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Crítica de Cerdita de Carlota Pereda

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Cerdita de Carlota Pereda se ha convertido en una de las sensaciones de la temporada por su temática y por su protagonista Laura Galán, lo que me ha animado a verla.

PUNTUACIÓN: 7/10

Para Sara, el verano solo significa tener que soportar las continuas burlas de las otras chicas de su pequeño pueblo. Pero todo terminará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras. Sara sabe más de lo que dice, y tendrá que decidir entre hablar y salvar a las chicas, o no decir nada para proteger al extraño hombre que la ha salvado… Adaptación del premiado corto homónimo.

Tras cosechar numerosos premios con el cortometraje homónimo de 2018, entre ellos los premios Goya y José María Forqué al mejor cortometraje de ficción, o el Slamdance Russo Brothers Fellowship, la directora, Carlota Pereda decidió realizar su primer largometraje con esta historia escrita por ella que fue rodada en Villanueva de la Vera (Cáceres). La película de 90 minutos cuenta con fotografía de Rita Noriega, música de Olivier Arson y montaje de David Pelegrín. La película ha ganado el Méliès d’or en el pasado festival de Sitges o el Premio a Mejor película en el Fantastic Fest de Austin Texas.

Laura Galán es Sara, la joven que sufre bullying a manos de prácticamente todo el mundo, pero sobre todo otras mujeres. Richard Holmes es el desconocido asesino en serie, Carmen Machi es la madre de Sara mientras que Julián Valcárcel es su Padre, José Pastor es Pedro, un joven del pueblo y Claudia Salas, Irene Ferreiro y Camille Aguilar interpretan a Maca, Claudia y Roci, las jóvenes que hacen bullying a Sara.

Algo había leído u oído algo sobre Cerdita y su representación del bullying en los pueblos pequeños, y la verdad es que esta faceta de la película me ha gustado mucho y me parece que está super bien recreando perfectamente lo que debe ser la realidad de mucha gente que se siente diferente frente a lo normativo imperante sobre todo en los pueblos pequeños. En este caso habla de una joven que tiene sobrepeso, pero sería aplicable a todo tipo de personas diferentes.

Es interesante y muy realista que normalmente el bullying a una chica lo cometen otras chicas. Frente a la dictadura del «patriarcado» y toda esa gente que busca enfrentar a hombres y mujeres, la realidad es que el peor enemigo de una mujer normalmente es… otra mujer o mujeres. Y como tan bien muestra la película, la que podría considerarse la villana de la película es ¡SU MADRE!, una señora amargada que posiblemente sin darse ella cuenta se dedica a humillar y ningunear a su hija en todo momento, anulándola completamente en casa y degradándola delante de otras personas. El enemigo en casa, vamos. Con un padre indiferente que al final acaba siendo cómplice del comportamiento de su mujer con su silencio.

También la vida del pueblo depende mucho de que te pongan una etiqueta determinada, e incluso la gente buena al final no busca problemas y suele mirar hacia otro lado o minimiza los problemas pensando que no es para tanto. Esta es otra faceta que la película recrea perfectamente también. Y en este sentido, me parece valiosísima la forma en que la película muestra este acoso de una forma tan descarnada, pero a la vez invisible para todos los que no lo sufren.

La película depende completamente de la interpretación de Laura Galán como Sara, y la verdad es que creo que está muy bien en pantalla y transmite un montón. Ella ha afirmado en entrevistas que jamás sufrió bullying a pesar de también tener sobrepeso, pero la verdad es que creo que lo hace genial y es el verdadero descubrimiento de la película. Dentro que apenas no tiene líneas de diálogo y su interpretación es «monotema», al aparecer sufriendo crisis de ansiedad en varios momentos debido a las situaciones que sufre durante la película. En todo caso, ella creo que está muy bien y clava el tema de la película, con unos momentos cuando las chavalas malas le roban la ropa que resultan super dolorosos porque entiendes el trauma que debe sufrir al tener que ir andando casi desnuda por la carretera a la vista de todo el mundo. Incluso sus limitaciones a la hora de expresarse y en lo relativo a las relaciones sociales cuadraría con una persona que sufra depresión ante el rechazo de las jóvenes de sus edad y los ataques de una madre que la ningunea.

Porque la película realmente es una crítica al bullying y ahí creo que acierta en su mayoría. Sin embargo, Cerdita también es (o así la han vendido) una película de terror / slasher con un asesino en serie que mata a gente del pueblo y parece que adquiere una afinidad hacia Sara. Y lamentándolo mucho esta parte no funciona igual de bien. De hecho, me parece un poco tramposa la forma en que construyen a este asesino sin explicación nunca de nada. Parece que el guion busca sugerir que este Desconocido acude a ayudar a Sara cuando rapta a las «malas», pero la verdad es que él ya ha matado incluso a una mujer inocente sin motivo aparente. Que la camarera le pregunte si le conocía de algo o si le había visto antes no es justificación suficiente para que la mate, obviamente. Luego no tiene nada de bueno. El hecho que este Desconocido tenga una discapacidad en un pie o pierna, nunca acaba de verse bien, sugeriría que este hombre también sufrió bullying de niño y por eso ayuda y conecta con Sara, pero realmente tampoco hay nada que lo confirme en una historia que es un porque si detrás de otro, como si la directora Carlota Pereda prefiriera que cada uno se invente su película porque ni ella misma lo tiene claro.

Y en esta parte de la historia la verdad es que a Laura Galán si la he visto más limitada actoralmente, ya que sólo tiene una cara, la de una joven balbuceante que casi no sabe hablar y con una cara haciendo pucheros. En este aspecto, diría que todo aquel que se acerque a esta película pensando en un slasher sangriento se va a ver super decepcionado, como también aquellos que se hayan dejado engañar por el calificativo de «terror», porque no acaba de ser ni una cosa ni la otra. Esto conecta con el hecho que la película tiene una duración de 90 minutos y en algún momento se hace larga porque la historia del cortometraje original (que no he visto, por cierto) no daba tanto de si, notándose que estamos ante un cortometraje ampliado a largo.

En todo caso, las cosas positivas elevan a Cerdita y la convierten en una película que merece verse si tenéis ocasión.

Comparto el trailer de la película:

Cerdita me ha parecido una película interesante en muchas cosas aunque lejos de resultar redonda. En todo caso, sólo por su representación del bullying me parece que merece la pena su visionado.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de La noche del fin de los tiempos de Morgan Galen King y Philip Gelatt (Prime Video)

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Vi hace tiempo el trailer de La noche del fin de los tiempos (The Spine of night), película de animación englobada en el género de la Espada y Brujería que busca recrear el feeling de las películas clásicas de Ralph Bakshi de los 70 y 80, y me llamó muchísimo la atención. Me quedé con ganas de ver esta película, y gracias a Prime Video mis deseos se han hecho realidad. Y para bien y para mal la película nos da justo lo que parecía.

PUNTUACIÓN: 6/10

Una fantasía épica y ultraviolenta que sigue los códices de la Espada y la Brujería más clásica y cuenta con las irrepetibles voces de Lucy Lawless y Richard E. Grant. «La noche del fin de los tiempos» es, ante todo, una clase magistral de animación profundamente ochentera que recupera el buen gusto visual de autores como Ralph Bakshi («El Señor de los Anillos») y la despiadada bestialidad de obras como «Heavy Metal» o «Primal».

Cuando una antigua y poderosa magia caiga en las manos equivocadas, un grupo de héroes de distintas culturas y procedencias deberán reunirse para derrotar al mal. A cualquier precio.

La noche del fin de los tiempos ha sido dirigida por Philip Gelatt y Morgan Galen King, que también escribieron el guion. Gelatt realizó la película de terror en imagen real They Remain (2918) y escribió el guion del drama de ciencia ficción y misterio Europa Report. También escribió 15 episodios de la antología Love, Death & Robots en Netflix. King es un animador que ya había colaborado anteriormente con Gelatt.

Los autores querían contar una historia adulta dentro del género fantástico. La estética que encontraron adecuada para ello fue la animación rotoscópica dibujada a mano, que era la preferida a finales de los 70 y principios de los 80. Los dibujos se crearon en el ordenador, pero a 12 fotogramas por segundo, como era habitual en la animación por rotoscopio. En esta técnica de animación, los artistas dibujan a mano sobre secuencias de acción real, fotograma a fotograma. Gelatt y King se inspiraron en las ilustraciones de fantasía y ciencia ficción de Frank Frazetta y en la obra de Ralph Bakshi, autor entre otras de la película de animación de El Señor de los Anillos (1978) y de Fire and Ice (1983), que claramente han inspirado a esta película.

En las voces originales tenemos a Richard E. Grant como El Guardián, Lucy Lawless como Tzod, bruja del pantano, Patton Oswalt como Lord Pyrantin, Betty Gabriel como Phae-Agura, Joe Manganiello como Mongrel y Jordan Douglas Smith como Ghal-Sur

La noche del fin de los tiempos es una interesante historia de espada y brujería que nos presenta un mundo con reminiscencias Lovecraftianas en la que Dioses primigenios dejaron a su progenie en un mundo desolado en el que el más fuerte se queda con todo y el débil muere. Un mundo en el que los restos de esos semidioses poseen poderes mágicos que permiten a quien los domine doblegar a todos los pueblos y destruir a quien no se rinda ante su poder. La forma en que se utilizan a varios narradores para conocer la historia en toda su extensión me parece muy chula, formando un crisol de pequeñas historias que forman un lienzo completo cuando lo ves en su conjunto. Al igual que el propio concepto de un mundo desolador y sombrío en el que el mal vence, un mundo sucio en el que la vida humana no vale nada, lo cual cuadra con lo que se supone que es la vida en un mundo fantástico como este.

Sin embargo, una vez vista la película, me doy cuenta que el argumento de la película genera mucha desinformación, porque realmente la película no va de «… un grupo de héroes de distintas culturas y procedencias deberán reunirse para derrotar al mal». Y es que durante el 90% del tiempo veremos el origen del mundo, como este mago se hace con el control de este poder y la forma en que lo usa para destruir durante años a todo aquel que se le opone. La parte de héroes luchando contra el mal es algo que vemos únicamente muy muy al final, y ni siquiera llegamos a conocer las identidades de estos personajes. No tengo claro los datos de producción, pero la sensación que me da es que aunque pudiera ser que hubieron detalles de la historia que no llegaron al montaje final, diría que estamos ante un caso de que ante una historia complicada de vender, los productores han optado por presentar un argumento bastante normal de lucha del bien contra el mal para promocionarla.

Quizá el principal problema que le veo a la película es su animación. Y está claro que desde su concepción La noche del fin de los tiempos nace como homenaje a la animación de los años 70 y 80 utilizando las mismas herramientas de esa época. Y si se valorara sólo la intención, la verdad es que lo habrían cuadrado y el resultado sería de 10. Lamentablemente, más allá del homenaje, todo luce terriblemente cutre, en parte por el número de fotogramas por segundo y por una animación de mínimos con un uso de la rotoscopia que provoca unos personajes feístas a más no poder. Como decía, no encontré casi datos de la producción y supongo que habrán tenido que trabajar con un presupuesto bajísimo que ha marcado el resultado final. Pero incluso aceptando esto, como espectador que invierto 100 minutos de mi tiempo, no me vale que digan que algo es cutre a propósito, pudiendo haber hecho «bien» una película con feeling ochentero pero con una animación más acorde a los tiempos que estamos. Y por supuesto no buscaba en esta película una perfección tipo Pixar, pero puestos a copiar a Bakshi, podían haber mirado El Señor de los Anillos, no la animación de Heavy Metal. Esto es un problema importante que me impidió disfrutar de la película. Si os fijáis en el poster de la película, pocas veces una imagen es menos representativa de lo que vemos a ver en su interior.

Otro tema es el referido a la violencia explícita y a los desnudos. Los directores plantean desde su concepción una historia para adultos, y supongo que para resaltar el elemento mitológico toman una decisión creativa bastante cuestionable, que es mostrar a la protagonista la Bruja Tzod completamente desnuda durante toda la película. A ella y a numerosas personas hombres y mujeres durante el metraje. Y lo cierto es que pensaba que no era pudoroso, pero estar viendo todo el rato los pechos o el culo de la protagonista me ha distraído completamente y me sacaba del visionado. En lo referido a la ultra violencia, hay numerosas muertes y desmembramientos super explícitos, pero por la limitación de la animación, estos momentos quedan raros por la falta de sangre y gore. No diría que mal, pero si extraños.

Como veis, no he acabado de conectar con la propuesta de Philip Gelatt y Morgan Galen King, pero aplaudo que se hagan cosas diferentes dentro de la animación que nos saquen de nuestra zona de confort, incluso cuando no acaben de funcionarme.

Comparto el trailer de la película:

La noche del fin de los tiempos es una película curiosa que se siente casi como un anacronismo debido a una animación que no ha envejecido nada bien.

PUNTUACIÓN: 6/10

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AVATAR 3D HFR de James Cameron: Retorno a Pandora

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Aprovechando La Fiesta del Cine de vuelto a ver Avatar en el cine en formato 3D HFR, y he disfrutado como la primera vez con una película de 2009 que sigue luciendo mejor que cualquier película estrenada este año en salas de cine. ¡Grande James Cameron!

PUNTUACIÓN: 9/10

Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington), un ex-marine condenado a vivir en una silla de ruedas, sigue siendo, a pesar de ello, un auténtico guerrero. Precisamente por ello ha sido designado para ir a Pandora, donde algunas empresas están extrayendo un mineral extraño que podría resolver la crisis energética de la Tierra. Para contrarrestar la toxicidad de la atmósfera de Pandora, se ha creado el programa Avatar, gracias al cual los seres humanos mantienen sus conciencias unidas a un avatar: un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Esos cuerpos han sido creados con ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na’vi. Convertido en avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrarse entre los Na’vi, que se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero cuando Neytiri, una bella Na’vi (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, todo cambia: Jake, tras superar ciertas pruebas, es admitido en su clan. Mientras tanto, los hombres esperan los resultados de la misión de Jake. (FILMAFFINITY)

James Francis Cameron (1954) es un director de cine y ecologista canadiense. Conocido por sus películas de ciencia ficción, su primera película Terminator (1984) ya le valió el reconocimiento de público y crítica. Aliens (1986), The Abyss (1989), Terminator 2: Judgment Day (1991) y True Lies (1994) fueron también super éxitos que le consolidaron en el star-system de Hollywood como un director al que merece darle carta blanca para hacer unas películas que tan sólo él puede imaginar. También dirigió Titanic (1997), que le valió los premios de la Academia a la Mejor película, Mejor director y Mejor montaje, y Avatar (2009), rodada con tecnología 3D, le valió nominaciones en las mismas categorías, aunque «solo» ganó otras tres categorías: Mejor fotografía, Mejor dirección artística y Mejores efectos visuales.

Cameron es cofundador de las productoras Lightstorm Entertainment, Digital Domain y Earthship Productions. Además de cineasta, es explorador marino de National Geographic y ha producido numerosos documentales sobre el tema, como Ghosts of the Abyss (2003) y Aliens of the Deep (2005). Cameron también ha contribuido a las tecnologías de filmación submarina y de vehículos remotos y ha ayudado a crear el sistema de cámara digital 3D Fusion. En 2012, Cameron se convirtió en la primera persona en hacer un descenso en solitario al fondo de la Fosa de las Marianas, la parte más profunda del océano de la Tierra, en el sumergible Deepsea Challenger.

Cameron escribe el guion de Avatar y realiza el montaje de la película junto a John Refoua y Stephen E. Rivkin. La mítica música es obra de James Horner, en la que fue su tercera colaboración con Cameron tras Aliens y Titanic. La película cuenta además con fotografía de Mauro Fiore y diseño de producción de Rick Carter y Robert Stromberg. Además de ganar 3 Oscars (Mejor fotografía, Mejor dirección artística y Mejores efectos visuales), Avatar es la película más taquillera de la historia a nivel mundial (sin contar la inflación) superando los 2800 millones de recaudación.

Sam Worthington interpreta al protagonista de la película, Jake Sully, un marine parapléjico que se une al proyecto Avatar para ocupar el puesto que, como científico, ejercía su hermano gemelo recientemente fallecido. Zoe Saldana interpreta a Neytiri Omaticaya, una habitante nativa de Pandora que se ve obligada a enseñar a Jake las costumbres de los na’vi. Sigourney Weaver interpreta a la Dra. Grace Augustine, una astrobióloga y directora del proyecto Avatar que sirve como mentora de Jake y que defiende las relaciones pacíficas entre humanos y na’vi. Stephen Lang interpreta al Coronel Miles Quaritch, comandante militar del proyecto y encargado de la seguridad de la base. Por último, Michelle Rodriguez interpreta a Trudy Chacón, una piloto de helicópteros.

Si hay un término manoseado en los últimos años en el mundo del cine, ese sería el tan manido «director visionario». Pero la verdad es que para pocos directores el término es más adecuado que para James Cameron. Un creador inconformista que ha hecho avanzar a la industria del cine al crear desarrollos tecnológicos que le permitieran contar y mostrar su película de la forma en que él la había imaginado. Ese es el caso de Avatar, una película que puede calificarse de revolucionaria al ser rodada y pensada para ser vista en 3D y que nos llevó a un mundo que nunca antes habiamos visto.

Da vergüenza echar la vista atrás y comprobar que si la tecnología 3D no ha triunfado y se está empleando masivamente en el mundo mainstream es por culpa de unos estudios cobardes que no se atrevieron a dar el salto e intentaron engañar al público estrenando películas rodadas en 2D a los que añadían algunos efectos en post-producción para dar la sensación de 3D, buscando aprovecharse de la moda del momento, dando mala fama a esta tecnología.

Avatar es una maravillosa locura. Un espectáculo visual increíble que nos muestra un mundo completamente nuevo lleno de animales y seres diferentes a lo que estamos acostumbrados a ver en ciencia ficción. Lo primero que me llamó la atención de una película que tengo comprada en blu-ray y hemos visto en casa seguro una vez cada dos años, es lo espectacular que es el 3D y cómo ayuda a convertir la experiencia en Pandora en una super inmersiva. La profundidad que añade el 3D y la sensación de estar tú en medio de la jungla con los protagonistas está presente en buena parte del metraje. Con el añadido de tratarse de una jungla alienígena con flora y fauna diferente a la nuestra. También la parte de los vuelos lucen increíbles con el 3D.

Junto al 3D, otro elemento que me ha flipado es que estamos ante un mundo creado con ordenador que parece real. La perfección que Cameron consigue en todo, desde los bosques pero también las naves y los animales nos meten de lleno en la película y jamás ves decorados de cartón piedra o un mal uno de ambientes digitales. Todo luce real como si la jungla de Pandora existiera y estamos hablando de un ambiente 100% digital. La suspensión de credulidad es total porque te crees estar en Pandora con Jake, algo que 13 años desde su estreno inicial hace que luzca mejor que cualquier otra película estrenada este año, o en los últimos años.

El otro gran desarrollo de Cameron fueron las cámaras de captura de movimiento que captaban todas las expresiones faciales de los actores con una definición nunca antes vista y que consiguen que las facciones de los na´vi y de los avatares parezcan también reales. Al final Avatar no es una película de tecnología que valorar únicamente por su apartado técnico, sino que esta tecnología permite a Cameron contar su historia y hacer que los espectadores conectemos con los personajes y no nos parezcan humanos pintados de azul inverosímiles como pasa en cualquier película de Star Trek. Todo va dirigido a crear una experiencia inmersiva en el espectador en la que creamos que estamos transportados a un nuevo mundo. Y la verdad es que funciona. Lo hizo en 2009 y lo ha vuelto a conseguir en 2022 incluso sabiendo lo que iba a ver. La experiencia ha sido increíble.

Hay que reconocer que si, el guion de Avatar puede ser resumido como «Bailando con lobos en el espacio». El propio Cameron reconoce la influencia de la película de Kevin Costner (estrenada en 1990, 19 años antes que Avatar) en la que un oficial del ejército norteamericano es destinado a un puesto militar abandonado fronterizo con territorio indio y acabará haciéndose amigo de una tribu sioux de la que aprenderá sus costumbres. Pero Cameron a partir de ahí crea una historia con una profunda vertiente ecologista y de defensa del medio natural, creando un ecosistema y una cultura de los na´vi completamente novedosa.

Esta influencia en el concepto básico de la película es la prueba de cargo para los haters para recordarnos que Avatar «no es para tanto». Incluso pueden encontrarse conexiones con otras películas como La selva esmeralda de John Boorman o Pocahontas en lo referido a la lucha entre civilizaciones o al ecologismo. Sin embargo, lo que olvidan esos haters es que a partir de ese concepto básico Cameron crea a personajes interesantes como la doctora Augustine (Sigurney Weaver) o los propios protagonistas Jake y Neytiri que quieres conocer y que consiguen que te preocupes por ellos. La fábula ecologista está super bien construida y realiza una crítica feroz contra el capitalismo salvaje que destruye el medio ambiente y la historia de amor me la creo y se crea con el ritmo adecuado.

Pero es que además estoy cansado de películas «serias» que cuando rascas la superficie compruebas que tienen guiones vergonzosos que parece que toman por tontos a los espectadores y que ni siquiera respetan las normas que ellos mismos establecen para ese mundo (Star Wars IX, Joker, Batman v Superman), por lo que ver una película en la que el guion es perfecto y no rompe la lógica de las reglas del mundo de Pandora es una refrescante novedad, casi una anomalía. Y eso en el mundo de los blockbusters, pero cuando nos vamos a dramas «adultos» la situación es casi peor, con personajes que no actúan según su naturaleza o que actúan porque si sin mayor explicación. Ver una película con un guion lógico y esperable es una maravilla. De hecho, que el final se sienta inevitable y casi el único posible no es señal de mala historia, en muchos aspectos sería justo lo contrario. Si hubiera que desmerecer cualquier drama «serio» que recomiendan algunos críticos simplemente por compartir argumento básico con otra película, no se podría ver cine. Pero eso es justo lo que se hace con Avatar, en parte por el odio que se le tiene a Cameron y en parte al tratarse de cencia ficción, un género ninguneado por estos creadores de opinión.

Y a todo lo anterior hay que sumarle un climax final super potente con un set de acción alucinante que deja en mal lugar a cualquier película del silo XXI que no sea Vengadores Infinity War y Endgame y que en 2022 ha significado un triunfo total para una película redonda a la que no se le puede poner un pero.

Cameron es un director odiado y envidiado a partes iguales, porque ha demostrado ser un profesional de éxito que ha triunfado donde los demás no lo han conseguido, y no cabe duda que lo ha conseguido haciendo lo que quería en cada momento y realizando mejores películas que la competencia. Eso en lo referido a otros estudios, pero tengo claro que también es aplicable a una parte de la crítica que no puede soportar que el público apoyemos con nuestro dinero las películas de Cameron cuando ellos nos insisten en que no lo merecen, porque hay otras películas mejores. Las que les gustan a ellos, claro. Unos críticos y unos influencers cada vez más irrelevantes que hoy en día solo engañan a su cada vez más pequeño público entregado.

Tras ver Avatar de nuevo en 3D, no tengo duda que Avatar: The Way of the Water va a arrasar las próximas navidades. Y es que incluso sin conocer el argumento, el público sabe(mos) que Cameron nos va a llevar a un mundo que sólo él puede imaginar y que la experiencia va a ser diferente a cualquier otra cosa que hayamos visto en el cine este año. Y en este caso, diferente SI es mejor. Cada vez cuesta más sacar al público de sus casas para ver una película en las salas de cine. Creo que Avatar 2 lo va a conseguir, porque la experiencia de ver de nuevo esta primera película en 3D ha sido una experiencia alucinante que recomiendo a todo el mundo.

Comparto el trailer del reestreno de esta película:

Avatar es un peliculón en si mismo que sigue luciendo mejor que el 100% de las películas estrenadas este año, cuya importancia para la industria del cine es aún mayor si tenemos en cuenta los desarrollos tecnológicos que Cameron creó para esta película y que revolucionaron el medio.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Werewolf by night de Michael Giacchino (Disney+)

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Disney+ acaba de estrenar el primer especial de Marvel Studios justo a tiempo para Halloween, al tener de protagonista al mítico Werewolf by night, el hombre-lobo de la Marvel de los 70, con un especial de presentación que ha sido dirigido por el hasta ahora compositor Michael Giacchino y que se plantea como un homenaje al cine clásico de monstruos.

PUNTUACIÓN: 8/10

Jack Russell es un descendiente de la rama de humanos alterados místicamente conocidos como Lycantropes. Durante la noche de la luna llena y las dos noches que lo rodean, se ve obligado a mutar en un hombre lobo, una forma grande y poderosa que es un híbrido de humano y lobo, y pierde su intelecto humano. A través de una serie de eventos, también es capaz de mutar voluntariamente fuera de la luna llena, momento en el que permanece en control.

En agosto de 2021, Marvel Studios anunció que estaba desarrollando un especial de televisión con temática de Halloween para Disney+ que se centraría en el Hombre Lobo (Werewolf by night). Michael Giacchino fue contratado para dirigir el especial después de haber puesto la música a varias películas del MCU y conectar con Kevin Feige. Este especial es un sueño hecho realidad para él, que se confiesa super fan de las películas clásicas de terror de los años 30 y 40, y también de series como Twilight Zone o la película Poltergeist. Para este especial Marvel ha contado con escritores de la casa, ya que el guion ha sido escrito por Heather Quinn y Peter Cameron. Quinn trabajó en Hawkeye mientras que Cameron lo hizo en Wandavision y Moon Knight.

Werewolf by night es un especial de 53 minutos de duración rodado en blanco y negro con el objetivo de recordar a las películas clásicas que les han servido de inspiración. Obviamente Giacchino ha realizado la música de este especial. Junto a él, encontramos la fotografía de Zoë White y el montaje de Jeffrey Ford.

En los papeles principales encontramos a Gael García Bernal como Jack Russell / Hombre Lobo, un cazador de monstruos que ha sido afectado por una maldición que lo convierte en hombre lobo. Laura Donnelly es Elsa Bloodstone, la hija del famoso cazador de monstruos Ulysses Bloodstone a quien no le gusta la tradición de su familia de cazar monstruos. Finalmente, Harriet Sansom Harris interpreta a Verusa, la esposa de Ulises que es la líder de un grupo secreto de cazadores de monstruos.

Giacchino enfocó el especial como un episodio de The Twilight Zone, en el sentido de que presentaría «una noche en la vida de Jack Russell y Elsa Bloodstone.» Esto les permitió evitar tener que cubrir elementos del origen de los protagonistas, pudiendo concentrarse en el aquí y ahora e ir al grano con una historia contada en menos de una hora. La sensación de episodio de una antología es total, ya que la historia es autocontenida y completa en si misma, aunque por supuesto dejan entrever relaciones que pueden dar mucho juego en el futuro. De hecho, me llama la atención que nada de la sinopsis llega a ser explicado durante el especial, dejando realmente el origen de Jack como un libro en blanco que pueda rellenar el siguiente creativo que se haga cargo de estos personajes. ¿Hay algo más comiquero que eso?

Y la verdad es que creo que este especial es un éxito total. Éxito en su parte de homenaje al cine clásico, éxito en el uso del blanco y negro y de unos efectos prácticos que quedan bien en pantalla y no cantan casi nunca, y éxito en el formato y la duración de una historia que por otro lado no busca inventar ninguna rueda sino contar una buena historia que no pareciera lo típico esperable del MCU.

La verdad es que Gael García Bernal y Laura Donnelly están sólo correctos en este especial, cumplen con lo que se espera de ellos pero no diría que tienen una excesiva química entre ellos no resultan especialmente carismáticos interpretando a sus personajes. Dicho esto, hay unas buenas coreografía y aunque no estamos en una película de terror, hay un par de sustos que están chulos. La transformación de Jack en el Hombre Lobo es más sugerida que mostrada, lo que me gusta, y su figura siempre a contraluz es rara pero a la vez creo que queda muy bien en una historia con este feeling al cine clásico.

Estoy tan cansado de series que alargan tramas que no dan tanto de si para rellenar minutos o episodios enteros (¿alguien dijo Andor?), que ver que Marvel se ha atrevido a estrenar un especial de este tipo que tiene tan claro el tipo de entretenimiento que es y que no necesita ni una hora para contar lo que quiere contar, yendo al grano desde el minuto uno, que me flipa y espero marque un punto de inflexión y permita la producción de otros especiales protagonizados por todo tipo de personajes del MCU.

Reconozco que tenía mis dudas con Michael Giacchino, pero el experimento de este especial ha salido más que bien, espero que Marvel se anime y cuente con él para próximos proyectos, quien sabe si con más importancia dentro del MCU.

Y aunque también puede decirse que la historia se queda un poco corta (por la propia naturaleza del producto) y tiene mucho menos terror del que yo esperaba (obviamente es un especial de Disney / Marvel, no de Blumhouse), es indudable que Marvel mantiene su apuesta por la variedad y de nuevo ha creado un especial que en estilo y temática no tiene nada que ver con ninguna de las series que se han estrenado hasta la fecha en Disney+. Lo cual no puede alegregrarme más, la verdad y creo que es algo super positivo de Marvel, incluso cuando alguna serie suya no me haya gustado demasiado.

Comparto el trailer de este especial:

Muy chulo el especial Werewolf by night estrenado en Disney+. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Blonde de Andrew Dominik (Netflix)

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Blonde de Andrew Dominik es uno de los estrenos más esperados de la temporada debido a la super anticipada interpretación que Ana de Armas realiza de Marilyn Monroe. Gracias a Netflix pude ver la película.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Basada en el bestseller de la cinco veces finalista al Premio Pulitzer, Joyce Carol Oates, BLONDE es la historia personal audazmente reinventada de la sex symbol más famosa del mundo, Marilyn Monroe. La película es un retrato ficticio de la modelo, actriz y cantante durante los años 50 y 60, contada a través de la mirada moderna de la cultura de las celebridades.

Andrew Dominik (1967) es un director de cine y guionista australiano nacido en Nueva Zelanda. Ha dirigido la película policíaca Chopper (2000), el western dramático El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007), la película policíaca neo-noir Killing Them Softly (2012). También ha dirigido el documental One More Time with Feeling (2016) y dos episodios de la serie de Netflix Mindhunter en 2019. Además de dirigir Blonde, Dominik ha escrito el guion adaptando la novela de Joyce Carol Oates.

Bonde cuenta con música de Nick Cave y Warren Ellis, fotografía de Chayse Irvin y montaje de Adam Robinson. Con un importante presupuesto 22 millones de dólares teniendo en cuenta su faceta independiente, la película puede ser compleja de ver dado sus larguísimos 166 minutos de duración, aunque dado s estreno en Netflix no puede descartarse que una gran parte del público la vea en varias sentadas.

En el casting tenemos a Ana de Armas como Norma Jeane Mortenson / Marilyn Monroe, Lily Fisher como la joven Norma Jeane Mortenson, Adrien Brody como Arthur Miller, un renombrado dramaturgo y tercer marido de Marilyn. Bobby Cannavale como Joe DiMaggio, el ex jugador de béisbol de los New York Yankees y segundo marido de Marilyn. Xavier Samuel como Charles «Cass» Chaplin Jr, el hijo del icono del cine mudo Charlie Chaplin. Julianne Nicholson como Gladys Pearl Baker, la madre emocionalmente inestable de Marilyn. Caspar Phillipson como John F. Kennedy / El Presidente, el 35º Presidente de los Estados Unidos. Toby Huss como Allan «Whitey» Snyder, el maquillador personal de Marilyn. Sara Paxton como Miss Flynn, David Warshofsky como Darryl F. Zanuck, Evan Williams como Edward G. Robinson Jr. y Michael Masini como Tony Curtis

Entrando a valorar la película, Blonde es ese tipo de película que va a marcar para siempre la carrera profesional de su protagonista. Ana de Armas está inmensa, la forma en que se mimetiza con Marilyn Monroe y con Norma Jeane, la persona que era antes de convertirse en un icono a nivel mundial, me parece al alcance de muy pocas actrices. Su doble interpretación es impresionante, porque por un lado tenemos a Norma Jeane, una joven inteligente que sólo quería sea amada y que sufrió debido al trauma infantil provocado por la falta de un padre y de tener a una madre desequilibrada. Y por otro lado está Marilyn el icono del cine que hará lo que sea para ser amada por el público que veía sus películas. Los matices entre ambas personalidades son interesantísimos y Ana de Armas consigue que sepamos en cada momento quien es la que ha tomado el control. Alucinante.

Reconozco que no tengo claro si esta dualidad tras extrema entre Norma Jeane y Marilyn que nos muestra la película sucedió en su vida real, desde luego diría que se me hace difícil de creer. Sin embargo, esta duda sobre la fidelidad no oculta que ofrece a Ana de Armas el lienzo perfecto para realizar un tour-de-force actoral y creativo que hará que se comente durante mucho tiempo esta interpretación. Hasta el punto que De Armas en muchos momentos parece que se fusionó con el personaje que está interpretando, de tan perfecto que lo hace.

Andrew Dominik plantea una propuesta arriesgada, ya que no plantea un biopic al uso que cuente la vida de Marilyn, sino que en muchos momentos parece que busca recrear los estados mentales que sentiría la actriz ante los diferentes sucesos que tuvo que vivir. Visualmente la película alterna muchos momentos en blanco & negro con otros en color que ayuda a que sintamos la sensación de trasladarnos a otra época, además de realizar una alucinante reconstrucción de escenas clave de la filmografía de Marilyn, llegando Ana de Armas a cantar las canciones originales de sus películas, como en Los caballeros las prefieren rubias.

Ante todo Blonde es un drama muy fuerte, ya que la película pone de relevancia el drama que muchas mujeres tuvieron que sufrir en la industria de Hollywood, al obligarlas a practicar sexo con ejecutivos sin escrúpulos para poder tener una oportunidad delante de las cámaras. Tampoco la industria del cine sale demasiado bien parada al mostrar como ante los problemas de Marilyn los estudios optaron en varios momentos por mantenerla drogada con tal de poder terminar los rodajes en los que estaba inmersa. En lugar de intentar ayudarla, la película muestra a unos interesados que ponían antes al negocio que la salud de las personas.

Aunque hay escenas con elevada carga sexual, la verdad es que todo está rodado de forma muy elegante, y aunque está claro lo que está pasando, realmente no se muestra explícitamente nada. Ejemplo de esto es la violación inicial de Marilyn a manos de un ejecutivo, o su «cita» con el Presidente Kennedy, que está narrado de forma muy fuerte al escuchar los pensamientos de Marilyn durante el acto, lo que ofrece un plus de dramatismo a una situación ya de por si super desagradable.

Entiendo que esta película pueda estar escociendo en la industria, al poner de relevancia Blonde lo que sin duda fue una terrible cultura de la violación a manos de las personas poderosas de Hollywood, pero también aplicable a los grandes poderes políticos, empezando por el presidente de los Estados Unidos. Algo que ha seguido existiendo (y que supongo no ha desaparecido), como el reciente escándalo de Harvey Weinstein puso de relevancia hace pocos años. Que actrices y actores sepan que para conseguir un papel tienen que acostarse con el productor creo que es una lacra que está muy lejos de terminar.

Además de la maravillosa Ana de Armas, la película se beneficia de un casting estupendo, entre los que encontramos a sus maridos Bobby Cannavale como Joe DiMaggio y Adrien Brody como Arthur Miller. Ambos actores, y en general el casting al completo, recrean maravillosamente bien momentos históricos y sirven de perfecto complemento a la historia que plantea Dominik.

Aunque Ana De Armas ES la película y está de Oscar (como no se lo den creo que me voy a enfadar mucho), la verdad es que se me ha hecho difícil conectar con la propuesta del director Andrew Dominik. Empezando por la ridículamente larga duración de la película de 160 minutos. El hecho de recrear estados mentales más que hechos concretos crea muchos momentos muy bellos visualmente pero que narrativamente provocan que la película tenga un ritmo inexistente, debido a la sucesión de elementos muchas veces inconexos a lo largo de todo el metraje.

Hay muchos y muy variados momentos de la vida de Marilyn que conocemos gracias a la gran cantidad de imágenes que se conservan que son recreados por la película. Sin embargo, como digo me falta un hilo conductor más claro, porque aparte de una ligera reflexión sobre el éxito en el show-business y cómo Marilyn intentó sobrevivir a él (algo que podría decirse que no llegó a conseguir), está la dualidad de su personalidad y la forma en que ambas intentaron ser felices cuando planteaban conceptos antagónicos. También como para el público la figura mítica de Marilyn transciende a la persona, llegando a ser un icono independientemente de lo que ella quisiera como actriz o persona.

Globalmente, como comentaba me ha gustado mucho Ana de armas, pero la película no tanto, si algo así es posible en una propuesta de esta naturaleza.

Comparto el trailer de la película:

Blonde marcará una época por la hipnótica interpretación de Ana de Armas, aunque reconozco que no he acabado de conectar con la premisa de Andrew Dominik.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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