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Crítica de Toy Story 5 de Andrew Stanton

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Siete años después de Toy Story 4 nos llega la quinta parte dirigida por Andrew Stanton.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Andrew Ayers Stanton (Massachusetts, 1965) es un cineasta, animador y actor de doblaje estadounidense. Es conocido sobre todo por ser el director y coguionista de las películas de animación de Pixar «Buscando a Nemo» (2003), «WALL-E» (2008), «Buscando a Dory» (2016) y «Toy Story 5» (2026). También dirigió y coescribió la película de acción real John Carter (2012) para Walt Disney Pictures y dirigió la película de acción real In the Blink of an Eye (2026) para Searchlight Pictures. Para Pixar, Stanton fue además codirector y coguionista de «Bichos» (1998), coguionista de las cuatro primeras películas de «Toy Story» (1995-2019) y de «Monsters, Inc.» (2001).

Stanton escribe el guion de Toy Story 5 junto a Kenna Harris, a partir de una historia se Stanton. La película de 102 minutos de duración cuenta con fotografía de Matt Aspbury y Jean-Claude Kalache; montaje de Jennifer Jew y música de Randy Newman. Destaca además el enorme presupuesto de 250 millones de dólares, que sin embargo no va a impedir que Disney tenga un gran éxito económico con la película.

En las voces originales tenemos a Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie. El resto de voces son Conan O’Brien como Smarty Pants, un juguete para aprender a ir al baño; Greta Lee como Lilypad «Lily», una tableta con forma de rana que se convierte en el nuevo juguete favorito de Bonnie; Scarlett Spears como Bonnie; Shelby Rabara como Snappy, una cámara de juguete muy vivaz; y Mykal-Michelle Harris como Blaze Manoukian, una niña de 8 años a la que le encantan los animales.

Cuando se anunció Toy Story 5 las redes sociales ardieron de escepticismo, ante lo que se calificaba ante un sacacuartos por parte de Pixar y Disnay. Y dentro que en parte obviamente si la película se confirma es precisamente porque se espera que genere grandes beneficios, en mi opinión había una clave que me hacía tener toda la confianza. Y era que Andrew Stanton estaba implicado en la película. No solo implicado, sino que iba a ser la cabeza pensante de Toy Story 5. Si había acertado con las 4 películas anteriores, ¿Por qué no iba acertar con esta?

Y me alegra poder decir que Toy Story 5 es una película genial. Andrew Stanton vuelve a regalarnos un éxito que gustará a toda la familia, en la mejor tradición de las primeras películas de Pixar. Lo cual no evita que esta quinta parte sea la peor hasta la fecha. Pero es que las 4 primeras son demasiado buenas. En todo caso, que sea la menos buena no impide que la película esté muy bien.

Toy Story 4 fue la película de Woody. Toy Story 5 es la película de Jessie. En ella, Bonnie sufre porque no consigue hacerse amiga de los niños del barrio. Ante esta situación, los padres de Bonnie la comprarán una tablet Lilypad para que empiece a jugar y hacer amigos online. Esto provocará que Jessie y el resto de juguetes se vean relegados. Para Jessie, abre la puerta a repetir un trauma que ya vivió varias veces en el pasado, cuando su niña creció y dejó de jugar con ella.

Jesse no acepta perder a Bonnie y lo intentará todo para que las cosas vuelvan a ser como antes. Pero las cosas no salen como ella querría, y por accidente Jesse acaba perdida en su antigua casa, donde conocerá a Blaze, la niña que vive en la granja y que sería la amiga perfecta para Bonnie, si alguna vez llegaran a conocerse.

Como en las mejores películas de Pixar, la historia está super pensada a varios niveles, diversión para los niños y temas candentes para los niños. Por un lado tenemos el tema de fondo de ver cómo los hábitos de juegos de los niños han cambiado con la llegada de la tecnología. Pero esto es Toy Story, y Lilypad en realidad NO es malvada, ella también busca la felicidad de Bonnie, e intenta ayudarla con las herramientas que tiene: Los juegos online y los chats donde se conectan los niños. De alguna manera, como pasó en Toy Story 4, es llamativo que no hayan realmente villanos en esta historia, siendo las peripecias de Jessie las que provoquen los distintos giros y el drama principal de la película. Junto al de Bonnie, claro.

La película me ha gustado. Pero tengo que decir que hay un elemento que me ha parecido bastante rastrero por parte de Disney-Pixar. Y es que si os habéis fijado en mi resumen libre de spoilers, esta es la película de Jessie y Bonnie. Y sin embargo, el trailer y la promoción de la película nos venden un protagonismo que Woody y Buzz que no se corresponde con lo que es la película. Y me da que los productores de Disney / Pixar sabían que para el éxito comercial de la película había que vender a Woody y Buzz porque son los personajes más populares de la película. A miles de kilómetros de Jessie, cuyo carisma se queda muy corto comparado con el de los clásicos personajes. Por eso, los gags protagonizados por ambos que aparecen en el trailer con prácticamente todas las apariciones de ambos en la película. Un detalle muy feo, en mi opinión.

Sobre todo porque Woody fue el protagonista absoluto de Toy Story 4, y Buzz Lightyear ya tuvo su propia película, completamente fallida por cierto. Que Jessie sea la protagonista de este película es perfectamente normal, pero tendrían que haberlo dejado claro.

Una vez hice esta apreciación, como digo la película me ha gustado bastante. La animación es increíble como siempre, con un nivel de detalle y perfección que me vuela la cabeza. Hablaba del desproporcionado presupuesto de la película de Pixar, pero en cuanto a calidad de imagen y sonido, Toy Story 5 es de diez.

La duración de 100 minutos es perfecta para la historia, con el drama y los toques de humor perfectamente dosificados. La resolución es super emocionante y deja a los espectadores de todas las edades con un buen sabor de boca. Hasta el punto que si dentro de otros ochos años Pixar plantea hacer una Toy Story 6, si Stanton sigue involucrado la veré seguro.

Cuando una película gusta, los espectadores queremos ver la siguientes. Es tan simple como eso. E independientemente de la historia que planteasen, las familias íbamos a acudir en masa a ver esta Toy Story 5. Digo esto porque cada cierto tiempo se habla del «agotamiento del cine de franquicias de entretenimiento». Y en realidad, lo que los espectadores rechazamos son las malas películas.

Visto además el resultado de esta Toy Story 5, no tengo duda que la sexta película será igual de exitosa. Y no pasa nada con que esta película sea la más floja de una serie que ha rozado el sobresaliente. El objetivo de entretenimiento está mas que conseguido.

Comparto el trailer de la película:

Toy Story5 es una película superdivertida que cumple su objetivo de entretenimiento. Volveré para ver la sexta.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Backrooms de Kane Parsons

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Backroooms, la película del debutante youtuber Kane Parsons, ha sido una de las sorpresas cinematográficas de 2026. Tenía ganas de ver algo que me sorprendiera, y la película lo ha conseguido.

PUNTUACIÓN: 8/10

Una extraña puerta aparece en el sótano de una tienda de muebles. Cuando el paciente de una terapeuta desaparece en una dimensión más allá de la realidad, ella deberá adentrarse en lo desconocido para intentar rescatarlo. Adaptación de un cortometraje del propio Kane Parsons. (FILMAFFINITY)

Kane Parsons (California, 2005), también conocido como Kane Pixels, es un youtuber, compositor y cineasta estadounidense. En enero de 2022, Parsons comenzó a publicar en su canal de YouTube la serie web viral «Backrooms». Con tan sólo 20 años, Parsons se ha convertido en el director más joven de la historia en conseguir que una de sus películas alcance el número uno en taquilla, con una recaudación mundial de 262,6 millones de dólares.

Backrooms está basada en la serie online creada por Parsons. La película está escrita por Will Soodik y tiene fotografía de Jeremy Cox, montaje de Greg Ng, música de Edo Van Breemen y el propio Parsons. La película de 110 minutos de duración y un presupuesto de 10 millones de dólares ha sido producida por A24 y la productora de James Wan Atomic Monster. En el momento de escribir estas líneas Backrooms ya ha recaudado más de 260 millones en todo el mundo, siendo un enorme éxito de crítica y público.

En el reparto tenemos a Chiwetel Ejiofor en el papel de Clark, propietario de una tienda de muebles y arquitecto fracasado; Renate Reinsve en el papel de la Dra. Mary Kline, la terapeuta de Clark; Mark Duplass en el papel de Phil, científico de Async e investigador de Backrooms; Finn Bennett en el papel de Robert «Bobby» Franklin, novio de Kat (Lukita Maxwell), ambos trabajadores de la tienda de Clark.

Da gusto ver una película que resulta inesperada y sorprendente como esta Backrooms. La película que acierta completamente a la hora de crear una atmósfera malsana que acompaña a los personajes en este mundo paralelo al nuestro. No conocía a Kane Parsons antes de conocer el éxito de la película, que se ha convertido en un fenómeno social en USA, pero me ha parecido un director muy interesante con una visión narrativa muy potente.

La premisa de la película es sencilla, pero funciona completamente. Clark (Chiwetel Ejiofor), un divorciado con problemas con la bebida que recibe ayuda psicológica de la doctora Mary Kline, encuentra de manera accidental un portal a otra realidad en el sótano de su tienda. La tienda de Clark no es la única entrada a esta realidad, ya que la empresa Async también descubrió una entrada y ha estado intentando explorar este extraño mundo de salas contiguas que se alargan durante kilómetros. Clark empieza a explorar este laberinto, pidiendo ayuda a sus dos empleados Bobby y Kat. Cuando Clark desaparece, Mary acudirá a la tienda para intentar encontrarle, entrando en este mundo de pesadilla.

Visualmente, me resulta muy llamativo como Parsons utiliza en varios momentos de la película el recurso de «cámara en mano», al tener varios personajes cámaras que graban la investigación de este mundo, viendo los espectadores el punto de vista de la cámara. No conocía a Parson antes de la película, y me ha gustado mucho su faceta como director. Una de las cosas que más me han gustado es que Parsons sugiere más que muestra, consiguiendo situaciones de gran tensión jugando con el diseño de sonido y unos sets super perturbadores.

Otra de las cosas que me ha gustado de la película es la ambigüedad y que no se pretenda dar respuestas a los numerosos enigmas. Clark cree que esta realidad es una copia defectuosa y mal recordada de la realidad. Pero a la vez resulta interesante que los traumas de los protagonistas acaben siendo parte de esta realidad, creándose salas que recrean situaciones y espacios de sus pasados.

Los dos protagonistas Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve me han gustado mucho. Ejiofor tiene una mirada alucinada que funciona para que sintamos que la caída hacia la locura no es únicamente espacial. Renate Reinsve ha sabido estar al mismo nivel que un actor veterano como Ejiofor. Su personaje Mary tiene una apariencia fría y reflexiva, pero también tiene un profundo trauma que amenaza con salir a la superficie.

Dentro de que la película tiene un ajustado presupuesto, la verdad es que el laberinto de salas envejecidas y estropeadas lucen increíbles en la película. Desde luego, no parece que la película haya costado sólo 10 millones. Otro elemento destacable es la música de Edo Van Breemen y el propio Parsons, que crean la atmósfera malsana y perturbadora. Todos los elementos técnicos de la película me parece que cumplen de maravilla con lo que la historia necesita.

Buscando algo menos bueno, creo que la primera hora cuando Clark descubre el portal es un poco lento, tardando un poco en aumentar la tensión. Dicho esto, lo cierto es que la película en seguida se coge y me atrapó completamente con una segunda mitad repleta de momentazos visuales y sorpresas.

Si a todo lo anterior le sumamos un final ambiguo que me parece perfecto, creo que Backrooms es un éxito fenomenal. Si te gusta que una película te sorprenda, no lo dudes y dale una oportunidad.

Comparto el trailer de la película:

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El día de la revelación de Steven Spielberg

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Una nueva película de Steven Spielberg es siempre un acontecimiento cinematográfico. El día de la revelación con Emily Blunt y Josh O´Connor merece mucho la pena.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Si descubrieras secretos que han permanecido deliberadamente ocultos durante décadas, y alguien te abriera los ojos y te lo demostrase, ¿qué harías?, ¿y te asustarías? Este verano, la verdad será revelada a más de ocho mil millones de personas. Llega… el día de la revelación. (FILMAFFINITY)

El mundo del cine de los últimos 50 años no se explica sin Steven Spielberg (Ohio, 1946). Sus películas son clásicos del cine que han inspirado a varias generaciones de espectadores entre los que me incluyo. El diablo sobre ruedas, Tiburón, Encuentros en la tercera fase, la trilogía de Indiana Jones, E.T., El color púrpura, El imperio del Sol, Hook, Parque Jurásico, La lista de Schindler, The Lost World: Jurassic Park, Salvar al soldado Ryan, A.I. Inteligencia artificial, Minority Report, Atrápame si puedes, La terminal, La guerra de los mundos, Múnich, Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, War Horse, Lincoln, El puente de los espías, The Post, Ready Player One, West Side Story y Los Fabelman. Si a su faceta de director unimos la de productor a través de Amblin y Dreamworks, tenemos a uno de los hombres más influyentes en la historia del cine.

David Koepp escribe el guion de la película a partir de una historia del propio Spielberg, que quería volver a algunos de los lugares comunes de su filmografía como son las películas con visitas de extraterrestres a la Tierra. La película de 146 minutos de duración cuenta con fotografía de Janusz Kamiński, colaborador habitual de Spielberg, montaje de Sarah Broshar y música del maestro John Williams, que con 94 años sigue en plena forma. La película ha contado con un presupuesto de 115 millones de dólares.

En el reparto tenemos a Emily Blunt interpretando a Margaret Fairchild, una meteoróloga de televisión de Kansas City y antigua periodista, con Delaney Cuthbert en el papel de la joven Margaret. Josh O’Connor es el Dr. Daniel Kellner, un joven experto en ciberseguridad que robará una información clasificada, con Tyler Renaud en el papel del joven Daniel. Colin Firth como Noah Scanlon, director de la corporación Wardex; Eve Hewson como Jane Blankenship, una exmonja y novia de Daniel; Colman Domingo como Hugo Wakefield, un desertor de Wardex y defensor de la divulgación de esa información; Wyatt Russell como Jackson, el novio de Margaret; Henry Lloyd-Hughes como Casper Boyd, jefe de seguridad de Scanlon; y Elizabeth Marvel como la hermana Maura, abadesa del Monasterio de Santa Clara del Amanecer, completan el reparto.

Steven Spielberg cumplirá 80 años dentro de unos meses. El día de la revelación nos regala una master class de narrativa audiovisual, con unos planazos increíbles y una construcción de tensión dramática al alcance de muy pocos directores actuales. Una de las cosas más alucinantes de El dia de la revelación es la forma en que Spielberg cuenta siempre la historia de la mejor manera posible, planteando planos que parecen sencillos y sin esfuerzo cuando son tremendamente complejos. La fotografía, el montaje y los movimientos de cámara son magistrales. Y siempre poniendo primero la historia, con la clave de hacer fácil el trabajo al espectador mientras consigue que conectemos emocionalmente con los protagonistas desde la primera vez que les vemos.

Spielberg y Koepp hacen algo muy interesante, que es empezar la historia a mitad cuando Daniel ya ha robado la información. En ese momento los espectadores sabemos que tiene algo valioso pero no sabemos qué es. De alguna manera, estamos igual que Jane, la novia de Daniel que es hecha prisionera por los miembros de la seguridad de Wardex, la empresa con vínculos con el gobierno de los Estados Unidos que hará lo que sea necesario para que esos secretos no sean hechos públicos. Esto provoca que la película empiece con una montaña rusa de emoción y aventura. Cuando la acción pase a Margaret, el personaje interpretado por Emily Blunt, veremos que es algo más grande de lo que podiamos imaginar.

Aunque luego comentaré alguna cosa menos buena, todas las escenas tienen un dramatismo y una intensidad impresionantes. Spielberg es sin duda el maestro. El inicio de la película o el intento de Scanlon de controlar la mente de Jane con tecnología alienígena me parecen escenas brutales. Pero en realidad son todas. La huida en la que Margaret y Daniel acaban subiéndose a un tren, y todo el climax final tienen una intensidad dramática al alcance de muy pocos directores.

Emily Blunt y Josh O´Connor son unos protagonistas excelentes. Ambos se encuentran en medio de algo que no entienden pero que conecta con un pasado que no pueden recordar. Sobre todo Blunt está excelente en los momentos más dramáticos.

También me ha gustado mucho Eve Hewson como Jane, la novia de Daniel. Los veteranos Colin Firth y Colman Domingo son los poderes en la sombra. Firth es Noah Scanlon, director de la corporación Wardex que ha mantenido aculta la información sobre las visitas de los extraterrestres a la Tierra, mientras que Domingo interpreta a Hugo Wakefield, el desertor de Wardex que convenció a Daniel para que robara la información. La parte del reparto me parece excelente, no hay ni un casting equivocado en esta película.

La dirección de Spielberg es magistral. La música de John Williams emotiva como ella sola. El montaje de sonido, el diseño de producción y el montaje son de 10. La fotografía de Janusz Kamiński es una locura también, planteando escenas con iluminaciones loquísimas en las que siempre vemos perfectamente a los protagonistas. Visual y dramáticamente, la película es de 10.

Sin embargo, tengo que reconocer que la historia y en concreto la misión de Daniel y Margaret en realidad no da para una duración de casi dos horas y media. Porque la película va de que los protagonistas quieren liberar la información que tienen para que toda la humanidad la conozca. Para ello podrían subirlo a Youtube y listo. Pero no, necesitan un medio de comunicación tradicional que le dará el plus de prestigio y fiabilidad que ahora mismo las redes sociales no tienen. De forma que el viaje de los protagonistas acaba siendo de ida y vuelta al inicio donde empezó todo. Esto provoca que cada escena individualmente sea genial, pero la película se acabe haciendo un poco larga en su parte final.

Luego está la conexión con dos de sus películas fetiche de su primera etapa en Hollywood como son Encuentros en la tercera fase y E.T. Aunque El día de la revelación es en realidad muy diferente, parece querer conectar con ambas como si el gobierno hubiera intentado ocultarlo todo y años más tarde alguien encuentra los archivos de esos sucesos y quisiera hacerlos públicos. Algo que me parece muy curioso, sobre todo para los espectadores veteranos como yo.

Con todo, cuando finalmente llega el Día de la Revelación, Spielberg se casca un climax de ¿15-20 minutos? que me pareció super emocionante y me llegó completamente. Aunque por la parte de la historia sin duda estamos ante uno de los guiones más flojos de la filmografía de Spielberg, cosa en la que tiene mucha responsabilidad, dado que Koepp no es más que el colaborador que pone en papel las ideas de Steven. Dicho esto, me alegro mucho ha haber podido ver la última película de Steven Spielberg en pantalla grande. Pensando que Los Fabelman se estrenaron hace más de 3 años. Ojalá Spielberg no se retire y siga con ganas de más. Yo pagaré encantando por ver en el cine cualquier cosa que haga.

Comparto el trailer de la película:

El día de la revelación me ha parecido una película estupenda con un Spielberg en plena forma que nos da una master-class de narrativa audiovisual sin perder nunca de vista el contar una historia con emoción y empatía. El maestro sigue en plena forma.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de La fuente de la eterna juventud de Guy Ritchie (Apple TV)

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Gracias a mi suscripción a Apple TV he visto La fuente de la eterna juventud, película de aventuras de Guy Ritchie con John Krasinski y Natalie Portman.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Dos hermanos distanciados se asocian en un gran golpe a escala global para encontrar la mitológica fuente de la eterna juventud. Tendrán que usar sus conocimientos de historia para seguir pistas en una aventura épica que cambiará sus vidas… y que puede que les otorgue la inmortalidad.

Guy Ritchie (Hartfield, Reino Unido, 1968) es uno de los grandes nombres del cine británico de entretenimiento en su vertiente de acción y criminal. Lock, Stock & Barrel, Snatch!, Revolver, Rocknrolla, la serie de dos películas de Sherlock Holmes con Robert Downey Jr. y Jude Law, El hombre de U.N.C.L.E., Rey arturo, Aladdin, The gentlemen, Despierta la furia, Operación fortune, El pacto, El ministerio de la guerra sucia (estas últimas estrenadas en Prime) son prueba de un gran ojo para hacer películas que ante todo cumplen con la función de entretenimiento, en mucha ocasiones desde una perspectiva british.

Ritchie dirige y produce esta película que tiene guion de James Vanderbilt, guionista de Zodiac (2007), The Amazing Spider-Man (2012) y su secuela de 2014, y Independence Day: Resurgence (2016) y el reboot de la franquicia de Scream (2022, 2023 y 2026). Con 125 de duración y un presupuesto de 180 millones, tiene fotografía de Ed Wild, montaje de James Herbert y música de Christopher Benstead. El rodaje tuvo lugar en los estudios Warner Bros. de Leavesden, en Hertfordshire (Inglaterra), en Bangkok, Viena, Liverpool y en El Cairo.

John Krasinski y Natalie Portman interpretan a los hermanos Luke y Charlotte Purdue. Eiza González interpreta a Esme, la perseguidora de los hermanos. Domhnall Gleeson es Owen Carver, Arian Moayed interpreta al inspector Jamal Abbas, Laz Alonso es Patrick Murphy, Carmen Ejogo como Deb McCall y Stanley Tucci como el Anciano completan el reparto.

Apple TV es una de las plataformas de streaming con menor número de suscriptores y contenidos. Y a eso a pesar que en general sus películas y series tienen un nivel de calidad más que bueno, destacando sobre todo por sus valores de producción. Y es que si algo tiene Apple TV es presupuesto para gastarse. La fuente de la eterna juventud se explica a partir del interés de dotar contenidos que interesen a los espectadores, contratando a un veterano como Guy Ritchie para que realice una película de aventuras que recuerde el feeling de las películas clásicas de Indiana Jones. En cierto sentido, tenemos la actualización de la fórmula que hace unas décadas ya plantearon las franquicias de La Momia y La búsqueda 1 y 2.

Empezando por los elementos positivos, La fuente de la eterna juventud es una película muy entretenida que ofrece una montaña rusa de aventuras por todo el mundo. La historia empieza en Tailandia, donde el arqueólogo caído en desgracia Luke Purdue roba un cuadro a un grupo de mafiosos locales, y escapa de la misteriosa Esme y sus secuaces, que intentaban hacerse con el cuadro. En Londres, Luke sorprende a su hermana Charlotte, el ying de responsabilidad y orden al yang de caos que es Luke, conservadora de un museo, para robar un cuadro de su museo, al contener la clave de un misterio que llega hasta los tiempos de su difunto padre, cazador de tesoros como Luke. En las 2 horas de la película, los protagonistas se cruzarán medio mundo y visitarán localizaciones carismáticas e inesperadas.

La película plantea la típica estructura de buddy-movie con unos protagonistas con formas de ser completamente opuestas, personalizado en los hermanos interpretados por John Krasinski y Natalie Portman. Krasinski plantea un doble conflicto, ya que además de convencer a su hermana que vivir aventuras también está en su sangre, intentará a conquistar a Esme, su perseguidora interpretada por Eiza González, planteando el contraste entre el «atontado» y enamoradizo Luke, y la super profesional Esme.

Quizá un problema de la película es la sensación de historia escrita con plantilla para crear una nueva franquicia cinematográfica para Apple TV. En estos momentos post-«me too», la historia plantea a unos hermanos como protagonistas para evitar tener una relación romántica que ahora mismo está mal vista en el mainstream americano. Los intentos de Luke para conquistar a Esme se plantean casi como comedia, dado que Esme está a otro nivel inalcanzable para Luke.

Hablando de plantillas, James Vanderbilt fusila de forma muy evidente varias cosas de la franquicia de La momia, como tener al hijo de Charlotte como ayudante con un papel clave. O que la organización que lidera Esma no es en realidad «mala» sino que busca evitar que un poder incontrolable se libere en la Tierra. Justo como los jinetes de La momia. Hay varias situaciones que recuerden a otras películas de aventuras clásicas, y no creo que sea en absoluto casualidad.

El diseño de producción me parece alucinante. La fuente de la eterna juventud transmite en cada fotograma que es una producción que ha tenido todo el dinero del mundo para contar la historia de la mejor forma posible. Las persecuciones y las escenas de acción están contadas de maravilla por parte de Ritchie, que demuestra que quien tuvo, retuvo. Pero la historia es demasiado justita. No está mal, pero tampoco tenemos nada especialmente bueno. Y eso provoca que Ritchie nos ofrezca un entretenimiento ligero que cumple su objetivo, pero del que te olvidas de ella casi nada más que terminas de verla.

Sabía a lo que venía cuando me puse La fuente de la eterna juventud . Y en lo relativo al factor de entretenimiento, Guy Ritchie cumple. Aunque empiezo a pensar que Ritchie debería repensarse las películas en las que se embarca, porque me parece que después de Operación fortune, El pacto, El ministerio de la guerra sucia y ahora La fuente de la eterna juventud su caché está perdiendo brillo.

Comparto el trailer de la película:

La fuente de la eterna juventud me vale como entretenimiento ligero, dentro de ser una película tan disfrutable como intrascendente.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Comics,Películas

Reflexiones de Domingo 10/2026: Avengers #1, Mandalorian y Grogu y #DCBlackOut

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¡Feliz domingo! Hoy tengo un variado de noticias en el nuevo artículo de Reflexiones de Domingo. Entre los temas que voy a comentar: La nueva serie Avengers de Chip Dzarsky y Marco Checchetto, el fracaso de taquilla de The Mandalorian and Grogu y Masters of the Universe, y la última polémica comiquera ridícula de USA, el intento de boycott a DC Comics por la falta de colecciones protagonizadas por personajes afroamericanos, que nació con el hashtag #DCBlackOut.

ANUNCIADA AVENGERS 1 DE CHIP DZARSKY Y MARCO CHECCHETTO

¡LOS SUPERVIVIENTES MÁS PODEROSOS DE LA TIERRA!

Con el orden mundial completamente transformado tras los acontecimientos de «Vengadores: Armagedón», llega un día sin precedentes en el que un nuevo grupo de los héroes más poderosos de la Tierra se une para vengar el Universo Marvel: Spider-Man, Lobezno, Capitana Marvel, Daredevil, Luke Cage y un héroe totalmente nuevo que está a punto de hacer su explosivo debut.

Al tomar las riendas del equipo de superhéroes insignia de Marvel, Zdarsky dijo: «¡Es obviamente un gran honor poder escribir sobre el mejor equipo de superhéroes del mundo! Y después de lo que ocurre en Vengadores: Armagedón, este equipo está furioso y listo para vengarse».
«Vengadores es una serie que debe liderar el Universo Marvel, donde suceden grandes cosas y las sorpresas no dejan de llegar», explicó. «Eso es lo que Marco y yo estamos haciendo en cada número y estoy deseando que la gente se enamore de estas magníficas páginas».

Sobre su reencuentro con Zdarsky, Checchetto dijo: «Aquí vamos otra vez. Chip y yo, reunidos. Nos lo pasamos genial en Daredevil (2019), y desde que terminaó Ultimate Spider-Man (2024), estoy encantado que haya surgido la oportunidad de hacer algo nuevo con él. Es en momentos como estos cuando sale a relucir la locura absoluta de Chip, y el resultado está ante vuestros ojos. » «Me encanta este equipo», continuó. «Va a ser genial ver cómo interactúan estos personajes entre sí y cómo se las arreglan para salir airosos de las situaciones en las que los vamos a meter».

Chip Zdarsky me parece un guionista mediocre al que aún no le he encontrado una idea original, construyendo sus arcos «homenajeando» historias clásicas que, para sorpresa de nadie, siempre son mejores que lo que hace el guionista canadiense.

La Marvel de C.B. Cebulski se encuentra en una espiral de gimmicks sacacuartos y de nostalgia mal entendida terrible. Tras dos etapas de Los Vengadores de Jason Aaron y Jed MacKay en las que los escritores plantearon a los Vengadores viviendo las aventuras cósmicas y multiversales más grandes imaginables, Marvel Comics decide dar un volantazo y plantear la copia (homenaje) al infame Avengers Disassemble y la llegada de Brian Michael Bendis a la colección. Han pasado más de 20 años de la etapa de Bendis, así que Marvel cree que los lectores vamos a abrazar esta reutilización de una etapa que tuvo sentido en 2004/2005 pero posiblemente no sea lo más adecuado en 2026.

Si Marvel quería hacer un comic más urbano a pie de calle, tenía muchas formas de hacerlo. Pero hacer un comic con Lobezno, Spider-Man y Luke Cage lo único que hace es provocar que los lectores nos demos cuenta que el comic no es novedoso, sino que simplemente está copiando (reutilizando) ideas viejas, en lugar de crear las tuyas propias. Aparte que una vez se pasó la sorpresa inicial de la etapa de Bendis, creo que con el paso de los años era un clamor absoluto entre el fandom comiquero que fue un error hacer vengadores a Lobezno y a Spider-Man. Son personajes que no pegan como Vengadores, pero como Marvel cree que la nostalgia vende, pues aquí los tenemos de nuevo. De igual forma, tampoco creo que sea buena idea que Daredevil vaya a formar parte del grupo.

No pienso comprar este comic, a pesar que tengo claro que el dibujo de Marco Chacchetto va a ser increíble. Sin embargo, no me compensa gastar mi dinero en algo que los propios autores y la editorial saben que no es original. Es que ni siquiera intentan serlo. Y para ver a un mediocre copiar a Bendis, ya tengo los comics originales en casa. Igual me los releo de nuevo. En lo relativo a esta nueva etapa, NO COMPRO.

SOBRE EL FRACASO DE TAQUILLA DE THE MANDALORIAN AND GROGU Y EL DAÑO A LA MARCA STAR WARS

The Mandalorian and Grogu de Jon Favreau me gustó mucho. Me pareció una celebración pura del cine de aventuras. Pero aunque me duela decirlo, la película va a ser un fracaso absoluto en taquilla. Tras dos semanas en pantalla, la película sólo ha recaudado 257 millones en todo el mundo: 148 millones en USA y 109 en el resto del mundo. Hay muchas posibilidades que la película acabe como la película de Star Wars de mejor recaudación, por debajo incluso de Solo: Una historia de Star Wars.

Hay un primer elemento que para mi contribuye a explicar este fracaso. Y es que en este mundo de los EVENTOS cinematográficos, que en parte Disney ha ayudado a crear, la idea de plantear una película con una aventura autoconclusiva no ha llamado la atención del gran público. Siempre digo que el que el público vaya a una película, o no lo haga, es una decisión provocada por múltiples factores que no tienen nada que ver con la calidad de la película en si. Otro tema importante es que The Mandalorian es una de las series más exitosas de Disney+. Sin embargo, la sensación es que los suscriptores asumen que el personaje es televisivo y se van a esperar a verla cuando se estrene dentro de unos meses. Para Disney+ vale, pero no para pagar por verla en el cine.

Sin embargo, aunque todo lo anterior son factores que explican el fracaso, no son el motivo principal. Y es el daño que Disney ha provocado en la marca Star Wars, hasta el punto de haberla herido de muerte. Tras los desastres de los Episodios VII, VIII y IX y la idea de enterrar a los protagonistas originales de forma vergonzosa, el público ha decidido dar la espalda a Star Wars. Luego series desastrosas como Kenobi o The Acolyte han añadido más leña al fuego, claro. Mientras que los ejecutivos han intentado convencernos que Star Wars no tiene nada que ver con los Skywalker, los fans que leímos decenas de libros del Universo Expandido sabemos que la tercera trilogía ha sido un fracaso creativo monumental de difícil solución.

No es culpa de Jon Favreau que tras 7 años sin que Disney estrenara ninguna película de Star Wars, Disney y Lucasfilm decidieran estrenar The Mandalorian and Grogu porque algo había que estrenar. El qué daba un poco igual. Ese problema, esa decisión, es totalmente responsabilidad de Disney. Tras este fracaso, los ejecutivos de Lucasfilm deben estar temblando ante el estreno en 2027 de Star Wars: Starfighter, que puede correr el mismo destino. Los mismos ejecutivos que niegan la evidencia que lo que los espectadores queremos ver es una nueva aventura de Luke Skywalker y los personajes clásicos en la que los muestren de forma heroica, no lo que hizo el fallido Rian Johnson.

Los mismos fans que convirtieron la aparición de Luke Skywalker al final de la segunda temporada de The Mandalorian en el acontecimiento mainstream de 2020 hubiéramos vuelto en masa al cine a ver una nueva película de Star Wars si los protagonistas fueran ellos. Pero pasados estos años y viendo como en lugar de apostar por lo que los fans queremos Lucasfilm se tiró por la turra identitaria y por los contenidos woke, me parece que una parte del público ha abandonado el barco por completo. Y ante eso no hay una solución sencilla.

Como digo, los ejecutivos de Lucasfilm y los de Disney deben estar temblando. Y no sólo por las pocas entradas vendidas, sino porque esta debacle acaba afectando a todas las líneas de negocio de Disney, como la venta de muñecos y merchandising, o la asistencia a los parques de atracciones. Y tengo claro que los mismos que han hundido a Star Wars no van a pedir perdón y seguirán buscando respuestas simplistas «de pancarta» en lugar de analizar de verdad todas las decisiones erróneas que han tomado todos estos años que han herido de muerta a la marca Star Wars.

MASTERS OF THE UNIVERSE TAMBIÉN NAUFRAGA EN LA TAQUILLA

Este fin de semana se ha estrenado la nueva versión de Masters of the Universe dirigida por Travis Knight (Kubo y las dos cuerdas mágicas, Bumblebee). Aunque me gusta el director reconozco que no me considero público objetivo de estos muñecos de Mattel. Así que no tenía ningún interés en ver esta película.

Antes de su estreno, la sensación que tenía era que no existe un grupo de fans lo bastante grande como para hacer la película rentable en su paso por los cines. Hay gente muy apasionada en redes sociales, pero ellos 4 no pagan una película. Y viendo los resultados del jueves y viernes de estreno, en los que sólo ha recaudado 11 millones en USA, se confirma que la película va a ser un fracaso de taquilla porque esta franquicia no interesa a (casi) nadie. Y esto no prejuzga la calidad de la película, sobre la que no puedo comentar nada porque no la he visto. Sin embargo, que en USA le hayan puesto un B significa que los pocos espectadores que fueron no han salido satisfecho, lo que hará que el boca a boca tampoco vaya a ser bueno.

Si se confirman las cifra, Masters recaudará apenas 25/30 millones en USA en su fin de semana de estreno, lo que la aboca a recaudar menos de 100 millones en Estados Unidos. Teniendo en cuenta un presupuesto que puede rondar los 180-200 millones, el desastre financiero puede ser importante.

E incluso si pensamos que Mattel plantee la película como un anuncio grande de sus muñecos, que tan poca genta vaya a ver la película significa que tampoco querrán comprar su merchandising o sus muñecos. A otra escala, es exactamente lo mismo que le pasó a Lucasfilm con Star Wars tras el horripilante Episodio IX que daño irremediablemente la marca. (Sobre lo que hablé antes).

Me sabe mal por los fans, pero creo que todo el mundo parecía tener claro que estábamos ante una película destinada a fracasar en la taquilla de los cines. Veremos si en el streaming adquiere una segunda vida.

SOBRE EL INTENTO DE BOYCOTT A DC COMICS #DCBlackOut

La polémica ridícula de esta semana en el mundo del comic americano vino con la sorpresa de conocer que un grupo llamado Black Comics Alliance intentó iniciar un boicott contra DC Comics bajo el hashtag #DCBlackout, pidiendo a los lectores no comprar cómics de DC hasta que publiquen más series con personajes negros y equipos creativos diversos.

La fracasada iniciativa «DC Blackout» surgió como continuación del movimiento #DCSoWhite. En ella, varios supuestos «activistas» lamentaban el hecho de que DC Comics no hubiera publicado ninguna serie regular protagonizada por personajes negros (las miniseries y los números únicos no cuentan) en los últimos 1200 días. El número exacto de días es objeto de debate, y la crítica se limitaba sólo al universo DC tradicional, porque en el Universo Absolute, Absolute Green Lantern está protagonizada por una mujer afroamericana. Que John Stewart sea coprotagonista de Green Lantern Corps tampoco valía para esta gente. Para que veáis el absurdo de estas críticas que cogen cifras de forma torticera, planteando críticas en términos de blanco y negro absolutos.

Estas personas creían que la falta de títulos protagonizados por personajes negros se debía a una falta de atención y esfuerzo por parte de DC Comics en materia de representación. A pesar que DC Comics ha implementado programas educativos para minorías sociales para que puedan convertirse en profesionales del mundo del comic. Algo que Marvel ni ha hecho ni se lo plantea. Tras creerse que DC tiene que responder ante ellos de alguna manera, este grupo decidió iniciar este hashtag al creer que la editorial no les había hecho suficiente caso.

La protesta fracasó en apenas 4 días.

El primer motivo del fracaso me atrevería a decir que viene por una evidencia. Para hacer un boycott, primero ELLOS tendrían que dejar de comprar los comics de DC. Y me atrevería a decir que estamos ante el último caso de «activistas» que intentan influir en un medio que no consumen.

Además de esta primera consideración, parece claro que cuando se plantea un problema complejo que puede ser debatible en términos simplistas, puro redes sociales, pues pasan estas cosas. Porque podrían ser debatible si el número de afroamericanos que trabajan en la industria es alto o bajo, dentro que lo que importa es la CALIDAD individual de cada persona, no si pertenecen a un colectivo identitario. Cosa que no planteaban estas personas, claro.

El fracaso se precipitó tan pronto como se anunció el boicot, cuando comenzaron las críticas desde dentro del propio grupo de activistas. «Si boicoteas todo DC, dejas de apoyar a los creadores negros que ttrabajan en DC». «Estás iniciando el boicot al comienzo del mes del Orgullo, lo que significa que los cómics del Orgullo se verán también afectados». «Los títulos en curso que contienen personajes negros destacados (aunque sean secundarios) también se verían perjudicados con este boycott». Justo lo contrario de lo que se supone que demandaba esta gente. Lo que explica que lo importante no son los personajes afroamericanos.

Aparte que si justo ahora no hay comics protagonizados por afroamericanos no es porque no se haya intentado. Black Lighting o Steel han tenido varias series en el pasado. Se ha intentado relanzar el Universo Milestone varias veces, y siempre ha acabado cancelado. Si no se publican ahora es porque NO SE VENDEN. Y el que no se vendan tiene mucho que ver con la compleja situación de la industria y cómo los personajes fuera de los iconos tienen muy difícil mantenerse. Algo que no tiene nada que ver con que sean afroamericanos. O que se lo pregunten a Shazam, cuya colección cerró hace unos meses.

Hay docenas y docenas de personajes negros, blancos, asiáticos y de todo tipo en Marvel y DC Comics que no tienen series en curso. Calificar este «problema» específicamente como una cuestión racial no solo es tóxico, sino que es claramente falso. Tiene muy poco que ver con la representación y más con la desconexión entre lo que producen las editoriales y lo que compran los lectores.

DC Comics no va a sacar un título que considere que no se va a vender. Eso es pedirle a una empresa que malgaste su dinero, y dada la situación actual del cómic, es una absurdez. Pero claro, esta gente no quiere que DC publique buenos comics, sino que apostaría que al final todo se reduce porque buscan que les contraten a ELLOS. Y me da mucha rabia que gente que no merece el protagonismo que han tenido se crean que pueden exigir a una empresa como DC que hagan lo que ellos quieren.

Si hubieran planteado una campaña en redes sociales para promover comics realizados por autores afroamericanos, que existen, me hubiera parecido una campaña interesante. Pero no, interesa más atacar a DC. Y por supuesto DC y todas las grandes empresas editoriales no son hermanitas de la caridad y han hecho cosas cuestionables en el pasado. Pero justo en el tema de promoción de colectivos diversos, DC históricamente ha realizado muchísimas más acciones que Marvel. Y sin embargo, el boycott se lo hacen a DC. ¡Qué injusto!

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