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Crítica de Última noche en Soho de Edgar Wright

Edgar Wright nos invita en Última noche en soho a viaje alucinante por el Londres de dos épocas con dos protagonistas de excepción, Thomasin McKenzie y Anya Taylor-Joy, y un apartado técnico y estético sobresaliente.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Thriller psicológico sobre una joven apasionada por la moda que, misteriosamente, es capaz de trasladarse a los años 60 y conocer a su ídolo, una deslumbrante aspirante a cantante. Pero el Londres de la época no es lo que parece y el tiempo parece desmoronarse con oscuras consecuencias…

Edgar Howard Wright (1974) es un director de cine, guionista y productor inglés. Inicialmente conocido gracias a sus colaboraciones con Simon Pegg y Nick Frost, primero en la serie de televisión Spaced (1999-2001), seguido de la ya mítica trilogía del Cornetto: Shaun of the dead (2004), Hot Fuzz (2007) y The World’s End (2013). Entre medias dirigió la maravillosa Scott Pilgrim vs. the World (2010), y junto con Joe Cornish y Steven Moffat escribió el guión de Las aventuras de Tintin (Steven Spielberg, 2011). Fichado por Marvel studios para dirigir Ant-Man, finalmente tuvo que abandonar el proyecto por diferencias creativas, tras lo cual dirigió Baby Driver (2017) y el documental The Sparks Brothers (2021) antes del estreno de esta Última noche en Soho.

Además de dirigir, Wright ha escrito el guión con Krysty Wilson-Cairns (1917). Gracias a las historias de sus padres, Wright es un enamorado de la música, el cine y la cultura de los sesenta, y comparte con Wilson-Cairns, que afirma que trabajó varios años de camarera en el mismo bar que vemos en la película, su amor por Londres y su historia, aunque a veces contenga elementos oscuros. La película de 118 minutos cuenta con fotografía de Chung Chung-hoon, montaje de Paul Pachliss y música de Steven Price.

El carisma de la pareja protagonista es una de las principales claves del éxito de la película. Conocí a Thomasin McKenzie gracias a Jo-Jo Rabbit de Taika Waititi (2019), y más recientemente la vi en Old M. Night Shyamalan (2021), pero creo que gracias a esta Última noche en Soho le puede servir de trampolín al estrellato gracias a su interpretación de Eloise «Ellie» Turner, una joven huérfana enamorada de la música de los 60 que viaja a Londres para estudiar diseño de moda.

Estrellato en el que ya se encuentra Anya Taylor-Joy. La Bruja (2015), Peaky Blinders y Glass (2019), Los Nuevos Mutantes (2020) o Gambito de Dama (2020) la han convertido en una estrella a nivel mundial y en esta Última noche en Soho realiza su interpretación más hipnótica y arrebatadora como Sandie, una aspirante a cantante que lucha por crearse una carrera en el Londres de los años 60.

Completarían el reparto Matt Smith como Jack, el novio de Sandie en los 60, y en el presente de Ellie, tenemos a Terence Stamp como “El caballero de cabello plateado”, Diana Rigg como la Sra. Collins, la casera de Ellie, Rita Tushingham como su abuela Peggy y Michael Ajao como John, un compañero de clase.

Última noche en el Soho está clasificada como un thriller de terror psicológico. Tras Baby driver, que podría definirse como una combinación de noir y cine de acción con una alucinante banda sonora, el estudio le reclamaba para hacer una continuación o en su caso, una película de temática similar. Wright sin embargo tenía en mente un giro a su filmografía al plantear su primera película de terror “puro” huyendo del humor y el tono ligero que han acompañado sus películas previas.

Y la verdad es que Última noche en el Soho significa la sublimación del estilo de Wright, ofreciendo una experiencia estética y sensorial única, apoyado por una fotografía alucinante y una música de 10. Wright ofrece un espectáculo increíble al mostrar dos Londres, el actual y el de los años 60, pero en una vertiente más oscura y peligrosa respecto a lo que se podría pensar en un primer momento, con unas transiciones entre momentos temporales alucinantes. Visualmente la película me ha volado la cabeza, con una fotografía con colores primarios que enfatizan el elemento sobrenatural de la historia que está viendo / viviendo Ellie, y cuenta además con un diseño de producción, un vestuario, un sonido espectaculares.

El carisma de Thomasin McKenzie y Anya Taylor-Joy es increíble en la película. McKenzie lo hace genial en su papel de joven vulnerable que se convierte en testigo de unos sucesos brutales pasados mediante sus dotes de medium. Pero es Anya Taylor-Joy la gran beneficiada de la película, a pesar de tener seguro menos minutos en pantalla, ya que nunca antes la habiamos visto tan bella e hipnótica como hasta ahora. Incluso la película le permite mostrar sus dotes de canto, al cantar el clásico Downtown de Petula Clark, componiendo un personaje de los que se recordarán dentro de muchos años.

Para los melómanos esta película va a resultar una pasada porque Wright forma parte de la hornada de directores entre los que sitúo a Quentin Tarantino o James Gunn, para los que la la música cuenta también la historia, contando con una selección de canciones y una banda sonora perfecta en todo momento.

El problema que me he encontrado es que Wright no acaba de acertar ni con el guión ni con el ritmo de la película. En primer lugar, tenemos una película de terror que no asusta, apenas hay un par de momentos un pelín perturbadores, y un thriller en el que prácticamente todo se ve venir a la legua sin sorpresa ni casi diría emoción, de forma que casi nunca hay tensión. Como experiencia estética la película me ha parecido una chulada, pero las cosas con las que no he encajado lo han convertido en casi un videoclip alargado un tanto vacío. Además, para una cosa sorprendente que nos encontramos en la película, resulta ser un giro absurdo que da un poco de vergüenza ajena para el espectador, que no puedo comentar por los spoilers. De hecho, estamos hablando del giro final de la película que llega además demasiado tarde, prácticamente a 15 minutos del final.

Y es una pena, porque con un pelín más de acierto en la historia podriamos estar ante una de las mejores películas del año, pero da la sensación, o eso me ha transmitido a mi, que estaba tan pendiente a los homenajes a la música y el cine de los 60, y en general a la ciudad de Londres, que ha debido pensar que sólo con eso ya tenía la película solucionada.

En todo caso, como comentaba al principio, sólo por la experiencia sensorial, por la fotografía y la música y por ver a Anya Taylor-Joy, merece la pena pasarse por el cine para ver la película.

Comparto el trailer de la película:

Me ha gustado Última noche en Soho, aunque ¡qué lástima que no hayan acertado en la historia! En todo caso, una película super atractiva y recomendable para ver en pantalla grande.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de La crónica francesa de Wes Anderson

Desde El gran Hotel Budapest no veía una película de Wes Anderson en el cine. La crónica francesa ha sido como siempre una experiencia estética inclasificable única en su género.

PUNTUACIÓN: 7/10

La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun) es una carta de amor al mundo del periodismo, ambientada en la redacción de un periódico estadounidense en una ciudad francesa ficticia del siglo XX, con tres historias interconectadas entre sí. (FILMAFFINITY)

Si hablamos de cine de autor que muestra una visión única de la vida, Wes Anderson (Texas, 1969) es uno de los nombres que automáticamente vienen a la cabeza. Director, guionista, productor y actor estadounidense, es conocido por sus películas Ladrón que roba a un ladrón (1996), Academia Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), Vida acuática (2004), Viaje a Darjeeling (2007), Fantástico Sr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012), El Gran Hotel Budapest (2014) e Isla de Perros (2018).

Fue nominado al Premio Oscar en las categorías de mejor guion original por The Royal Tenenbaums, Moonrise Kingdom y The Grand Budapest Hotel. Además, tanto Fantastic Mr. Fox como Isle of Dogs fueron nominadas en la categoría de Mejor película animada. Durante su carrera ha ganados un Globo de Oro, el Oso de Plata de la Berlinale o un Premio Bafta a Mejor guión original.

La crónica francesa es de nuevo una película coral con un reparto alucinante de grandes actores entre los que encontramos a Benicio del Toro, Frances McDormand, Jeffrey Wright, Adrien Brody, Tilda Swinton, Timothée Chalamet, Léa Seydoux, Owen Wilson, Mathieu Amalric, Lyna Khoudri, Steve Park, Bill Murray, Saoirse Ronan y Willem Dafoe. Muchos de estos son ya habituales en el cine de Anderson, y nos les importa aparecer en apenas una escena.

Anderson escribió el guión a partir de una historia original escrita por Roman Coppola, Hugo Guinness, Jason Schwartzman y él mismo. La película plantea como en otras películas previas una narrativa fragmentada con cuatro historias diferentes mientras el despacho de noticias francés de un ficticio periódico de la ciudad de Kansas prepara su última edición, siendo cada historia una de los artículos que serán publicados, más un obituario final.

Alexandre Desplat vuele a colaborar con Anderson con la música de la película, que tiene fotografía de Robert D. Yeoman y montaje de Andrew Weisblum. La película de 108 minutos de duración contó con un presupuesto de 25 millones de dólares y se rodó en localizaciones de Angoulême (Francia) entre finales de 2018 y principios de 2019, aunque como con tantas otras, su estreno fue retrasado a causa del COVID.

La película ha sido descrita como «una carta de amor a los periodistas», y está inspirada en el amor de Anderson por The New Yorker, con algunos personajes y eventos de la película basados en equivalentes de la vida real de la revista. Plantear la película como si el espectador estuviera leyendo los diferentes artículos que un lector encontraría en la revista es un planteamiento que se ajusta como anillo al dedo al gusto de Anderson por las antologías y las historias fragmentadas, algo que sin ir más lejos ya vimos en El Gran Hotel Budapest.

Las historias que encontramos en la película son El Reportero ciclista por Herbsaint Sazerac (Owen Wilson), La obra maestra del hormigón por J.K.L. Berensen (Tilda Swinton), Revisiones de un Manifiesto por Lucinda Krementz (Frances McDormand), El comedor privado del comisionado de policía por Roebuck Wright (Jeffrey Wright) y un obituario final en el que se reúnen todos los miembros de la redacción, entre los que además de los ya mencionados encontramos a Jason Schwartzman y Elisabeth Moss.

Las películas de Anderson casi se han convertido en un género propio, y en La crónica francesa vuelve a mostrar muchos de los elementos comunes que le caracterizan, no solo en lo estético, sino también en la temática, con historias inclasificables que no son ni drama ni comedia con personajes que se salen de lo común, en medio de situaciones “extrañas” que se suceden a una enorme velocidad.

En lo estético, cada plano parece un cuadro y debe tener su propia belleza y perfección, como si fuera un elemento único e irrepetible. Un uso de una gama cromática muy concreta, una cuidada selección de los elementos y un elegante gusto por la geometría y la composición marcan cada una de las escenas. Además, la ambientación en un momento indeterminado del pasado, jugando además con narración en color o en blanco y negro en algunos momentos, le añade un toque de melancolía y nostalgia al recordar el narrador un tiempo pasado ¿mejor? Con el añadido en esta Crónica Francesa de ambientarla en Francia con un extenso uso de personajes hablando en francés que añade un toque intelectual cool.

Sólo con Anderson me pasa que la historia que me cuenta me da igual porque las imágenes me cautivan y me tienen hipnotozado. Y menos mal, porque realmente son chorras no, lo siguiente. De hecho, la única historia que realmente me he gustado y me ha parecido interesante ha sido La obra maestra del hormigón con Benicio del Toro, Léa Seydoux, Adrien Brody y Tilda Swinton como narradora, en la que se habla del proceso creativo, la salud mental y las razones que algo adquiera la categoría de “obra de arte”. En resto, empezando por el paseo en bicicleta de Owen Wilson, me han parecido más bien ligeras e intrascendentes.

En todo caso, como digo no vienes a ver una película de Anderson por la historia, y en mi caso La Crónica francesa me ha dado lo que esperaba de ella. Me gusta tener una experiencia así cada dos / tres años, de hecho, me viene bien salirme de mi zona de confort mainstream.

Comparto el trailer de la película:

La crónica francesa es Wes Anderson en estado puro. En función de si te gusta o no el director variará la opinión que esta afirmación tenga para ti. En mi caso, me alegra haberla visto en el cine y no me importará volver a quedar con él para su próxima película.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de The night house de David Bruckner (Disney+)

Como parte de las celebraciones de Halloween, Disney+ estrenó dentro de Star The night house, la nueva película de David Bruckner (El ritual) protagonizada por Rebecca Hall, que entraría dentro del género de las casas encantadas.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Mientras intenta superar la inesperada muerte de su marido, Beth (Rebecca Hall) se queda a solas en una casa cerca de un lago especialmente diseñada para ella. Aunque hace todo lo posible por no perder la cordura, los sueños no tardan en aparecer. Las perturbadoras visiones de una presencia que llama por ella en la casa comienzan a ser cada vez más frecuentes. Aunque a la luz del día todo parece normal, Beth empieza lentamente a desesperarse, por lo que decide ignorar el consejo de sus amigos e investiga en sus pertenencias tratando de encontrar alguna respuesta. Allí se topa no sólo con secretos tan extraños como terribles, sino también con un misterio que está dispuesta a resolver. (FILMAFFINITY)

David Bruckner (1977) es un director de cine estadounidense. Con Jacob Gentry y Dan Bush, coescribió y codirigió The Signal (2007). También ha coescrito y dirigido «Amateur Night» en la antología de terror V / H / S. Yo le conocí gracias a la interesante El Ritual (2017) estrenada en Netflix, y tras dirigir The Night House en 2020, an la actualidad se encuentra realizando una nueva versión de Hellraiser, el clásico de Clive Barker.

The night house cuenta con un guión de Ben Collins y Luke Piotrowski, fotografía de Elisha Christian, montaje de David Marks y música de Ben Lovett. La película de 107 minutos se rodó en 2019 en Syracuse, en el estado de Nueva York. La película sólo se estrenó en EE.UU. y Canadá este verano, consiguiendo unos discretos 15 millones de recaudación, mientras que Disney+ se ha encargado de la distribución internacional dentro de su plataforma.

La película cuenta con una excelente Rebecca Hall interpretando a Beth, una doliente viuda que no sabe qué provocó el suicidio de su marido. A la omnipresente Hall la acompañan Sarah Goldberg como Claire, una amiga de Beth, Vondie Curtis-Hall como Mel, el vecino de Beth que quizá sabe más de lo que cuenta, Evan Jonigkeit como Owen, el marido fallecido, y finalmente, Stacy Martin es Madelyne, una joven con una oscura conexión con Owen.

The night house es una película «malrollera» que ofrece un interesante misterio construido sobre la brillante interpretación de Rebecca Hall, que es lo que mantiene a flote la película. Reconozco que Hall durante el visionado además del dolor y el desequilibrio tras quedarse viuda, a veces me parece super borde, pero eso incluso entraría dentro de la forma en que asume la pérdida de su marido. Beth y Owen parecían compartir una vida perfecta tras 14 años casados, pero eso es algo que saltará por los aires cuando Beth intente encontrar un sentido al suicidio de su marido. Visualmente Bruckner ofrece buenos momentos y aunque no hay una gran tensión, y no es ni muchos menos creciente, sí hay momentos muy interesantes y la película tiene un ritmo adecuado, aunque NO diría que estamos ante una película de terror. O al menos, pensando en lo que yo entiendo que debe tener una película para poder ser terror.

Sin querer destripar nada importante de la trama, Bruckner presenta un mundo opuesto al nuestro que para mi es sin duda lo mejor de la película y que plantea cuestiones que me gustaría que hubieran sido planteadas con mayor amplitud de lo que vemos en la película. Sinceramente The night house no es una película por la que pagaría por ver en el cine, pero al verla gracias a mi suscripción a Disney+, me ha dado un más que correcto entretenimiento.

Empezando por lo que no me gustó, la idea del lado negativo me ha gustado mucho, pero la verdad es que la resolución y la explicación de todo me parece un fail como una casa. De hecho, la presencia que habita en la casa no acaba de encajar bien con la idea del lado negativo, y todo el conjunto de familia perfecta feliz se derrumba ante la absurdez del conocimiento de todo lo que hizo Owen delante de las narices de Beth sin que ella se enterara de nada. Como digo, como entretenimiento ligero me vale, pero sin mucho más que poder destacar, me temo que la olvidaré con la misma rapidez que la vi.

Comparto el trailer de la película:

The night house tiene elementos interesantes, pero globalmente se me ha quedado algo intrascendente con un final que no acaba de cuadrarme. Una película para reservada para los fans del género.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de A ghost story de David Lowery (Netflix)

Tras ver The Green Knight, me quedé con ganas de ver más películas de la filmografía de David Lowery, por lo que me animé a ve A ghost story, su película de 2017 protagonizada por Rooney Mara y Casey Affleck, que está disponible en Netflix, y me ha parecido una película super interesante.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Un músico muere en un accidente de coche y vuelve como un fantasma a la casa en la que vivía con su mujer. (FILMAFFINITY)

David Lowery (Milwaukee,1980) es un director de cine y guionista estadounidense al que yo conocí con la excelente Peter y el Dragón de Disney de 2016. Su primera película St. Nick de 2009 ganó el premio Texas al mejor director en el AFI Dallas Internacional Film Festival de 2009. En 2013, Lowery dirigió su segundo largometraje, en 2013 Ain’t Them Bodies Saints, protagonizado por Casey Affleck y Rooney Mara, los protagonistas a A ghost story. La película fue nominada para el premio del Gran Jurado en el Festival de Cine Sundance y también fue seleccionada para competir en elFestival Internacional de Cine de Cannes de ese año. Tras ambas películas, dirigió Pedro y el Dragón y esta A Ghost Story, tras las cuales trabajó en The old man & the gun de 2018. The Green Knight ha sido su penúltimo proyecto, ya que en la actualidad se encuentra en plena producción de su próxima película, Peter Pan & Wendy, que en principio debería estrenarse en 2022.

David Lowery levantó el proyecto de A ghost story como una película de bajísimo presupuesto, tan sólo 100,000 dólares. Lowery escribió el guión, dirigió y montó la película, que contó con fotografía de Andrew Droz Palermo y música de Daniel Hart. Prácticamente toda la película fue rodada en una casa que estaba a punto de ser demolida, por lo que le permitieron rodar gratis y pudo hacer todo lo que quiso dentro, y contó con sus amigos y colaboradores habituales Rooney Mara y Casey Affleck como principal reclamo de esta película de apenas 93 minutos (incluidos los títulos de crédito).

Casey Affleck y Rooney Mara interpretan a la pareja protagonista, nombrados solo como «C» y «M». C (Affleck) es un compositor que se expresa mejor con música que con palabras. M (Mara) parece más cómoda expresando lo que siente, pero recibe muy poca respuesta de su marido. Ella quiere mudarse, él está apegado por alguna razón a la casa, aunque queda claro que a pesar de sus diferencias, ambos se quieren y son todo el uno para el otro.

La película, que más que una historia de terror es un drama intimista que reflexiona de forma sumamente interesante sobre lo que dejamos atrás cuando morimos o las ataduras que las personas creamos con determinados espacios, tuvo un extremo limitado en su día pero consiguió una unánime aclamación de la crítica, consiguiendo premios en diversos festivales como Sitges (Mejor Fotografía y el Premio del Jurado Carnet Jove) y Deauville.

Empezando a valorar la película, A ghost story me ha gustado bastante y me ha parecido una experiencia sorprendente y poco habitual, empezando por la propia premisa de la historia desde el punto de vista del fantasma. Un primer elemento llamativo es que Lowery rodó la película en un formato de imagen más pequeño del habitual, no llenando la pantalla. Esto al principio provoca que la película se vea rara pero en seguida te acostumbras a ello, y me parece que sí ayuda a transmitir la sensación de claustrofobia que debe “sentir” el fantasma al estar atrapado durante toda la eternidad en el mismo espacio.

Otro elemento muy interesante es que Lowery usa para mostrar al fantasma la imagen más icónica que existe dentro de los cuentos infantiles, la persona tapada por una sábana / manta blanca. Pero dentro de esta imagen casi infantil, Lowery plantea una reflexión super adulta sobre el tiempo, la memoria y la conexión espiritual con nuestro legado y lo que dejamos atrás. Todo ello en un envoltorio con imágenes tremendamente poéticas que transmiten una tremenda tristeza.

Lowery se nota que además de director es también montador profesional, porque me ha flipado muchísimo el montaje de la película, A ghost story cuenta con un ritmo lento que encaja con la sensibilidad de la historia, planteando largas escenas de ¿minutos? de duración con la cámara fija en un punto, y mediante el uso de unas brillantes elipsis que transmite el paso del tiempo y como la casa va siendo ocupada por diferentes habitantes.

Todo en A ghost story es un experimento narrativo, y fruto de ello me sorprendió para bien encontrarme con una película prácticamente sin diálogos el 90% del tiempo, con apenas unas conversaciones entre Rooney Mara y Casey Affleck que marcan el marco emotivo de la historia, y un interesante pero largo monólogo interpretado por Will Oldham, en el que expresa otra delas idea principales de la película, que estamos destinados a convertirnos en polvo y a lo más que podemos aspirar los seres humanos es a ser recordados o al menos, a dejar un legado que se recuerde. En este sentido, el final de la historia me parece perfecto, siendo una escena de gran belleza y emotividad, lo que hace que A ghost story sea una película sorprendente que recomiendo.

Dicho esto, hay que reconocer que la película es la que es, una historia lenta casi sin diálogos en la que puede decirse desde cierto punto de vista que no pasa caso nada durante su metraje. Esto puede ser una importante barrera de entrada y entiendo que pueda que haya gente que no acepte la premisa y se aburra soberanamente. La película dura 90 minutos y realmente es que la historia no daba más de si, incluso con los planos alargados a lo largo de todo el metraje. El primer gran salto de fe es una escena con apenas 10/15 minutos de metraje en la que la cámara está fija durante más de un minuto apuntando a la nada, hasta que pasa un elemento clave de la película. Reconozco que estaba viendo la escena y pensé “WTF? ¿Qué cojones es esto?”, pero una vez se puso en marcha la historia del fantasma, la potencia de sus imágenes y el lirismo de todo me atrapó.

Al tratarse de una historia fantástica, Lowery aplica sus propias reglas y crea un giro final que es muy loco pero sirve para conseguir el final tan redondo de la película. Según tu suspensión de credulidad te gustará o no, en mi caso no me molesta y me quedo con la belleza del final y las emociones que te transmitió el camino recorrido. Dentro de lo mucho que me ha gustado todo, no quiero terminar sin reconocer el trabajo del músico Daniel Hart, teniendo en cuenta que estamos ante una película casi muda, y del director de fotografía Andrew Droz Palermo, que junto a Lowery crean imágenes sobrias y desprovistas de artificios que sin embargo transmiten un montón de emociones.

Comparto el trailer de la película:

A ghost story puede no ser una película para todo el mundo, pero a mi me ha conseguido atrapar.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Eternals de Chloé Zhao (Marvel Studios)

Marvel Studios contrató a la en ese momento casi desconocida Chloé Zhao para hacer algo diferente que rompiera con el sambenito de «todas las películas Marvel son iguales». El resultado es Eternals, la vigésimo sexta película del estudio que por el lado de la variedad y la personalidad es un éxito total, aunque en otros aspectos no haya acabado demasiado convencido.

PUNTUACIÓN: 7/10

Hace millones de años, los seres cósmicos conocidos como los Celestiales comenzaron a experimentar genéticamente con los humanos. Su intención era crear individuos superpoderosos que hicieran únicamente el bien, los Eternals, pero algo salió mal y aparecieron los Desviantes, destruyendo y creando el caos a su paso. Ambas razas se han enfrentado en una eterna lucha de poder a lo largo de la historia. En medio de esta guerra, Ikaris y Sersi tratarán de vivir su propia historia de amor.

Chloé Zhao (Pekín, 31 de marzo de 1982) es una directora de cine china-estadounidense. Nació en Pekín pero pasó su adolescencia en Brighton, Reino Unido. Estudió ciencias políticas en Mount Holyoke College, después de lo cual se apuntó a un programa de dirección de cine de la Universidad de Nueva York. Hizo su película debut con Songs My Brothers Taught Me, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015. En 2017, fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Cannes por su película The Rider, pero la aclamación popular llegó este 2021 al ganar Nomadland tres Oscars entre ellos Mejor Película, Mejor Directora y Mejor Actriz Francis McDormand.

Si existe una «fórmula Marvel», en mi opinión es buscar hacer películas diferentes a lo que ya nos han mostrado previamente y tener un porcentaje de éxito abrumador a la hora de contratar creativos interesantes para llevarlas a cabo. Lo digo porque Marvel contrató a Zhao en 2018 tras el éxito de The Rider, pero en ese momento era una gran desconocida que estaba por ver que pudiera dar el salto del cine indy de presupuestos minúsculos a una super producción de 200 millones de dólares de presupuesto. Sin embargo, no cabe duda que Marvel la dio toda la confianza del mundo, empezando por dejarla modificar el guión inicial escrito por Ryan y Kaz Firpo, junto a Patrick Burleigh, adaptando el trabajo de Jack Kirby, creador de los personajes en 1976.

Eternals cuenta con fotografía de Ben Davis, montaje de Craig Wood y Dylan Tychenor, música de Ramin Djawadi. Fue rodada entre 2019 y 2020 en localizaciones como Fuerteventura y Oxford. La película tiene una duración de 2 horas 37 minutos y un presupuesto de 200 millones de dólares que está por ver si la película podrá recuperar. De momento, la película recaudó 71 millones en su estreno en USA, la cuarta mejor cifra de 2021 pero que se queda corta respecto a las previsiones iniciales, con un total mundial de 161 millones en todo el mundo. En España se estima que ha recaudado 2.6 millones de €uros, superando a Viuda Negra (que tuvo estreno simultáneo en Disney+) y Shang-Chi. Para compensar la inversión, la película tendría que recaudar al menos 450/500 millones de dólares, habrá que ver en las próximas semanas si lo consigue.

Los Eternos de esta película son 10: Gemma Chan es Sersi, una Eterna empática con una fuerte conexión con los humanos y la Tierra, que puede manipular la materia inanimada. Sersi ha estado enamorada de Ikaris durante siglos y tiene una fuerte conexión con Sprite. En la actualidad trabaja en un Museo como profesora mientras y sale con Dane Whitman (Kit Harington). Richard Madden es Ikaris, el Eterno más fuerte, que puede volar y proyectar rayos de energía cósmica desde sus ojos. Enamorado de Sersi en el pasado, dada su larga vida inmortal encuentra dificultades en conectar con la humanidad.

Salma Hayek es Ajax, la líder sabia y espiritual de los Eternos, que tiene la capacidad de curar y es el puente entre los Eternos y los Celestiales. Angelina Jolie es Thena, una gran guerrera que puede formar cualquier arma a partir de la energía cósmica y desarrolla un vínculo estrecho con Gilgamesh (Don Lee, el primer héroe coreano de Marvel) a lo largo de los siglos. Lia McHugh es Sprite, una eterna que puede proyectar ilusiones realistas con la apariencia física de una niña de 12 años, lo que la ha generado un gran dolor al no poder vivir su vida de una forma plena durante sus milenios de vida.

Kumail Nanjiani es Kingo, un Eterno que puede generar proyectiles de energía cósmica de sus manos. Enamorado de la fama, se convierte en una popular estrella de cine de Bollywood. Brian Tyree Henry es Phastos, un Eterno e inteligente inventor de armas y tecnología, es el primer superhéroe claramente gay del MCU. Lauren Ridloff es Makkari, una Eterna que posee los poderes de supervelocidad y que es el primer superhéroe sordo en el MCU. Por último, Barry Keoghan es Druig, un Eterno telépata que cree que la intervención de los Eternos en asuntos humanos ayudaría a evitar la guerra y la destrucción.

Empezando a valorar Eternals, debo decir que a mi Nomadland me gustó mucho, así que a priori no tenía problema sabiendo que la película iba a ser diferente a todo lo anterior del MCU. Y debo decir que aún a sabiendas que probablemente estábamos ante una película de dos horas y media de ritmo lento y un amplísimo lore que presentar, realmente nunca me llegó a aburrir.

Lo mejor de la película es la caracterización de los 10 Eternos, de forma que aún siendo muy diferentes entre si consigues empatizar con todos (excepto Thena, luego vuelvo a ella) y comprender sus motivaciones. Incluso aunque algunos actúen de formas que podrían ser calificadas de «malvadas», su lógica hace entendible el porqué hacen lo que hacen, creando un interesante dilema moral entre ellos. Más que un «Eternos vs Desviantes» que nos muestra el trailer, realmente la película va de cómo unos seres inmortales encuentran motivos para querer salvar a seres que son hormigas que han visto nacer y morir durante milenios. A pesar de su casi divinidad, tienen sueños, traumas, amores y un sentido del deber muy humanos, y eso es lo que engancha y consigue que la película triunfe.

Me gusta que el trailer plantea la historia general de los Eternos pero no muestra los dos interesantísimos giros de la película, que yo al menos no vi venir a pesar de ser un elemento directamente sacado de los comics, creando una situación que me resultó original e imprevisible y que planteó un climax a una escala poco o nada habitual en el cine comercial. Utilizar el reclamo «el destino de la Tierra en juego» pocas veces ha estado más justificado que en esta Eternals.

Visualmente Chloé Zhao crea un montón de imágenes poderosas durante la película, de esas que luego veremos en los hilos de «Perfect shots» durante meses. Empezando por los Celestiales, cuya escala más grande que la vida realmente se siente como si Jack Kirby hubiera vuelto a la vida. Aunque lógicamente los cambios son muchos y variados respecto a los comics, como pasa en todas las películas del MCU, sí diría que el espíritu de la película dejaría satisfecho a Kirby. Tener una historia que tienen lugar durante milenios no plantea en ningún momento un impedimento para la fácil comprensión de la película. Había leído que era «complicada de seguir» y nada más lejos de la realidad.

Unido a esto, me parece perfecta la apuesta por la diversidad que hace la película y Marvel Studios en general, mostrando cinco hombres y cinco mujeres, incorporando a personajes gays, sordos, afroamericanos, hispanos, indios, coreanos o de ascendencia asiática. Sinceramente, narrativamente si lo piensas queda un poco raro que un Celestial creara para proteger la Tierra a una niña o a alguien sordo, pero es algo que realmente no molesta y está mostrado como tiene que hacerse, como si fuera lo más natural del mundo. Porque lo es. Toda la polémica que se ha formado sobre esto me parece asquerosa, y es algo que la gente que le tiene ganas a Marvel ha aprovechado para intentar que las redes sociales ardan creando un odio ridículo e infundado.

La narración mediante flashback tampoco molesta y ayuda a dar contexto a los protagonistas, pero genera algún problema narrativo como que se diera una gran importancia durante la promoción de la película al romance de Sersi con Ikaris, pero sin embargo la película empiece en el presente con una Sersi super enamorada de Dane Whitman. Por cierto, resulta ilustrativo de los problemas que pasaré a comentar de Eternals el hecho que Kit Harington tiene apenas un cameo con apenas dos escenas, y sin embargo es de largo el actor que más carisma transmite en pantalla a mucha distancia del resto del reparto. Lo cual, obviamente, es un problema. Por suerte, dado que los comiqueros sabemos quien es Dane Whitman, nos queda la alegría de saber que su personaje va a seguir dando mucha guerra en el MCU.

Lo cual me lleva a los problemas de Eternals, que también existen. El que para mi es el más grave es que Chloé Zhao plantea una película super fría en la que no consigue crear tensión ni intensidad dramática en ningún momento. Todo lo que va pasando sucede casi con la misma nota, y aunque hay un montón de momentazos y sorpresas, no consiguen impactar al espectador como debería, lo cual es una pena. Estar jugando con conceptos de Kirby y no ser capaces de emocionar debería ser delito, y me sabe mal la sensación de que todo es correcto pero nada es realmente alucinante, que es lo que debería ser.

Los personajes, su historia y sus arcos, me gustaron mucho. Sin embargo, los actores creo que están sólo correctos. Sólo Angelina Jolie creo que hace una interpretación atroz realmente mala, pero el resto están todos correctos, cumplen con el encargo pero sin enamorar. De los 10 actores diría que Richard Madden (Ikaris) es el que más me gustó por la forma en que muestra su dilema moral, seguido de la joven Lia McHugh como Sprite por lo mismo. Que Gemma Chan o Salma Hayek (a pesar de su menor aparición en pantalla) no consigan que sus interpretaciones se conviertan en el corazón de la película que narrativamente son sus personajes a mi me plantea un problema. Y en ese sentido, creo que Eternals es la primera película del MCU en el que el humor, siempre a costa de Karun, el mayordomo de Kingo interpretado por Harish Patel, no funciona, no pega y queda fatal dentro de la película.

Hay otro elemento que es claramente una ocasión perdida y es todo lo relacionado con los Desviantes, cuya evolución y el descubrimiento de ser una raza creada y esclavizada por los Celestiales debería haber dado para más. Convertirle a pesar de su evolución en un villano de «busco venganza y os voy a matar a todos», siendo lógico con lo que nos han contado, me supo a poco y se ha perdido una ocasión para crear y mantener una nueva raza en la tierra que no fuera necesariamente mala y que diera nuevas opciones en el MCU. Como digo, ocasión perdida.

Visualmente decía que la película tiene planos super potentes, sin embargo los combates y el CGI de los Desviantes me parecen únicamente funcionales y montoneros, con el añadido de estar rodados de noche ¿para disimular los errores? haciendo que no se vieran bien en pantalla. En este sentido, no excluyo la posibilidad que la bombilla de la sala donde vi la película estuviera un poco más opaca de lo que debería, pero eso no quita que las coreografías no creo que sean demasiado acertadas y ninguna quedará para el recuerdo. Dicho esto, los efectos del vuelo de Ikaris o la velocidad de Makkari sí me parecen que están bien conseguidos y molan.

Esto es una opinión muy subjetiva, pero también encuentro un error garrafal el no final de la película. De hecho, había opciones sencillísimas creando un diálogo final diciendo;

«- Lo que hemos hecho tendrá consecuencias.»

«- Afrontaremos la responsabilidad de nuestros actos como siempre lo hemos hecho, juntos.»

Si ahi terminara la historia, hubiera dado un cierre satisfactorio a la película. La última escena hace que esto quede como la parte uno de algo mayor, y me parece un error total. De hecho, aunque los títulos de crédito indican que «los Eternals volverán», no está claro que vaya a rodarse un Eternals 2, con lo que la historia quedaría colgada.

Es más, si esta última escena se hubiera mostrado DESPUÉS del final como una tercera escena post-créditos, tampoco tendría nada que decir, ya que no rompería la sensación de historia cerrada al estar en la parte de «lo que está por venir». A todo esto, las dos escenas post-créditos siguen la pauta de ampliar el lore y plantear nuevas posibilidades que pueden ser super chulas. De hecho, ya leí quien hace la voz en off y lo que plantea no puede molar más porque unir a esos dos personajes no puede ser más lógico y molón a priori.

En resumen, me ha gustado Eternals pero sin enamorarme. Agradezco que Marvel demuestre con hechos como sus películas siguen siendo diferentes entre si, y diría que Chloé Zhao ha salido airosa de un encargo que realmente era muy complicado y lo tenía todo para que se estrellara. Justo por eso, veo difícil que repita en una eventual segunda parte, que yo al menos pagaría por ver en el cine, ampliando el lore de la vertiente galáctica del MCU. Pero igual que digo esto, los mimbres para que Eternals fuera una GRAN película estaban también ahí, y no han sabido sacar todo el partido posible a los personajes y su universo, quedándose en otra película correcta. Lo que para mi también es una pena.

Comparto el trailer de la película:

Eternals de queda muy lejos de mis películas favoritas del MCU, pero creo que acierta al plantear una forma diferente de mostrar las aventuras de Marvel, con varios elementos que me gustaron.

PUNTUACIÓN: 7/10

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