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Crítica de Coherence de James Ward Byrkit (Prime Video)

Gracias a Prime Video estoy descubriendo un montón de películas interesantes que no llegaron a estrenarse en salas comerciales. Coherence, la opera prima del director James Ward Byrkit es un estupendo ejemplo de ciencia ficción “científica” que saca el máximo partido a su mínimo presupuesto y a su casi una única localización.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En Finlandia, en 1923, el paso de un cometa hizo que los habitantes de un pueblo quedaran completamente desorientados; incluso una mujer llegó a llamar a la policía denunciando que el hombre que estaba en su casa no era su marido. Décadas más tarde, un grupo de amigos recuerda este caso mientras cenan, brindan y se preparan para ver pasar un cometa… (FILMAFFINITY)

Coherence, opera prima del director James Ward Byrkit , es una película estadounidense de ciencia ficción estrenada a finales de 2013 en el el Festival de Cine Fantástico de Austin, donde ganó el Premio New Wave al Mejor Argumento. En el festival de Sitges de 2014 ganó los Premios del Jurado de Carnet Jove a la Mejor Producción y de Mejor Argumento, entre otros premios internacionales que consiguió durante su paso por festivales.

El director James Ward Byrkit escribió el guión junto a Alex Manugian, a partir de la premisa de rodar la película sin un guión definitivo, solo con un tratamiento de los elementos claves que debían suceder en cada momento. El rodaje fue planteado desde la improvisación de los actores, a los que solo daban pequeñas instrucciones sobre sus personajes para amplificar las sorpresas que iban a ir viviendo, de forma que sus reacciones ante las cámara fueran aún más realistas.

La película contó con fotografía de Nic Sadler y Arlene Muller, con montaje de Lance Pereira y música de Kristin Øhrn Dyrud. El gran desafío de la película fue conseguir transmitir una tensión creciente en un prácticamente una única localización en la que los personajes pasarán el 90% de los 89 minutos que tiene la película.

Coherence cuenta con 8 actores que protagonizan la cinta de forma coral: Emily Baldoni es Emily, Maury Sterling es Kevin, Nicholas Brendon es Mike, Elizabeth Gracen es Beth, Alex Manugian es Amir, Lauren Maher es Laurie, Hugo Armstrong es Hugh y Lorene Scafaria es Lee.

Cuando el director James Ward Byrkit planteaba la posibilidad de rodar una película barata de bajo prsupuesto junto a su amigo y guionista Alex Manugian, decidieron utilizar la paradoja de Schrödinger como base para su película.

Erwin Schrödinger planteó en 1935 un sistema que se encuentra formado por una caja cerrada y opaca que contiene un gato en su interior, una botella de gas venenoso y un dispositivo, el cual contiene una sola partícula radiactiva con una probabilidad del 50% de desintegrarse en un tiempo dado, de manera que si la partícula se desintegra, el veneno se libera y el gato muere. Hasta aquí todo es lógico. Al finalizar el experimento veremos al gato vivo o muerto. Y hay un 50% de probabilidades de que suceda una cosa o la otra.

Pero la física cuántica desafía nuestro sentido común. Teniendo en cuenta que el electrón es al mismo tiempo onda y partícula, la probabilidad de que el dispositivo active y el gato esté muerto es del 50%, y la probabilidad de que el dispositivo no se haya activado y el gato esté vivo tiene el mismo valor. Según los principios de la mecánica cuántica, la descripción correcta del sistema en ese momento será el resultado de la superposición de los estados “vivo” y “muerto”, por lo que hasta que se abra la caja para comprobar el estado del gato, éste estará vivo o muerto. De ahí la denominación de “paradoja”.

La decoherencia cuántica es el término aceptado y utilizado en mecánica cuántica para explicar cómo un estado cuántico entrelazado puede dar lugar a un estado físico clásico (no entrelazado). En otras palabras cómo un sistema físico, bajo ciertas condiciones específicas, deja de exhibir efectos cuánticos y pasa a exhibir un comportamiento típicamente clásico, sin los efectos contraintuitivos típicos de la mecánica cuántica. El título de «Coherence» sin duda alude a este término, dándole la vuelta a su significado.

Este experimento de Schrödinger y las leyes de la física cuántica permitieron numerosas interpretaciones a esta paradoja. Por ejemplo, Hugh Everett planteó en 1957 la interpretación de los “otros mundos”, según la cual cada uno de los resultados sucederían realmente, pero cada uno de ellos en un universo diferente. La equivalencia a los universos alternativos de los comics de toda la vida. Y es precisamente esta interpretación de la paradoja la que utilizan James Ward Byrkit y Alex Manugian como base para su historia.

No quiero comentar nada más sobre la teoría científica y su influencia en el argumento porque entro en territorio spoiler. En lo positivo, esta premisa es super interesante, y la forma en que los personajes van dándose cuenta que algo raro ha pasado tras el paso del cometa está muy bien planteada y amplifica la sensación de paranoia de los protagonistas, y de nosotros los espectadores.

Byrkit saca el máximo partido a sus limitaciones presupuestarias, potenciando la sensación de tensión creciente. Además, su duración de 89 minutos es perfecta, aunque hay que reconocer que la historia realmente no daba más de sí.

El planteamiento es complejo, pero la narración de Byrkit está planteada para enfatizar esta sensación de que nos estamos perdiendo algo importante, dada la ambigüedad en la forma en que nos cuentan la historia y los giros que van sucediéndose. De igual forma, dentro de este tipo de narración, el final que nos plantean es coherente (valga la redundancia) con lo que acabamos de vivir.

En este sentido, el reparto están todos super correctos y transmiten muy bien la sensación de no saber qué está pasando o cómo van a salir de esta.

Sin embargo, dentro que todo es interesante y está contado de forma relativamente compleja e intencionadamente ambigua, el gran pero de la película, en mi opinión, es que a partir de paradoja del gato amplificada exponencialmente, con las posibilidades que eso abre, al final la regla fundamental de la película es que no hay reglas y todo vale. Lo cual me pareció un super tramposo, la verdad. No le quito mérito a la película dado su bajo presupuesto y lo original de la propuesta, aunque no quita que la resolución de la película me haya parecido un bajón, como si no hubieran sabido plantear una resolución más «coherente».

Comparto el trailer de la película:

Coherencia es una interesante ciencia ficción de bajo presupuesto que me molesta un poco que a partir de su interesante premisa acabe siendo un «por que si».

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Y tu, ¿viste la película, qué te pareció? Espero tus comentarios. Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de El juicio de los 7 de Chicago de Aaron Sorkin (Netflix)

El Aaron Sorkin más reivindicativo vuelve a las pantallas gracias a Netflix, que acaba de estrenar su drama inspirado en hechos reales El juicio de los 7 de Chicago, que se va directa a las nominaciones de los Oscars. Ya adelanto que la crítica va a ser muy positiva.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1969 se celebró uno de los juicios más mediáticos de la Historia de Estados Unidos, en el que siete individuos fueron juzgados tras ser acusados de conspirar en contra de la seguridad nacional. Este hecho traería una serie de conflictos sociales (manifestaciones, movimientos ciudadanos) que pasarían a la posteridad en una época de grandes cambios en todos los niveles del pueblo norteamericano. (FILMAFFINITY)

Aaron Sorkin (La red Social, Molly´s Game, El ala oeste de la Casa Blanca) comenta que empezó a trabajar en una historia basada en los disturbios de Chicago de 1968 en 2006, a petición de Steven Spielberg. A lo largo de los años, una huelga de guionistas, problemas de agenda y presupuestarios que obligaron a abandonar a Spielberg la dirección fueron retrasando este proyecto, hasta que Paramount dio luz verde a la producción en 2018 ya con Sorkin dirigiendo su propio guión, que fue rodado durante 2019 en localizaciones de Chicago y Nueva Jersey.

Aunque esta película sobre El juicio de los 7 de Chicago tenía todas las papeletas para encabezar las nominaciones para los Oscars es esta año debido a la naturaleza social y política de la historia, la pandemia del COVID paralizó su estreno en salas comerciales, por lo que finalmente Paramount decidió vender a Netflix los derechos de distribución de la película, para que pudiera ser estrenada a nivel mundial. Para Paramount, esta venta significó un control de daños, dado que vendió por 55 millones una película que le había costado 35 de producir, consiguiendo un importante beneficio dadas las circunstancias.

Sorkin a la hora de plantear cómo contar los disturbios que tuvieron lugar en Chicago de 1968 durante la celebración en la ciudad de la convención Demócrata, planteó desde el principio el enfoque del drama judicial que mostrara gota a gota lo que había sucedido, con el añadido de dar la máxima relevancia al desastroso juicio que puso en riesgo las libertades civiles en los Estados Unidos.

La película de 130 minutos es un prodigio de síntesis tratándose de un tema complejo como este, que muestra gran parte de los problemas estructurales de la sociedad americana de esa época: El racismo de la sociedad puesta en marcha desde las estructuras del estado, el rechazo a la Guerra de Vietnam, el auge de los movimientos sociales y la lucha que las estructuras políticas levantaron contra estos movimientos.

La película cuenta con fotografía de Phedon Papamichael, montaje de Alan Baumgarten y música de Daniel Pemberton que nos traslada perfectamente a estos convulsos años 60.

El otro gran valor de la película es su increíble reparto coral, en el que destacan Mark Rylance como el abogado defensor William Kunstler, Joseph Gordon-Levitt como el fiscal Richard Schultz, Eddie Redmayne y Sacha Baron Cohen como los activistas Tom Hayden y Abbie Hoffman, y Yahya Abdul-Mateen II como el líder de los Panteras Negras Bobby Seale, involucrado en el juicio por motivos raciales cuando no tuvo nada que ver en los hechos.

Junto a estos actores, quiero destacar al siempre competente Frank Langella como el Juez Julius Hoffman que juzgó el caso y, aunque tiene un pequeñísimo papel, es una pasada ver a Michael Keaton como el antiguo Fiscal General del Estado Ramsey Clark.

Entrando ya en materia, si Aaron Sorkin quería transmitir con el El juicio de los 7 de Chicago la idea que cuando el Gobierno deja de trabajar por los ciudadanos, los hombres libres están en su derecho y casi hasta en la obligación moral de enfrentarse a la injusticia, la película es un éxito brutal. Algo claramente trasladable al mundo real y a la presidencia de Donald Trump.

La película, como toda buena obra política que se precie, arranca poniéndonos en situación mostrando los principales hechos que afectaron a los Estados Unidos durante los años 60 tras el asesinato de John F. Kennedy en 1963. La decisión del presidente Lyndon B. Johnson de ampliar el reclutamiento de jóvenes para ir a luchar en Vietnam, llegando a enviar a zonas de combate a más de 30.000 soldados al mes. También la lucha de Martin Luther King y su posterior asesinato en 1968, así como el asesinato de Bobby Kennedy cuando se postulaba a candidato demócrata a Presidente de los Estados Unidos también en 1968. Todo ello muestra unos Estados Unidos que eran un polvorín social a punto de estallar. Y estalló ese verano de 1968 en Chicago por culpa de una actuación criminal por parte de la policia y la guardia nacional contra los manifestantes que protestaban pacíficamente.

Más allá de los hechos y la brutalidad policial, la película impacta por la forma en que los poderes públicos aplastan los derechos civiles de los ciudadanos encausados para servir de chivos expiatorios ante unos hechos gravísimos que fueron provocados por la policía y un alcalde que tomó todas las decisiones equivocadas que podía tomar. El papel del juez Hoffman nos muestra además lo fácil que era (¿es?) para el gobierno y los jueces amigos aplastar a la gente corriente, lo que hace que me hiele la sangre. Unido a esto, el racismo en el gobierno americano reflejado en todo lo que le pasa al líder de los Panteras Negras Bobby Seale en la película es buena muestra de ello.

Este es quizá el único punto débil de esta historia. Sorkin nos cuenta al final de la película que aún hoy la labor del juez Hoffman en este juicio se estudia en las facultades de derecho como ejemplo de persona no preparada para el cargo y de actuaciones arbitrarias rayando lo ilegal. No se hasta qué punto lo que nos cuentan pasó realmente, pero si todo lo que muestran es así, ¡madre mía de mi vida! Frank Langella creo que hace un gran papel, pero la historia le obliga a interpretar a un anciano tan desequilibrado que en parte no llego a creerme que algo así llegara a pasar en la vida real.

Que Sacha Baron Cohen se sale en la película no es noticia, hace años que me gusta más su faceta dramática frente a la locura de sus Borat y similares. Junto a él, la calidad de Mark Rylance es otro elemento clave de la película, y hace que cada escena suya brille de forma espectacular. En general todo el reparto está super bien, y encuentro super interesante el contraste entre el “happy flower” interpretado por Baron Cohen con el serio estudiante universitario interpretado por Eddie Redmayne. Su personaje tiene un aire prepotente que no se si es fruto de una buena actuación de Redmayne o que él es así es la vida real, pero trasmite de maravilla la “superioridad moral” de los universitarios.

Sorkin entrega un guión super sólido, lo cual no es noticia. Me parece super curioso comprobar cómo los mejores diálogos de Sorkin no están durante la celebración del juicio, sino en las disputas dialécticas de los acusados entre si. Y en este sentido, dentro que los 130 minutos pasan en un suspiro, me ha gustado más la labor del Sorkin escritor frente al director que tiene que trasladar a imágenes la palabra escrita.

El juicio de los 7 de Chicago me parece una película notable que saca la vena más política y reivindicativa de Sorkin, apoyado por el (nada) sorprendente resultado del juicio en la vida real, que significó un escándalo más sumado a unos hechos terribles de por si.

Comparto el trailer de la película:

El juicio de los 7 de Chicago es un éxito total para Aaron Sorkin que gracias a su estreno en Netflix va a conseguir una difusión extraordinaria en estas semanas previas a la celebración de las elecciones en los Estados Unidos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

200 días, 200 artículos en el blog

200 días. Se dice pronto, pero hace ahora más de seis meses que empecé a escribir y publicar artículos diariamente sin faltar un solo día, y hoy puedo ya celebrar y compartir este récord tan especial para mí.

Esto de publicar posts en el blog con tanta frecuencia no ha surgió de la nada, ya que durante 2019 ya aumenté mi ritmo de publicación ver dos artículos semanales a casi 4, llegando a publicar 200 artículos en todo 2019. Durante ese año, también publiqué todos los días durante noviembre y diciembre, lo que sin duda me sirvió de experimento para creerme que era posible.

De hecho, no es como si al empezar a escribir en marzo dijera «voy a ponerme a escribir a ver si rompo algún tipo de récord», sino que todo surgió orgánicamente durante el estado de alarma provocado por el Covid-19. Empecé a escribir sobre un comic o película, lo que me llevó a otra, y luego a otra… hasta que casi sin darme cuenta llegué a conseguir el récord de los 100 posts en el blog seguidos. Y dado el gran número de clásicos y novedades, seguir escribiendo diariamente me resultaba muy cómodo y casi hasta familiar.

Estoy muy contento de haber conseguido este récord, pero casi más porque creo que estos meses han servido para ser más productivo cuando me siento en mi portátil, y los posts que publico son de mayor calidad. Como ejemplo, mis reseñas de Scalped, Locke and Key o Daredevil Born Again son buena muestra de ello.

Por no repetirme respecto al posts celebrando los 100 posts, en estos segundos cien artículos estoy satisfecho de mis posts sobre los comics clásicos de la editorial Dark Horse, entre los que están los míticos Robocop vs Terminator, Aliens vs Predator o Grendel Tales: Devils and Deaths.

En lo referido al cine, está resultando terrible la falta de estrenos potentes, y desde que acabó el desconfinamiento solo he ido a ver tres películas al cine: Tenet de Christopher Nolan, Nuevos Mutantes de Josh Boone y Rifkin’s Festival de Woody Allen. Viendo lo que se nos venía encima, escribí en agosto un largo artículo de opinión sobre la situación de los cines cuyas previsiones se han visto lamentablemente superadas por la realidad. En vista de lo que se nos venía encima, decidí escribir una serie de artículos revisando las películas de la franquicia de los X-Men estrenadas antes de que empezara a escribir este blog en 2013, empezando por la que para mi es la mejor de toda la serie, la sobresaliente X-Men: First Class de Matthew Vaughn.

Suerte que las plataformas digitales no dejan de lanzar contenidos interesantes, no solo novedades como la segunda temporada de The Boys, sino también clásicos como Buffy The Vampire Slayer o Battlestar Galáctica.

En lo referido a novelas, este 2020 he superado ampliamente mi propósito de año nuevo de leer al menos 18 novelas con el objetivo de llegar a las 24, lo que significaría leer dos novelas al mes. De momento, llevo ya 26 leídas, y ya tengo varias más en mis manos. Tras leerme las tres primeras novelas de Dune de Frank Herbert, en previsión del estreno de la película de Villeneuve, que finalmente se ha visto retrasada hasta octubre de 2021, he podido leer las dos novelas de la serie de Rosalera del escritor inglés de origen nigeriano Tade Thompson, que me ha resultado una ciencia ficción muy interesante. De hecho, mañana subiré mi reseña de la segunda novela, La Insurrección de Rosalera, que también me gustó. Además, poder disfrutar del retorno del mago Harry Dresden de Jim Butcher tras varios años de ausencia editorial ha sido otra de las grandes alegrías de los últimos meses.

A nivel general, las reseñas de libros son de largo los contenidos menos leidos. Por un lado, no quiero renunciar a hablar de libros, aunque tengo claro que este blog en eminentemente de comics. Pero por otro, me planteo si merece la pena escribir sobre algo que claramente o interesa. No se, ¿qué os parece a vosotros?

Conseguir llegar a esta cifra redonda de 200 artículos me ha costado. Sobre todo estas últimas semanas he notado el stress para forzarme a publicar para cumplir mi cita diaria, hasta el punto de decidir visionados de películas o series en función de si pensaba que quedaría bien su crítica en el blog. Sin embargo, una vez he alcanzado esta cifra de 200 artículos, la losa mental que me había auto impuesto ha desaparecido.

Este mes de octubre he comenzado un curso online de tres meses gracias a la formación continua en mi empresa. Estoy muy agradecido de poder hacerlo, la verdad, y el jaleo adicional que este curso me genera al tener que conectarme por las noches hace que tenga la excusa perfecta para tomarme un respiro en el blog y detener el actual ritmo diario de publicación.

Sin embargo, no será ahora mismo, ya que justo me han llegado algunos comics estupendos de DC Comics que ardo de ganas de escribir sobre ellos. Entre otros, la increíble miniserie El Reloj del Juicio Final de Geoff Johns y Gary Frank que significa la primera reunión de los personajes de Watchmen, el mítico comic de Alan Moore y Dave Gibbons, con los personajes de DC Comics.

Ahora ya he interiorizado que puedo parar cuando quiera, no tengo ninguna obligación de publicar mis artículos más allá de la propia obligación que me autoimpongo a mi mismo. Dado lo enganchado que estoy a la escritura, puedo levantar un poco el ritmo mientras realizo este curso, con la idea de volver a un ritmo de 4 o 5 artículos semanales que creo que es el perfecto para compaginar mi vida personal, mi trabajo y hablar de las aficiones frikis que me encantan.

Quiero aprovechar esta celebración para comentaros que he aprovechado estos días para dar el salto y apuntarme a un plan de pago de wordpress, lo que me permite para tener por fin una web personalizada eliminando la coletilla de «wordpress»:

https://stars-my-destination.com/

Con esto además consigo entre otras cosas tener mucha más capacidad de almacenamiento para poder publicar con tranquilidad los posts de las próximas semanas, meses y años. Y si en los próximos días veis un nuevo diseño de página, es que estoy jugando con las nuevas funcionalidades a mi disposición.

De momento, quiero daros las gracias a vosotros, los lectores. Resulta super gratificante saber qué hay gente que lee mis posts y le interesan. Espero seguir escribiendo durante muchos años y poder seguir en contacto con vosotros. Dado que hoy estoy de celebración, os pediría que compartierais este post en vuestras redes sociales y si os interesan mis publicaciones, que os suscribáis al blog para recibir mis artículos directamente en vuestro correo.

Nada más, un saludo grande para todos, ¡nos seguimos leyendo!!

Crítica de Rifkin´s Festival de Woody Allen

A sus 84 años, Woody Allen mantiene una envidiable madurez creativa. Rifkin´s Festival, su última película rodada en San Sebastián, repite algunos de los temas recurrentes de su filmografía pero consigue ser un estupendo entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7/10

Narra la historia de un matrimonio estadounidense que acude al Festival de San Sebastián. La pareja queda prendada de la ciudad, así como de la belleza y encanto de España y la fantasía del mundo del cine. Ella tiene un affaire con un aclamado director de cine francés y él se enamora de una bella médico española residente en la ciudad. (FILMAFFINITY)

Woody Allen escribe el guión de esta película, que cuenta con el maestro Vittorio Storaro como director de fotografía. La película tiene música de Stephane Wrembel y montaje de Alisa Lepselter. La película dura 95 minutos justos que cuentan la historia de forma precisa y certera.

Dado que Allen ya no aparece en pantalla, Wallace Shawn interpreta a Mort Rifkin, un antiguo profesor de cine que abandonó su profesión para escribir la siguiente Gran Novela Americana, que parece que nunca va a llegar. Rifkin sería la versión de Allen en la película, una persona irónica que no conecta con el cine que se hace en la actualidad ni con nada en general, y viaja a San Sebastián acompañando a su mujer Sue (Gina Gershon), una publicista de Hollywood que está en plena campaña de promoción de la última película de Phillipe (Louis Garrel), el último genio del cine europeo, que es todo presunción y juventud. Creyendo que su mujer le engaña y sitiéndose fuera de lugar, sus paseos por la ciudad la llevarán hasta la consulta de la doctora Jo Rojas (Elena Anaya), una atractiva profesional que sufre por un matrimonio desgraciado.

Rifkin´s Festival es una película ligera que no es la mejor de la filmografía de Allen, pero creo que acierta en prácticamente todo lo que pretende. Por un lado y principalmente, es un más que buen entretenimiento mientras Allen repite sus temas fetiches: Las relaciones entre hombres y mujeres mientras se pregunta por el sentido de la vida, y si podemos ser felices a pesar que nuestra vida esté vacía.

Además, la visión que Mort tiene de Phillipe, un pretencioso director de cine francés que trata de forma infantil temas complejos, y que aunque es adorado por la crítica «seria» de los festivales se encuentra a mucha distancia de los maestros del cine, me parece una crítica brillante por parte de Allen hacia la gran mayoría de los pretenciosos autores actuales, a los que ve como niños jugando con las herramientas de los mayores. El sentido del humor mordaz de Mort ofrece momentos divertidos en esta historia que mezcla la comedia y el drama, aunque de forma ligera.

De igual forma, tampoco es que Mort se libre de la crítica de Allen, al ser mostrado como un arrogante y pomposo cascarrabias cuyo tiempo pasó y que se pasó más tiempo imaginando algo que jamás iba a cumplir en lugar de disfrutar de la vida. No se si esta parte es una crítica de Allen a si mismo, pero verle preguntarse por el sentido de la vida y como se puede ser feliz aún en siendo un anciano sin un objetivo claro en la vida me pareció una muestra de mucha inteligencia y reflexión por su parte.

Allen aprovecha la película y el ambientarla en un festival de cine para rendir homenaje a algunos de sus directores favoritos de la historia del cine, recreando algunas de las escenas más famosas de Orson Welles, Luis Buñuel, François Truffaut y Jean-Luc Goddard entre otros. Esta muestra de cinefilia de Allen creo que hará las delicias de mucha gente y me ha parecido un detalle muy chulo.

Además, dado que la película está producida en parte por Mediapro, Rifkin´s Festival es el mejor publirreportaje publicitario que San Sebastián pueda tener jamás, con la cámara de Allen mostrando la ciudad siempre en su momento más bello. Este detalle creo que no es baladí, ya que los personajes repiten numerosas veces durante la película lo bella que es la ciudad, de forma que no queda duda que Allen plantea mostrar la ciudad desde la óptica más positiva posible.

Si tuviera que comentar algo menos bueno, lo cierto es que en parte diría que su intrascendencia, más allá del objetivo de entretenimiento, y algún detalle menor como pensar que el anciano Wallace Shawn pudiera pensar que tenía alguna oportunidad con Elena Anaya, dado que teniendo en cuenta la diferencia de edad podría ser su padre. En todo caso, estos detalles no evitaron que disfrutara de la película.

Comparto el trailer de la película:

Rifkin´s Festival no es la mejor película de Woody Allen ni falta que le hace. La película hará las delicias de sus fans con su humor blanco y sus imágenes de postal de una ciudad encantadora como es San Sebastián. Ojalá siga cumpliendo a nuestra cita anual en los cines.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de En realidad, nunca estuviste aquí, de Lynne Ramsay (Prime Video)

Tenía curiosidad por ver En realidad, nunca estuviste aquí de Lynne Ramsay, la película de 2017 con la que Joaquin Phoenix ganó el premio a Mejor Actor del festival de Cannes de ese año. Gracias a Prime Video he podido saciar mi curiosidad y la conclusión en que la película entraría en la categoría “Sin más”.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Joe (Joaquin Phoenix), ex marine y antiguo veterano de guerra, es un tipo solitario que dedica su tiempo a intentar salvar a mujeres que son explotadas sexualmente. No se permite ni amigos ni amantes y se gana la vida rescatando jóvenes de las garras de los tratantes de blancas. Un día recibe la llamada de un político porque su hija ha sido secuestrada. (FILMAFFINITY)

La película fue mostrada con un montaje inacabado en el Festival de Cannes de 2017 donde ganó los premios al Mejor Guión (Lynne Ramsay) y Mejor Actor (Joaquin Phoenix).

Lynne Ramsay (Glasgow, 1969) es una directora y guionista escocesa, conocida por dirigir las películas Ratcatcher, Morvern Callar, We Need to Talk About Kevin y You Were Never Really Here, que significó su consagración internacional.

En realidad, nunca estuviste aquí cuenta con un guión de la propia Ramsay adaptando la novela del mismo título del escritor Jonathan Ames. Ramsay contó con Thomas Townend como director de fotografía, montaje de Joe Bini y música de Jonny Greenwood. Tras su paso por Cannes, Amazon Studios adquirió los derechos de distribución de la película en Estados Unidos, mientras que Studio Canal (Canal +) la distribuyó en Reino Unido y en el resto de Europa.

Joaquin Phoenix es el gran protagonista de la película con su presencia y carisma presente en pantalla el 99% del tiempo. Phoenix construye un interesante veterano de guerra con graves problemas psicológicos y unas peligrosas tendencias suicidas.

Junto a Phoenix, encontramos a Ekaterina Samsonov como la niña Nina Votto que se encuentra prisionera de una mafia de trata de blancas, Alex Manette como su padre el senador Albert Votto que destapa el escándalo, John Doman como John McCleary, el conseguidor de Joe, Judith Roberts como la madre de Joe y Alessandro Nivola como el gobernador Williams.

En realidad, nunca estuviste aquí es una de esas películas que no vi en su día y que ahora que la tenía disponible gracias a Prime Video siempre me daba pereza verla. Y tras animarme a verla, dentro que está bien y me ha gustado, flipo con los premios que ha recibido. De hecho, hasta puedo entender el de Joaquim Phoenix, pero dar el premio a Mejor guión a una historia que es una repetición de una historia super trillada como son la figura de los vengadores justicieros que rescatan a gente en peligro.

Empezando por lo positivo, Joaquim Phoenix está notable como un traumatizado rescatador de niños. Su presencia siempre transmite que estamos ante un hombre peligroso y Ramsay consigue plasmar en imágenes la sensación que Joe es como una bomba a punto de explotar, creando una tensión constante al no saber cómo va a actuar. La cámara sigue a Phoenix el 99% del tiempo y éste construye un personaje con evidentes reminiscencias a Taxi Driver. El uso de flashbacks de apenas segundos insertados mediante un buen montaje en la acción principal, servirá para que conozcamos los traumas que Joe vivió en su infancia y juventud que le han marcado y le han convertido en lo que es hoy. Y el uso por su parte únicamente de un martillo, no una pistola o arma de fuego, deja claro desde el primer momento que este hombre no está muy bien.

Ramsay utiliza primeros planos continuos para intentar meternos dentro de la cabeza de Joe, con resultados más o menos buenos, y alterna para las escenas violencia el uso de cámaras de seguridad y otros elementos más explícitos que hacen que más que verse, la violencia se intuya durante muchas partes de la película. Además, el uso de la música y de una edición de sonido repleta de sonidos extraños transmiten la sensación de entrar en un mundo perturbador.

Hay películas que son más ejercicio de estilo de su director/a que una historia interesante, y ésta sería la definición perfecta de En realidad, nunca estuviste aquí y la labor de su directora Lynne Ramsay. La película ejemplifica el triunfo de lo visual sobre la narrativa, ofreciendo un catálogo de imágenes poderosas construida sobre una base super endeble.

El único hecho distintivo que diferencia esta película de cientos de películas similares de vigilantes justicieros (p.ej. Equalizer me viene inmediatamente a la cabeza), es el empeño de la directora de hacer una película de acción que no lo parezca. Para mi, estando bien se queda muy lejos de ser un peliculón. De hecho, debo mencionar para mal que a pesar de ser una película de tan sólo 95 minutos se me hizo larga en varios momentos por el nulo avance de la trama y lo trillado de la historia, que hemos visto innumerables veces en otras películas.

Comentaba antes que Joaquin Phoenix lo hace muy bien y su presencia y carisma es lo que mantiene viva la película. Dicho esto, y partiendo que lo que construye Phoenix en pantalla me parece irreprochable, veo que el personaje de Joe es monotemático, no hay matices, siendo un vengador vengativo traumatizado el 99% del tiempo. Lo cual en parte me muestra sólo una faceta de Phoenix como artista.

Hacer una película de acción desde un punto de vista ¿intimista? no me dio la sensación de que fuera mejor que lo ya existente. Y creo que este es un nuevo ejemplo de que diferente NO es mejor, de forma que parece que es precisamente el empeño de alejarse del cine del acción lo que hizo que gustara tanto a críticos «serios» que, en su mayoría, desprecian y machacan este tipo de cine.

En resumen, no me sabe mal haber visto la película, pero para mi es un “sin más” de libro, una película que no me deja con ganas de volver a verla ni voy a recordar dentro de unas semanas.

Comparto el trailer de la película:

En realidad, nunca estuviste aquí es una de esas película que aunque buenas, no acabas de entender el motivo de la aclamación de la crítica, y cuyo visionado me ha dejado bastante frío.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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