Me alegra poder disfrutar del nuevo trabajo de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino junto al colorista super estrella Dave Stewart. Ten thousand black feathers es una novela gráfica que se convierte en la segunda obra del universo de historias de terror The bone orchard mithos creado por Lemire y Sorrentino en Image Comics.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Del aclamado equipo creativo detrás de GIDEON FALLS, PRIMORDIAL y THE PASSAGEWAY llega una nueva serie en el audaz y ambicioso universo de terror compartido de THE BONE ORCHARD MYTHOS. Trish y Jackie son mejores amigas y ávidas jugadoras. Pero cuando la línea que separa la realidad de su mundo de fantasía se difumina por culpa de una malvada oscuridad, ¿podrán convertirse en las heroínas de su propia historia? DIEZ MIL PLUMAS NEGRAS es la nueva entrega de LOS MITOS DEL HUERTO DE HUESOS de LEMIRE & SORRENTINO. Este universo contará con novelas gráficas autoconclusivas y series limitadas sobre los horrores que esperan ser descubiertos en el Huerto de Huesos.
Ten thousand black feathers es una novela gráfica de 144 páginas que permite a ese equipo creativo exprimir todas sus virtudes como narradores. Recordando The Passageways, la primera novela gráfica dentro del universo The Bone Orchard Mithos, tengo que decir que dentro que me gustó principalmente por el dibujo, la historia de Lemire me dejó con la sensación poco satisfactoria de haber leído lo que en una película de terror sería el prólogo de 5 minutos en el que te introducen algo el pasado de la que será la verdadera historia en el resto de la película en el presente. Afortunadamente, esta sensación ya no la he tenido en esta segunda novela gráfica, Ten thousand black feathers, que ofrece una historia más interesante y con un mejor final que el anterior.
Lemire plantea una historia planteada en dos momentos temporales. Trish vuelve a su pueblo adoptivo tras años alejada porque no puede quitarse de su cabeza un suceso oscuro que implica a su amiga Jackie, desaparecida hace más de 10 años. Lo que sigue es una narración mediante flashbacks de la juventud de Trish y Jackie mientras en el presente Trish intenta conseguir respuestas a las preguntas que desde hace 10 años están sin contestar: ¿Qué pasó con Jackie? Y ¿Por qué cree Trish que puede seguir con vida tras todos estos años?
El formato de novela gráfica permite que la historia de Lemire tenga el ritmo más adecuado para acrecentar la naturaleza terrorífica de este universo. Y dentro que deja elementos ambiguos, el final en este caso si me ha parecido satisfactorio. En esta obra nos encontramos con una equipo creativo que se encuentra super a gusto trabajando juntos, con un escritor que sabe dar giros y elementos terroríficos que son aprovechados por Sorrentino y Stewart para lucirse una vez más.
Y es que El dibujo de Andrea Sorrentino con color de Dave Stewart están a otro nivel y son los que de verdad marcan la diferencia y elevan la experiencia de lectura de esta novela gráfica. Como siempre hay que destacar a un brillante Stewart que marca con el color el tono perfecto, perturbador y misterioso, para este mundo en el que las barreras entre la realidad y la ficción, el mundo terrenal y algo terrorífico, parece que se difuminan. Stewart plantea además dos colores diferentes para diferenciar las escenas en el presente y las del flashback, que hacen que la lectura sea super clara y fluida. Y junto a él, Sorrentino aprovecha el formato de la novela gráfica para deslumbrarnos con unas composiciones novedosas que ayudan a acrecentar la sensación de misterio malsano que se oculta en la búsqueda de Trish. Tanto la narrativa a lo largo de la novela gráfica como el uso de splash-pages me parece una pasada. Estamos ante uno de esos casos en los que sólo el dibujo justifica de sobra la compra de este comic. Novela gráfica. ya me entendéis.
Comparto las primeras páginas de esta novela gráfica:
Bone Orchard: Ten thousand black feathers es una buena novela gráfica que triunfa gracias al buen hacer de Sorrentino y Stewart a la hora de crear atmósfera malsanas y terroríficas. Dame más, por favor.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Wes Anderson es un género en si mismo, nadie hace las películas con su sensibilidad visual y artística, como hemos podido ver en Asteroid City, su nueva película que nos trae una constelación de estrellas de Hollywood.
PUNTUACIÓN: 7/10
En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. (FILMAFFINITY)
Si hablamos de cine de autor que muestra una visión única de la vida, Wes Anderson (Texas, 1969) es uno de los nombres que automáticamente vienen a la cabeza. Director, guionista, productor y actor estadounidense, es conocido por sus películas Ladrón que roba a un ladrón (1996), Academia Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), Vida acuática (2004), Viaje a Darjeeling (2007), Fantástico Sr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012), El Gran Hotel Budapest (2014), Isla de Perros (2018) y La crónica francesa (2021).
Fue nominado al Premio Oscar en las categorías de mejor guion original por The Royal Tenenbaums, Moonrise Kingdom y The Grand Budapest Hotel. Además, tanto Fantastic Mr. Fox como Isle of Dogs fueron nominadas en la categoría de Mejor película animada. Durante su carrera ha ganados un Globo de Oro, el Oso de Plata de la Berlinale o un Premio Bafta a Mejor guión original.
Como suele ser habitual en la filmografía de Anderson, Asteroid City es una película coral con un enorme reparto, entre los que encontramos a Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Tom Hanks, Jeffrey Wright, Tilda Swinton, Bryan Cranston, Edward Norton, Adrien Brody, Liev Schreiber, Hope Davis, Steve Park, Rupert Friend, Maya Hawke, Steve Carell, Matt Dillon, Hong Chau, Willem Dafoe, Margot Robbie, Tony Revolori, Jake Ryan y Jeff Goldblum entre otros.
Asteroid City ha sido dirigida, escrita y coproducida por Wes Anderson a partir de una historia suya junto a Roman Coppola, hijo del gran Francis Ford Coppola. En la película de 105 minutos han trabajado varios colaboradores habituale sde Anderson como el director de fotografía Robert D. Yeoman, el montador Barney Pilling y el compositor Alexandre Desplat, en su sexta colaboración con Anderson. El elemento curioso es que Andeson no rodó el desierto en Estados Unidos, sino que se vino a Chinchón (provincia de Madrid) para rodarla.
Las películas de Anderson casi se han convertido en un género propio, y en Asteroid City vuelve a mostrar muchos de los elementos comunes que le caracterizan, empezando con que la película nos cuenta varias historias en una. Por un lado tenemos una historia de ciencia ficción en la que un grupo pintoresco de personas se reúnen en una ciudad desértica al lado del cráter de un meteorito con motivo de una reunión de jóvenes científicos, la Junior Stargazer. Lo que sucederá allí serán varias historias inclasificables que no son ni drama ni comedia con personajes que se salen de lo común, en medio de situaciones “extrañas” que se suceden a una enorme velocidad.
Pero además tenemos un elemento metatextual, al ser estos sucesos una ficción creada como obra de teatro por Conrad Earp, un importante dramaturgo interpretado por Edward Norton. Para separar ambos elementos, la obra de teatro que sucede en Asteroid City se presenta en formato rectangular de imagen y en color, con una gama cromática que recuerda los cuadros de los años 50 que mostraban elementos costumbristas con imágenes en tonos pastel. Junto a esto, la creación primero del libreto de la obra de teatro por parte de Conrad y luego la obra de teatro en si por parte del director Schubert Green (Adrien Brody) es mostrado en blanco y negro y formato cuadrado como si se viera en una televisión antigua también tipo años 50 en que se ubican ambas historias.
En lo estético, cada plano parece un cuadro colgado de una galería de arte. Individualmente, cada imagen debe tener su propia belleza y perfección, como si fuera un elemento único e irrepetible. Un uso de una gama cromática diferente a todo que aleja la historia de la realidad, una cuidada selección de los elementos y un elegante gusto por la geometría y la composición marcan cada una de las escenas. Además, la ambientación en los años 50, jugando además con narración en color o en blanco y negro le añade un toque de nostalgia al mostrar de alguna manera el viejo cliché sobre que los tiempos pasados siempre fueron mejor. La fotografía con los tonos pastel elegidos para contar la historia en el desierto me parece espectacular,
Siempre que veo en cine una película de Anderson me quedo flipado con la potencia visual de Anderson y su peculiar narrativa. Esto de alguna manera compensa que las historias de Anderson tienen siempre un elemento «chorra» que siempre de deja frío, en especial en lo referido a los arcos (o falta de ellos) de la mayoría de personajes y unas peripecias un tanto intrascendentes. Por suerte para él, aparte de la potencia visual, resulta una pasada encontrar en la misma película a actorazos como Scarlett Johansson, Tom Hanks, Edward Norton, Jason Schwartzman, Tilda Swinton, Bryan Cranston o Adrien Brody. Dentro del enorme reparto, hay actores como Willem Dafoe, Margot Robbie o Jeff Goldblum apenas tienen un cameo de una escena, pero hay un montón de sorpresas mientras descubrimos a los actores que van haciendo su aparición a lo largo de la película.
En cuanto a la historia, veo elementos de la soledad del artista que pone su trabajo por delante de su familia, algo personificado en las historias de Scarlett Johansson y Adrien Brody. También encuentro una trama referida a la creación artística, personalizado en Edward Norton y Willen Dafoe, y sobre la aceptación de la pérdida en lo que es la historia de Jason Schwartzman y su familia. Pero son elementos escasos y algo deslavazados dentro de la entrada y salida de múltiples personajes, no llegando en ningún caso a una conclusión satisfactoria.
En todo caso, no vienes a ver una película de Anderson por la historia, y en mi caso Asteroid City me ha dado lo que esperaba de ella. Me gusta tener una experiencia así cada dos / tres años, me viene bien para salirme de mi zona de confort mainstream.
Comparto el trailer de la película:
Asteroid City es otra película inclasificable de Wes Anderson. Tú decides si esto es bueno o malo.
PUNTUACIÓN: 7/10
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Resulta obligatorio recuperar la primera miniserie de Wanted de 2004 de Mark Millar y J.G. Jones antes de la publicación del comic-evento Big Game de Millar con Pepe Larraz, que se estrenará este próximo mes de julio.
PUNTUACIÓN: 8/10
¿Y si todo en tu vida estuviera fuera de tus manos y los que te rodean impulsaran tu destino? Tu novia te dejó por tu mejor amigo; tu jefe dio tu trabajo a alguien mejor. ¿Y si, después de todo esto, alguien te devolviera el control total? ¿Y si te revelara que eres el siguiente en la fila para unirte a una sociedad secreta de supervillanos que controla todo el planeta?
Mark Millar y J.G. Jones presentan a un hombre que pasa de ser el mayor perdedor del mundo al asesino más mortífero que existe. La vida de Wesley Gibson nunca volverá a ser la misma.
Esta miniserie de seis número que tuvo además un Wanted Dossier de fichas de personajes, sirvió de inspiración para la película de 2008 protagonizada por Angelina Jolie, James McAvoy y Morgan Freeman, y dirigida por Timur Bekmambetov.
El escritor escocés Mark Millar entró en el mainstream americano de la mano de DC Comics en la década de 1990, donde realizó estre otros una estupenda etapa en el comic Super: The animated series, a lo que habría que sumar su Superman: Red Son. Sin embargo, la polémica que se generó en su etapa en The Authority junto a Frank Quitely, comic editado por Wildstorm que en ese momento ya era propiedad de DC y que fue censurado, le llevó a cambiar de aires y convertirse en uno de los escritores de mayor éxito de Marvel en los primeros años 2000. Tras trabajar en varios comics de universo Ultimate (Ultimate X-Men y Ultimate Fantastic Four), en 2002 pegó uno de los pelotazos más grandes de su carrera con The Ultimates junto a Bryan Hitch, uno de los comics más influyentes del medio que sirvió de inspiración para la película de los Vengadores de Marvel Studios. The Ultimates, Lobezno: Enemigo del Estado (2003-04), Civil War (2006-07) o su Old Man Logan en 2008-09 fueron algunos de sus comics más populares de Millar durante unos años en los que se convirtió en uno de los principales arquitectos de Marvel.
Además de su faceta de escritor, Millar siempre ha triunfado desde el punto de vista de hombre de negocios y perfecto conocedor de la industria del comic, viendo las oportunidades y el beneficio que podría conseguir creando comics de creación propia que se alternaran con los trabajos de encargo en editoriales como Marvel o DC. Millar creó su sello Millarworld en 2004 para publicar comics de creación propia de los que conservaba los derechos, algo que se ha demostrado la decisión más inteligente que pudo tomar en toda su vida. En esos años iniciales decidió no cerrarse ninguna puerta y optó por publicar con diferentes editoriales. De esta forma, Wanted con J.G. Jones se publicó en Image a través del sello Top Cow de Marc Silvestri, Chosen con Peter Gross se publicó en Dark Horse y The Unfunnies con Anthony Williams en Avatar.
Wanted es el primer comic del sello Milarworld, publicado desde finales de 2003 a 2005, y su primer pelotazo. Al éxito de ventas del comic hay que sumar que fue el primer comic de Millar que tuvo una adaptación cinematográfica estrenada en 2008 protagonizada por Angelina Jolie, James McAvoy y Morgan Freeman. Lo que podría considerarse un éxito puntual o una casualidad se convirtió en tendencia tras vender Kick-Ass, su comic con John Romita Jr., a Matthew Vaughn, que estrenó su divertidísima adaptación cinematográfica en 2010. Tras Kick-Ass, la pareja Vaughn + Millar repitieron en 2014 con Kingsman: The secret Service. Estos éxitos pusieron encima de la mesa a otros creadores del mundo del comic (y a las propias editoriales) que el dinero no estaba tanto en los comics sino en la opción de expandir las propiedades a otros ámbitos. Tras varios años creando contenidos propios, Netflix le compró a Millar el sello Millarworld en 2017, manteniéndole como presidente y creador de contenidos de cara a su adaptación televisiva o cinematográfica.
Jeffrey Glen Jones es un dibujante de cómics estadounidense conocido principalmente por Wanted y por su trabajo como portadista de series como 52 o Y: The Last Man. Debutó en la industria del cómic en 1994 dibujando Dark Dominion para Defiant Comics. En 1999, Jones y el escritor Devin K. Grayson crearon al personaje de Yelena Belova en la serie limitada Black Widow para Marvel. Al año siguiente, Jones trabajó con el escritor Grant Morrison en la serie limitada Marvel Boy. Antes de Wanted, realizó también Wonder Woman: The Hiketeia con Greg Rucka. En 2008 no consiguió terminar de dibujar Final Crisis junto a Grant Morrison, requiriendo DC de varios dibujantes para finalizar el comic. A partir de ahí, se ha prodigado poco como artista interior, centrándose en su trabajo como portadista.
Wanted fue el primer comic del Millarworld y 20 años después se mantiene con un estupendo entretenimiento con un montón de sorpresas y momentazos increíbles. Y ahora con el plus de interés que los últimos acontecimientos vistos en Nemesis Reloaded han dotado a esta historia de super villanos, y que va a cobrar nueva vida gracias a Big Game.
Un primer elemento super interesante fue la decisión de crear al protagonista Wesley Gibson con la cara de Eminem, mientras que The Fox se inspiraba claramente en Halle Berry. Esto repetía la jugada de The Ultimates donde Millar y Hitch convirtieron al Nick Fury del universo Ultimate en Samuel L. Jackson. La idea de colocar caras conocidas que de alguna manera vendieran el comic y llamaran la atención de los productores de Hollywood hay que reconocer que funcionó, porque Wanted acabó teniendo su adaptación al cine, aunque con James McAvoy y Angelina Jolie, por lo que no creo que saliéramos perdiendo en absoluto.
Millar plantea lo que sería una historia de origen comiquero bastante standard a priori y la retuerce al plantearla como la historia de un villano. Y es muy listo, porque desde siempre había visto que existía un nicho de historias que nadie más estaba haciendo en el ámbito mainstream de superhéroes, lanzándose a aprovecharlo al máximo. Junto a la narración de Wesley Gibson contándonos en primera persona su historia a los lectores, el otro hecho diferencial de Wanted es el propio mundo en el que se desarrolla la historia. La idea que en 1986 (año en que por ejemplo terminó Crisis en Tierras Infinitas o se publicó Batman TDKR de Frank Miller) los super villanos del mundo se unieron y derrotaron a los superhéroes, borrando la memoria a toda la humanidad para que olvidáramos que existieron y pasando a dominar desde las sombras el planeta, hay que reconocer que es una idea genial por parte de Millar.
Este hecho sirve a Millar de dos maneras muy claras. El primer lugar, para enfatizar el elemento metatextual, sugiriendo que esto mismo podría haber pasado en nuestro mundo real donde vivimos los lectores, de forma que se explicaría los motivos por los que nuestro planeta parece que se ha ido a la mierda en los últimos años. La punkarrada de la última página, o la forma en que se ríe de Batman y Robin, a los que convierte en Adam West y Burt Ward, los actores de la serie de televisión de los 60 que durante años malvivieron gracias a sus apariciones en convenciones, nos muestran al Millar más provocador que busca no dejar nunca indiferente al lector.
La segunda derivada de este argumento es que tener a unos supervillanos en la sombra que destruyeron a los héroes permite a Millar y a Jones realizar versiones de villanos clásicos que los lectores más veteranos podamos identificar. El Parásito, Bizarro, el Juguetero, Clayface o Mr. Mxyzptlk son algunos de los personajes «homenajeados» por Wanted, villanos que como podéis ver son mayoritariamente de DC.
Estas sorpresas son parte de una historia con un ritmo perfecto que dosifica las sorpresas y los puntazos a lo largo de los seis números de la serie, al que habría que añadir el especial con las fichas de los personajes. En este sentido, dentro que es un comic que se sigue leyendo como un tiro hoy en día, hay que reconocer que quizá el último número en el que conocemos la historia de Wesley y de su padre, es posiblemente el más flojo de la miniserie, al plantearlo todo para generar el punkarrada final en la que Wesley afirma que nos está dando por el culo a los lectores, dado que nosotros tampoco recordamos, ni querriamos hacerlo en realidad, que vivimos en un mundo dominado por villanos.
El dibujo de J.G. Jones con color de Paul Mounts me parece que es magnífico. Wanted creo que probablemente sea el mejor trabajo de la carrera de Jones. La narrativa cinematográfica tan de moda en esos años es perfecta, y el diseño de personajes haciéndoles diferentes pero reconocibles me parece una pasada. Es curioso que fruto de la influencia de Matrix y el año 2000, quizá justo el traje de Wesley de cuero negro totalmente tapado con gafas y máscara sea uno de los elementos menos icónicos que peor han envejecido. En este sentido, me viene también a la cabeza el epic-fail del diseño del traje de Nemesis creado unos años más tarde por Steve McNiven. Los comics de Millar tienen muchas virtudes, pero justo el traje de los protagonistas no es una de ellas.
Otro elemento que recuerda que estamos ante un comic de inicios de los 2000 es que Millar y Jones plantean unas páginas sin efectos de sonido creados con rotulación, volviendo con la idea de narrativa cinematográfica. Por ejemplo, cuando hay un disparo, vemos el fogonazo en el cañón, pero no el ruido. Tampoco se oye nada cuando se rompe un cristal, como podéis ver en las páginas de muestra que añado al final de la entrada. Esto no es algo que sea bueno o malo por si mismo, pero si merece la pena resaltar que esta moda ha sido superada hace muchos años, y tenemos multitud de ejemplos en los que una buena rotulación refuerza la sensación épica de los comics, como sucede en los comics creados por Daniel Warren Johnson.
Volviendo al dibujo de Jones, disfrutando de esta relectura me he acordado que Jones prácticamente ya no dibuja comics secuenciales, limitándose al dibujo de portadas y entiendo que de commissions. Y es una pena, porque en Wanted teníamos a un artistazo que iba para super estrella. Entiendo que el stress de los plazos de entrega pudo con él, y prefirió una vida más cómoda únicamente haciendo las portadas. Y quien sabe si también mejor pagada.
Wanted es un comic repleto de buenas ideas que resulta super entretenido, al que hay que sumar las sorpresas y punkarradas del Millar más polémico y necesitado que el público mainstream conociera y comprara su primer comic de creación propia. Por este motivo, el comic tiene motivos polémicos más que de sobra que hiciera que págins como CBR o Newsarama se hiciera eco de él y lo recomendara. Y la jugada no cabe duda que le salió bien, porque a partir de ahí los comics del sello Millarworld empezaron a crecer.
En es punto, aparte de lo mucho que me ha gustado volver a leer Wanted, hay que reconocerle a Millar su inteligencia y su buen hacer en los últimos años. El hype que ha provocado Nemesis Reloaded ha tenido una doble derivada, porque además de querer comprar cuanto antes Big Time con Pepe Larraz, me dejó con ganas de releer otros comics del Millarverso como Night Club, Magic Order, etc… como previa al evento y para estar al día con estos personajes antes que los veamos cruzarse. Y por supuesto, tengo claro que Wanted se va a volver a vender como churros en estas próximas semanas y meses, al darle un protagonismo super inesperado a un comic publicado hace casi 20 años que miles de lectores probablemente no supieran ni que existía. ¡Qué listo eres, Millar!
En un momento en que muy pocas cosas de Marvel o DC me interesan, me resulta una pasada el hype que Mark Millar ha generado en mi gracias sus últimos comics. Últimamente estoy hasta el gorro de universos comiqueros mal llevados como la franquicia mutante de Krakoa. Y eso de los comics que compro, porque la continuidad DC no me puede resultar menos interesante ahora mismo. Sin embargo, cuando vemos una interconexión bien planteada en unos comics autoconclusivos entretenidos e interesantes, es imposible no sentirse interesado por ellos.
Comparto las primeras páginas del comic:
Wanted fue el primer comic del Millarworld y 20 años después se mantiene con un estupendo entretenimiento, con el plus de interés que los últimos acontecimientos han añadido a esta historia de super villanos que ha cobrado nueva vida gracias a Big Game.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Han pasado casi siete meses desde el estreno del Especial Navidad de Guardianes de la Galaxia en Disney+. Eso es muchísimo tiempo en televisión. Y por fin pudimos ver el arranque de Invasión secreta, la serie que significa el retorno a Samuel L. Jackson a su personaje fetiche Nick Furia. Comento mis impresiones de este primer episodio.
PUNTUACIÓN: 5/10
Nick Furia descubre que una facción de cambiaformas skrulls está invadiendo la Tierra en secreto.
Secret Invasion es una miniserie de televisión estadounidense creada por Kyle Bradstreet, un guionista y productor conocido por su trabajo en Mr. Robot que además de crear la serie dirige al equipo de guionistas. La serie de seis episodios ha sido dirigida por Ali Selim, un director de cine y televisión nacido en Minnesota y de ascendencia egipcia y alemana que ha dirigido más de 850 anuncios de televisión, cinco documentales de media hora y varios vídeos musicales. La serie se inspira en la historia homónima de Marvel Comics aunque irá como suele ser el caso completamente a su aire, y es la novena serie de televisión del Universo Cinematográfico Marvel (MCU).
Además de Samuel L. Jackson retomando a Nick Fury, en la serie asistimos al retorno de caras conocidas dentro del MCU como son Ben Mendelsohn como Talos, Don Cheadle como James «Rhodey» Rhodes, Cobie Smulders como Maria Hill y Martin Freeman como Everett K. Ross.
Los nuevos actores que se incorporan al MCU son Kingsley Ben-Adir como Gravik, el líder de un grupo de Skrulls rebeldes, Emilia Clarke como G’iah, la hija de Talos, Olivia Colman como Sonya Falsworth, una agente de alto rango del MI6 y vieja aliada de Fury, y Dermot Mulroney como Ritson, el presidente de los Estados Unidos.
Empezando a valorar este primer episodio, tengo que reconocer que las sensaciones no han sido buenas. La serie inspirada en el comic de Brian Michael Bendis y Leinil Francis Yu prometía una historia de espionaje y conspiraciones al tener que enfrentarse Nick Furia a la amenaza de unos Skrulls rebeldes que buscan desestabilizar el planeta gracias a sus habilidades de alteración de su apariencia física. Mezclar el género de espías con una buena dosis de paranoia si se hacía bien podía darnosa una serie bien maja. Sin embargo, este primer episodio ha tenido un tremendo problema de falta de tensión que hizo imposible que ninguna escena me enganchara. He leído que se ha calificado a la serie como «sobria», y dentro que es una opinión subjetiva, en mi caso sería sinónimo de «falto de interés» y casi de «aburrida».
El reparto de Invasión secreta es genial, con Samuel L. Jackson, Ben Mendelsohn, Cobie Smulders, Martin Freeman y la presentación en el MCU de Olivia Colman y Emilia Clarke entre otros. A Don Cheadle o Delmot Mulroney no les incluyo porque su aparición en el capítulo ha sido apenas un cameo de pocos segundos. Sin embargo, todos están super desaprovechados con unos diálogos bastante flojos y sobre expositivos y una puesta en escena televisiva cutrilla que convierte en mediocre una trama que debería enganchar desde el minuto uno y no lo hace.
En esto hay que hacer un inciso, porque creo que la serie realiza un salto de fe demasiado grande asumiendo que conocemos a todos los personajes. Y aunque por supuesto sabemos quien es Nick Furia y recordamos vagamente que Talos era el Skrull bueno de Capitana Marvel, la serie no realiza un buen trabajo en la presentación de nadie. Empezando por un Furia que se ha pasado años en la estación espacial S.A.B.E.R. sin de momento darnos una explicación razonable del motivo. No, que Fury diga que tuvo una crisis de fe por el Blip de Infinity War no sirve, dado que en ese momento Fury se encontraba en la clandestinidad tras desaparecer SHIELD. Por no haber explicado bien, creo que de hecho no sabemos que es S.A.B.E.R. (la estación espacial), ni desde luego se nombra a S.W.O.R.D., la organización que teóricamente cubrió el hueco de SHIELD en este caso centrada en estudiar y vigilar posibles amenazas extraterrestres. Y esto es si mismo no es grave, pero si la presentación no es buena incluso para alguien como yo que me considero un fan del MCU que está al día, lo que habrán podido pensar espectadores ocasionales puede ser eso multiplicado por 100. Al final, se trata de ponérselo fácil al espectador, cosa que creo la serie no hace.
Reconozco que no tenía ningún hype previo por esta serie, pero los siete meses sin contenidos de Marvel Studios en Disney+ hizo que fuera a ver seguro esta serie. También tengo claro que la serie de Disney+ coge el nombre del comic-evento de Bendis y Yu pero no iba a tener nada que ver más allá de la premisa básica. Sin embargo, dentro que la historia estaba claro que sería diferente, al menos confiaba que la serie buscara recrear la sensación de paranoia al no saber en quien confiar, al poder ser cualquiera un skrull infiltrado. Y al menos en este primer episodio la falta de este elemento ha sido uno de los mayores chascos del conjunto. Para ser un primer episodio que debe enganchar, no lo ha conseguido.
Por no gustarme, no me gustan ni las localizaciones ni en general el diseño de producción. He leído que la serie se rodó en Inglaterra, pero al menos en este episodio hay dos escenas de persecución, una nocturna y la segunda de día, que diría que pasan por la misma escalera, lo cual me ha parecido super cutre. En ese sentido, los sets de rodaje y las localizaciones no transmiten que estemos ante una superproducción como al menos sí tuvimos en Falcon y el Soldado de Invierno. Todo está planteado de la forma menos atractiva posible.
El episodio de 55 minutos (contando los títulos de crédito finales), plantea un final con una sorpresa super potente a modo de cliffhanger final. Este final incluye varias explosiones que deberían ser de las escenas más espectaculares de toda la serie. Lamentablemente, de nuevo está rodada de forma super montonera, con el plus negativo de unas explosiones de CGI que excepto la primera no se las han currado nada. En esto creo que también juega un factor importante la nula capacidad actoral de Kingsley Ben-Adir como Gravik, el líder del grupo de Skrulls rebelde y a priori villano de la serie, un actor que no tiene ni presencia en pantalla ni transmite ningún tipo de sensación de amenaza, y que pinta a que puede ser lo peor de una serie muy, muy normalita.
La suerte que tiene Invasión secreta es que son tan sólo 6 episodios y que estas semanas están siendo flojillas en cuanto a estrenos televisivos que me interesen. Es por esto que a menos que los próximos dos episodios sean penosos, cosa que no espero que vaya a pasar, creo que veré la serie entera para poder valorarla una vez esté completa.
Dentro de la sorpresa final, me gustaría pensar que existe la posibilidad que la semana próxima descubriremos un giro que conecte con la paranoia de que cualquiera puede ser un Skrull encubierto. Si esa sorpresa se confirmara, creo que podriamos estar ante una buena idea, a falta eso si de la ejecución. Aunque claro, hasta la semana que viene no sabremos si esto es así o no.
Teniendo en cuenta la decepción de Ms. Marvel o Hulka, esperaba que el arranque de esta Invasión secreta fuera la bomba para engancharnos. Me sabe mal comprobar que no ha sido el caso. Y ya no por mi, veo difícil que este arranque enganche a espectadores no fans del MCU. Aunque no es indicativo de nada, mi hijo no parecía muy emocionado con el episodio, y mi mujer se puso a ver videos de Tick-tock. La cosa no pinta bien…
Comparto el trailer de la serie:
Invasión secreta ha empezado de forma decepcionante. Esperemos que aumente su interés en las próximas semanas, porque este arranque no ha sido para tirar cohetes.
PUNTUACIÓN: 5/10
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Tenía ganas de ver Tyler Rake 2, la nueva película de Chris Hemsworth de nuevo dirigida por Sam Hargrave y que cuenta con la producción de los hermanos Russo para Netflix. Y me he encontrado con unos planos secuencia de acción alucinantes pero también alguna cosa menos buena.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
Después de sobrevivir (a duras penas) a todo lo que le sucede en la primera película, Rake regresa como mercenario australiano de operaciones encubiertas al que se encomienda otra misión suicida: rescatar a la maltrecha familia de un despiadado gángster georgiano de la prisión donde se encuentra recluida.
El director, coordinador de escenas de acción y especialista Sam Hargrave repite en la dirección de esta segunda parte de Tyler Rake. Joe Russo escribe el guión de esta secuela que se inspira en personajes creados en la novela gráfica Ciudad, de Ande Parks e ilustrada por Fernando León González. La película de 122 minutos ha sido producida por AGBO, la productora de los hermanos Russo, y cuenta con fotografía de Greg Baldi, montaje de Álex Rodríguez y William Hoy y música de Henry Jackman y Alex Belcher. La película ha sido rodada en localizaciones de República Checa y Austria.
En el reparto encontramos el retorno de Chris Hemsworth como el merenario protagonista Tyler Rake. Golshifteh Farahani como Nik Kahn y Adam Bessa como Yaz Kahn son el equipo de operaciones que ayuda a Tyler a realizar sus misiones. Tinatin Dalakishvili es Ketevan, la hermana de la ex-esposa de Tyler Mia (Olga Kurylenko, que intenta huir de un esposo violento Davit (Tornike Bziava) miembro de un grupo violento, y madre de Sandro (Andro Japaridze) y Nina (Marta Kovziashvili). Daniel Bernhardt como Konstantine, el villano de la película y un gangster georgiano líder de un grupo de asesinos sanguinarios.
¡Menuda manta de ostias acabo de ver! Tyler Rake era un apabullante ejercicio de estilo que buscaba recrear la potencia visual del cine de acción asiático. Esta secuela mantiene las señas de identidad de la primera parte, con unos larguísimos planos secuencia en varias escenas de acción que me han volado la cabeza. La entrada en la prisión, la pelea en el patio o el ataque al tren son escenas alucinantes que forman ya parte de la historia del cine de acción. Ver a Hemsworth realizar todas las complejas y larguísimas coreografías de acción me parece una salvajada, al nivel de lo que Keanu Reeves ha conseguido a John Wick.
Tyler Rake 2 es una película que justifica la suscripción de Netflix. De hecho, que una película tan de nicho como es esta que en el cine hubiera quedado relegada como serie B a una distribución mínima consiga alcanzar una audiencia masiva gracias al streaming me parece una pasada. Hay público entre el que me encuentro que no necesita historias sesudas sino películas que muestren buenas escenas de acción en las que se vea lo que está pasando. Tyler Rake 2 lo consigue de forma modélica, ya le gustaría a todo el cine comercial aparte de John Wick tener unas escenas de acción tan bestias como las que hemos disfrutado en esta película.
Para esta segunda parte Joe Russo ha planteado cierto transfondo a Tyler Rake centrada en su sentimiento de culpabilidad por la muerte de su hijo, que murió debido a una enfermedad. Esto permite a Hemsworth mostrar un cierto rango interpretativo para que la película no sea sólo acción sin más. Esto entiendo que le dio a Hemsworth el plus que necesita como artista para hacer cosas diferentes y no repetirse, pero en realidad aquí venimos a ver acción. Y creo que es algo que todos sabemos que es así.
Puestos a comentar algo menos bueno, la verdad es que los personajes resultan intrascendentes y no llegan a interesar en ningún momento. Los malos son carne de cañón, pero se podría haber dado cierta importancia a algunos esbirros, por ejemplo a la mano derecha del malo, cosa que no llega a suceder, de forma que sus muertes son como ver llover, no provocan ninguna sensación, lo cual no es buena noticia. A los aliados de Tyler únicamente los quieren ahí para ayudar a que las escenas tengan el feeling apropiado de misiones de fuerzas especiales, pero tienen la complejidad y el carisma de un ladrillo, por lo que nos dan igual si viven o mueren. Reconozco que tampoco es que necesite profundidad en los secundarios, pero la sensación que las escenas pausadas son apenas las excusas necesarias que lleven la historia de una escena de acción a la siguiente está presente a lo largo de todo el visionado.
Además, además de esta falta de interés hacia ningún personaje hay que sumar que el exceso de la complejidad de los planos secuencia provoca que haya momentos en que los combates no tienen potencia ni sensación de peligro real, al notarse el elemento de «coreografía» por encima del de combate. La película me deja flipado por haber podido realizar elementos tan complejos en planos tan largos, pero ha perdido la sensación de pelea real en la que el protagonista puede morir, como por ejemplo si tuvimos en The Raid 2, en la que también vimos un motín en una prisión mucho mejor realizado que este. De hecho, Rake sufre un disparo en una mano y eso no le impide seguir con los combates como si tal cosa.
En todo caso, Tyler Rake 2 me ha dado lo que quería y me ha dejado más que satisfecho. De hecho, Netflix ya ha confirmado la producción de la tercera película y tengo claro que la veré encantado cuando se estrene.
Comparto el trailer de la película:
Tyler Rake 2 nos da justo lo que esperábamos, unas escenas de acción alucinantes. No se le puede pedir más.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
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