Archivo de la etiqueta: reseña

Comics

Crítica de Geiger Ground Zero de Geoff Johns y Gary Frank (Image Comics)

Deja un comentario

Vuelvo al mundo de Geiger de Geoff Johns y Gary Frank con Ground Zero, miniserie de dos números planteada para recordar a los lectores la existencia de este personaje de cara a su inminente serie regular. Una miniserie que es el primer comic publicado dentro de Image Comics por la nueva empresa de Johns y Frank Ghost Machine.

PUNTUACIÓN: 7/10

ESTRENO DE LA MINISERIE

¡La saga de LOS SIN NOMBRE continúa! GEOFF JOHNS y GARY FRANK regresan al apocalíptico mundo de GEIGER en una explosiva epopeya especial de dos números. ¿Qué le ocurrió a Tariq Geiger en los días posteriores al lanzamiento de las primeras bombas nucleares? ¿Cómo sobrevivió la humanidad a la GUERRA DESCONOCIDA? ¿Quién es el misterioso científico ruso Dr. Molotov y por qué persigue a Geiger? ¿Y cómo se relaciona todo esto con la Revolución Americana? Prepárate para ponerte el traje de materiales peligrosos y averiguarlo.

Geoff Johns es junto a Grant Morrison el gran guionista de DC Comics del siglo XXI. Ayudante de Richard Donner en Hollywood, entró en los comics en 2000 gracias al escritor James Robinson y el editor Mike Carlin. Sus etapas en JSA, Flash y Green Lantern forman parte de la historia de esos personajes y su importancia fue creciendo en DC Comics hasta convertirse en uno de sus principales autores. Aparte de eventos como Infinite Crisis, fue el encargado de devolver a la vida a Hal Jordan (Green Lantern) y a Barry Allen, el Flash original que protagoniza esta historia. Durante el reinicio de los nuevos 52, Johns guionizó Justice League y Aquaman, una etapa que influyó mucho en la exitosa película de James Wan, además de relanzar a Shazam!

Johns fue nombrado director creativo (CCO) de DC Entertainment de 2010 a 2018 y presidente y CCO de 2016 a 2018, además de ser co-fundador de DC Films, la compañía creada para expandir y controlar a los personajes de DC en cine y la televisión, siendo por ejemplo el showrunner y creador de la serie de televisión de Stargirl. Esto provocó que durante unos años estuviera ausente del mundo del comic, al que ha vuelto con fuerza en los últimos años con miniseries como Batman: Three Jokers , El reloj del juicio final y más recientemente, el relanzamiento de la JSA. En los últimos tiempos ha creado además su propio universo de personajes de creación propia a partir de Geiger junto al artista Gary Frank, que ha llevado a la creación del sello Ghost Machine.

Gary Frank (Bristol, 1969) es un dibujante inglés de gran experiencia en la industria del comic americano. Tras trabajar en Marvel U.K. en comics como Motormouth & Killpower, dió el salto a Estados Unidos junto al entintador Cam Smith, realizando una etapa memorable en The Increible Hulk junto a Peter David a partir de 1993. Junto a David saltó a DC para realizar el comic de Supergirl en 1996 y con J. Michael Straczynski creó en 2000 Midnight nation, un comic de creación propia que me encanta. Volvió a Marvel junto a Straczynski para la serie Supreme Power, una nueva vuelta de tuerta al concepto del Escuadrón Supremo. Superman: Secret Origin de 2009 supuso la primera colaboración de Frank con Geoff Johns, convirtiéndose en una pareja creativa de primer nivel que nos ha dado las novelas gráficas de Batman: Earth One, DC Comics Rebirth, Doomsday Clock y, más recientemente, el universo de creación propia presentado en Geiger protagonizado por personajes a lo largo de la historia llamados The Unnamed (los sin nombre), del que también forma parte Junkyard Joe.

Geiger Ground Zero es el primer comic publicado por Geoff Johns y Gary Frank dentro de su nuevo sello editorial Ghost Machine, empresa creada por profesionales para desarrollar sus propias creaciones, cuyo objetivo es explicado en su propia página web:

Bienvenidos a los primeros universos compartidos propiedad de creadores. En GHOST MACHINE, creemos en dos principios rectores: los grandes cómics surgen de los grandes personajes y la equidad proviene de la verdadera propiedad artística. Comprometidos con estos ideales e inspirados por los que nos precedieron, GHOST MACHINE lanza nuevos personajes de todos los géneros con GEIGER®, REDCOAT, ROOK, THE ROCKETFELLERS y muchos, muchos más. Creadas por los nombres más exitosos y consagrados del cómic, las historias de nuestros héroes recorren la historia de Estados Unidos, lo más profundo del espacio y el barrio de una calle más allá.

Los profesionales que se han unido a Ghost Machine incluyen Jason Fabok, Gary Frank, Bryan Hitch, Geoff Johns, Lamont Magee, Francis Manapul, Brad Meltzer, Peter J. Tomasi y Maytal Zchut. Todos los creadores serán exclusivos de Ghost Machine para su trabajo en cómics tras completar sus proyectos ya comprometidos. La empresa posteriormente anunció el fichaje de IVAN REIS, lo que supone una gran pérdida para DC Comics.

Tras la publicación de esta miniserie, Ghost Engine publicó un especial de 64 páginas en el que presentaba la parrilla de próximos lanzamientos de la empresa, con un plan editorial que empezará a publicar colecciones a partir de Abril de este año. En breve publicaré mis impresiones sobre este especial que he comprado junto a estos comics de Geiger.

Geoff Johns y Gary Frank publicaron la primera miniserie de Geiger en 2021, en ese momento dentro del sello Mad Engine de Johns y Frank. El éxito de ese comic llevó a la publicación de Junkyard Joe en 2023. Debido al tiempo transcurrido, imagino que Johns ha pensado que era interesante publicar esta nueva miniserie que pusiera en el mapa a Geiger y en general al nuevo sello editorial Ghost Engine a los ojos de los lectores actuales.

Johns ha planteado una idea curiosa en este universo de ficción, al plantear aventuras de diferentes individuos a lo largo de la historia, llamados The Unnamed (los sin nombre). Este mundo sufrió La Guerra Desconocida (The Unknown War) que acabó provocando el holocausto nuclear que llevó al mundo desolado donde vive Geiger.

Y entrando en materia ya en este comic, tenemos una historia de origen para los nuevos lectores que tiene un problema de origen, y es que el origen del personaje ya nos lo contaron en la primera miniserie de Geiger. Para no contar lo mismo, Johns usa estas dos grapas para contarnos cómo consiguió controlar sus estallidos radiactivos gracias a las barras de boro. El comic está contado bajo el punto de vista del Doctor Molotov, un profesor de física nuclear que huyó de Rusia antes de la guerra y que se encontrará con Geiger sin él pretenderlo, buscando su ayuda para encontrar a su esposa, de la que se separó al estallar la guerra. En estas dos grapas nos mostrarán la crueldad de este mundo y cómo los inocentes lo tienen muy complicado para sobrevivir.

Como todo lo que escribe Johns, Geiger Ground Zero es un comic muy bien escrito con unos personajes perfectamente perfilados. Dentro que gustarme la historia, tengo que reconocer que dos grapas USA tampoco es que den para demasiado, quedando la historia en sólo correcta. Aparte, ya cuando salió la primera miniserie comenté que estaba un poco cansado de la saturación de comics, series y películas ambientadas en futuros distópicos en los que la humanidad se había destruido a si misma por el cambio climático, por el egoísmo del capitalismo o el motivo moralizante que fuera. Esa apreciación no ha cambiado, pero reconozco que la realización de Johns y Frank está bien.

Hablando de Gary Frank y el apartado artístico, siempre da gusto leer un comic de Frank con Brad Anderson en el color. El estilo realista de Frank a la hora de la creación de los personajes consigue que cada uno tenga su propia expresividad y complexión, lo que ayuda a verles como personas reales y no muñecos realizados a partir de plantillas de photoshop que hacen que todos sean más o menos la misma figura. Frank es un maestro en lo relativo a la fluidez narrativa que plantea en sus páginas, notándose lo bien sincronizado que esté con Geoff Johns, consiguiendo que el dibujo mejore la historia, mostrándolo de la mejor forma posible. A esto hay que sumar a un Brad Anderson perfecto en el color. Dentro de estar en un futuro distópico gris, añade unos colores alucinantes cuando Geiger «enciende» sus poderes atómicos. La historia de Johns está bien, pero sólo por el dibujo de Frank y Anderson merece la pena leer este comic.

Geiger Ground Zero no busca ser rompedor en ningún aspecto respecto lo que vino antes, y ofrece un buen comic que consigue llamar la atención del lector de cara al lanzamiento de la nueva serie regular. Por mi parte, dentro de que no me ha enamorado, creo que ha cumplido su función.

Comparto las primeras páginas del comic:

Geiger Ground Zero repite los aciertos de la primera miniserie pero también los elementos con los que conecto menos, en este caso en una historia corta que no tiene demasiado margen para contar demasiadas cosas. En todo caso, estamos ante un buen comic que pone en marcha la nueva tanda de historias que empezarán a publicarse en Estados Unidos a partir de Abril.

PUNTUACIÓN: 7/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Películas

Crítica de Vidas pasadas de Celine Song

Deja un comentario

Siguiendo con la revisión de las películas nominadas al Oscar a Mejor Película hoy toca analizar Vidas pasadas, la película de la directora coreana-canadiense afincada en Estados Unidos Celine Song.

PUNTUACIÓN: 6/10

Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con una fuerte conexión, se separaron cuando la familia de Nora, que entonces tenía solo 10 años, emigró desde Corea del Sur a Canadá. Muchos años después, cuando Nora está estudiando teatro en Nueva York, ambos se reencuentra con él online, y pasarán juntos una semana que les enfrentará al amor, al destino y a las elecciones que componen una vida.

Celine Song (nacida Song Ha-yeong, 1988) es una directora, dramaturga y guionista coreano-canadiense afincada en Estados Unidos. Song nació en Corea del Sur. Sus padres, ambos artistas, trasladaron a la familia a Markham (Ontario, Canadá) cuando ella tenía 12 años. Song cursó sus estudios universitarios en la Queen’s University de Ontario y estudió psicología, antes de obtener un máster en dramaturgia por la Universidad de Columbia de Nueva York en 2014. Entre sus obras destacan Endlings y La gaviota de Los Sims 4.

Vidas pasadas es la opera prima de Song, que además de dirigir también escribe su guion a partir de elementos de su propia vida. La película cuenta con fotografía de Shabier Kirchner, montaje de Keith Fraase y música de Christopher Bear y Daniel Rossen. La película de 100 minutos de duración fue estrenada en el Festival de Sundance con gran éxito. Es una producción de A24 y ha contado con un presupuesto de 12 millones de dólares. La película ha sido nominada para los Oscars a Mejor Película y Mejor Guion Original, además de haber conseguido otros galardones por todo el mundo.

En el reparto encontramos a Teo Yoo como Hae Sung (con Seung Min Yim como un joven Hae Sung); Greta Lee como Nora / Na-Young (con Seung Ah Moon como una Nora joven); John Magaro como Arthur, el marido americano de Nora, Ji Hye Yoon como la madre de Nora, Choi Won-young como el padre de Nora y Min Young Ahn como la madre de Hae Sung.

Vidas pasadas me ha sorprendido. Por la planificación de contenidos del blog, en este caso toda la parte con la ficha técnica que acabas de leer la escribí antes de ver la película. Y me ha llamado la atención como toda la historia familiar de Nora / Hae Sung es idéntica a la vida de la directora Celine Song. Lo cual no es bueno ni malo, obviamente. La clave es ver lo que hace con ello Song para plantear su historia. Y me encuentro con una película supuestamente romántica sobre el primer amor perdido creada por una persona que no cree en el amor ni desde luego en el destino, sino más bien en llevar tu ambición personal hasta sus últimas consecuencias.

La película presenta al público occidental el concepto budista coreano de In-Yun, que simboliza la conexión, el destino de dos personas nacidas para estar unidas a partir de sus «vidas pasadas», siguiendo la idea de la reencarnación. Lo malo es que en el diálogo en el que Nora / Na-Young le cuenta lo que significa In-Yun a su futuro marido Arthur, Nora le dice que en realidad eso es una chorrada que la gente cuenta para seducir a su pareja. A partir de ahí no dejo de ver una historia cínica sobre un amor utópico que la directora no cree que exista.

Na-Young debería estar triste cuando con 12 años va a abandonar a su amigo del colegio Hae Sung. Pero en lugar de ello, coge lo que es una decisión egoísta de sus padres sobre la que no tuvo opinión y la hace suya, contándole a sus amigos del colegio que aprovechará el cambio para ganar el premio Nobel de literatura, dado que nunca se lo darán a un coreano (pero si de lo pueden dar a una «americana»). Luego, con el transcurrir de los años, la americanizada Nora va cambiando sus objetivos, «conformándose» con ganar un Pulitzer y luego un Tony, peo siendo una buena profesional en su campo que parece haber tenido un éxito relativo. Cuando Arthur, su marido, se muestra inquieto con el hecho que Nora vuelva a encontrarse con su amigo de la infancia 24 años después, expone con fría objetividad que en realidad no cree que Nora esté enamorado de él, sino que le utilizó para conseguir una tarjeta de residencia para poder vivir en Nueva York. Cosa que en realidad es lo que ha pasado. Cuando Nora le dice «pero te olvidas de una cosa, y es que te quiero», el diálogo suena falso y hueco, a no ser que entiendas ese «amor» como un «te uso por mi conveniencia». No se si mi estado mental actual me sitúa un poco cínico, pero esto lo veo clarísimo a lo largo de toda la película.

Que la directora Celine Song no cree en el amor romántico no es algo limitado únicamente a la protagonista femenina. Hae Sung en Corea debería haberse casado hace varios años con su novia de allí, pero no lo han hecho porque él tiene un trabajo normal y por tradición debería tener una profesión mucho más importante que la de la mujer, por lo que expresa que lo normal para la cultura coreana es que ella busque a alguien mejor que él. De nuevo tenemos una idea utilitarista de la vida que nada tiene que ver con la idea de amor romántico, y que él pueda estar enamorado de su novia no es un factor en la ecuación de si deberían casarse. Aparte de la idea utópica del «amor de juventud», en realidad Nora nunca se ha planteado cambiar nada en su vida porque ella siempre prefirió su vida en Nueva York. Y por lo mismo que sufre en Corea, Hae Sung ni siquiera le pregunta a Nora si se iría con él porque sabe que no es digno de ella desde esta perspectiva económica de la vida, lo cual es algo tristísimo si pensamos en él. Desde el punto de vista de Hae Sung, más que una película romántica estamos ante un drama bestial que si algo refleja es la dureza de la competitiva cultura coreana para el bienestar psicológico y emocional de los hombres coreanos.

Vidas pasadas es una película americana, producida en Estados Unidos creada por una directora afincada en Nueva York con una actriz protagonista Greta Lee nacida en Los Ángeles, obviamente de padres coreanos emigrantes. Por su parte, el protagonista Teo Yoo nació en Alemania de padres coreanos, aunque en este caso en la actualidad si vive y trabaja en Corea. Sin embargo, la película está narrada el 90% del tiempo en coreano, obligando al público americano a verla con subtítulos, algo poco habitual. Es evidente la similitud con Minari, una película nominada a los Oscars de forma ridícula al apostar por el elemento identitario de mostrar la dificultad de una familia de inmigrantes coreanos en Estados Unidos para salir adelante. Sin embargo, lo que sí encuentro interesante de Vidas pasadas es que la directora Celine Song utiliza la película no para mostrar la dificultad de Nora para amoldarse a su vida americana, cosa que hace sin problemas debido a su personalidad individualista y ambiciosa, sino para mostrar lo lejos que está de sus raíces coreana y ya no cree ser un coreana «pura».

De hecho, Nora afirma que ya sólo habla en coreano con su madre, afincada en Canadá, y luego con Hae Sung, y sólo él la nombra con su nombre coreano Na-Young durante sus conversaciones por Skype. Y cuando piensa en Hae Sung, no deja de ver en él elementos de la cultura coreana que ella ya no siente como suya. Podría pensarse que Nora se siente desubicada, pero en realidad ha abrazado el individualismo americano sin problemas, hecho que se puede ver cuando 12 años después de separarse, tras reestablecer el contacto online, Nora decide parar las comunicaciones con Hae Sung para centrarse en su vida y en su carrera americana, sintiendo que estas charlas la anclan a un pasado del que no quiere saber nada. Una decisión que lleva a los siguientes 12 años de salto temporal en el que no tienen contacto.

Por cierto, aunque es un elemento no mencionado, en la película Nora y Hae Sung tienen 36 años cuando se reencuentran en Nueva York. Y me parece curioso que Nora parece estar super centrada en su profesión hasta el punto de haber decidido no haber tenido hijos con su marido a pesar de llevar 7 años casados. Otro elemento que muestra el egoísmo / individualismo de la sociedad que marca todo en esta película.

Pensando en otros elementos de Vidas pasadas, me ha gustado la composición que Celine Song plantea para contar su historia, llena de planos con los dos protagonistas cerca pero siempre separados. Visualmente la película tiene elementos muy muy interesantes, como los planos de Seúl que parecen planteados para mostrar un pasado casi mítico para Nora que ya no es su vida. Aunque tenga reparos en la historia, Song como directora creo que ha hecho un trabajo estupendo.

Los dos protagonistas me parece que están espectaculares, sobre todo Teo Yoo, que muestra de forma minimalista pero claramente entendible su dolor ante el convencimiento que amor de su vida siempre ha estado fuera de su alcance. La película muestra pequeños detalles que muestran como a pesar de tener 36 años es un niño nervioso ante la reunión, con detalles como que lleve aún mochila o que se mire en el estanque para ver si está bien peinado. De alguna manera la película está contada desde el punto de vista de ella, y lo que queda claro es que para Nora, Hae Sung es «demasiado coreano» para ella, no se amolda a lo que necesita.

Greta Lee como Nora / Na-Young creo que está también muy bien, aunque diría que el punto de vista cínico hacia el amor de la historia que plantea la directora provoca que su impacto sea menor dado el utilitarismo con el que ha comandado su vida. La penúltima escena en la que ella deja ir a Hae Sung y luego llora desconsolada en el hombro de su marido Arthur queda un poco para la galería, al querer mostrar que abandona sus sueños de infancia por la comodidad de su vida actual. El momento en que le dice a Hae Sung que ella ahora es Nora y ha dejado su pasado atrás, pero que Na-Young existió y él la mantuvo vida en sus recuerdos, si me parece un momento emocionante.

Por cierto, aunque tiene un papel muy secundario, me ha gustado mucho también la interpretación de John Magaro como Arthur, el marido de Nora. Y como de forma también muy minimalista expresa muy claramente que sabe que en realidad Nora no le ama y sólo le utiliza. Aparte que es imposible competir con la figura idealizada de un amor de juventud. Desde luego, Nora no le ama usando el concepto occidental de amor. Aunque a lo mejor lo que hace Nora con su marido si es amor desde una concepción coreana de la vida, y resulta que ella sí es más parecida a la cultura que creía dejar atrás de lo que ella quiere reconocer. Momentos como cuando Arthur le dice a Nora que sueña en coreano, y por tanto existe un elemento que la mantiene alejada de él, o la escena en el bar en el que los dos amigos se ponen a hablar en coreano desplazándole completamente es otro momento doloroso para él, que creo que acepta porque él si está enamorado de ella, y con tan de estar juntos puede aceptar el hecho que ella no le ame.

Ver Vidas pasadas me ha parecido muy interesante. En realidad, me alegro que gracias a los Oscars haya visto una película que claramente se sale de mi zona de confort, aunque me sorprende ver que tanta gente no entienda la película con la claridad que la veo yo y la alabe como una gran película romántica que diría que nunca pretendió ser.

Comparto el trailer de la película:

Vidas pasadas me parece la anti-película romántica. Me quedo muy muerto pensando que o yo no entiendo nada o el resto del mundo no ha entendido lo que ha visto.

PUNTUACIÓN: 6/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Comics

Crítica de World´s Finest: Teen Titans 1-6 de Marc Waid y Emanuela Lupacchino (DC Comics)

Deja un comentario

DC Comics ha decidido con acierto rentabilizar el enorme éxito de Batman – Superman World´s Finest con una nueva miniserie ambientada en el pasado del Universo DC para contar las primeras aventuras de los Teen Titans, realizada por el quipo super estrella formado por Mark Waid, Emanuela Lupacchino y Jordie Bellaire.

PUNTUACIÓN: 8/10

A partir de las páginas del éxito arrollador Batman/Superman: World’s Finest, llega una nueva versión moderna de las primeras aventuras de los Teen Titans originales.

Liderados por Robin, el Chico Maravilla, un nuevo superequipo ha irrumpido en escena: te presentamos a los Teen Titans, el grupo más divertido de DC formado por superadolescentes con superproblemas. Cuando no están luchando junto a sus mentores de la Liga de la Justicia, se dedican a gestionar su imagen y a cultivar una rabiosa afición que les ayude a salvar el mundo… mientras, un peligro en la sombra intenta separar a estos amigos antes de que lleguen a lo más alto.

Antes de ser los Titanes del DCU, eran los Teen Titans, ¡y no querrás perderte esta nueva visión de sus orígenes de la mano de los legendarios talentos Mark Waid y Emanuela Lupacchino!

Esta miniserie World´s Finest Teen Titans cuenta con 6 grapas USA.

Mark Waid es una autoridad en el mundo del comic mainstream, habiendo trabajado para ls principales editoriales, Marvel, DC, Fantagraphics, Event, Top Cow, Dynamite y Archie Comics. Su nombre está ligado a The Flash y Kingdom Come en DC, pero también a Capitán América, Los Cuatro Fantásticos y Daredevil para Marvel. Junto a estos trabajos más mainstream, entre 2007 y 2010, Waid fue Editor Jefe y posteriormente Director Creativo de Boom! Studios, donde también publicó sus series de creación propia Irredeemable e Incorruptible. Batman/Superman: Los mejores del mundo supuso su retorno a DC Comics, donde se encuentra en una segunda juventud gracias a sus guiones del evento Lazarus Planet, la miniserie Batman vs Robin o las nuevas aventuras de Shazam!

Emanuela Lupacchino es una artista italiana nacida en Roma en 1980. Ha trabajado en Marvel en X-Factor, en Valiant en Archer & Amstrong y Bloodshot, y sobre todo en DC Comics, en Supergir, Wonder Woman, Trinity, Starfire, Justice League y muchos más.

World´s Finest: Teen Titans es un comic perfecto. Da gusto leer un comic en el que las caracterizaciones son una maravilla, consiguiendo que cada héroe tenga su propia personalidad y problemas. Empezando por un Robin (Dick Grayson) acosado por la larga sombra de Batman que impide que pueda congeniar como le gustaría con sus compañeros. Flash Wally West es un joven positivo que intenta con demasiadas ganas ser amigo de todos al ser el menor del grupo. Mientras, Speedy Roy Harper es un chulito que le gusta fardar como escudo ante el dolor de ver cómo su padre adoptivo no tiene tiempo para él. Mirando a la parece Wonder Girl Donna Try – Aqualad Garth, es interesante que viniendo los dos de sociedades diferentes a la occidental, cada uno conecta con el nuevo mundo de formas diferentes, abrazando Donna cada una de las maravillas que va descubriendo mientras que Garth se ve sobrecargado sensorialmente al ser una persona más tranquila. Por último, Bumblebee Kaen Beecher es quizá la única heroina sin problemas, al ser una joven super capaz que se construyó su traje de Bublebee.

Aparte de las estupendas personalidades, Waid clava los diálogos y la forma en que se relacionan, ofreciendo momentos super divertidos y emocionantes. Si nos enamoramos de los comics no fue tanto por las batallas (que también) sino por presentar a personas reales con las que resultaba muy fácil empatizar. En esto Waid es un maestro. Otro elemento destacable es que aunque estamos en una miniserie de seis números con una historia cerrada super satisfactoria, en realidad cada grapa ofrece a su vez una aventura que es autocontenida y se disfruta individualmente, combatiendo a unos villanos también jóvenes que ofrecen un buen nivel de amenaza.

El concepto de World´s Finest planteado por Waid parte del concepto de contar historias ambientadas en un pasado indeterminado de los héroes, que permite mostrarles en sus versiones más icónicas y reconocibles. En el caso de los Teen Titans, hablamos de un concepto surgido en 1964 dentro de la serie The Brave and The Bold, con una primera alineación formada por Robin, Kid Flash y Aqualad a los que se unió Wonder Girl pasados unos meses. Además de actualizar estas aventuras al siglo XXI, me gustan los héroes añadidos por Waid, que generan unas dinámicas muy chulas. Aparte que además de estos 6 jóvenes héroes, tenemos un montón de invitados especiales en numerosas grapas que ayudan a la sensación de mundo abierto en el que todo es posible, la idea clave sobre el que se asienta la serie principal de Waid y Mora.

Dentro de ser unas historias ligeras, Waid consigue meter temas adolescentes de forma inteligente que no restan un ápice de entretenimiento. El miedo a no ser aceptado de la adolescencia, el fenómeno fan y la relación de los jóvenes con las redes sociales, incluso la tentación de cambiar tus valores morales por una supuesta demanda de la sociedad que pide héroes más «duros» que estén dispuestos a hacer lo que sea necesario. Estos son temas que tendremos en estas páginas que ayudan a la sensación tan satisfactoria que me han dado estas grapas.

Y si la historia de Waid está bien, el dibujo de Emanuela Lupacchino con color de Jordie Bellaire me ha volado la cabeza. Aunque sea off-topic, hace unas semanas me lamentaba del mediocre dibujo de la nueva etapa de Jed MacKay en Los Vengadores, con un C.F. Villa desluciendo el comic. En el caso de Lupacchino es todo lo contrario, el disfrute del comic viene sobre todo gracias a ella. Su estilo plantea un lápiz de línea clara centrado en contar la historia de la forma más clara posible, y su representación de los héroes es maravillosa. Creo que la posibilidad de dibujar estas versiones pasadas con sus caracterizaciones más icónicas es un regalo para cualquier buen dibujante, y Lupacchino la aprovecha de forma maravillosa.

Me gusta mucho la comunicación no verbal que Lupacchino transmite en sus viñetas, que añaden una personalidad bestial a todos los personajes. Y a la hora de las escenas de acción, su fluidez narrativa me parece encomiable. Reconozco que es fallo mío no haber conocido hasta ahora a Lupacchino, pero me ha encantado.

Por cierto, destacar también que las portadas de este comic están dibujadas por Chris Samnee y me encantan. Pero para que veáis, viendo el trabajo sobresaliente de Samnee, siento que Lapucchino no desentona y puede mirarle de tu a tu. Ya veis lo mucho que me ha gustado.

World´s Finest: Teen Titans es un éxito monumental. Ahora mismo el concepto World´s Finest es sinónimo de calidad dentro de DC Comics. Y siempre que Waid siga en los guiones, DC estaría loca si no le diera luz verde a Waid para que desarrollara nuevas historias en este momento pasado. Si puede ser de los Teen Titans, perfecto. Pero estaría genial poder ver versiones retros de la Doom Patrol, por ejemplo. Las posibilidades están ahí, espero que DC las aproveche.

Comparto las primeras páginas del comic:

World´s Finest: Teen Titans ha sido un comic excelente que continua la buena racha de la serie principal al ofrecernos una buena historia maravillosamente dibujada. No le pido más a un comic de superhéroes.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Películas

Crítica de Anatomía de una caída de Justine Triet

Deja un comentario

Se acercan los Oscars 2024 y como siempre voy a intentar ver todas las películas nominadas a mejor película. Así que aprovechando su reestreno en cines he visto Anatomía de una caída, la película francesa dirigida por Justine Triet y protagonizada por una estupenda Sandra Hüller.

PUNTUACIÓN: 7/10

Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tumultuosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira. (FILMAFFINITY)

Justine Triet (Fécamp, Francia 1978)​ es una directora de cine, guionista y actriz francesa. Su primer largometraje, La Batalla de Solferino, fue presentado al festival de Cannes 2013. En 2016 escribió y dirigió Victoria​, por la que fue nominada a los Premios César por Mejor Película y Mejor Guion Original​. El reflejo de Sibyl (2019) también se estrenó en el Festival de Cannes​. Finalmente, en 2023, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por Anatomía de una caída, convirtiéndose así en la tercera directora en obtener dicho premio, además de obtener el Globo de Oro para la misma cinta en su categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa.

Además de dirigir la película, Justine Triet escribe el guion junto a su marido Arthur Harari. La película de 150 minutos de duración cuenta con fotografía de Simon Beaufils, montaje de Laurent Sénéchal. Me llama la atención al buscar la ficha de la película algo que noté extraño durante el visionado, y es que la película no tiene música. Anatomía de una caída ha recibido una alabanza casi universal por parte de la crítica.

En el reparto encontramos a la actriz alemana Sandra Hüller como Sandra Voyter, una escritora acusada del asesinato de su marido. Hüller ya trabajó con Triet en El reflejo de Sibyl y su condición de alemana viviendo en Francia resulta clave en la historia, hasta el punto que Triet comenta que escribió a la protagonista pensando en ella.

El resto del reparto lo forman Samuel Theis como el Samuel Maleski, el marido de Sandra fallecido en extrañas circunstancias. Swann Arlaud interpreta a Vincent Renzi, abogado y ex-novio de Sandra, Milo Machado-Graner es Daniel Maleski, el hijo invidente de Sandra y Samuel que tendrá un papel clave en la reconstrucción de los hechos. Antoine Reinartz como el fiscal, Jehnny Beth es Marge Berger, agente del juzgado encargada de proteger a Daniel e impedir que sea condicionado en su declración. Saadia Bentaïeb es Me Nour Boudaoud, la otra abogada de Sandra, Camille Rutherford interpreta a Zoé Solidor, la estudiante de post-grado que fue a entrevistar a Sandra al principio de la película y Anne Rotger como la presidenta del tribunal, completan el reparto en sus papeles principales.

Me ha gustado Anatomía de una caída, me ha parecido una película muy interesante en la que la fantástica interpretación de Sandra Hüller consigue elevar el resultado final. Me interesa por ejemplo que la película NO sea un whudunnit en el que lo importante es saber si Sandra mató a su marido o no, sino que Justine Triet realiza una disección de la complejidad de las relaciones de pareja. Me gusta cómo durante el juicio cómo Sandra repite una y otra vez que una relación es algo muy complejo con sus momentos buenos y malos, y como una conversación puntual sacada de contexto no sólo no muestra esa complejidad sino que lo simplifica hasta que se pierde el sentido de lo que se ha vivido. Es imposible reducir años de convivencia a una sentencia de buenos y malos cuando lo normal es que ambos sean un poco de cada. Las relaciones de pareja no se puede analizar en términos de blanco y negro cuando el gris y la ambigüedad domina muchas de nuestras actuaciones, al tomarse muy a menudo decisiones egoístas en lugar de pensar en la media naranja.

Otro elemento que me ha gustado mucho es el papel que juega el hijo de la pareja y como vemos que son nuestros deseos moldean los recuerdos. Esto se lo dice la secretaria judicial a Daniel, el hijo de Sandra, cuando el joven ciego le pregunta qué debe creer. En una situación en la que no puede creerse que su padre se suicidara pero tampoco que su madre matara a su padre, ¿Qué es lo correcto? Al ser una situación en la que no existen pruebas fehacientes en ningún sentido, es él el que tiene que asumir la verdad que quiere creer, y seguir con su vida en consecuencia. ¿Realmente sus recuerdos eran esos o da un nuevo significado a hechos que no tienen relación para ajustarse a sus nuevas creencias? Todo es tan ambiguo que ambas respuestas pueden ser correctas. Dependiendo, también, de lo que el espectador quiera creer.

La estudiada ambigüedad de la película tiene su máxima expresión en la fantástica interpretación de Sandra Hüller. La protagonista es una persona fría y aparentemente distante que afirma amar a su marido pero cuyos actos a veces no muestran eso. Sin embargo, abandonó su vida en Londres por acompañar a su marido a su hogar en Francia, luego no puede decirse que sea egoísta. O al menos no al principio. Hüller crea a una protagonista con unos matices bestiales con el que es fácil empatizar a pesar que sus actos sean como mínimo cuestionables. Actos que en todo caso no indican que sea una asesina, tan sólo que las relaciones de pareja son complicadas. Y a pesar de todo, ¿de verdad todos los hechos son casualidades y ella no se enteró del suicidio de su marido?

Por si fuera poco, la película en su versión original tenía a la protagonista hablando en francés, alemán e inglés, lo que es una muestra más de la calidad de Hüller, algo que en este caso se perdió en la copia en castellano que vi yo. Es una pena que Emma Stone haya creado a Bella Baxter en Pobres criaturas, porque cualquier otro año sería una seria candidata a ganar el Oscar.

Anatomía de una caída me ha gustado, me parece una buena película con una buena historia y una protagonista que lo hace super bien. Los matices vendrían porque me quedo muerto de ver que esta película ha ganado entre otros la Palma de Oro de Cannes o el Globo de Oro. No se si es un tema que las otras películas eran atroces y en realidad no ha habido competición, que también es posible. Pero si esta es la mejor película del año, el cine está en peligro de extinción.

En los últimos meses me he quejado de la duración absurda de algunos estrenos de Hollywood, pero resulta que esta moda no es exclusiva de los blockbusters. Porque esta película no debería haber durado más de los 120 o 130 minutos, la duración de dos horas y media me parece una barbaridad. Curiosamente, este aspecto de la duración tan criticado para el entretenimiento no parece ser un problema para la crítica especializada en este caso.

Otro aspecto que merece un comentario es que como digo la historia tiene algunos elementos muy interesantes en lo relativo a la dificultad de la vida en pareja. Pero aunque consigue salir a flote, su temática y puesta en escena la ponen en muchos momentos peligrosamente cerca de los dramas de domingo por la tarde de Antena 3. En muchos momentos pensé que más que una película esta historia parecía pensada para ser representada en teatro, al tener prácticamente dos únicas localizaciones, la casa en la montaña de la pareja y la sala del tribunal donde se realiza el juicio.

Y hablando del juicio, obviamente no conozco el ordenamiento judicial francés, pero ver este juicio en el que la acusada rebate a testigos durante su declaración y se lanza a debates de fondo con el fiscal me ha parecido todo menos realista. Y ojo que los diálogos me gustan mucho y plantean temas interesantes, pero es otro elemento que refuerza la idea de obra de teatro más que recuento realista de un misterio que debe ser dilucidado, algo que en realidad es un aspecto secundario de la película.

A pesar de estos aspectos menos buenos, en realidad ya digo que me ha gustado. Anatomía de una caída me parece una película que merece verse. Por cierto, un elemento que me gusta mucho es que no plantee moralinas, dejando todo a la interpretación del espectador. En estos tiempos de panfletos políticos es una sorpresa positiva ver una película «seria» que no busca dar respuestas a todos los problemas de la sociedad. Aunque imagino que la ambigüedad que comentaba puede servir para que todo tipo de activistas vea sus tesis refrendadas, como pensar que se acusa a Sandra por ser mujer y que esta acusación es muestra del machismo sistémico de la sociedad. Yo no creo que eso sea así, dado que en un caso tan ambiguo quiero creero que hubieran inculpado al marido si la mujer fuera la que hubiera muerto. Pero es un ejemplo que se me ocurre que refuerza la idea que sí muestra la película sobre que son nuestras creencias las que dan forma a nuestra realidad sin importar los hechos físicos acaecidos.

Anatomía de una caída es una buena película. Igual no tan buena como parece pintarla todo el mundo, pero entiendo que es algo a lo que hay que acostumbrarse en el entretenimiento.

Comparto el trailer de la película.

Anatomía de una caída me parece una buena película pero ni mucho menos la mejor película del año. Mi desconexión respecto a la opinión de la crítica me parece curiosa.

PUNTUACIÓN: 7/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Comics

Crítica de Motorista Fantasma 11 de Benjamin Percy y Danny Kim (Marvel Comics – Panini)

Deja un comentario

Tras su cruce con Lobezno, las cosas vuelven a la normalidad para el Motorista Fantasma. Pero normalidad no significa tranquilidad, como descubriremos en el Annual 2023 del personaje, con guiones del habitual Benjamin Percy, con dibujos de Danny Kim y color de Jim Campbell, que Panini ha publicado este mes de febrero.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡Feliz Halloween, Espíritu de la Venganza! Halloween en una noche para los monstruos, y El Encapuchado es uno de esos monstruos. ¿Podrán el Motorista Fantasma y Elsa Bloodstone, su invitada especial, detener los planes de este villano o estaremos ante el último Halloween? No te pierdas un número que señala el futuro del Motorista Fantasma.

Esta grapa de Panini incluye Ghost Rider Annual 1 2023 USA.

Benjamin Percy se lo debe de estar pasando genial con esta etapa de Motorista Fantasma. Sin embargo, parece evidente que es consciente que las ventas están flojeando y la colección necesita un empujón a ver su puede aumentar ventas. Tras un evento con Lobezno (por cierto, si Lobezno no consigue aumentar las ventas nada lo hará), en este Annual tenemos invitados por partida doble, al aparecer la cazadora de monstruos Elsa Bloodstone y el villano El Encapuchado, que disfrutó de bastante protagonismo en la etapa de Brian Michael Bendis en Los Vengadores y Nuevos Vengadores.

El comic se mueve por todos los caminos esperables, con la presentación de la amenaza, unión de los héroes, llegada a la ciudad embrujada y combate final. En realidad todo funciona adecuadamente, si bien me parece que Percy vuelve a quedarse sin páginas y acaba planteando un final un poco abrupto y anticlimático. Y aunque este final me ha parecido un poco chof, leyendo la actualidad americana he descubierto que El Encapuchado está destinado a jugar un papel importante en el futuro del Motorista Fantasma. Algo que hace que este Annual quede como una historia descafeinada y decepcionante porque esa teórica importancia futura no llega a verse. Aunque sí tengo cierta curiosidad con saber por donde van a ir los tiros.

El dibujo de Danny Kim con color de Jim Campbell me ha parecido correcto, dentro de ser flojete. En las partes demoniacas y sangrientas igual disfruto más del apartado gráfico, pero no acabo de conectar con la versión de Elsa Bloodstone o con la narrativa de Kim en los momentos más tranquilos. No puedo decir que sea un mal dibujo, pero tampoco tiene elementos especialmente destacables.

Si Panini no se equivocó hace unos meses, nos acercamos al final de la actual etapa de Benjamin Percy en Motorista Fantasma, cuyo final está previsto en el número 21 USA (número 13 de la edición de Panini). Más que lamentarme por ello, me alegro que esta colección exista y haya conseguido durar hasta donde lo ha hecho. Por cierto, este final tal vez de Johnny Blaze no significa que sea el final del Motorista Fantasma, porque parece que Marvel tiene planes para él, quien sabe si con otro piloto a los mandos. Así que espero que no sea un final, sino un hasta pronto. Habrá que estar atentos a las noticias que lleguen de USA.

Comparto las primeras páginas del comic:

Estoy disfrutando de la actual etapa de Motorista Fantasma, incluso aunque tenga números más flojetes como este annual, a pesar de su posible importancia de cara al futuro del personaje.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!