano Viren fuera capaz también de mostrar amor por su hija, pero hay un intento muy claro de blanqueamiento de unos hechos que si los hiciera un hombre serían considerados completamente malvados. La excusa de hacer lo que sea por salvar a su padre solo funciona hasta cierto punto y no son una patente de corso que la permiten salirse con la suya de cualquier cosa que haga.

Debido a la narrativa serializada que la serie plantea con las 4 temporadas aprobadas, siendo esta la primera, se nota que esto es apenas el comienzo de la nueva trama y apenas sirve de presentación de los principales arcos argumentales que serán desarrollados más adelante. Es por esto que a pesar de la aparición de varios de los principales dragones en el último episodio, me quedé con la sensación que a la temporada le ha faltado un climax más potente del que nos han ofrecido. Problemas del worldbuilding. En todo caso, dada la sorpresa que ha supuesto el estreno de esta nueva temporada, me quedo con una sensación satisfactoria y con ganas de más.

Dado que Netflix aprobó las 4 temporadas de una tacada, espero que la producción vaya rápida y podamos tener la 5ª dentro de un año y no se alargue la espera más de la cuenta.

Comparto el trailer de esta cuarta temporada:

El príncipe dragón recupera muchas de sus señas de identidad en esta nueva temporada, y aunque la serie es tan entretenida como recordaba, quizá el visionado sufra un poco al ser los sucesos demasiado expositivos del nuevo statu-quo tras el salto temporal, dejando claro que lo mejor está por venir.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Películas

Crítica de Enola Holmes 2 de Harry Bradbeer (Netflix)

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Netflix ha estrenado la segunda pélicula de Enola Holmes con el mismo equipo de la primera, con la dirección de Harry Bradbeer y protagonizada por Millie Bobby Brown y Henry Cavill.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Después del éxito de su primer caso, Enola Holmes (Millie Bobby Brown) sigue los pasos de su popular hermano, Sherlock (Henry Cavill), abriendo su propia agencia, descubriendo que la vida como mujer detective a sueldo no es tan fácil como parece. Resignada a aceptar la realidad como adulta. A punto de cerrar el negocio cuando una joven cerillera sin dinero le ofrece a Enola su primer trabajo oficial: encontrar a su hermana desaparecida Sin embargo, este caso resulta ser mucho más desconcertante de lo esperado, que hace que Enola se vea inmersa en un nuevo y peligroso mundo: desde las siniestras fábricas de Londres y los coloridos salones de música, hasta los más altos niveles de la sociedad y el propio 221B de Baker Street. A medida que las chispas de una conspiración mortal se encienden, Enola debe recurrir a la ayuda de sus amigos -y del propio Sherlock- para desentrañar su misterio. ¡El juego comienza de nuevo!

Enola Holmes 2 ha sido dirigida por el director británico Harry Bradbeer, conocido principalmente por su trabajo en series como Killing Eve o Fleabag y director de la primera película. El personaje de Enola Holmes adapta al personaje creado en la novela de Nancy Springer, pero en esta segunda película no adapta ninguna novela de Springer, sino que el guionista Jack Thorne y el propio Bradbeer se inspira en la historia real de Sarah Chapman, una trabajadora de una fábrica de cerillas que en 1888 lideró la conocida como huelga de las cerilleras, la primera realizada por mujeres en Reino Unido. La película de 123 minutos de duración cuenta con fotografía de Giles Nuttgens, montaje de Adam Bosman y música de Daniel Pemberton.

En el reparto de la película volvemos a encontrarnos a Millie Bobby Brown como Enola Holmes, Henry Cavill como Sherlock Holmes y a Helena Bonham Carter como Eudoria Holmes, madre de Enola y Sherlock. David Thewlis como el inspector jefe Grail, Adeel Akhtar como el inspector Lestrade, Louis Partridge como Tewkesbury, Hannah Dodd como Sarah Chapma, Susie Wokoma como Edith y Sharon Duncan-Brewster como Mira Troy completarían este casting de actores étnicamente diversos.

Enola Holmes fue una película bastante entretenida con una protagonista que rebosaba frescura. En esta segunda película se mantienen las señas de identidad de la anterior, teniendo claro que no hay que cambiar lo que funciona. De esta forma, tenemos una investigación que genera una aventura que no da ni un minuto de respiro al espectador y que ahonda además en la relación de Enola con su hermano mayor Sherlock.

Me parece curioso y una opinión totalmente personal, pero diría que Millie Bobby Brown y Henry Cavill no acaban de tener una buena química en pantalla. La altura y potencia física de Cavill no deja en buen lugar a Brown, recordándonos todo el rato lo menuda que es la actriz. Además, las interacciones entre ambos no acaban de ser ni especialmente divertidas ni lo excéntricas que se esperarían para un personaje como Sherlock Holmes, que en este caso además debe tener un papel secundario en relación a su hermana.

En lo referido a la historia, ha sido interesante poder descubrir la historia real de las cerilleras, aunque realmente la película se invente toda la peripecia previa que justifica la investigación de Enola Holmes. Vista en perspectiva, la historia acaba siendo super endeble y casi lo peor de la película, más empeñada en presentar acción non-stop y resaltar las ideas feministas de la sororidad y de trabajar juntas para conseguir sus metas que en hacer que la investigación sea interesante. De hecho, vista toda la película en perspectiva, la desaparición que pone todo en marcha resulta un mcguffin bastante tonto y absurdo.

Dentro que es una película entretenida, quizá la película tiene el mismo problema que la primera parte, y es su intrascendencia y falta de elementos realmente interesantes. Tan pronto como terminé de verla empezó a borrarse de mi mente porque nada había sido especialmente reseñable. De hecho, los decorados o las coreografías de acción me parecen bastante mediocres, por no decir algo más fuerte. La sensación que los productores lo han confiado todo en el carisma de Brown y Cavill, unido quizá a la excentricidad de Helena Bonham Carter, estuvo siempre presente durante el visionado.

Por cierto, teniendo en cuenta la actual ola de corrección política, no me extrañó el cambio que han planteado en el personaje de Moriarty. Pero sí me parece risible cómo han convertido al gran villano de Sherlock Holmes y mente maestra del mal en una víctima de la sociedad machista que no reconoce su trabajo y la obliga a lanzarse a una vida de crimen. ¿Si digo que me parece patético me llamaréis machista?

Hay otro elemento que me parece curioso y muestra el actual estado mental que parece transmitir el actual activismo woke. Y me refiero que Sarah Chapman, la trabajadora de la fábrica de cerillas que lideró junto a más personas la huelga de cerilleras era una mujer de origen humilde que trabajó toda su vida en trabajos humildes pero respetables y llegó a fundar el primer sindicato de mujeres trabajadoras. Sin embargo, la película cambia su origen para convertir a Sarah Chapman en una noble llamada Cicely que se disfraza de pobre para denunciar y luchar contra las condiciones laborales que sufrían las mujeres y que podían ser consideradas criminales. En cierto sentido, esto me recuerda a los influencers y ricos hijos de papá universitarios que dominan el activismo del siglo XXI, que están intentando explicar a la gente normal cómo tienen que sentir, opinar o votar para ser buenos ciudadanos, cuando ellos no saben cuales son los problemas reales a los que se enfrenta la gente normal todos los días y jamás han vivido las desigualdades de las que se consideran víctimas. Que cambien este elemento clave de la figura histórica de Chapman para que no sea una mujer humilde sino una rica con consciencia social me indica que se busca (aunque sea de forma inconsciente) transmitir la idea que la gente debe confiar en los activistas actuales que saben lo que conviene al pueblo mejor que ellos.

No, no estoy siendo malpensado ni el cambio es por casualidad. Si nada en lo referido a la representación de las diferentes etnias que aparecen en la película es casual y todo transmite que está medido y calculado, este cambio clave tampoco lo es. Se ha hecho con una motivación y el conectarlo con el actual activismo es tan obvio que sonroja un poco de lo burdo que resulta. Porque claro, la idea que la gente normal se asocie y luche por sus derechos sin necesitar a una figura paterna en forma de activista (que es lo que pasó en la vida real, ojo), obviamente no encaja con los planes de ciertos colectivos y movimientos actuales que tienen muy poco de «sociales».

En fin. Si, Enola Holmes 2 es entretenida y sirve seguro si buscas un entretenimiento que no te haga pensar. Pero la forma en que nos cuelan ideología en cada una de los productos de entretenimiento me parece bestial. Desde luego, cada vez menos sutil.

Comparto el trailer de la película:

Enola Holmes 2 es tan divertida como intrascendente, y se olvida casi tan rápido como la ves.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Películas

Crítica de Wendell & Wild de Henry Selick (Netflix)

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Descubrir que Henry Selick estrenaba una nueva película de animación stop-motion fue motivo de alegría. Lamentablemente, Wendell & Wild estrenada justo a tiempo en Netflix a tiempo para Halloween, ha resultado una película super aburrida.

PUNTUACIÓN: 6/10

Dos malévolos demonios hacen un trato con una adolescente fanática del punk para escapar del Inframundo y hacer realidad sus sueños en la Tierra de los Vivos.

Charles Henry Selick Jr. (1952) es un director de cine, productor, guionista, diseñador de producción y animador conocido por dirigir las películas de animación stop-motion The Nightmare Before Christmas (1993), James and the Giant Peach (1996), Coraline (2009). Tras Coraline, Selick fichó por Pixar, aunque tras unos años en la compñía del ratón no llegó a concretar ninguno de los proyectos en los que estuvo involucrado.

Wendel & Wild está escrita por el propio Selick junto a Jordan Peele, adaptando la historia escrita por él y el escritor Clay McLeod Chapman (al que conozco de los comics de Grito en Marvel Comics), un trabajo que hasta hace poco aún no se había publicado. La película de 100 minutos cuenta con música de Bruno Coulais, con montaje de Robert Anich y Peter Sorg como director de fotografía.

En las voces originales encontramos a Lyric Ross como Katherine «Kat» Koniqua Elliot, la joven protagonista (con Serelle Strickland haciendo la vez de Kat de niña), Keegan-Michael Key es el demonio Wendell, Jordan Peele es Wild, Angela Bassett interpreta a Hermana Helley, James Hong es el Padre Best, Ving Rhames pone la voz a Buffalo Belzer, mientras que Sam Zelaya es Raúl Cocolotl.

Documentándome para esta reseña, he descubierto que tras Coraline, Selick pensó que la animación en stop-motion se había vuelto tan perfecta que no se distinguía de la animación por ordenador, lo que anulaba parte del propósito y el encanto del stop-motion. Es por esto que para Wendell & Wild decidió permitirse defectos, como mantener visibles las líneas de costura en los rostros de sustitución, y rodar menos fotogramas por segundo en algunas escenas. A excepción de un software de stop-motion llamado Dragonframe, utilizó más o menos los mismos tipos de herramientas y técnicas que utilizó en Coraline más de una década antes.

Y esta decisión marca uno de los primeros y principales problemas de la película, porque tanto los diseños de los personajes como algunos aspectos de la animación me resultan totalmente fallidos. Los diseños son super feos y no me gustaron nada, lo cual puede ser entendible en parte en los demonios, los villanos (que no son los demonios) o las monjas mostradas casi como pingüinos, pero no en los personajes protagonistas. Pero es que aparte de que me gusten más o menos los diseños de personajes, algo entiendo que super personal, el problema es que los personajes se mueven mal en pantalla de formas no naturales que me sacaban todo el rato de la película. Y soy consumidor de animación, no tengo problemas como movimientos raros, pero no acabo de entender lo que hacer algo mal (o no todo lo bien que podrías) a propósito. Se me hace incompresible.

Jordan Peele es productor de la película y hace una de las voces de los demonios junto a su colega Keegan-Michael Key, pero lo que se supone van a plantear diálogos ingeniosos y situaciones divertidas, y la verdad es que ni lo uno ni lo otro, creando una historia que se me hizo aburridísima y sin chispa en ningún momento.

Si me ha gustado mucho la selección musical de la película, que incluso incluye una canción de Living Colour que me ha parecido gloriosa. También, aprovechando que el pisuerga pasa por Valladolid, Jordan Peele no ha dejado de aprovechar esta película de animación para todos los públicos para hacer una crítica de la política penitenciaria de los Estados Unidos, y en concreto que empresas privadas estén queriendo hacer negocio de la gestión de las cárceles. Buscando no el interés del recluso y una posible reinserción, sino en crear más que mantengan el sistema vivo. Ese elemento de crítica social me parece interesante y sorprendente, las cosas como son, pero no evita que la película en su conjunto sea una decepción.

Comparto el trailer de la película:

Lamentablemente, a pesar de la maravillosa animación stop-motion, Wendell & Wild es una película aburrida que no se acerca a los clásicos de la animación previos de Henry Selick. Una pena.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Series TV

Crítica de El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro (Netflix)

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El concepto de antologías de terror no es nuevo, desde luego. Pero saber que Guillermo del Toro planteaba en Netflix la suya con el evocador título de El gabinete de curiosidades, colaborando con algunos directores más interesantes de la actualidad, convertían esta serie en un visionado obligado.

PUNTUACIÓN: 8/10

A estas alturas, no hace falta presentar a Guillermo Del Toro, uno de los grandes nombres del fantástico. El director, guionista y productor mexicano ganador del Oscar por La forma del agua (2017) empezó su carrera alternando películas personales de bajo presupuesto en español, como Cronos (1993) El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006, ganadora entre otras de 3 Oscars), con películas de Hollywood, como Mimic (1997), Blade II (2002), Hellboy (2004) y su secuela Hellboy II: El ejército dorado (2008), Pacific Rim (2013), Crimson Peak (2015), El callejón de las almas perdidas (2021). Además de esta serie, tiene pendiente de estreno en España su siguiente película, una nueva versión en animación stop-motion de Pinocho.

Netflix dió luz ver a esta antología de Gillermo Del Toro en 2018. Y lo primero a destacar es que a pesar de ser el creador de la serie y elegir a los diferentes directores de los capítulos, además de hacer las funciones de anfitrión para el espectador presentando cada uno de los capítulos, en una función similar a la de Alfred Hitchcock en su día, realmente Del Toro NO dirige ningún episodio. Dada la extensa faceta de Del Toro como productor puede entenderse, además de que Del Toro plantea la serie para resaltar los que para él son grandes nombres del terror actual, por lo que quedaría mal incluirse a si mismo.

La serie de 8 episodios se ha estrenado la semana pasada y llega justo a tiempo para Halloween. Netflix estrenó la serie a razón de dos episodios diarios, lo que permitió que los fans pudiéramos alargar la experiencia de su visionado. En este sentido De Toro comentó que habían estrenado los episodios de forma que compartieran cierta conexión temática entre si. Los episodios de la primera noche buscan recordar el feeling de la EC, los de la segunda noche fueran historias inquietantes y actuales, en la tercera noche se recuperaran clásicos de época adaptando dos historias de H.P. Lovecraft y, por último, deja para la última noche a directores que a su juicio, poseen unas voces claras y fuertes en la sinfonía de nuestro género.

Dentro que en general la serie me ha gustado mucho y me parece un estupendo muestrario de los diferentes tipos de terror actuales, obviamente unos episodios me han gustado más que otros, incluso uno no me ha gustado demasiado. Voy a pasar a comentar mis sensaciones de cada uno de los episodios de forma resumida.

EPISODIO 1- EL TRASTERO 36

Un hombre cree que un trastero lleno de trastos misteriosos pondrá fin a sus problemas de deudas. Pero pronto se ve envuelto en una situación mortal y desesperada.

Dirigido por Guillermo Navarro, director de fotografía de Del Toro en películas como Pacific Rim o El Laberinto del Fauno, con guion de Regina Corrado a partir de una historia corta de Del Toro. El episodio cuenta en su reparto con Tim Blake Nelson, Sebastian Roché, Demetrius Grosse, Elpidia Carrillo.

La antología empieza por todo lo alto con un episodio que presenta al típico protagonista mala persona que se merece lo que sea que le vaya a pasar. Guillermo Navarro se nota un estupendo alumno de Del Toro (además de amigo), y consigue trasladar perfectamente el feeling claustrofóbico que una historia como ésta necesita, con un climax final estupendo que al menos a mi me dejó con un estupendo sabor de boca.

EPISODIO 2- RATAS DE CEMENTERIO

Un ladrón de tumbas le echa el ojo a las riquezas del recién llegado al cementerio. Pero para conseguirlas deberá vérselas con un laberinto de túneles (y con las ratas).

Escrito y dirigido por Vincenzo Natali (Cube, Cypher) a partir de un relato corto de Henry Kuttner, está protagonizado por David Hewlett, Julian Richings, Nabeel El Khafif.

El primer día de emisión ofreció dos historias sobresalientes. Al trastero 36 se le suma estas ratas de cementerio, una historia de época de nuevo protagonizada por una mala persona cuyas desdichas servían en los años 40 y 50 de cuento moralizante para que los lectores fueran mejores ciudadanos. Vincenzo Natali dirige una historia con un feeling malsano a Alicia en el País de las Maravillas cayendo hacia el infierno. La tensión a medida que avanzamos por los túneles y el climax final me parecen estupendos.

EPISODIO 3- LA AUTOPSIA

Un sheriff veterano que investiga un cadáver aparecido en un bosque recurre a un viejo amigo para que le ayude a encontrarle sentido a unos sucesos terroríficos.

David Prior (The Empty Man) dirige este episodio con guion de David S. Goyer basado en la historia corta de Michael Shea. En el reparto, F. Murray Abraham, Glynn Turman y Luke Roberts

The Empty Man me parece un peliculón. No sorprenderá que esta Autopsia me parezca uno de los tres mejores episodios de la serie. Con una historia con conexión (o al menos inspiración) en La autopsia de Jane Doe, el episodio acierta en la creación de una atmósfera perturbadora mientras el médico forense realiza varias autopsias intentando encontrar una explicación a unos hechos incomprensibles. El giro del episodio plantea momentos aterradores con un final sorprendente teniendo en cuenta el formato en el que nos encontramos. Super buen episodio.

EPISODIO 4- LA APARIENCIA

La introvertida Stacey, ansiosa por caer bien en el trabajo, empieza a usar una loción que provoca una reacción alarmante… y una transformación perturbadora.

Ana Lily Amirpour (A girl walks home alone in the dark) dirige esta historia con guion de Haley Z. Boston basada en el webcomic de Emily Carroll. En el reparto tenemos a Kate Micucci, Martin Starr y Dan Stevens.

La apariencia es uno de los episodios que menos me han gustado. A pesar del intento de body-horror y del tono de farsa que Ana Lily Amirpour intenta imprimir a esta historia sobre intentar encajar en una sociedad poblada de gente bella en el exterior que está podrida en el interior, realmente a la historia le falta punch y se me queda a medio camino de todo. Dicho esto, creo que el final es un acierto y resalta este mensaje sobre la sociedad enferma en la que nos encontramos.

EPISODIO 5- EL MODELO DE PICKMAN

El aspirante a pintor Will conoce al introvertido Richard, cuyas aterradoras obras de arte empiezan a afectar de forma inquietante su percepción de la realidad.

Keith Thomas (The Vigil, Firestarter) dirige esta historia de Lee Patterson basada en el relato de H. P. Lovecraft. Una historia protagonizada por Ben Barnes, Crispin Glover y Oriana Leman.

Los dos episodios inspirados en relatos de Lovecraft son junto a La autopsia, los mejores de esta remesa. En concreto El modelo de Pickman conecta con las historias de Lovecraft que presentan un terror inabarcable que se encuentra más cerca de la gente corriente de lo que nos gustaría pensar. Los límites del arte y cómo nos cambia son también elementos presentes en esta historia que significa un descenso a la locura con uno de los finales más redondos de toda la serie.

EPISODIO 6- SUEÑOS EN CASA DE LA BRUJA

Años después de la muerte de su hermana gemela, un investigador intenta traerla de vuelta sumergiéndose en un mundo siniestro y misterioso con la ayuda de una droga.

Catherine Hardwicke (Crepúsculo, Red Riding Hood) dirige este guion de Mika Watkins basado en el relato corto de H. P. Lovecraft. El episodio está protagonizado por Rupert Grint, Ismael Cruz Córdova, DJ Qualls y Nia Vardalos.

La búsqueda del alma de una hermana fallecida sirve de hilo conductor de esta historia de nuevo inspirada por un relato de Lovecraft en la que veremos el intento del protagonista de alcanzar otros planos de realidad con la esperanza de poder salvar el alma de su hermana fallecida. Lo malo es que cuando abres una puerta nunca sabes quien puede estar al otro lado observándote. Dentro que me parece un episodio estupendo, quizá Rupert Grint (Ron Weasley  en Harry Potter) se me queda como un protagonista no demasiado acertado.

EPISODIO 7- LA VISITA

Un hombre roco y solitario recibe a cuatro invitados en su lujosa mansión para vivir una experiencia única. Pero pronto su curiosidad se convierte en terror.

Panos Cosmatos (Mandy) dirige y escribe el guion junto a Aaron Stewart-Ahn. Protagonizado por Cast : Peter Weller, Eric André, Sofia Boutella, Charlyne Yi, Steve Agee, Michael Therriault y Saad Siddiqui.

Lamentablemente, a pesar del estupendo reparto formado entre otros por Peter Robocop Weller o Sofia Boutella, La visita es de largo el peor episodio de toda la serie. Panos Cosmatos plantea una historia original para aburrirnos con 50 minutos de diálogos intrascendentes que se me hicieron eternos, y un climax que a pesar de su gore no consiguió dejarme con buen sabor de boca. Muy flojo.

EPISODIO 8- EL MURMULLO

Después de una trágica pérdida, los ornitólogos Nancy y Edgar llegan a una casa aislada para estudiar pájaros. Pero la historia del lugar refleja dolor y terror.

Jennifer Kent (The Babadook) dirige este episodio y escribe el guion adaptando una historia corta de Guillermo del Toro, protagonizada por Essie Davis y Andrew Lincoln.

The Babadook es una película que en su momento me gustó mucho. Sin embargo, El Murmullo se me queda a medio camino de todo, empezando por la conexión de los pájaros con el drama que se vivió en la casa del lago 30 años atrás. Los protagonistas Essie Davis y Andrew Lincoln (The Walking Dead) creo que realizan un estupendo trabajo, dentro que la historia de nuevo se mueve más por los terrenos del drama de una madre que tiene que asimilar y aceptar la muerte de su hija que por un terror que se encuentra mayoritariamente ausente en este episodio.

En resumen, incluso contando con los episodios me han gustado menos, y realmente sólo calificaría de «mala» a La visita de Panos Cosmatos, la mezcla de estilos y sensibilidades me ha parecido super interesante, justificando de sobra el visionado de esta antología. Ojalá la serie tenga una buena audiencia y Netflix apruebe la realización de al menos una nueva tanda de episodios para una posible segunda temporada.

Comparto el trailer de esta serie:

Me ha gustado mucho la idea detrás de este Gabinete de curiosidades. Espero que esta antología tenga mucho éxito y podamos tener nuevas temporadas en el futuro.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El club de la medianoche de Mike Flanagan (Netflix)

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Una nueva serie de Mike Flanagan es siempre un acontecimiento, y El Club de Medianoche llega en el momento justo previo a Halloween en el que nos apetece disfrutar de historias de terror.

PUNTUACIÓN: 7/10

Serie de TV basada en las novelas de Christopher Pike. Siete pacientes terminales que viven en el hospicio Brightcliffe empiezan a reunirse a medianoche para contar historias de miedo. (FILMAFFINITY)

El Club de la Medianoche es una serie de televisión de terror y misterio creada y escrita por Mike Flanagan y Leah Fong, y en la que Flanagan ejerce de director y productor ejecutivo junto con Trevor Macy. Se trata de una adaptación de la novela homónima de Christopher Pike de 1994, junto con otros libros del autor, que sigue a ocho pacientes de un hospicio que se reúnen cada medianoche para contar historias siniestras. Los dos primeros episodios de la serie están dirigidos por Flanagan, mientras que otros capítulos serán dirigidos por Axelle Carolyn, Emmanuel Osei-Kuffour, Michael Fimognari, Morgan Beggs y Viet Nyugen

El casting de esta serie incluye un reparto de jóvenes actores entre los que encontramos a Iman Benson como Ilonka, una adolescente con cáncer de tiroides que se inscribe en el hospicio Brightcliffe con la esperanza de encontrar una cura poco convencional. Igby Rigney es Kevin, un miembro del Club de Medianoche junto a los otros jóvenes del hospicio que tiene leucemia terminal. Ruth Codd es Anya, la compañera de habitación de Ilonka con una amputación de la pierna derecha, por lo que utiliza una silla de ruedas para moverse. Annarah Cymone es Sandra, que tiene cáncer terminal y es una cristiana devota. Chris Sumpter es Spencer, que tiene SIDA. Adia es Cheri, con padres ricos que se han olvidado de ella y que es una mentirosa patológica. Aya Furukawa es Natsuki, miembro del Club con depresión y cáncer terminal y Sauriyan Sapkota es Amesh, que tiene cáncer terminal y es el segundo recién llegado a Brightcliffe.

El resto de reparto adulto lo forman Heather Langenkamp como la Dra. Georgina Stanton, la enigmática doctora que dirige el hospicio de Brightcliffe. Zach Gilford como Mark, un enfermero del hospicio de Brightcliffe, Samantha Sloyan como Shasta, una mujer que vive en una comuna cercana al hospicio de Brightcliffe y Matt Biedel como Tim, el padre adoptivo de Ilonka.

Me encanta Mike Flanagan. Todas sus series en Netflix me parecen una pasada: Misa de medianoche, The haunting of Blu Manor o The haunting of Hill House están entre mis series favoritas. Y me encantaron también sus películas Doctor Sueño, Gerald´s Game o Oculus. Digo esto porque cuando se anuncia una nueva propuesta suya se convierte en visionado obligado y el hype es máximo. Y en este caso, quizá el problema no es que El club de medianoche sea una mala serie que no lo es, aunque seguro no tan redonda que su obra previa, sino que se compara con series que son increíbles, lo que hace que si esta serie «sólo» está muy bien, parezca una pequeña decepción.

El Club de Medianoche me parece una historia muy chula en la que unos jóvenes con enfermedades terminales se cuentan historias de miedo que sirven para que les vayamos conociendo, al conectar aspectos de estas historias con su pasado antes de llegar a la residencia. Lo mejor de la serie para mi es esta construcción emocional y como las historias sirven para unir aún más a los chavales en unos momentos muy duros para ellos. En este sentido, el poder de las historias y como estas pueden llegar a conformar la realidad de los protagonistas son elementos muy interesantes de una serie que he disfrutado bastante a lo largo de sus 10 episodios.

Creo que el casting de la serie está muy bien, creo que todos los actores clavan sus papeles y lo que Flanagan pedía de ellos. Hay que decir que el contraste que tienen los 7 protagonistas entre ellos convierte al grupo en una delicia, y se transmite de maravilla el vínculo que se va formando entre ellos. Dado que hablamos de jóvenes que van a morir, el tema de la muerte está tratado con suma delicadeza y de forma muy elegante. En un episodio en el que hay un comentario sobre el suicidio hay luego un teléfono de emergencias para todo aquel con pensamientos suicidas pueda llamar a pedir ayuda. Ante los temas polémicos, lo fácil sería evitarlos, y me alegra que esta serie exista de la forma en que se ha creado. Hay que decir que esta no es una serie de sustos fáciles sino más bien de creación de atmósferas, algo esperable a poco que conozcas la obra previa de Flanagan, con un ritmo pausado pero interesante que consigue atrapar al espectador. Todo lo que les pasa a los chavales me perece super interesante y me tenía super intrigado por sus historias y sus posibles finales.

Quizá el problema que tiene la serie es que me gusta muchísimo la construcción psicológica de los chavales que viven en el hospicio Brightcliffe (de todos los personajes en realidad) y los vínculos que se van formando entre ellos, pero la historia en el presente y el misterio que existe sobre la propiedad y la posibilidad que tenga cualidades milagrosas acaba resultando un poco chof, con un climax que acaba no siendo tal y que al menos a mi no me funciona. Junto a esto hay que decir que el personaje de Ilonka que es la gran protagonista y la que pone en marcha los principales hechos del presente resulta en algunos momentos bastante cargante y un poco gilipollas. Entendiendo que está dolida y que sufre una enfermedad terminal, a veces demuestra tener muy poca empatía por los demás y ser bastante egoísta. Narrativamente las historias tiene que unir trama con personajes interesantes, y aunque este segundo aspecto me parece exquisito, la verdad es que la trama a nivel general se queda a mitad en todos los aspectos.

Dentro de un climax que no me funciona está un final con sorpresa final que no acabé de entender y no se si no tiene mucho sentido. Aparte, que deja un final abierto a una serie que me parece que tenía un final razonablemente satisfactorio que deja a los personajes en un buen momento emocional y vital. Dentro que no ha explicado nada de las visiones fantasmales que los chavales ven en el hospicio, claro. Dado que lo único que puede pasar en caso de que Netflix diera luz verde a una eventual segunda temporada es empezar a ver morir a más de ellos, lo cual sería un bajón dado que me han encantado los chicos, el final me valía tal cual. Parece ser que Flanagan había pensado en una historia de dos temporadas, habrá que ver si consiguen terminar la historia todo lo bien que no ha podido ser esta primera temporada.

En todo caso, creo que Flanagan ha preparado un contenedor de historias en lo que lo importante son como hacen sentir a los personajes y a los espectadores, así como los conocimientos que vamos adquiriendo por el camino. La parte del misterio que desentrañar queda en un segundo término porque claramente esta es una historia de «vivir el camino» y no tanto de llegar al destino lo antes posible.

Comparto el trailer de esta serie:

El club de medianoche puede sentirse como un ligero traspiés en la carrera de Mike Flanagan pero en realidad es una serie super disfrutable sobre la amistad y el poder de las historias que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7/10

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