Crítica de La canción del mar de Tomm Moore (Prime Video)

La canción del mar es una maravillosa película de animación dirigida por Tomm Moore que está disponible en Prime Video y que no deberías perderte sobre todo si estás en casa con niños pequeños.

PUNTUACIÓN: 8/10

La historia del viaje a casa del último Niño Foca. Después de la desaparición de su madre, Ben y Saoirse son enviados a vivir con su abuela a la ciudad. Cuando deciden volver a su casa junto al mar, su viaje se convierte en una carrera contra el tiempo a medida que se internan en un mundo que Ben sólo conoce a través de las leyendas que le narraba su madre. Pero éste no es un cuento para dormir; estas criaturas llevan en nuestro mundo demasiado tiempo. Ben pronto se da cuenta de que Saoirse será la clave para su supervivencia. (FILMAFFINITY)

Tomm Moore es un director de animación irlandés.La canción del mar fue estrenada en 2014, y antes había realizado en 2009 El secreto del libro de Kells, y tenía previsto estrenar este año Wolfwalkers, aunque no se si debido al confinamiento llegaremos a verla este año. Es el fundador del estudio de animación Cartoon Saloon que produce esta película junto a Digital Graphics, y es una coproducción irlandesa, danesa, belga y luxemburguesa.

El guión de esta película es de Will Collins a partir de una historia del propio Moore, y obtuvo una nominación al Oscar a mejor película de animación en 2014, consiguiendo el Premio del Cine Europeo a Mejor film de animación.

 

Lo primero que sorprende en La canción del mar es su animación, creada con técnicas tradicionales 2D, que transmiten un feeling a los cuentos infantiles de toda la vida. Los niños y los seres positivos están creados con formas muy básicas redondeadas, mientras que todo lo que significa amenaza de construye con formas rectas y líneas cortantes. Estos hace que los niños pequeños sepan en seguida si algún personaje es bueno o malo.

Pero por detrás de esta aparente simplicidad, Moore construye unos fondos maravillosos de gran colorido y expresividad, que crean un mundo mágico que existe alrededor de los niños y les manda a una misión inspirada en los cuentos y mitos irlandeses. Además, nos estamos acostumbrando tanto a la perfección de la animación de Disney, Pixar o DreamWorks que supone una sana novedad ver una película como está con una animación «imperfecta» pero maravillosa que transmite artesanía y trabajo manual.

Estamos ante una historia para niños en la que Ben, el hermano mayor tendrá que aprender a querer a su hermana pequeña a la que culpa de la muerte de su madre. El viaje emocional del personaje está muy bien contado de forma que consigue emocionar a padres y a hijos.

Además, La canción del mar tiene una cualidad atemporal como los mejores cuentos para niños, que hace que aunque sea una historia original puede llegar a hacernos creer que es un mito que siempre existió en las leyendas irlandesas.

No conocía a Tomm Moore y he descubierto esta película gracias a la recomendación de un amigo. Debo decir que me ha maravillado su capacidad narrativa creando historias que son todo corazón. Sin duda tengo que ponerme a buscar a su película anterior, El secreto del libro de Kells.

Comparto el trailer de la película:

La canción del mar es una maravillosa película llena de emoción y magia que consigue maravillar a niños y mayores. Un must-see absoluto para todos los fans de la animación.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Tales from the Loop (Amazon Prime)

No he conseguido conectar con Tales from the Loop, serie de ciencia ficción creada por Nathaniel Halpern y que acaba de estrenarse en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Serie que explora la ciudad y sus habitantes que viven por encima de «The Loop», una máquina construida para desbloquear y explorar los misterios del universo, lo que hace posible cosas que antes estaban relegadas únicamente a la ciencia ficción. En esta ciudad fantástica y misteriosa, se cuentan historias conmovedoras de seres humanos que recuerdan experiencias emocionales universales.

La serie se inspira en las ilustraciones neofuturistas y surrealistas del artista y diseñador sueco Simon Stålenhag, publicadas en su libro de arte narrativo para crear los ocho episodios de esta serie. Nathaniel Halpern es el creador y guionista de todos los episodios, que han sido dirigidos por directores de primer nivel como Mark Romanek, Andrew Stanton o Jodie Foster.

Tales from the Loop probablemente sea el sueño de cualquier productor. A partir de un libro de ilustraciones del artista sueco Simon Stålenhag en la que combinaba imágenes rurales con reminiscencias retro con robots y otros elementos de ciencia ficción sin prácticamente ninguna referencia, el creador y guionista Nathaniel Halpern ha trasladado casi literalmente algunas de estas imágenes aportando la historia de los personajes que viven en este mundo, prácticamente adaptándolo a sus intereses.

Frente a otras serie de ciencia ficción más espectaculares, esta serie está planteada desde un punto de vista intimista, centradas en como afectan a la gente situaciones increíbles. De esta forma, Nathaniel Halpern plantea en estos 8 episodios historias de viajes en el tiempo, cambios de consciencia, viajes a otras dimensiones, la muerte o la Inteligencia Artificial, pero lo importante no es cómo esto sucede sino como afrontan los personajes estás situaciones.

Aunque los ocho episodios son autoconclusivos y están protagonizados por un miembro diferente de la comunidad, las situaciones se plantean alrededor de la familia de Russ (Jonathan Pryce), el director de la instalación de The Loop, e iremos viendo durante los episodios a su hijo George (Paul Schneider), su mujer Loretta (Rebecca Hall) y sus hijos Jacob (Daniel Zolghadri) y Cole (Duncan Joiner), entre otros, cuyas vidas se verán influidas por hechos imposibles según las leyes de la física reales.

La producción me ha parecido de primer nivel y crea, al igual que el libro en el que se inspira, imágenes de gran potencia visual a partir de espacios abiertos y una sensación de desolación alrededor de los campos que rodean las instalaciones de investigación.

Para transmitir el tono intimista deseado, los productores contrataron a Phillip Glass, que ha creado un potente tema principal a piano muy sencillo que transmite mucha emoción. Lástima que esto sea lo único realmente emocionante.

El principal problema de esta serie es que para ser una serie pretendidamente intimista, resulta paradójico que todos sus personajes me hayan parecido super fríos y sin emociones reales, con lo que ha sido imposible empatizar con ellos. Y no creo que sea problema de los actores y sus interpretaciones, sino de lo que el creador Nathaniel Halpern les pedía que hicieran.

Aunque algunos personajes aparecen en varios episodios y hay una cierta continuidad, lo cierto es que los episodios están planteados como historias unitarias similares a  series como «Twilight zone». Esto provoca que el resultado final varíe mucho de un episodio a otro, aunque excepto por un par, la mayoría me han parecido que a pesar de una fotografía genial sus historias son super montoneras, por no calificarlas directamente de mediocres, ofreciendo ningún contexto a lo que les pasa a unos personajes olvidables.

Además, no puedo evitar comentar que el propio concepto de la serie me parece realmente estúpido y hace que mi suspensión de credulidad saltara por los aires, sobre todo a partir del segundo episodio. Y es que un objeto extraño que cambia las leyes de la ciencia es estudiado en unas instalaciones científicas consiguiendo crear aparatos y tecnología retrofuturista increíble que acaba… ¿siendo abandonada en los campos adyacentes para que la gente se la encuentre casualmente y sufra las consecuencias? Como digo, es una idea realmente tonta y muy poco inteligente, aunque reconozco que sin esta premisa de base no hay serie, aunque me hubiera gustado que hubieran pensado un poco mejos las cosas.

En todo caso, no quiero terminar esta reseña sin comentar lo bien que está haciendo las cosas el canal Prime Video. Incluso aunque este Tales from the Loop no me haya convencido, están creando un catálogo notable que probablemente no sea para todos los públicos pero que sí transmite una enorme personalidad y ganas de apartarse de otros productos más standard. Para mí, es sin duda el camino a seguir.

Comparto el trailer de esta serie:

Tales from the Loop me ha parecido una serie correcta aunque menos interesante de lo que los productores creen que es. Toda ciencia ficción que intente hacer algo diferente capta mi atención, pero a veces solo esto no es suficiente

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Friday 1, de Ed Brubaker, Marcos Martín y Muntsa Vicente (Panel Syndicate)

Ed Brubaker, Marcos Martín y Muntsa Vicente han lanzado por sorpresa su nuevo comic Friday en la web Panel Syndicate bajo la modalidad de «paga lo que quieras», lo que nos ha dado una de las  pocas noticias positivas en el mundo del comic de las últimas semanas.

PUNTUACIÓN: 8/10

Friday Fitzhugh pasó su infancia resolviendo crímenes y desenterrando secretos ocultos con su mejor amigo Lancelot Jones, el niño más inteligente del mundo. Pero ese era el pasado, ahora está en la universidad, comenzando una nueva vida por su cuenta. Excepto cuando el viernes llega a casa para las vacaciones, ella inmediatamente regresa a la órbita de Lance y descubre que algo muy extraño y peligroso está sucediendo en su pequeña ciudad de Nueva Inglaterra …

Esto es literalmente las vacaciones de Navidad en el infierno y  quizá ninguno de ellos pueda sobrevivir para ver el Año Nuevo.

Ed Brubaker describe en su newsletter Friday como “Post-YA (Young Adults – literatura juvenil), que es un género que realmente no existe. Pero se trata de una niña de 18 años que creció siendo una detective adolescente, luchando contra el crimen y explorando misterios ocultistas, el tipo de Watson para Holmes de su mejor amiga. Es una idea que he querido explorar durante mucho tiempo, tomar ese concepto del detective adolescente, pero luego dejarlos crecer y tener los mismos problemas que todos nosotros, y encontrarnos con un mundo mucho más peligroso. Entonces, una especie de historia de terror. Creo que una de las primeras cosas que le dije a Marcos fue que este libro debería sentir que la Nueva Inglaterra de Lovecraft está chocando con la de Edward Gorey.”

En el texto que acompaña el comic, añade con mucho sentido del humor que un amigo le comentó que «post-literatura juvenil» es, basicamente, adulta. Además, obviamente su intención es jugar con muchos de los estererotipos clásicos de este tipo de literatura.

Además, Brubaker añade un texto de Marcos Martín sobre su proceso creativo para esta serie: “Llevaba un tiempo queriendo experimentar un poco con mi estilo de dibujo y alejarme de mi zona de confort, mediante el empleo de la técnica del «cross-hatching» (sombrear un área con líneas paralelas estrechamente dibujadas). Cuando Ed me lanzó la idea para Friday con su mezcla de Edward Gorey y Lovecraft ambientada en una ciudad de Nueva Inglaterra a finales de los 60 y principios de los 70, me sorprendió descubrir lo perfecto que era para lo que quería desarrollar. Me llevó a buscar artistas de cómics e ilustradores de libros que siempre me habían gustado pero que nunca había encontrado una manera de incorporar (a su estilo). Artistas como el mencionado Gorey, quien probablemente no solo es la influencia más fuerte en los diseños de los personajes, sino también conceptualmente, en el estado de ánimo visual general y la atmósfera del libro. Y también Tove Jansson, Crepax, Matsumoto o Harry Clarke, entre otros, han sido una referencia constante en mi lucha por encontrar el equilibrio adecuado entre las áreas en blanco y negro fuertes y simples y la línea más intrincada.”

Tenía tan interiorizado a Ed Brubaker dentro del género negro junto a Sean Phillips que este comic ha supuesto una interesante novedad y, no cabe duda que artísticamente Brubaker necesitaba también recargar sus energías jugando con juguetes diferentes.

Decir que el dibujo de Marcos Martín es excelente no es noticia, la verdad. Me ha parecido muy interesante su diseño de personajes, con líneas muy sencillas y elementos de vestuario que resalten sus personalidades. Lancelot Jones, por ejemplo, claramente inspirado en Sherlock Holmes, viste con bufanda, chaquetón y un gorro de lana que le sitúa en el ámbito friki, mientras que nuestra protagonista Friday Fitzhugh es más baja y con enormes gafas de pasta, lo que indicaría una gran inteligencia.

Frente a esta sencillez en los personajes, Martín crea unos fondos super detallados que, junto al perfecto color de Muntsa Vicente, transmiten una sensación fantasmagórica que creo le va a ir perfecta a la historia, teniendo en cuenta las referencias que Brubaker y Martín quieren tocar con esta serie.

Entrando a valorar este primer comic, la sensación que me dejó es que estamos ante la punta del iceberg, ya que apenas hemos empezado a rascar en la superficie de lo que nos vamos a encontrar en este mundo imaginario de Kings Hill. Brubaker y Martín nos han presentado a los personajes y la existencia de un conflicto del pasado que sigue muy presente para Friday, a la vez que sugiere el misterio que van a tener que investigar. En resumen, una dosis corta que nos deja con ganas de más, el primer objetivo que todo comic debe cumplir, hacer que los clientes queramos volver para el número 2.

Si tengo que comentar algo menos bueno, Brubaker comenta en su newsletter que Friday es una serie regular abierta que se irá publicando digitalmente en la web de Panel Syndicate a medida que vayan terminando cada número, con la intención de que sea publicada a través de Image en edición hardcover cuando la terminen. Recordando mi experiencia lectora con The Private Eye, el primer comic publicado en la web de Martín con Brian K. Vaughan, inicialmente se anunció como bimensual pero la realidad es que algunos números costaron tres y hasta cuatro números para que fueran publicados ¿incluso más, ya no recuerdo? Por tanto, más nos vale armarnos de paciencia porque esto puede ir para largo.

No me entendáis mal, cada número de The Private Eye fue oro puro que hacía que la espera valiera la pena, pero dado que Brubaker no indica la periodicidad, diría que obviamente la calidad está por encima de la periodicidad, por lo que quizá los lectores que no aguanten los meses de espera quizá les resultará mejor esperar a que la obra esté terminada para leerla.

En todo caso, la iniciativa de «paga lo que quieras» sobre la que se construye la web Panel Syndicate me parece maravillosa y una solución perfecta para fomentar la lectura y apoyar a los autores, que reciben íntegro los ingresos del comic. Es por esto que te invito a que pruebes este comic y, si tu situación económica lo permite, que pagues lo que puedas. En estos días de confinamiento y de malas noticias por todos lados, qué bonito sería que un comic digital uniera a públicos de todo el mundo con una misma afición. Los comics.

Comparto las cuatro primeras páginas de este comic ofrecidas a modo de preview:

Friday promete una estupenda lectura llena de giros y sorpresas y unos personajes super interesantes. Ya estoy deseando que llegue el segundo número, lo mejor que se puede decir de una publicación periódica.

¡Gracias Ed, Marcos, Muntsa! ¡Gracias, Panel Syndicate!

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Rechicero de Terry Pratchett (Mundodisco 5)

Tras unos meses de descanso, retomo mi lectura del Mundodisco de Terry Pratchett con su quinta novela, Rechicero, que nos regala momentos endiabladamente divertidos.

PUNTUACIÓN: 8/10

Rechicero es la quinta novela de la serie de fantasy de culto del gran TerryPratchett “Mundodisco”.

En el desquiciado Mundodisco nace un brujo. No se trata de un brujo cualquiera, sino de uno tan poderoso que tendrá capacidad para destruir el mundo. Alguien debe impedirlo.

Pero ¿quién?

El resto de brujos no puede competir con él. Sin embargo, cuando todos los caminos parecen cerrarse, surge una remota posibilidad de salvación…

Terry Pratchett publicó esta novela en 1988 y sin embargo su humor típicamente british y su punto de vista irónico del mundo de la fantasía hacen que la novela siga siendo super disfrutable hoy en día. De hecho, me ha parecido la más divertida hasta la fecha, lo cual indica que o bien cada vez estoy más acostumbrado al estilo irónico de Pratchett o que él con cada novela se sentía más a gusto con este mundo maravilloso. O probablemente sea la unión de ambas cosas.

Lo mejor de Pratchett me parece que son sus maravillosas descripciones de todo lo que sucede alrededor de Rincewind, probablemente el peor mago del mundo, cuyas andanzas permiten a Pratchett destilar todo su humor e ironía alrededor de los mitos establecidos sobre el mundo de la magia en las novelas de fantasía.  En el Mundodisco, los magos no son especialmente inteligentes ni realizan grandes actos que ayuden a mejorar la vida de la gente, sino que son pequeños seres tontos y egoístas. Qué el más lógico y centrado de todos ellos sea el bibliotecario, que es un simio, da idea de lo que piensa Pratchett de esta profesión imaginaria y los que la practican.

Y en esta novela, Rincewind se verá acompañado por dos maravillosos personajes, Conina la hija de Cohen el Bárbaro, que sería una parodia de Red Sonia, bella y mortífera aunque con el sueño de ser peluquera, y Nijel, un aprendiz de héroe bárbaro extremadamente educado que lo sabe todo acerca de la vida gracias a un libro escrito por el propio Cohen, un bárbaro que no sabía escribir…

La novela me ha gustado mucho y la recomiendo totalmente. Sin embargo, si tengo que decir algo menos bueno de ella, diría que empiezo a notar que Pratchett es mejor en la creación de situaciones hilarantes con sus maravillosas descripciones llenas de ironía, mientras que quizá se queda un pelín por debajo en lo referido a la conclusión de dichos argumentos. En todo caso, este elemento menos bueno, que no malo, no impide ni mucho menos el disfrute de sus novelas.

Rechicero me ha parecido maravillosa y me mantuvo con la sonrisa en la cara de principio a fin. En ese sentido, misión cumplida. Además, dado que es una novela corta de tan solo 307 páginas, lo cierto es que se lee en un suspiro, casi en una sentada (en mi caso la devoré en tres ratos durante tres días consecutivos). Por estos motivos, creo que esta novela, y en general todas las del Mundodisco, son lecturas perfectas para estos días de confinamiento en los que necesitamos despejarnos un poco y quitarnos todas las malas noticias de la cabeza.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Midway de Roland Emmerich (Prime Video)

Midway es la mejor película de Roland Emmerich de la última década, una estupenda película bélica que recrea la batalla naval que en 1942 cambió el rumbo de la Segunda Guerra Mundial y que está disponible en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Así, Best encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de contundentes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones. (FILMAFFINITY)

La película cuenta con guión de Wes Tooke, fotografía de Robby Baumgartner y música de Harald Kloser y Thomas Wanker. Con un presupuesto de 100 millones, es una de las películas independientes de mayor presupuesto jamás realizada, ya que Emmerich tuvo casi que ir puerta a puerta con inversores privados para conseguir financiación al no conseguirla de los grandes estudios, consiguiendo los últimos 25 millones de productoras chinas. Y debo decir que estos 100 millones lucen de maravilla en pantalla, de hecho, me parece increíble que pueda lucir todo tan bien teniendo en cuenta este presupuesto.

El reparto está plagado de grandes actores entre los que encontramos a Ed Skrein, Patrick Wilson, Dennis Quaid, Woody Harrelson, Luke Evans y AaronEckhart, todos ellos interpretando a figuras reales que participaron en la guerra y son considerados héroes americanos.

La película dura 138 minutos y cuenta de forma perfectamente entendible lo que fue la contienda en el océano Pacífico desde el ataque a Pearl Harbor en 1942 hasta esta batalla que marcó el principio del fin del Imperio de Japón.

Había leído algunas críticas negativas de esta película y cuando se estrenó en el cine el año pasado reconozco que me dió pereza verla, en parte por la propia figura de Roland Emmerich y sus películas de catástrofes. Una vez vista gracias a mi suscripción a Prime Video me dió pena no verla en pantalla grande, porque todo luce genial. Emmerich rodó en Haway en escenarios reales y las escenas de batallas aéreas lucen super espectaculares.

Sobre las críticas negativas, me recuerda el viejo refrán «si no quieres polvo no vayas a la era». Creo que es absurdo ver una película a sabiendas que no te va a gustar para poder quejarse luego y decir que es «una americanada». Es cierto que para Emmerich una parte fundamental de la película es homenajear a los héroes americanos que son personas normales que se levantaron ante circunstancias excepcionales. Esa es toda la construcción de personajes que necesitamos, en este tipo de películas no buscamos ni son necesarios profundos estudios psicológicos, y no pasa nada si es así.

Lo cierto es que lo que cuenta Emmerich lo hace de maravilla y consigue que un hecho conocido, los americanos ganan, esté envuelto en tensión al no saber qué va a pasar y quién va a sobrevivir.

Otro hecho importante es su controlada duración. Conseguir contar tanto en tan solo 138 minutos me parece un milagro, más en estos momentos en que se ha convertido casi en habitual el estrenar películas de 3 horas. Emmerich triunfa en el uso de la economía narrativa centrándose en aquellos hechos históricos realmente relevantes. Pero recordando Pearl Harbor (Michael Bay, 2001) en la que la batalla duraba más de una hora, o al menos a mí me lo pareció, Emmerich no se recrea en las muertes o las explosiones, sino en la historia que quiere contar. Narrativamente, este Midway le pega mil vueltas a la película de Bay.

Normalmente siempre comento algo menos bueno de todas las películas, pero en este caso creo que todo está en función de la historia y dentro de su modestia y falta de pretensiones, Emmerich triunfa en todo lo que se propuso con esta película.

Comparto el trailer de la película:

Midway es una estupenda película bélica que transmite el encanto de los clásicos del género, con un gran reparto y excelentes escenas bélicas que satisfará a todos los fans del género y que, ahora que está en Prime Video, nadie debería perderse.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros