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Crítica de La Guerra del mañana de Chris McKay (Prime Video)

Prime Video estrenó ayer viernes una de sus apuestas fuertes para este verano. La Guerra del Mañana, película de ciencia ficción dirigida por Cris McKay con Chris Pratt de protagonista, que ofrece un correcto entretenimiento si no piensas demasiado en lo que estás viendo.

PUNTUACIÓN: 6/10

Un día el mundo se paraliza cuando un grupo de viajeros en el tiempo se transporta desde el año 2051 para entregar un mensaje urgente: La humanidad está perdiendo la guerra mundial contra una especie alienígena letal. La única esperanza de supervivencia es que los soldados y los ciudadanos del presente sean transportados al futuro y se unan a la lucha. Entre los reclutados está el profesor de instituto y padre de familia Dan Forester (Chris Pratt) quien, decidido a salvar el mundo por su hija, se une a una brillante científica (Yvonne Strahovski) y a su padre (J.K. Simmons) en una búsqueda desesperada por reescribir el destino del planeta. (FILMAFFINITY)

Chris McKay, (1968), es un director de cine y televisión, escritor, productor, editor, animador y artista de efectos visuales estadounidense. Dirigió tres temporadas de Robot Chicken y trabajó como codirector de animación en The Lego Movie (2014) con Phil Lord y Christopher Miller. Hizo su debut como director de largometrajes con The Lego Batman Movie (2017). La Guerra del Mañana es por tanto el debut de McKay como director de una película de imagen real, y creo que globalmente realiza un buen trabajo.

La guerra del mañana tiene un guión de Zach Dean, fotografía de Larry Fong, montaje de Roger Barton y Garret Elkins y música de Lorne Balfe. La película de 138 minutos es una coproducción de Skydance y Paramount que inicialmente estaba planteada para ser estrenada en cines. Debido al COVID finalmente Prime se hizo con los derechos de distribución a nivel mundial, estrenándola el pasado 2 de julio, una fecha señalada para los grandes blockbusters palomiteros. De hecho, su presupuesto está estimado en unos 200 millones de dólares, confirmando que estamos ante una apuesta potente de uno de los estudios de Hollywood con más solera.

La película cuenta con el reclamo comercial de Chris Pratt, que interpreta a Dan Forester, un militar veterano de Irak y profesor de biología. Junto a él tenemos a Yvonne Strahovski como la coronel Muri Forester, la hija adulta de Dan en el futuro, J.K. Simmons como el padre de Dan James, un veterano de Vietnam que abandonó a su familia debido al trauma que vivió en la guerra y a Ryan Kiera Armstrong como la niña Muri Forester del presente. En el viaje de Dan al futuro conocerá a Charlie y Dorian, dos soldados muy diferentes interpretados por Sam Richardson y Edwin Hodge.

La Guerra del Mañana ofrece un correcto entretenimiento, más teniendo en cuenta que la hemos podido ver cómodamente en el casa. Como película de ciencia ficción con elementos bélicos cumple y las más de dos horas de película pasan en un suspiro porque desde que Dan viaja al futuro están pasando cosas todo el rato y no dejan un segundo de respiro. Comentaba que estamos ante un gran blockbuster cinematográfico, y lo cierto es que viendo la película antes de saber las cifras de producción ya se notaba que estamos ante una producción de gran presupuesto, con una escala y un nivel de destrucción importante. Para los fans del cine bélico y la ciencia ficción con aliens, creo que la película ofrece elementos más que de sobra para que les guste. Yo de hecho terminé razonablemente satisfecho.

El problema de la película es el guión. McKay creo que hace un buen trabajo como director y hay varios momentos visualmente super potentes, pero estamos ante la típica película que si, puede ser entretenida, pero mejor no pienses en lo que estás viendo porque realmente no tiene sentido, con algunos momentos realmente tontos. Un guión pobre para una película que te vende a Chris Pratt de gran protagonista y él hasta el climax final está en pantalla casi siempre, pero o bien escapando de los aliens o bien viendo a otras personas hacer las cosas importantes. La forma en la que desaprovechan a su personaje es curiosísima.

La película además se construye a partir de un par de sorpresas, algo esperable teniendo en cuenta que es una película con viajes temporales de por medio. Y durante los dos primeros tercios en los que básicamente es acción la película cumple razonablemente bien. Sin embargo, cuando empezamos a conocer las respuestas, estamos ante un castillo de naipes que se derrumba, empezando por la propia premisa del viaje en el tiempo para combatir en el futuro algo que realmente hay que derrotar en el presente. Además, se notan clarísimamente los referentes en los que se ha inspirado el guión, que van desde Alien, Terminator, La Cosa o Al filo del Mañana, entre otras muchas, quedando cierta sensación de pastiche una vez has visto la película en su totalidad y la analizas, como hago yo ahora.

Otro detalle es el propio diseño de la raza alienígena. Dentro de ser un CGI, luce bien en pantalla y ofrece una buena sensación de amenaza para los protagonistas cuando se trata de guerra de guerrillas en espacios cerrados. Sin embargo, de nuevo cuando empiezas a pensar en ello, no acabas de creerte que unos aliens que no vuelan y no tienen armamento, a pesar de estar más o menos acorazados, puedan destruir a la raza humana y hacer con el control del planeta. Está claro que esto entra en la propia suspensión de credulidad, o entras en la premisa o no hay película. Pero sin duda entra en la parte de no pensar demasiado en lo que estás viendo.

La película busca un target familiar con unos momentos de humor que a mi no me funcionaron. Sin embargo, mi hijo si se tronchó, así que probablemente cumplan correctamente la función. En este sentido, es justo reconocer que a mi hijo de 13 años le gustó mucho más la película que a mi, lo cual creo que entra también dentro de lo esperable y encaja en la idea de ofrecer un poco para todo tipo de espectadores, lo cual encaja además con el protagonismo de la hija de Chris Pratt adulta del futuro, que es la que tiene todo el protagonismo allí.

A pesar del flojo guión que se va desmoronando, es justo reconocer que como entretenimiento ligero, La Guerra del Mañana cumple razonablemente con su objetivo, y no dudo que ahora que entramos en las vacaciones veraniegas para mucha gente, la película se convierta en un gran éxito de audiencia para Prime Video.

Comparto el trailer de la película:

La Guerra del Mañana es una correcta película que gustará especialmente a los fans de la ciencia ficción en su vertiente bélica anti alienígenas.

PUNTUACIÓN: 6/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Un lugar tranquilo 2 de John Krasinski

Tras más de un año de espera hemos podido disfrutar de Un lugar tranquilo 2, secuela de nuevo dirigida por John Krasinski con Emily Blunt de protagonista junto a Cillian Murphy, que mantiene las señas de identidad de la exitosa primera parte de 2018.

PUNTUACIÓN: 7/10

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena. Secuela de la exitosa producción «Un lugar tranquilo» (A Quiet Place, 2018).

John Krasinski dirige y escribe el guión de esta secuela que tiene muy claro el tipo de entretenimiento que quiere ser y cumple de sobra. Con Krasinski colaboran Polly Morgan en la fotografía, Marco Beltrami en la música y Michael P. Shawver en el montaje de una película de 96 minutos que de nuevo va al grano de principio a fin. Dicho esto de forma positiva.

En el reparto repiten todos los miembros de la familia Abbot: Emily Blunt como Evelyn, Millicent Simmonds como su hija sorda Regan, clave para descubrir la debilidad de los Aliens al final de la primera película. Noah Jupe es el segundo hijo de Evelyn Marcus y el propio John Krasinski se guarda una aparición a modo de flashback que está super bien. Para esta segunda parte se incorporan el genial Cillian Murphy como Emmett, un vecino de los Abbott, y Djimon Hounsou.

Un lugar tranquilo 2 debería haberse estrenado en 2020, pero debido al COVID se retrasó como tantas otras películas más de un año. Y me alegra comprobar que la película, con 60 millones de presupuesto (más de tres veces lo que costó la primera), ya lleva recaudados 200 millones, lo que significa que estamos ante uno de los primeros éxitos de taquilla post-COVID de una película mainstream americana. Esto me llena de alegría, y espero que los inminentes estrenos de Fast 9 y Black Widow ayuden a que los espectadores volvemos a los cines aprovechando además las vacaciones de verano.

Empezando en mi valoración de la película, lo principal es que me ha gustado y me ha hecho pasar un muy buen rato. Krasinski mantiene las señas de identidad de la primera parte y construye una secuela modélica en todos sus apartados técnicos. Visualmente la película tiene escenas y planos estupendos con una mayor presencia de los aliens en pantalla, que entiendo es lo que ha provocado que el presupuesto se triplique. Y los bichos la verdad es que lucen de maravilla y su inserción con humanos durante los ataques está muy bien y no me canta el CGI en ningún momento, consiguiendo momentos de gran tensión.

El montaje de sonido es sobresaliente al igual que en la primera parte, repitiendo casi una película muda en los que cada sonido es un aviso de desastre inminente. Los sustos están muy bien planificados y funcionan de maravilla durante el ajustado metraje. De hecho, frente a la moda absurda de películas larguísimas de dos horas o dos horas y media, me gusta la idea de una película que dura menos de 100 minutos y todo lo que nos ofrece es potente. En mi opinión, ojalá podamos volver a películas en los que la síntesis juega un papel en la narración.

Cillian Murphy es un crack y hace bueno todo en lo que sale, y en esta película me gusta la química que comparte con Emily Blunt, que sigue siendo todo cariño y empatía hacia sus hijos. Murphy tiene un papel muy básico, un padre atormentado por la muerte de sus seres queridos que tendrá que volver a encontrar la fuerza para ayudar a otros, pero dentro de eso creo que realiza un buen trabajo. Igual que Blunt, que en esta secuela pierde un poco de protagonismo en favor de sus hijos.

Si en la primera película el personaje de Regan, la hija sorda interpretada por Millicent Simmonds, resultaba super antipático, en esta segunda parte su protagonismo aumenta para bien, pasando el papel de “niño repelente” a su hermano Marcus (Noah Jupe). Entendiendo claro, que eso es lo que el guión les hace hacer, claro, que no es culpa de los niños actores. Dicho esto, me gusta mucho el final que sirve un poco de reivindicación de los dos niños ante todo el terror que han sufrido por parte de los monstruos, haciendo que se conviertan en dueños de sus propios destinos. En ese sentido, ¡muy buen final!

El problema de Un lugar tranquilo 2 es que a pesar del estupendo apartado técnico y el carisma de las interpretaciones, la película en muchos momentos recurre al “tontos haciendo tonterías” para hacer que la trama avance, lo cual me indica que Krasinski va justito en la faceta de escritor, sabiendo qué momentos potentes visualmente quiere que aparezcan pero dándole un poco igual la forma en que los personajes lleguen a esa situación.

Otro detalle que molesta un poco es que Krasinski se salta además las normas establecidas en la primera película sobre las habilidades de los aliens para forzar unas situaciones que hacen saltar por los aires la suspensión de credulidad. Por ejemplo, el hecho que si hay un sonido alto tapa los pequeños ruidos de la familia que no deberían poder ser escuchados por los monstruos. Y entiendo que en parte la película se construye para llegar a ciertos momentazos, pero da un poco de pena que el propio director le de igual cargarse la propia coherencia de su mundo de ficción.

En todo caso, aunque noté estos elementos menos buenos durante el visionado, no evitan que globalmente la película me haya gustado y crea que forma un buen conjunto unida a la primera parte.

Comparto el trailer de la película:

A pesar de las tonterías e inconsistencias del guión, Un lugar tranquilo 2 es un más que buen entretenimiento. Si los Krasinski se decidieran a hacer una tercera parte que cerrara la trilogía, no tengo duda que volvería a pagar para verla en el cine. Tal y como están las cosas, no hay mejor halago.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Luca de Enrico Casarosa (Disney+)

Pixar ha estrenado en Disney+ Luca, su última película dirigida por Enrico Casarosa, que es un maravilloso cuento sobre la amistad y sobre no tener miedo a vivir aventuras en medio de una Italia idealizada. El último triunfo de Pixar.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

La historia se desarrolla en un hermoso pueblo al lado del mar en la Riviera Italiana. Es la del crecimiento de un niño que experimenta un verano inolvidable con helado, pasta e interminables viajes en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un gran secreto: es un monstruo marino de otro mundo ubicado justo debajo de la superficie del agua.

Enrico Casarosa (Génova,1971) es un artista de storyboard y director de animación italiano que trabaja en Pixar. en 2011, fue director de storyboard en la película The Good Dinosaur. En 2012 fue nominado al Óscar en la categoría de mejor corto animado por La Luna. Casarosa añadió detalles de su infancia en Italia antes de mudarse a Estados Unidos en la historia que ayudan a transmitir la sensación de recuerdos de infancia vistos por nuestros yo adultos.

Con música de Dan Romer, fotografía de David Juan Bianchi y Kim White y escrita por Jesse Andrews y Mike Jones, LUCA es un viaje a una Riviera italiana idealizada de los años 50 y 60, el lugar donde vivir aventuras de verano de las que marcan toda una vida y crean amigos que son para siempre.

Luca Paguro es un ser acuático que vive bajo las aguas de la localidad italiana de Portorosso y cuya familia le ha enseñado a no alejarse por miedo a los monstruos de la superficie. Tras conocer casualmente a su nuevo amigo Alberto Scorfano, otro niño monstruo que vive solo, descubrirá que tiene la habilidad de cambiar a forma humana cuando sale del agua, y empezarán una aventura para descubrir el nuevo mundo gracias a Giulia Marcovaldo, una niña hija del pescadero local que está en el pueblo pasando las vacaciones de verano.

Aparte de la ascendencia italiana de Casarosa, Pixar envió a varios animadores a la Riviera Italiana para inspirarse de los paisajes y la cultura italiana, lo que unido a la perfecta animación de Pixar convierten a Luca en el mejor reclamo publicitario que la costa italiana podría haber recibido jamás. Si Coco fue el homenaje de Pixar a México y su cultura, no hay duda que Luca hace algo parecido con Italia, con su pasta, sus helados, sus scooters y la vida en los pequeños y bucólicos pueblos costeros. Todo en la película transmite el amor por esos elementos de un pasado probablemente idealizado.

Para el diseño de los personajes y el estilo de la animación, encuentro que hay una inspiración muy clara de Miyazaki desde el primer al último fotograma, combinado con la perfección de la animación de Pixar. Casarosa también comenta que el cine clásico italiano también sirvió de inspiracion a la hora de afrontar los momentos costumbristas en el pueblo de Portorosso.

Luca me ha encantado. Me ha parecido una maravilla, para qué haceros esperar. Dentro que es un típico canto a la tolerancia y el respeto por el diferente, está planteado en modo cuento para todas las edades y apela a nuestra infancia y las aventuras que viviamos de niños en los viajes estivales al pueblo de nuestros abuelos, y como esas vivencias nos marcaron. Que sea Luca nuestros ojos en la historia apela de forma maravillosa al sense-of-wonder que los niños sienten (sentimos) al descubrir cosas nuevas o vivir una aventura por primera vez, y en ese sentido han conseguido llegarme de forma increíble. El diseño de los tres protagonistas Luca, Alberto y Giulia me ha gustado muchísimo y también ver que los tres tienen problemas y traumas personales a los que tendrán que enfrentarse, eso si, siempre de forma ligera en modo Pixar para todas las edades,

Y dentro que es una historia para todas las edades que tampoco plantea dramas existenciales, sí me gusta mucho recordar que cuando éramos niños, una carrera en bicicleta o los problemas con el «niño malo» del apartamento sí eran asuntos casi de vida o muerte durante el verano. Puede que la historia sea ligera, es cierto, pero la película es tan entretenida, los personajes tienen tanto corazón y apelan a tantas cosas de mi niñez, que me ha ganado completamente y creo que estamos ante un triunfo total.

Hace años estuvimos de vacaciones por Italia y estuvimos por la Riviera italiana y los pueblos costeros de les Cinque Terres. El pueblo de Portorosso me ha recordado precisamente eso y me devuelto a ese momento feliz de mi vida. La animación de Pixar es una maravilla que casi transporta hasta el olor de la pasta recién hecha, mostrando este pedazo idealizado de la historia italiana de forma modélica y maravillosa. Las figuras cuentan con un diseño cartoon, pero la perfección de los fondos, los edificios y el mar, me parece alucinante. Como es normal por otra parte, teniendo en cuenta que Pixar es mucho Pixar.

Pixar de nuevo ha creado una historia que gustará a niños de todas las edades y a los adultos que tengan un poco de corazón. Me parece el nuevo clásico del estudio de animación y una película que sin duda volveremos a ver muy pronto, porque nos ha encantado a toda la familia. Y eso porque sumado a todo lo anterior tenemos un final perfecto lleno de emoción inesperada que consiguió sacarme una lágrima y que me pareció maravilloso.

Por cierto, que como el caso es quejarse, con el estreno de Soul hubieron muchas quejas sobre que Pixar ya no hace cine para niños. Ahora con Luca, hubo gente que se queja que es «una película infantil». No cabe duda que cuando alguien hace las cosas bien, siempre habrá gente que se quejará aunque no existan motivos reales para ello solo por hacerse el interesante. En cierto sentido, eso indicaría que Pixar está haciendo las cosas bien. En mi caso, puesto en perspectiva, Soul me gustó mucho en su día pero no me dejó con ganas de volverla a ver. Sin embargo, sé seguro que volveré a ver Luca, al igual que me ha pasado con Onward.

El único pero de Luca viene por la decisión de Disney de no estrenarla en cines y pasarla directamente a Disney+. Si, la vi muy a gusto en mi casa y seguro la volveremos a ver durante el verano, pero la esplendorosa animación de Luca hubiera merecido verse en pantalla grande. Esperemos que ahora que el COVID parece cosa del pasado gracias a la vacunación masiva, volvamos a la normalidad y podamos disfrutar de la próxima película de Pixar en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Luca es el último triunfo de Pixar, una película para toda la familia que va a ser seguro una de las películas de este verano.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Shorta. El peso de la ley, de Frederik Louis Hviid y Anders Ølholm

Como no sólo de cine norteamericano vive el cinéfilo, me he animado a ver Shorta, película danesa escrita y dirigida por Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid que busca ser un análisis de las tensiones raciales que vive el pais y de la brutalidad policial, convertido en un thriller que no deja un segundo de respiro.

PUNTUACIÓN: 7/10

En la Dinamarca actual, una sociedad multicultural, segregada y llena de tensiones raciales, Talib, un joven inmigrante de segunda generación, entra en coma estando bajo tutela policial. Mientras los agentes de policía Høyer y Andersen hacen una patrulla rutinaria por el gueto de Svalegarden se anuncia la muerte del joven, noticia que desata violentos disturbios en el vecindario, que se convierte en un infierno sin salida para los agentes.

Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid son los guionistas y directores de este thriller de acción danes, que supone una más que interesante opera prima. La película cuenta con fotografía de Jacob Møller, montaje de Anders Albjerg Kristiansen y música de Martin Dirkov.

Los agentes Høyer y Andersen protagonistas están interpretados por los impecables Jacob Lohmann y Simon Sears, mientras que  Tarek Zayat es el joven Amos Al-Shami detenido por los policías que se convertirá en protagonista involuntario de su intento de sobrevivir a una noche infernal.

Shorta es una palabra árabe que significa «policía». En ese sentido, se nota que una parte importante de la idea de esta película, que en cierto sentido bebe de clásicos como Asalto a la comisaría del Distrito 13 o Training day, es mostrar como cada una de las partes enfrentadas, policías por un lado y jóvenes de origen árabe por otro, ven al contrario, con una visión repleta de prejuicios que hace que el conflicto sea inevitable.

La película empieza con la policía danesa haciendo un «George Floyd» a un joven árabe. Así que no hay duda que para los directores, el racismo y la violencia policial son un problema importante también en Dinamarca. A partir de ahí, los protagonistas son dos policías casi opuestos que fueron testigos del hecho y tienen que testificar ante asuntos internos, lo que nos anticipa una clásica historia de «poli bueno, poli malo». Su patrulla por el gueto de Svalegarden cuando se anuncia la muerte del joven les convierte en víctimas inesperadas de la violencia, y todo gira en su intento de sobrevivir a la noche en este ambiente hostil. Sin embargo, los directores nos muestran también que no son víctimas inocentes, porque justo antes estaban sobrepasándose con un joven al que acaban deteniendo.

Lo mejor de la película es el ritmo frenético de Shorta y los estallidos de violencia que siempre llegan de forma inesperada y brutal. Para ser su opera prima, los directores Anders Ølholm y Frederik Louis Hviid se muestran como unos directores depurados que saben crear una tensión creciente alrededor de los protagonistas. La película dura 110 minutos que son como un polvorín que sabes que está a punto de estallar pero no sabes cuando lo hará.

Otro elemento interesante es la forma en que los directores hacen que las situaciones obliguen a los policías a evaluar sus valores morales y cómo no existen soluciones perfectas en blanco y negro, ya que todo está envuelto en unos grises cada vez más complejos. En el ghetto hay gente violenta y también criminales que aprovechan la menor oportunidad para generar el caos. Pero también hay gente buena que ayudan a desconocidos porque es lo correcto. Las interpretaciones de todo el reparto me han gustado mucho y creo que dan con la clave justa de lo que la película necesita, en especial los policías interpretados por Jacob Lohmann y Simon Sears cuya vida entera y conjunto de valores morales van a ser puestos a prueba de forma brutal durante esta noche de ira.

En general, Shorta me parece una película super interesante que realiza un estupendo ejercicio de estilo que sin duda va a hacer que, si ellos quieren, los grandes estudios les ofrezcan la posibilidad de dar el salto al cine de gran presupuesto americano. Sin embargo, hay varios elementos que no me han cuadrado de la película. A partir de ahora entro en territorio de spoilers ¡estáis avisados!

Por un lado, la ubicación espacial de la acción me ha generado un problema a lo largo del visionado. Se nos dice que los policías están en un ghetto del que sólo hay una salida, pero eso no acaba de ser del todo cierto al final. Además, los protagonistas de mueven de forma aleatoria y no llegas a entender las motivaciones de lo que están haciendo y de donde se dirigen, más allá de ponerse a salvo. Que por ejemplo se dirijan a casa de Amos y una vez allí, literalmente justo fuera del portal se marchen resulta totalmente incomprensible e hizo que saltara mi suspensión de credulidad. Sobre todo cuando justo a continuación Andersen sí llegue a casa de la madre de Amos de forma milagrosa (y totalmente tramposa, también hay que decirlo). Entendiendo a la vez que si llegan, se acaba la película, la ejecución de ambas escenas me parece tramposa y ridícula. Al igual que un intento de rescate de la policía con un coche sin marcas que es abortado por jóvenes con cócteles molotov. Mi sensación fue otra vez de una escena mal construida, ya que si están casi fuera del ghetto y los policías van armados, ¿por qué no tiran para allí, no están casi saliendo del barrio? Como digo, al no tener claro la ubicación, varios momentos no me acabaron de funcionar.

Dentro que como thriller de tensión me ha gustado, cuando pienso en el mensaje que nos lanzan, no podría estar más en contra. Y es que justo tras el Black Lives Matter!, tenemos un película en la que claramente los policías son los villanos y los que provocan los acontecimientos, de forma que de alguna manera se merecen lo que les va a pasar. Usar un «George Floyd» para matar a un detenido me parece chabacano y simplista a más no poder, y me rompe con la idea de una película «seria» que intente tocar un tema complejo de forma ¿imparcial?, al trazar los directores su línea en la arena y colocar a la policía en el lado de los malos desde el minuto cero.

De hecho, a pesar del «poli bueno – poli malo» al que aludía antes, la película nos indica que el poli bueno también es malo, porque podría haber actuado y no lo hizo, quedándose mirando mientras alguien moría. Aunque los protagonistas sí tienen valores morales diferentes y ahí si hay un elemento interesante, el shock final no acaba de impactar (a mi no me impactó) porque está telegrafiado y se ve a la legua, ya que refuerza el tema central que TODA la policía es el problema. Que justo una película europea se una a la campaña «Defund the police» que vimos en Estados Unidos en 2020 me parece una lección peligrosísima, ya que tengo claro que siendo imperfecta, la policía es la mejor (única) opción de las sociedades modernas de defender el orden y la paz. Sin policía, lo que habría es aún más caos, vandalismo y destrucción, y yo no quiero eso y me sorprende ver una película que nos traiga ese mensaje aunque sea en segundo plano, al dejar claro que toda la policía es mala, racista y violenta.

Comparto el trailer de la película:

Shorta es un buen thriller que me parece super interesante incluso reconociendo que no he encajado con algunos elementos de la historia que entran en los conceptos de lo políticamente correcto actual.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Expediente Warren. Obligado por el demonio de Michael Chaves

La serie de Expediente Warren se ha convertido en un clásico del género de terror. Y aunque se nota que James Wan no dirige esta tercera parte “Obligado por el demonio”, su director Michael Chaves realiza un estupendo trabajo con esta película inspirada en hechos reales.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Ambientada en los años 80. Ed y Lorraine Warren deberán afrontar un nuevo caso que se presenta con un hombre, Arne Cheyne Johnson, que es acusado de asesinato tras haber sido poseído por un demonio.

Expediente Warren. Obligado por el demonio es la tercera parte de The Conjuring (en el original) y la octava de la serie de películas de terror producidas por James Wan, contando las tres películas Annabelle, La Monja y La Maldición de La Llorona. Y precisamente en la producción de La Llorona, James Wan conoció al director Michael Chaves, y supo que era el hombre adecuado para sustituirle en la dirección de esta película, dado que renunció a dirigir esta película debido a sus múltiples compromisos.

Obligado por el demonio cuenta con un guión de David Leslie Johnson-McGoldrick a partir de una historia de Johnson-McGoldrick y James Wan, basados en el juicio de Arne Cheyenne Johnson, un juicio por asesinato que tuvo lugar en Connecticut en 1981, además de El diablo en Connecticut, un libro sobre el juicio escrito por Gerald Brittle. Con fotografía de Michael Burgess y música de Joseph Bishara, la película se rodó en Georgia durante el verano de 2019, siendo otra de tantas películas con fecha de estreno de 2020 que vieron su estreno pospuesto un año.

El principal interés de la película viene de ver a Patrick Wilson y Vera Farmiga retomando sus papeles del matrimonio Ed y Lorraine Warren, una pareja de investigadores paranormales que adquirieron cierta notoriedad en los Estados Unidos en los años 70 y 80. La película cuenta también con Ruairi O’Connor, Sarah Catherine Hook y Julian Hilliard como protagonistas.

Expediente Warren. Obligado por el demonio es una película estupenda que mezcla el terror sobrenatural con el thriller criminal, lo que supone un soplo de aire fresco frente a las típicas películas de casas encantadas y serial-killers que suelen dominar el género de terror. Hay que reconocer que Michael Chaves no es James Wan y en ese sentido obviamente se nota la falta de la brillantez visual de Wan, pero dicho esto que resulta obvio, Chaves me gusta mucho como director y creo que realiza un despliegue visual super interesante, manteniendo un ritmo modélico en todo el metraje con una tensión creciente que me ha dejado super satisfecho del visionado. En concreto, la escena en la morgue me ha parecido brillante y me sugiere que Chaves va a tener un futuro que ya es presente super prometedor dentro del género.

Como en las dos anteriores partes de The Conjuring, Obligado por el demonio cuelga el cartel de “inspirado en hechos reales”, aunque está claro que a partir de unos hechos más o menos concretos, toda la investigación y el thriller que vemos entran en el ámbito de la invención más fantástica. Sin embargo, el tono y la forma en que se plantea esta historia como una investigación de un crimen en la que hay que encontrar pruebas físicas de la existencia de fuerzas sobrenaturales me ha parecido que crea un marco muy interesante a partir del cual James Wan y New Line Cinema van a poder hacer todas las películas que quieran, repplicando en el ámbito sobrenatural las series de Misión imposible o 007, cada película con un caso.

Patrick Wilson y Vera Farmiga me chiflan como actores. Su carisma y la química que comparten en pantalla me parece alucinante y, como comentaba antes, para mi es de largo lo mejor de la película. Gracias a su presencia, merece la pena ver este nuevo Expediente Warren, incluso reconociendo que quizá esta tercera parte no es tan potente tampoco en lo relativo a la historia comparada con las dos películas previas dirigidas por James Wan. Pero no pasa nada, incluso siendo así la humanidad y el carisma de esta pareja me compensa el precio de la entrada. Junto a ellos, considero que el resto del reparto también está muy bien y cumplen con las exigencias de este tipo de cine.

Otro elemento que me ha gustado además de las interpretaciones y el apartado visual de Chaves es la edición de sonido, que me provocó un par de sustos increíbles al comienzo de la película. Quizá es debido a que no veo todo el terror que se estrena y me limito a ver ¿8/10 películas al año? De este género, pero he visto una película más que digna que sabe el tipo de entretenimiento que es y nos lo ofrece sin duda.

Realmente no tengo un pero hacia esta película. Quizá lo único es que como digo dentro que me ha gustado no me voló la cabeza como sí consiguió James Wan en las dos películas precedentes. Pero dado que eso ya estaba claro desde antes de entrar en la sala, no es algo que me haya molestado en modo alguno ni me haya impedido disfrutar de la historia. De hecho, creo completamente que es un película super recomendable.

Comparto el trailer de la película:

Expediente Warren. Obligado por el demonio es una estupenda película que confirma que la saga de la familia Warren en el cine está más viva que nunca y puede dura lo que les apetezca a sus productores.

Puntuación: 7,5/10

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