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Crítica de Top Gun Maverick de Joseph Kosinski en 4DX

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Tras los múltiples retrasos provocados por el COVID, es una pasada poder ver por fin Top Gun Maverick, la película de Tom Cruise dirigida por Joseph Kosinski (Oblivion, Tron Legacy). Y más si me fui a Valencia a verla en el espectacular formato 4DX.

PUNTUACIÓN: 9/10

Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar, superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando se encuentra entrenando a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se encuentra allí con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo «Goose»… Secuela de ‘Top Gun’.

Joseph Kosinski (Iowa, 1974) es un director estadounidense principalmente conocido por su trabajo en películas con una elevada carga de efectos especiales e imágenes CGI. Debutó como director en la gran pantalla con Tron: Legacy (2010), secuela de la película del clásico de Disney Tron de 1982. Tras esto trabajó por primera vez con Tom Cruise en Oblivion (2013), película que a pesar de la tibia acogida comercial debió dejarle una buena experiencia a Cruise, ya que contó con él para este secuela / remake encubierto de Top Gun, película que tendría que haberse estrenado en 2020 y que sufrió numerosos retrasos en cascada que llevaron el estreno hasta este mayo de 2022.

Para está continuación de Top Gun, Cruise como productor ha contado con Ehren Kruger, Eric Singer y Christopher McQuarrie (guionista y director de las últimas entregas de Misión Imposible) para escribir el guion. La película cuenta con fotografía de Claudio Miranda y montaje de Eddie Hamilton, a lo que hay que sumar la música de Harold Faltermeyer (autor de la música de la película original) y Hans Zimmer, con Lady Gaga cantando el tema principal de la película Hold my hand.

La película se rodó en formato IMAX utilizando cámaras Sony Venice 6K Full Screen con certificación IMAX. Kosinski explicó que el equipo pasó más de un año con las fuerzas de la Marina para utilizar las cámaras IMAX en el interior de la cabina, con cuatro cámaras orientadas hacia los actores y mirando hacia delante, además de las cámaras montadas por todo el exterior del avión. Explicó que «el público debe sentir la autenticidad, el esfuerzo, la velocidad y las fuerzas gravitacionales, algo que no se puede conseguir con efectos de sonido o visuales, que necesitaron una enorme cantidad de esfuerzo y trabajo». Añadió que se han rodado más de 800 horas de metraje para la película, lo que supera el metraje combinado rodado para las películas de la trilogía de El Señor de los Anillos.

La producción de la película comenzó oficialmente el 30 de mayo de 2018 en San Diego, California. Hasta finales de agosto, un equipo de filmación de 15 personas de Paramount y Bruckheimer Films estuvo a bordo del portaaviones USS Abraham Lincoln, con sede en Norfolk, para rodar las operaciones de la cubierta de vuelo. A mediados de febrero de 2019, Cruise y el equipo de producción fueron vistos a bordo del USS Theodore Roosevelt en NAS North Island. En marzo, el rodaje se completó en la Estación Aérea Naval Whidbey Island en Oak Harbor, Washington. A pesar de la espectacularidad de la película, los datos «oficiales» indican que Top Gun Maverick ha costado entre 150-175 millones de dólares, coste inferior al de una película de Star Wars, por ponerlo en contexto. Y la jugada le ha salido bien a Cruise, ya que sólo en los Estados Unidos ha recaudado más de 125 millones en su fin de semana de estreno (250 millones en todo el mundo), lo cual significa el mayor éxito comercial para Cruise y que la película va aser un gran éxito de taquilla para sus productores Skydance y Paramount.

Tom Cruise vuelve a interpretar al capitán Pete «Maverick» Mitchell, un piloto de combate condecorado reconvertido a su pesar en instructor de vuelo de jóvenes pilotos. Miles Teller es Bradley «Rooster» Bradshaw, un piloto aprendiz y el hijo del fallecido compañero de Maverick, Nick «Goose» Bradshaw. Val Kilmer retoma su papel de Tom «Iceman» Kazansky, Comandante de la Flota del Pacífico. Jennifer Connelly es el interés romántico de Maverick, una madre soltera y dueña de un bar. Jon Hamm y Ed Harris completarían el reparto en sus papeles principales.

Ha sido muy publicitado que Cruise diseñó un de entrenamiento único para los actores, que pasaron por tres meses de formación como si fueran aspirantes a pilotos de la fuerza aérea. Con ejercicios subacuáticos y de aviación aérea, el entrenamiento previo también estaba orientado para que los actores adquirieran conciencia espacial dentro de la cabina del avión, ya que en palabras del productor Jerry Bruckheimer «los actores también tuvieron que aprender a manejar las cámaras porque cuando están arriba en el jet tienen que dirigirse a sí mismos esencialmente. También tenían que aprender sobre la iluminación, la cinematografía y el montaje, ya que es una experiencia única en la vida.»

Empezando a valorar la película, no se puede hacer mejor. Tom Cruise ha creado la perfecta película de entretenimiento de aventuras para toda la familia con el corazón en el sitio correcto y unas escenas aéreas antológicas. Aquí hay que hacer un disclaimer, ya que estamos hablando de TOP GUN, si eres de los que odias las películas comerciales en general, y consideras americanadas cualquier cosa que muestra al ejército americano como los buenos, obviamente esta película no es para ti. En ese caso mejor no pierdas el tiempo en algo que ya sabes de antemano que no te va a gustar.

Pero para el 99% del público restante, Top Gun Maverick es un maravilloso milagro. Empezando por la forma en que vemos aviones de combate reales como nunca los habiamos visto en cine comercial. Y dentro del avión tenemos a un omnipresente Tom Cruise dentro de la cabina de los cazas de combate americanos (con un piloto en la cabina). Ese es el principal valor de esta nueva Top Gun, saber que los actores realizan las escenas y que los aviones que realizan estas acrobacias eran reales. Y es esta sensación de realidad, con aspectos como la presión en las caras de los pilotos o los tirones al despegar los aviones, lo que le da el plus de verosimilitud a la película que hará que siempre sea mejor que cualquier otra película construida a partir de efectos digitales y CGI.

Las escenas aéreas son una maravilla, hasta el punto que dudo mucho que pueda volver a hacerse una película similar en muchos años, ya que en la comparación todo va a salir perdiendo. De hecho, aunque sea un poco off-topic, Top Gun Maverick acaba de convertir en obsoleta la propuesta de Lucasfilm de realizar una película inspirada en X-Wing: Rogue Squadron. Porque nunca nada que hagan con CGI va a quedar mejor que lo visto hoy, por lo que ¿para qué ver una copia del original que no va a ser mejor?

Junto a unas escenas aéreas sobresalientes, como comentaba antes el gran éxito de la película es que tiene el corazón en el sitio adecuado. Pete Maverick (Cruise) sigue siendo un piloto super capaz pagado de si mismo, pero en el fondo nunca llegó a superar la muerte de su amigo Goose, lo que le llevó a cometer un gran error que provocó la enemistad del hijo de Goose Bradley «Rooster» Bradshaw (Miles Teller) que es uno de los pilotos de Top Gun. Las dudas sobre cómo proceder y si podrá salvar su relación añaden un dilema en el hasta ahora perfecto Maverick que resulta muy importante en la resolución de la historia.

El reencuentro entre Pete y «Penny» Benjamin, una relación de su pasado interpretada por una fantástica Jennifer Connelly que saca oro a un personaje que podría parecer plano. Penny se convierte más que en un interés romántico -que también- en una amiga y la voz de la razón que le ayude en los momentos en los que Maverick piensa en abandonar. La forma en que se construyen la historia alrededor del triángulo Maverick – Rooster – Penny es muy inteligente y crean un vínculo emocional con el que conecté inmediatamente.

Junto a esto, tener la música original y canciones como Great Ball of Fire o Danger Zone significó un subidón de adrenalina total, consiguiendo además que la aparición de Val Kilmer o el recuerdo de la muerte de Goose sean momentos realmente emocionantes. Hay que reconocer que Top Gun Maverick busca aprovechar el efecto nostalgia, pero también que la Top Gun original en ciertos aspectos ha envejecido bastante mal y esta continuación hace que la película quede mejor de lo que es, aparte de mejorarla prácticamente bajo todos los puntos de vista.

Otro aspecto muy importante es que Cruise y todo el equipo sabe exactamente lo que es Top Gun y qué queremos ver los espectadores, de forma que la película se mueve exactamente por los tropos esperables del género sin necesitar desviarse de él ya que todo lo que plantean lo hacen excepcionalmente bien. En este mundo actual del entretenimiento en el que parece obligado que hayan arcos complejos para los secundarios o giros loquísimos en el tercer arco que muestren que todo lo que sabías hasta ese momento era mentira, Top Gun no necesita de estos artificios narrativos porque saben que es lo que quieren contar. Top Gun Maverick nos demuestra con hechos que un concepto sencillo no es peor que otro en apariencia complejo, sobre todo cuando tantas películas del segundo grupo acaban resultando fallidas precisamente por culpa de ese giro.

A todo esto tengo que sumarle la experiencia de ver Top Gun Maverick en 4DX en Kinépolis Valencia, que no ha podido ser más satisfactoria. En este caso, el 4DX no incluía el 3D (como si sucedió cuando vi Mission Imposible: Fallout o Aquaman), pero el movimiento del asiento en las escenas aéreas así como los efectos de viento, agua, vibración, luces e incluso nieve han conseguido aumentar la sensación de velocidad y peligro a la que se enfrentan los pilotos de cazas de combate durante lo combates aéreos. Obviamente el 4DX no es para todas las películas de la cartelera, pero una vez parece que hemos vuelto a la normalidad, creo que puede ser un formato maravilloso para ver uno o dos blockbusters al año.

En este sentido, la película comentaba que se mueve todo el rato por aspectos esperables de Top Gun. Sin embargo, el climax final con la misión de combate una vez terminado el entrenamiento es una maravilla, con una tensión y una sensación de amenaza bestial, y varias sorpresas que nos hicieron temernos lo peor en varios momentos. Una ejecución a mi entender sobresaliente que lució aún mejor gracias al 4DX, convirtiendo la experiencia en una pasada alucinante.

Hay algún elemento menos bueno en la historia que dejas pasar porque todo es super entretenido. Por ejemplo, que la misión sea imposible y nadie consiga llevarla a cabo durante los entrenamientos, pero luego se lanzan a ello justo a continuación, aceptando las elipsis inevitables de este tipo de historias. Pero como comentaba, estos aspectos forman parte de los tópicos del género y realmente no molestan.

Como entretenimiento de primer nivel, veo difícil que ninguna película de este año supere a este Top Gun Maverick. De hecho, estamos ante un caso de hype imposiblemente alto que la película ha superado de principio a fin.

Comparto el trailer de la película:

Top Gun Maverick ofrece un tremendo espectáculo y un entretenimiento alucinante. Sinceramente no se puede hacer mejor, y recomiendo completamente ver la película en la pantalla más grande posible.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Colour Out of Space de Richard Stanley (Prime Video)

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He disfrutado mucho con Colour out of space de Richard Stanley, la adaptación de la historia corta de H.P. Lovecraft que cuenta con un Nicolas Cage desatado y que puede verse en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un meteorito se estrella cerca de la granja de los Gardner, liberando un organismo extraterrestre que convierte la tranquila vida rural de la familia en una pesadilla colorista y alucinógena. Uno de los relatos más emblemáticos de Lovecraft llega al cine de la mano de Nicolas Cage y Richard Stanley. (FILMAFFINITY)

Richard Stanley (1966) es un cineasta sudafricano, conocido por su trabajo en el género de terror. Comenzó su carrera realizando cortometrajes y vídeos musicales, y posteriormente dirigió los largometrajes Hardware (1990) y Dust Devil (1992), ambos considerados clásicos de culto. Fue el director original de La isla del Dr. Moreau (1996), pero fue despedido al principio de la fotografía principal debido a diferencias creativas, un episodio relatado en el documental de 2014 Lost Soul: The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau. En 2019, regresó a los largometrajes después de más de 20 años, dirigiendo la adaptación de H. P. Lovecraft Color Out of Space.

Stanley con la guionista Scarlett Amaris realizan la adaptación cinematográfica de la historia corta de H.P, Lovecraft “The colour out of space”, publicado en 1927. La película de 111 minutos cuenta con fotografía de Steve Annis, montaje de Brett W. Bachman y música de Colin Stetson. A modo de curiosidad, aunque la historia está ambientada en una granja en Arkham, Massachusetts, la película se rodó en Portugal en 2019, contando con un presupuesto de entre 6 y 10 millones de dólares. La película consiguió premios en varios festivales de 2019 como el Toronto Film Festival (Nicolas Cage), en el Fantastic Fest de Austin Texas como mejor film de terror, y en el H.P. Lovecraft Film Festival , los premios a mejor película y el premio del público.

Nicolas Cage es Nathan Gardner, granjero, padre de la familia Gardner. Joely Richardson es su mujer Theresa Gardner, empresaria y madre de Lavinia (Madeleine Arthur) Benny (Brendan Meyer) y Jack (Julian Hilliard). Elliot Knight interpreta a Ward Phillips, un hidrólogo y topógrafo de una empresa de desarrollo de presas que visitará la granja de los Gardner. Tommy Chong es Ezra, un hippie «okupa» que vive en las tierras de los Gardner, mientras que Josh C. Waller y Q’orianka Kilcher interpretan al sheriff Pierce, jefe de policía de Arkham y a la alcaldesa Tooma, respectivamente.

Tenía muchas ganas de ver en su día Colour Out of Sky, pero para sorpresa de nadie la película no llegó a estrenarse en mi localidad. Verla dentro del catálogo de Prime Video ha sido toda una sorpresa total, entre otros motivos porque la política de comunicación de Prime para sus estrenos de series o películas que no son novedad es nefasta. Y una vez vista tengo que decir que me ha encantado y me ha parecido una de mas mejores representaciones del Horror Cósmico de Lovecraft en imagen real. Un tipo de historias en los que los seres humanos son apenas motas de polvo al lado de unos seres (a menudo alienígenas pero no solo) con poderes más allá de nuestro entendimiento.

Una de las cosas que más me han gustado de esta película es que el descenso a los infiernos de esta familia se plantea desde los elementos más mundanos, evitando hasta el climax final los sustos y golpes de efecto típicos del género de terror. La película es un ejemplo perfecto del Horror Cósmico en el que personas normales empiezan a sufrir cambios sutiles (en ellos y en el terreno circundante) sin llegar a ser conscientes de ello ni poder hacer nada para oponerse en caso de darse cuenta (que no lo hacen). En este sentido, frente al terror típico de monstruos o slashers, Colour out of space no muestra a un antogonista que haga las veces de villano, ya que es el propio mundo el que acaba poniéndose contra la familia. Tampoco hay una moraleja o lección moralizante que sacar de la película, más allá que cuando los grandes poderes quieran ir a por nosotros, no habrá nada que podamos hacer para evitarlo.

Nicolas Cage se encuentra como pez en el agua en este personaje que va cayendo poco a poco en la locura, y me parece que está genial. Junto a él, toda su familia añade un elemento super perturbador a todo lo que les va pasando, consiguiendo que la sensación mallrollista acompañe todo el visionado. Y precisamente porque no hay apenas sustos o gore durante la película (bueno, alguno si hay en el climax final), Colour out of space me ha gustado mucho, al ser una rara-avis dentro del género de terror. Porque si que es extraño ver una película de terror sin sustos, las cosas como son. A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el visionado de la película jamás se me hizo pesado y lo he disfrutado mucho.

La mutación de la naturaleza está super bien mostrada en la película a pesar de ser una película de bajo presupuesto. Visualmente, los colores a los que alude el título están perfectamente incorporados y ayudan a conseguir la atmósfera alienígena que necesitaba la historia. Es cierto que algunos efectos de maquillaje no quedan del todo bien en la fase final de la película, pero es un aspecto menor dentro de un conjunto que me ha gustado mucho.

Comparto el trailer de la película.

Colour out of space no es una película para todo el mundo, pero para los amantes de los mitos de Lovecraft supone un regalo maravilloso.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Chip y Chop: Los guardianes rescatadores de Akiva Schaffer (Disney+)

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Recuerdo ver algún episodio suelto de la serie de dibujo de Chip y Chop (Chip & Dale en el original), pero nunca me consideré fan de estos personajes. Descubrir la premisa de la película recién estrenada en Disney+ dirigida por Akiva Schaffer me ha volado la cabeza con sus reminiscencias a ¿Quién engañó a Roger Rabbit?

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Treinta años después de sus aventuras originales, Chip y Chop viven en Los Ángeles entre dibujos animados y humanos. Chip (voz original de John Mulaney) lleva una vida rutinaria y hogareña como vendedor de seguros, mientras que Chop (voz original de Andy Sandberg) se ha hecho la cirugía 3D y se dedica a explotar la nostalgia de convención en convención, desesperado por revivir sus días de gloria. Cuando un antiguo compañero de reparto desaparece misteriosamente, Chip y Chop se ven obligados a recuperar la amistad perdida y a hacer de detectives una vez más como Guardianes Rescatadores para salvar a su amigo.

Disney anunció esta película en 2019. Tras un cambio en la dirección finalmente Akiva Schaffer ha dirigido esta película con guión de Dan Gregor y Doug Mand, a partir de una historia original de Barry Schwartz. La película de apenas 95 minutos cuenta con Larry Fong para la fotografía de la parte rodada en imagen real, y música de Bryan Tyler.

La película cuenta con las voces de John Mulaney como Chip, el intrépido, optimista y maduro líder y co-fundador de Rescue Rangers y Andy Samberg como Dale, el despreocupado mejor amigo de Chip y co-fundador de Rescue Rangers, que suele actuar antes de pensar.​ KiKi Layne intepreta a la detective Ellie Steckler, una de las pocas actrices de imagen real de la historia. En el resto de voces encontramos a actores conocidos como Will Arnett como Sweet Pete, Eric Bana como Monterey Jack, Keegan-Michael Key como Bjornson the Cheesemonger y J. K. Simmons como el Capitán Putty del Departamento de Policía de Los Angeles.

Entrando a valorar la película, me ha flipado la idea de un mundo claramente inspirado por ¿Quién engaño a Roger Rabbit? (Robert Zemeckis, 1988) en el que los personajes animados comparten mundo en Los Ángeles con las personas reales. Frente a una historia noir con personajes animados del clásico de Robert Zemeckis, Chip´n Dale utiliza esta ambientación para plantear una metáfora metatextual sobre lo que le suceden a los personajes animados cuando sus películas o series son canceladas. Algo que tiene su correlación a los actores con un único papel importante que viven de la nostalgia del público.

Plantear que la clásica serie de animación de Chip y Chop de 1989 fue una serie rodada por unas ardillas actores que tuvieron su momento de gloria hace décadas es una genialidad absoluta. Y este elemento conecta a su vez con la identidad de un villano que es un personaje clásico super querido que en el mundo «real» fue abandonado al crecer y perder su encanto infantil. Que Disney haya aceptado el argumento de la película me parece una maravillosa locura, de largo lo mejor de la película. La obsesión del cine comercial (de sus estudios, se entiende) por los reboots y por reutilizar conceptos populares de otras épocas en lugar de crear nuevas historias es también un elemento importante de esta película, siendo un elemento utilizado con un humor irónico sutil que funciona de maravilla.

El elemento de personajes de animación en el mundo real sirve para mostrar otro de los hallazgos visuales de la película, y al ver como conviven personajes realizados con todo tipo de animaciones diferentes, desde la primera animación en blanco y negro, en 2D tradicional de la Disney de los 70/80, o los actuales modelos en 3D. Esto permite hacer unas bromas super buenas, por ejemplo a costa de la animación de primeros años 2000 tipo Polar Express en la que la «perfección» de las figuras no ocultaba lo raro que quedaban por sus expresiones inhumanas. El detalle que Dale se ha «optimizado» y ha cambiado a una figura en CGI 3D para intentar seguir siendo popular mientras que Chip mantiene su imagen en 2D resalta las diferencias y la evolución que ha vivido el medio, así como la obsesión del mundo del espectáculo de estar a la última y parecer siempre joven y fresh.

Y junto a estos elementos y tan importante como la acción de los protagonistas, la película te obliga a estar atentos a los innumerables cameos y apariciones especiales en segundo plano, ofreciendo momentos maravillosos y sorpresas super divertidas incluyendo a personajes de Pixar y de otras compañías. Los anuncios en la parada del bus o los carteles de próximos estrenos nunca fueron tan divertidos y sorprendentes, con tantos guiños a la historia de la animación que es imposible captarlos todos.

Este aspecto del cameo «obligado» desde cierto punto de vista conecta con la obsesión que un grupo de público tiene con ellos, hasta el punto que llega a ser más importante que la historia en si, como hemos visto este mes con el estreno de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura de Sam Raimi, en el que algunas personas han criticado que la película no por su calidad sino porque no mostrara todos los cameos que ellos imaginaban que debía tener, cameos que nunca existieron más que en el sueño húmedo de estos fans y en webs sin escrúpulos que publican todo tipo de mentiras para generar clicks.

Quizá el único pero de la película es que hay tantos elementos chulos en relación al aspecto metatextual de la película y los numerosísimos cameos y apariciones especiales, muchos de los cuales en segundo plano, que la investigación en si de Chip y Chop resulta un elemento bastante trillado y poco original en el que todo se ve venir de principio a fin, siendo casi lo menos importante de la película.

De hecho, hay un elemento fundamental sobre esto y es que la película me gustó mucho más a mi que a mi hijo de 14 años, entiendo que debido a que él no tiene ninguna conexión emocional hacia la historia de la animación (y sus personajes) como me pasa a mi. Es por esto que cuando yo me moría de risa con los cameos y apariciones sorpresa, para él eran situaciones (y personajes) que no le decían nada, hasta el punto que me comentó al terminar el visionado que «ya la vimos, no quiero volver a verla». Y no creo que sea un hecho sorprendente, ya que creo que Disney ha planteado una película de Chip y Chop más para los padres que conocimos a los personajes en los 80/90 que a los niños actuales. El elemento de nostalgia cobrando de nuevo protagonismo en un producto audiovisual de 2022. Lo cual es arriesgado, dado que viendo el poster en Disney+ yo al menos no tenía claro a qué target dirigía Disney la película, y en ese sentido entiendo que habrá muchos espectadores adultos que no le van a dar una oportunidad a la película esperando una historia para niños como fue en su momento la serie de 1989. A lo que habría que sumar que posiblemente para los niños que sí la vean la película no sea nada del otro jueves, como le pasó a mi hijo.

La película me ha gustado mucho, pero a la vez entiendo que entra en la categoría de bien sin más una vez descuento la diversión de los cameos. En este sentido, entiendo que la duración de 95 minutos es perfecta, sobre todo porque la investigación policial realmente no da más de si.

Comparto el trailer de la película:

Chip y Chop: Los Guardianes Rescatadores acierta gracias a la potentísima premisa, aunque quizá se me queda corta al no llevar la historia que viven los protagonistas al mismo nivel que el elemento metalingüístico, quedándose en una película entretenida que gustará más a los padres que a los hijos que no tienen conexión con la mayoría de personajes que habitan este mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Gora Automatikoa de Esaú Dharma, David Galán Galindo y Pablo Vara (Prime Video)

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Tras disfrutar con la novela y la película de Orígenes Secretos de David Galán Galindo, tenía ganas de ver Gora Automatikoa, película de animación dirigida junto a Esaú Dharma y Pablo Vara planteada como una historia de humor irónico sobre el mundo del cine español. Dado que no se llegó a estrenar en Castellón, he tenido que esperar a que se estrenara en Prime Video para verla.

PUNTUACIÓN: 5/10

Galindo, un director de cine fracasado, reúne a sus viejos amigos; Pablo, que trabaja en una funeraria, y Dharma, un pedante artista con ínfulas, para lograr cumplir su absurdo sueño: conseguir un Goya automático.

David Galán Galindo (Ávila, 1982) es director de cine y guionista de televisión. “Orígenes Secretos” es una novela negra en la que no renuncia a su universo personal y su pasión por los cómics de superhéroes, y que también es su ópera prima cinematográfica con un elenco impresionante. En los últimos años ha compaginado el cine (algunos de sus cortos, como “Curvas”, “Push Up”, “Hostiable”… se encuentran entre los más conocidos y premiados recientemente) con su trabajo como guionista de televisión. Asimismo, ha escrito para webs y fanzines, y ha participado en dos compilaciones de temática zombi. Además de ser super majo en redes sociales, me encanta la sensación de ser «uno de los nuestros» (o que yo soy uno de los suyos, que podría ser más exacto) en relación a su afición a los comics de superhéroes, por lo que no puedo estar más contento del éxito profesional que está teniendo en los últimos tiempos.

Esaú Dharma (Jaén, 1980) es guionista y director de cine, fue nominado al Goya a Mejor Corto de Animación en 2013 con ¿Por qué desaparecieron los dinosaurios? Ha trabajado en Tadeo Jones 3 y DragonKeeper, dos superproducciones españolas que están pendientes de estreno.

Pablo Vara (Asturias , 1984) es un guionista y director de cine. En 2013 participó en Al final todos mueren en la que también trabajó David Galán Galindo. Otros créditos suyos incluyen Cuenta con nosotros (2015) y Delito de odio (2020).  

Esaú Dharma, David Galán Galindo y Pablo Vara dirigen, escriben y producen esta película de animación que está planteada como un gran chiste construido a partir de la ceremonia de los Goya de 2020 en el que sólo hubo una película española de animación y por tanto se llevó un premio Goya automático. El descubrimiento que mientras cumplas las normas de la academia, que sea de producción española, que dure más de 60 minutos y que al menos el 75% de la película esté animada, es suficiente para ganar el premio sin tener en cuenta la calidad de la película, es el hilo conductor de esta película de apenas 70 minutos incluidos los títulos de crédito.

Guillemo Vílchez, hermano de Esaú Dharma ha realizado la música de la película, que cuenta además con voces geniales para el resto de personajes como son Pepe Macías, Miguel Martín, Elena de Lara, Íñigo Rodríguez, el maestro y crítico de cine DE VERDAD Andrés Trasado. Además, para la animación han mezclado una decena de estilos que van desde las primeras animaciones de Disney, de los años 20 y 30, hasta los Looney Tunes, gráficos por ordenador, integración con imagen real, marionetas de calcetines y hasta macetas parlantes, con la aportación altruista de numerosos artistas entre los cuales se encuentra el murciano Salva Espín (Deadpool).

Entrando ya ha valorar la película, tengo que reconocer que el visionado de Gora automatikoa me ha dejado muy frío. Y tengo claro que el objetivo de Esaú Dharma, David Galán Galindo y Pablo Vara con esta película más que ganar el Goya (que no lo consiguieron, todo sea dicho) era llamar la atención del mundo del cine español sobre ellos mismos y su trabajo. En ese sentido, entiendo que Gora es un gran éxito que les ha granjeado de una importante difusión en el mundo mainstream en las semanas previas a la ceremonia de los Goya, por lo que diría que el objetivo de la película está más que conseguido.

Pero lo cierto es que Gora automatikoa es una película de 70 minutos que se me ha hecho larguísima, al ser una historia de un único chiste repetido hasta la exageración. La verdad es que una idea que tenía gracia como concepto deja de tenerla en la ejecución cuando repiten una y otra vez el concepto clave de «aunque esto es cutre y lo sabemos, mientas cumplamos los parámetros legales podemos ganar el Goya con ello». De hecho, hay escenas redundantes que acaban resultando molestas, como ver a los tres directores en imagen real sin hacer nada simplemente rellenando minutos porque la película tiene que sobrepasar los 60 minutos de duración pero sólo necesita tener el 75% de animación. Para mi este es un gag sin gracia, al igual que la forma en que se regodean repitiendo hasta 3 ¿4? veces los mismos planos de animación con diferentes diálogos para así abaratar la producción. Dicho por ellos mismos.

Hay algunos gags graciosos durante la película, como la animación con calcetines y el por qué Cristal Oscuro no consiguió la nominación a Mejor Película de Animación en los Oscars. O las escenas con Andrés Trasado o el crítico gafapasta que ve cosas en una obra que realmente no están ahí. También me han gustado los dos números musicales y algunos detalles relacionados con la producción de una película. Los mimbres para haber hecho una película realmente divertida estaban ahí, pero diría que probablemente por las limitaciones de una producción realizada prácticamente sin presupuesto, terminan cayendo en unos gags sin gracia que lastran la experiencia cinematográfica. Lo cual me parece una pena, además de poner de relevancia un problema que entiendo sufren todos los directores jóvenes actuales, que hacen en muchos casos no la mejor película posible, sino aquella que saben que es barata de producir.

Y me sabe fatal escribir estas líneas porque David Galán Galindo me cae super bien y cuando le conocí en persona en el pasado Comic Barcelona me dejó la mejor de las sensaciones, y sé que podría haber estado hablando de comics con él durante horas y lo hubiera disfrutado un montón. Pero no puedo decir que la película sea buena cuando no me lo pareció, aunque si me alegro por la relevancia mediática que consiguieron sus directores las semanas previas a la ceremocia de los Goya. En todo caso, viendo la recepción de la película en redes sociales, no tengo más que alegrarme que el tipo de humor que plantea Gora automatikoa le haya funcionado a mucha gente, a pesar que a mi no.

Comparto el trailer de la película:

Gora automatikoa me ha decepcionado. Esperaba más que el chiste recurrente repetido una y otra vez. En todo caso, me gusta que haya autores que se atrevan con estas propuestas gamberras y que consigan sacar adelante sus proyectos y consigan difusión a su trabajo.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Crítica de Ambulance: Plan de huida de Michael Bay

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Cuando ves una película de Michael Bay, sabes a lo que vas. Y a pesar de eso, he aprovechado la Fiesta del Cine para ver Ambulance: Plan de huida, una película super parecida a un accidente de tráfico en el que sabes que no deberías mirar pero no puedes evitarlo y cuando lo haces te hipnotiza.

PUNTUACIÓN: 7/10

El veterano Will Sharp, en un acto desesperado por conseguir dinero para cubrir las deudas médicas de su esposa, recurre a la única persona que sabe que no debería, su hermano adoptivo Danny. Danny le ofrece participar en un robo a un banco, el más grande en la historia de la ciudad. Will no puede decir que no. Cuando su intento de escape sale mal, los hermanos secuestran una ambulancia con un policía herido y una paramédica. Ahora deberán huir de un inmenso dispositivo de fuerzas de seguridad desplegado por toda la ciudad, mantener a sus rehenes con vida y de alguna forma tratar de no matarse entre ellos. (FILMAFFINITY)

Ambulance es un remake americano de la película danesa de 2005 del mismo nombre. Chris Fedak escribió el concepto adaptando la historia de Laurits Munch-Petersen y Lars Andreas Pedersen, y el guión estuvo moviéndose por los estudios durante varios años. Aunque Bay en su momento había rechazado el proyecto, el COVID afectó la producción otros proyectos, por lo que volvió a este concepto al querer rodar algo rápido cerca de su casa.

Ambulancia se rodó con un ajustadísimo presupuesto de 40 millones de dólares en el centro de Los Ángeles, con un rodaje de tan sólo treinta y ocho días. La película de 136 minutos de duración cuenta con fotografía de Roberto De Angelis, montaje de Pietro Scalia, Doug Brandt y Calvin Wimmer, y música de Lorne Balfe, que ya colaboró con Bay en 13 Horas: Los soldados secretos de Bengasi (2016) y 6 Underground (2019).

La gran novedad de la película es la gran cantidad de imágenes rodadas mediante el uso de drones de la compañía LightCraft, que usan tecnología First Person View para su uso. Los drones utilizados en la película fueron pilotados por los pilotos profesionales de la Drone Racing League Jordan Temkin y Alex Vanover y crearon planos increíbles a lo largo de la película.

Jake Gyllenhaal es Danny Sharp, el hijo de un famoso ladrón de bancos que sigue los pasos de su padre. Yahya Abdul-Mateen II interpreta a su hermano adoptivo Will Sharp, un veterano de Afganistán que se alistó para huir del mundo criminal pero se verá inmerso en él cuando sus problemas médicos le obliguen a aceptar la propuesta de su hermano. Eiza González es la enfermera Cam Thompson que dirige una ambulancia y será hecha prisionera por los hermanos durante su huida. Además de intentar mantenerse con vida, intentará salvar la vida de un agente de policía herido en el tiroteo. Por último, Garret Dillahunt interpreta al Capitán Monroe que dirige la persecución.

En cierto sentido, Ambulance se siente como ese niño que recibe un nuevo juguete por su cumpleaños y durante las siguientes semanas sólo juega con él exprimiendo al máximo la novedad y la sensación de diversión y entretenimiento. El uso hasta el exceso de drones da la oportunidad a Bay de plantear escenas y planos loquísimos que me han volado la cabeza, mientras vemos a los vehículos involucrados en la persecución desde un lado, desde arriba e incluso ¡desde abajo!! Hay que quitarse en sombrero ante los profesionales que pilotaron estos drones, porque es flipante verles pegados a fachadas de edificios o pasando entre vigas y elementos arquitectónicos.

Yendo más allá, Bay ha mostrado que ya es posible rodar una película de acción que luzca espectacular con presupuestos modestos muy alejados de los costes de los típicos blockbusters, que ahora mismo ninguno baja de los 150 millones, abriendo la puerta a producciones de tamaño medio. En el actual panorama COVID, se está demostrando fundamental para la rentabilidad de las películas hacer un exhaustivo control del coste, que permita a los estudios mantener su rentabilidad. En este sentido, los drones pueden ser una herramienta super interesante, al igual que lo ha sido el Dome de Disney donde rodaron The Mandalorian.

Tengo que reconocer que visualmente la película luce increíble en pantalla grande. Para ser un argumento que realmente casi no da de si, Bay hace un magnífico ejercicio de tensión dramática durante las más de dos horas de película, consiguiendo mantener al espectador super involucrado con la acción y transmitiendo una perfecta sensación de agobio y casi claustrofobia al estar 4 personas metidas en un espacio tan pequeño mientras intentan huir de la policía.

Para ser una película de Bay, me ha sorprendido las pocas explosiones que hay, sin duda forzado por las limitaciones presupuestarias. Dicho esto, las que hay lucen increíbles y los accidentes de tráfico me vuelan la cabeza porque me creo que realmente todo (o casi todo) ha estado rodado con vehículos reales que acaban estrellados. Por cierto, sobre todo en el primer tiroteo intuyo un intento de homenaje a Heat de Michael Mann, y dentro que la escena es super potente creo que no llega al nivel de la película de Robert De Niro y Al Pacino.

Como decía, cuando vas a ver una película de Michael Bay sabes a lo que vas. Y dentro que Ambulancia es muy entretenida y espectacular, y hubo un par de momentos en que me reí a carcajada, realmente tenemos un guión con las absurdeces y ridiculeces habituales de Bay que riegan la película de diálogos y situaciones de vergüenza ajena. Y como decía antes, al verla aprovechando la Fiesta del Cine no me arrepiento del dinero gastado. Es más, considero un dinero bien invertido que me ha ofrecido justo el tipo de entretenimiento que estaba buscando. Pero las cosas como son.

El trío protagonista de Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II y Eiza González creo que cumplen con lo que Bay pedía para sus personajes, y su carisma permite que sintamos cierta simpatía por ellos. Lo malo es la sensibilidad de Bay les obliga a un over-the-top constante de casi dos horas que resulta excesivo y agotador. El mini intento de construcción del personaje y drama familiar de Abdul-Mateen II que acepta robar el banco porque su seguro médico no paga la operación de cáncer de su mujer es un recurso barato para que empaticemos con él. Pero si buscaba hacer algún tipo de crítica social, si está ni se le espera.

Es por esto que quizá el mayor problema de Ambulance además de las absurdeces del guión es la propia duración de la película. Incluso a pesar de lo espectacular del conjunto y la tensión que transmite, toda la parte central se me hizo larguísima, y diría que estamos ante el último ejemplo de película de acción de Hollywood que hubiera mejorado si no hubiera sobrepasado las dos horas de duración (contando los títulos de crédito).

Comparto el trailer de la película:

Ambulance es locura y mamarrachada a partes iguales 100% Michael Bay. Pero en este caso me ha dado justo lo que necesitaba.

PUNTUACIÓN: 7/10

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