Archivo de la etiqueta: Disney Plus

Crítica de Star Wars Tripulación perdida episodio 3 (Disney+)

El tercer episodio de Star Wars Tripulación perdida en Disney+ confirma que su creador Jon Watts ha entendido lo que es Star Wars para crear una estupenda historia que gustará a toda la familia.

PUNTUACIÓN: 8/10

Episodio 3. Muy interesante, como problema de astronavegación.

Un misterioso desconocido se ofrece a ayudar a nuestros héroes.

Jon Watts (director de la trilogía de Spiderman de Tom Holland) y Christopher Ford son los creadores y showrunners de Star Wars Tripulación perdida, y escriben el guion de este tercer episodio que ha sido dirigido por Davod Lowery, director de Green Knight , A ghost story o Peter y el Dragón. y que ya dirigió el segundo episodio. La serie de Lucasfilms ha sido rodada en el Domo digital de The Mandalorian, y su música ha sido creada por Mick Giacchino, el hijo de MICHAEL Giacchino. Este tercer episodios ha tenido una duración de 40 minutos, incluyendo los títulos de crédito y el resumen inicial.

En el reparto tenemos a Jude Law como Jod Na Nawood, un prisionero con un pasado oculto que cree que su encanto le permitirá escapar de los problema que se va encontrando. Ravi Cabot-Conyers es Wim, un joven humano que tiene sueños de aventura lejos de su perfecto y aburrido planeta At Attin. El resto de jóvenes perdidos son Ryan Kiera Armstrong como Fern, una joven demasiado lista para su propio bien, Kyriana Kratter como KB, amiga de Fern que lleva un visor cibernético conectado a un implante conectado a su cabeza y Robert Timothy Smith como la voz de Neel, un joven alienígena no identificado con aspecto de elefante y amigo de Wim. Además, Nick Frost hace la voz de SM-33, el decrépito droide primer oficial de la Onyx Cinder.

En mi reseña de los dos primeros episodios de Star Wars Tripulación perdida ya comenté que aparte del obvio «Goonies en el espacio», la serie me transmitía unas excelentes vibraciones que me recordaron a las historias de piratas y en concreto a La isla del tesoro de Robert Louis Stevenson. En este tercer episodio se confirma que el personaje de Jod Na Nawood interpretado por Jude Law tiene una conexión clarísima con John Silver, el capitán pirata de la novela de Stevenson. Un capitán que se ofrece a llevar a los niños a su planeta natal de At Attin, pero no por el altruismo de su corazón sino por la expectativa de encontrar un tesoro oculto allí, el Santo Grial de los piratas del mundo de Star Wars.

Jude Law es un actorazo y en Tripulación perdida transmite todo su carisma, entendiendo y abrazando el tono ligero para todos los públicos de la serie. En este episodio se confirma que Jod Na Nawood es en realidad el Capitán Silvo que lideraba a los piratas en el principio de la serie y sufrió un motín cuando un ataque a una nave carguera no consiguió ningún botín. Además, Silvo / Jod Na tiene también el sobrenombre de «Crimson Jack», y tiene precio a su cabeza en la Nueva República. Pero a pesar de todo se intuye que Jod Na, como John Silver antes que él, tiene buen corazón y puede que llegue a encariñarse con los crios. Si bien esto no le impedirá hacer alguna jugada chunga a lo largo de la serie. La ambigüedad del personaje me parece que puede ser lo mejor de la serie, y de momento tuvimos varios momentos super divertidos en el episodio, como cuando tiene que volver al puerto a rescatar a SM-33, y cómo el robot averiado le cala en seguida y no se fía de él.

Como en el arranque de la serie, me gustan mucho los chavales. Me encanta cómo Wim y Neel confían automáticamente en su salvador, sobre todo ante la posibilidad de que sea un Jedi. El contraste lo ponen Fern y KB que desconfían de alguien que parece un pirata, se comporta como un pirata y estaba en un puerto pirata. Blanco y en botella. Los diálogos de los niños con Jod Na nos da momentos maravillosos, como cuando le preguntan por qué no escapó de la prisión antes si podría haberlo hecho en cualquier momento. O la forma en que en realidad no sabemos como Jod Na consiguió la llave pero Fern nos da varias posibilidades para que los espectadores elijamos la que más nos guste. Al final, aunque no lleguen a confiar en él, no tienen otra opción si quieren volver a casa, así que desconfianza que existe puede ser la fuente de conflictos y momentos super chulos a medida que avance la serie.

Me gusta mucho que los creadores de Tripulación perdida entienden la naturaleza episódica de la narrativa televisiva, y nos ofrecen un entretenimiento estupendo que además se siente como un capítulo satisfactorio dentro de lo que va a ser este viaje. La huida del puerto pirata nos da un momento super espectacular que luce increíble y es 100% Star Wars. Como también lo es Kh’ymm, la experta en mapas estelares a la que Jod Na acude para pedirle ayuda para encontrar el planeta de los críos, que es un muppet con forma de buho y es también 100% Star Wars. Como The Mandalorian, me encanta que una serie entienda y abrace lo que George Lucas creó con Star Wars, que está ligado a la existencia de múltiples seres alienígenas de formas diversas. Sin importar lo absurdo o irreal que pueda parecer a priori. Un tono Star Wars que por ejemplo Andor no tiene.

Narrativamente, el episodio tiene acción y espectáculo, pero también da algunas claves que se intuyeron en el arranque de la serie, como que Attin es una de las Joyas de la Antigua República. Unos planetas repletos de maravillas que fueron ocultados para su protección, pero que fueron encontrados y destruidos todos excepto Attin, que se ha convertido en un tema de cuentos infantiles, rumores y conversaciones de piratas en la barra de un bar. Otro elemento que creo que puede ser interesante es la identidad del Supervisor de At Attin, la misteriosa persona que se supone dirige el planeta. Y que me da que no existe (o falleció) y el planeta está controlado con robots que siguen ciegamente una programación que se quedó obsoleta tras la caída del Imperio, aunque ellos no lo sepan. A todo esto, está el propio tesoro de At Attin, que en realidad nadie sabe lo que es y que puede ser una fuente de frustración para Jod Na cuando finalmente lo encuentren. Hay un montón de misterios por descubrir, y creo que llegar a At Attin va a ser más complicado de lo que los niños imaginan. Pero seguro será super entretenido.

El corazón de Tripulación perdida está en el sitio correcto, y sumando el feeling 100% Star Wars a unos personajes entrañables maravillosos y una historia divertida y disfrutable por toda la familia, tenemos una serie que para mi está acertando en todo lo que nos ha propuesto hasta ahora. Y que estoy seguro que voy a disfrutar durante las 5 semanas en que se emita.

Comparto el trailer de esta serie:

Tripulación perdida va a ser LA SERIE para toda la familia de estas navidades. Puro Star Wars y pura diversión.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Crítica de The Bear temporada 3 (Disney+)

El estreno de la tercera temporada de The Bear me ha obligado a volver a suscribirme al canal de streaming de Disney. Y qué seriaza, si bien esta temporada tiene mucho que comentar en positivo y en no tan positivo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

La tercera temporada de “The Bear”, de FX, cuenta la historia de Carmen «Carmy» Berzatto (Jeremy Allen White), Sydney Adamu (Ayo Edebiri) y Richard «Richie» Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach) que en su empeño por colocar en lo más alto a The Bear, convierten su local en restaurante de lujo mientras hacen todo lo posible por mantener el negocio. El negocio de la restauración es una batalla perdida cada día pero Carmy se esfuerza más que nunca y exige excelencia a su equipo, que hace todo lo posible por igualar su pasión.

Su búsqueda de la excelencia culinaria llevará al equipo a asumir nuevos retos y pondrá a prueba los lazos que mantienen unido el restaurante. A medida que el equipo crece en tamaño, todos los miembros se esforzarán por alcanzar un mayor compromiso en sus puestos. En el sector de la restauración nunca se pisa tierra firme y, con un panorama en constante cambio, los retos y las oportunidades surgen a diario. Nuestros chefs han aprendido que cada segundo cuenta, pero esta temporada descubriremos si son capaces de seguir en pie un día más.

«The Bear» de FX, elegida Programa de Televisión del Año por AFI durante dos años consecutivos, ha figurado en los premios por sus dos primeras temporadas que han cosechado excelentes críticas. De hecho, la serie ha sido nominada y/o premiada en los Emmy®, los Globos de Oro, los Premios del Sindicato de Actores, Premios Peabody, Premios Critics Choice, Premios del Sindicato de Guionistas, Premios del Sindicato de Directores, Premios del Sindicato de Productores, Premios NAACP Image, Premios Independent Spirit, Premios MPSE Golden Reel, Premios CAS, Premios ACE Eddie y Premios TCA, entre otros.

The Bear ha sido creada por Christopher Storer, un productor, director y guionista de cine estadounidense conocido antes de The Bear por Ramy, Eighth Grade y el especial de Netflix ganador del premio Peabody Hasan Minhaj: Homecoming King. Storer dirige 7 de los 10 episodios de esta tercera temporada. Duccio Fabbri, la también showrunner Joanna Calo y la actriz Ayo Edebiri (Sydney) dirigen los otros tres episodios. Storer también escribe 7 de los diez episodios, contando la serie con el trabajo en los guiones de Matty Matheson, Courtney Storer, Will Guidara, Catherine Schetina, Alex Russell y la showrunner Joanna Calo.

Jeremy Allen White interpreta a Carmen «Carmy» Berzatto, un galardonado chef de cocina de Nueva York que regresa a Chicago, su ciudad natal, para dirigir el restaurante de su difunto hermano Michael, The Beef. Ebon Moss-Bachrach como Richard «Richie» Jerimovich, el mejor amigo de Michael y gerente de facto del restaurante. Ayo Edebiri como Sydney Adamu, un joven y talentoso chef que se une a The Beef como nuevo segundo de cocina a las órdenes de Carmy. Lionel Boyce como Marcus Brooks, el panadero de The Beef convertido en chef pastelero, estimulado por la tutoría de Carmy. Liza Colón-Zayas como Tina Marrero, una cocinera veterana, mordaz y testaruda que aprovecha la oportunidad de formarse profesionalmente. Abby Elliott como Natalie «Sugar» Berzatto, hermana de Carmy y Michael, copropietaria a regañadientes de The Beef, y Matty Matheson como Neil Fak, amigo de la infancia de los Berzatto y a veces manitas del restaurante, son los protagonistas principales.

En esta tercera temporada hemos tenido un montón de cameos, desde Josh Hartnett, Will Poulter o John Cena. Además, chefs y restauradores como Daniel Boulud, René Redzepi, Thomas Keller, Grant Achatz, Christina Tosi, Kevin Boehm, Wylie Dufresne, Will Guidara, Genie Kwon, Malcolm Livingston II, Anna Posey y Rosio Sánchez aparecen como ellos mismos en esta temporada. Destacar también que Joel McHale como David Fields, el abusivo chef ejecutivo de Carmy en Nueva York, tendrá una escena muy importante esta temporada.

Jon Bernthal como Michael «Mikey» Berzatto, el hermano fallecido de Carmy, Jamie Lee Curtis como Donna Berzatto, la madre de los hermanos Berzatto, Oliver Platt como Jimmy «Cicero» Kalinowski, el mejor amigo del padre de los hermanos Berzatto, al que todos se refieren cariñosamente como «Tío», e inversor clave del restaurante. Molly Gordon como Claire Dunlap, una amiga de la infancia de los Berzatto, de la que Carmy estaba enamorada de adolescente, Olivia Colman como la chef Andrea Terry, la chef ejecutiva británica de Ever, el restaurante de alta cocina más importante de Chicago, tienen todos momentos muy importantes en esta temporada.

The Bear es una serie única. Hay que entender esto de inicio para poder disfrutarla. En cierto sentido, The Bear es una carta de amor a la profesión de restaurador y a lo difícil que es no sólo ser bueno en lo que haces sino conseguir mantenerte en el tiempo. Pero lo principal de esta temporada es que aunque hay una trama en lo referido a los problemas de The Bear por mantenerse abierto, en realidad para bien y para mal la temporada se centra en el retrato psicológico de Carmy, una persona rota por dentro que no sabe pedir disculpas y que la cagó al final de la temporada anterior cuando alejó de su lado a su novia Claire. Carmy se centra de forma obsesiva en su restaurante, dejando de lado a su teórica compañera en la cocina Sydney, a la que no tiene en cuenta a la hora de cambiar el menú CADA DÍA, y enojando a su «primo» Richie, lo que provocará la mayoría de tensiones y problemas de la temporada, mientras luchan por conseguir que el restaurante sea rentable para que no cierre.

La serie está rodada con unos tremendos primeros planos que ayudan a mostrar la psicología de los protagonistas, en especial de Carmy, que en realidad se convierte en alguien super desagradable, a pesar de sentir los problemas que sufre, que ha sufrido toda su vida. Pero aparte de Carmy, ver a Sydney tragarse los numerosos desplantes y faltas de respeto de Carmy a su trabajo dejan claro que estamos ante un polvorín a punto de estallar. Esta elección sobre la forma en mostrar a los personajes provoca una sensación super opresiva, con una tensión bestial en montones de episodios de esta temporada.

Dentro de esta opción de «NO-trama» de The Bear, es curioso que probablemente los mejores episodios de la temporada sean justo los que no hacen avanzar la trama, sino centrarse en personajes concretos de la serie. En concreto, el episodio 6 «Servilletas», en el que vemos la historia de Tina Marrero y como conoció The Bear y a su dueño Mikey Berzatto, me emocionó. Liza Colón-Zayas es una gran actriz que seguro ha vivido en sus carnes lo mismo que Tina, y su escena con Jon Bernthal es espectacular. Qué bueno es Bernthal y que episodio más increíble. El otro episodio super emocionante es el octavo «Cubitos de hielo», en el que Natalie tiene que llamar a su madre Donna para que la acompañe en el parto, al no poder contactar con nadie más. Este episodio, rodado casi totalmente en una sala de pre-parto con madre e hija abriendo sus corazones me impactó. Y whoa! qué buena es Jamie Lee Curtis y cómo aprovecha un personaje tan complejo como Donna para hacer una interpretación super emocionante. Está claro que los problemas de una vida no se arreglan con una conversación, pero que este pueda ser el primero de muchos pasos me parece uno de los grandes momentos televisivos de 2024.

Me encanta The Bear. Todos los personajes tienen una humanidad emocionante, como Marcus el panadero y encargado de los postres, o Gary (interpretado por Corey Hendrix), el antiguo camarero de the Bear reconvertido en sommelier del restaurante. Las pequeñas historias de todos los miembros del restaurante son increíbles. Y dentro del clarísimo alivio cómico que plantean las situaciones de los hermanos Fak, para que la serie no sea excesivamente intensa y demoledora, la verdad es que son momentos que me resultan muy tontos pero muy divertidos. Dicho esto, cuando Neil y su hermano van a ver a Claire a disculparse por Carmy, porque saben que él no sabe hacerlo, ni está preparado emocionalmente para hacerlo, resulta un momento también super emocionante. Por cierto, es alucinante que la serie consiga que nos enamoremos de Claire y suframos con ella, pensando lo poco que aparece en esta temporada. Sin duda, es otro éxito de la serie y de lo bien escritos que están sus personajes.

The Bear plantea episodio de entre 28 a 44 minutos de duración. Son episodios cortos que acercan la serie más a una comedia que a un drama. En lo que a la duración se refiere. Pero es que hay tanta intensidad y tanto drama, que los espectadores no podríamos con episodios de más duración. El diseño de producción, la forma en que nos meten en la mente de Carmy y nos muestran los platos que cocinas, resaltando su creatividad, me parecen otros de los factores que explican el éxito de la serie. Como también me flipa la selección de canciones de esta temporada. En lugar de pasar al siguiente episodio, me quedaba siempre a escuchar la canción que cerraba el episodio y que resalta el estado mental y emocional del momento. Buenísimo todo.

Y destacar sobre todo el trabajo de los guionistas y showrunners. Los diálogos son increíbles y dicen tanto lo que dicen como lo que no se dice y se va dejando poso en los personajes. La sensación de stress y tensión no está limitada a la cocina, sino que los personajes están sufriéndolo en todo momento de las formas más inesperadas. Los guiones de cada uno de los episodios me parece brillante, menudo trabajo más emocionante, me tuvieron con la pie de gallina bordeando el llanto la gran mayoría del tiempo. Y esto me maravilla.

Dentro que la serie me ha gustado mucho, hay varias cosas menos buenas, empezando porque la forma en que Carmy no puede / no sabe procesar sus sentimientos o su trauma interior y se centra en el trabajo puede ser (seguro que es) algo super real, pero le ha convertido en un gilipo/&%s integral que está echando de su lado a todos sus amigos. Intelectualmente entiendo que parte de la brillantez y la originalidad de the Bear es precisamente la forma en que han construido a Carmy. Y la interpretación de Jeremy Allen White me parece super intensa y alucinante. Pero no puedo evitar pensar que Carmy es alguien repelente. Además, la escena con Joel McHale en la que se indica que si Carmy es tan brillante es porque asimiló el maltrato psicológico centrándose en la cocina, consiguiendo así la excelencia, me parece una idea super chunga a poco que uno se pone a penar en ella. Espero que consiga aprender a pedir ayuda antes que sea tarde, veremos qué pasa en la próxima temporada.

Otro elemento con el que no he conectado esta temporada es el papel que han planteado para Richie, el mejor amigo de Carmy. La interpretación de Ebon Moss-Bachrach es brillante como siempre, pero protagonizó uno de los mejores episodios de la segunda temporada, «Tenedores, el 7º episodio», en el que aprendía de verdad lo que supone la profesión de jefe de sala en un restaurante y parecía alcanzar una más que merecida paz mental. Sin embargo, esta temporada le ha devuelta a su papel de «tío enfadado por lo que hace Carmy». Y no es que no tenga razón en parte, pero parece una involución que no merecía. Sus momento con su hija y su ex-mujer Tiffany (Interpretada por la genial Gillian Jacobs) están bien, pero no son suficientes.

El tercer elemento que me ha fastidiado un poco es que a pesar que la serie no va de trama, en realidad la poca trama (o mucha, según se mire) que había se ha quedado literalmente a mitad, de forma que más que una temporada completa estos 10 episodios casi se sienten como media temporada. The Bear necesita una crítica positiva del periódico local para sobrevivir, y nos quedamos sin saber qué dice. Pero es más, el final de la temporada refuerza que el arte de la restauración es efímero, por lo que parecería que The Bear tiene los días contados. Por los problemas económicos, pero sobre todo con la forma en que Carmy aleja a los que quiere. Pero todo eso quedará pendiente al menos un año, hasta que los creativos se pongan con la cuarta y quien sabe si última temporada. Y a pesar de lo que comentaba antes, Carmy merece un final feliz con la chica a su lado y sus amigos trabajando felices a su lado. Lamentablemente, es todo tan realista que no tengo claro que eso vaya a suceder.

En todo caso, The Bear me parece una de las grandes series de este 2024, una historia llena de humanidad que ha conseguido emocionarme en todos sus episodios. Super recomendable.

Comparto el trailer de esta temporada de The Bear:

The Bear me deja roto con cada temporada, espero que pronto que tarde se pongan con la cuarta temporada, porque la necesito ya.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.

¡Saludos a todos!

Crítica de Caballero Luna Episodio 1 (Disney+)

Prometedor. Si sólo tuviera una palabra para describir mis impresiones del primer episodio de Caballero Luna recién estrenado en Disney+, sería esa. Comento mis impresiones del episodio de presentación del nuevo héroe de Marvel Studios protagonizado por Oscar Isaac.

PUNTUACIÓN: 7/10

Episodio 1. El problema del pececito.

Steven Grant sufre un trastorno de identidad disociativo y comparte cuerpo con un fiero mercenario.

Moon Knight (Caballero Luna en España) es una serie más arriesgada de lo que parece. Estamos ante la primera serie original en imagen real que Marvel Studios presenta en Disney+ que no es un concepto derivado / continuación de las películas del MCU, como pasó en Wandavision, Falcon y el Soldado de Invierno, Loki y Ojo de Halcón. Y que el protagonista no sea un héroe puro típico sino un personaje con trastorno de identidad disociativo (lo que toda la vida hemos entendido como síndrome de personalidades múltiples), puede ser una importante barrera a la entrada de algunos espectadores que no sepan qué esperar, o no consigan conectar con él.

El comic de Marvel nunca ha sido un super ventas, pero desde su primera aparición en Werewolf by Night #32 (1975) creado por el escritor Doug Moench y por el artista Don Perlin, el personaje ha disfrutado de varias etapas celebradas en las que encontramos a Moench con Bill Sienkiewicz, Charlie Huston con David Finch, y más recientemente Warren Ellis con Declan Shalvey o Jeff Lemire con Greg Smallwood. Si te interesa conocer más detalles sobre el personaje, te recomiendo que escuches el podcast monográfico de Sala de Peligro.

Para esta nueva serie de Disney+ de seis episodios, Marvel Studios ha contratado a Jeremy Slater como creador y escritor principal, y a Mohamed Diab al frente del equipo de dirección.

Jeremy Slater es un escritor y productor de cine y televisión estadounidense, conocido por su trabajo en películas como 4 Fantásticos, la adaptación live action de Death Note, y en series de televisión como The Umbrella Academy y The Exorcist, que Slater creó y en las que se desempeña como productor ejecutivo.

Mohamed Diab es un escritor, guionista y director de cine egipcio cuyo trabajo se centra principalmente en problemáticas relacionadas con la sociedad egipcia. Es reconocido por su debut como director, la película de 2010 El Cairo 678, estrenada un mes antes de la revolución egipcia. Diab además escribió la historia de la exitosa franquicia cinematográfica El Gezeira (La isla), cuya recaudación en taquilla ha sido de las más altas en la historia del cine egipcio y árabe. Caballero Luna es el primer trabajo de Diab en el mercado americano.

La serie cuenta con localizaciones en Budapest, que hace las veces de Londres, Eslovenia y Jordania, además de en los estudios centrales de Disney en Atlanta. Este primer episodio de presentación de la serie y del personaje tiene 47 minutos, 41 sin los títulos de crédito. La serie cuenta con fotografía de Gregory Middleton y Andrew Droz Palermo y montaje de Cedric Nairn-Smith, Joan Sobel y Ahmed Hafez. El compositor egipcio Hesham Nazih ha compuesto la música de la serie, siendo su primer gran proyecto en inglés y una muestra de la búsqueda de talento de Marvel entre profesionales árabes.

El gran atractivo de Caballero Luna es poder disfrutar del talento de Oscar Isaac e Ethan Hawke. Isaac interpreta al protagonista Steven Grant, un perdedor que trabaja en el Museo Británico, tiene una gran afición por el Egipto antiguo y sufre pesadillas de una vida que no es la suya. O tal vez es Marc Spector, un mercenario busca tesoros que se ha convertido en el avatar del dios de la luna Khonshu. Por su parte, Hawke es Arthur Harrow, un fanático religioso y líder de una secta que adora al dios egipcio Ammit y que probablemente vaya a convertirse en el antagonista del protagonista. Junto a ambos, en este primer episodio hemos escuchado al veterano F. Murray Abraham haciendo la voz del dios Khonshu.

Y empezando a valorar este episodio, lo primero destacado es confirmar qué suerte tiene Marvel Studios, o que buen trabajo del director de casting, al poder contar con Oscar Isaac. El actor nacido en Guatemala aunque afincado desde niño en Estados Unidos realiza un despliegue actoral super chulo en este episodio protagonizado por Steven Grant, un perdedor super educado que personifica el estereotipo del loser pobre de buen corazón que no sabe cómo relacionarse con la gente. Escucharle en la V.O. es alucinante porque Steven no se mueve ni habla igual (con un marcado acento británico) que Marc Spector, aunque esta personalidad apenas aparece en el episodio. Este elemento de las personalidades diferentes entiendo que fue lo que le dio a Isaac el extra de desafío interpretativo para aceptar el papel. La posibilidad que seguro veremos en próximos episodios de ver a Oscar Isaac alternar las diferentes personalidades puede darnos momentos espectaculares, lo cual me sugiere que si este arranque ha estado bien, la serie irá mejorando a medida que avance. Y a todo esto, ¿qué ha pasado con Jake Lockley, la tercera personalidad de Spector en los comics?

Como fan de los comics veo que este Steven Grant loser trabajando en el Museo Británico de Londres no tiene nada que ver con el millonario playboy de los comics, aunque diría que este cambio va a ser más bien anecdótico, y casi imprescindible para poner en marcha la trama de forma rápida. Confío que la visión global que nos muestre la serie del personaje va a ser bastante fiel al espíritu de los comics, partiendo que el Caballero Luna fue cambiando de origen con el paso de los años, así que no hubo una versión única y homogénea. En este sentido, lo que la serie sí ha hecho muy bien es mostrar claramente que Grant / Spector es alguien con problemas mentales. Que Grant no recuerde nada de lo que hace Spector cuando toma las riendas está super bien, y me recordó obviamente para bien al Tyler Durden de El club de la luche de Fincher (salvando las distancias).

Ethan Hawke es un actor que me encanta, así que tenerle en pantalla siempre está bien, aunque en este episodio ha tenido poco trabajo que hacer más allá de estar plantado delante de mucha gente y compartir dos cortas escenas con Isaac. Espero que por esta parte la serie también crezca y mejore a medida que avance, porque sería una pena desaprovechar el carisma y la presencia en pantalla de Hawke.

Comentaba al comienzo que el episodio me parecía prometedor. Y esto es así porque dentro que todo está bien, los 41 minutos se me han pasado en un suspiro y apenas han cubierto la presentación del protagonista. Queda todo por saber, empezando por el origen de Grant / Spector, el motivo de su enfrentamiento con Arthur Harrow y en general cual es el conflicto, qué apuestas están en juego en la serie. Todo lo visto me ha gustado sin fliparme, pero entiendo que están en la dirección correcta para ofrecernos una estupenda versión del Caballero Luna.

De hecho, ha sido todo tan poco, apenas la presentación de lo que está por venir, que lo mejor que se me ocurre es que me han dejado con muchas ganas de saber cómo continúa la historia. Tener que esperar 5 semanas para ver el final de la serie creo que se me van a hacer muy largas.

Si tengo que decir algo menos bueno del episodio, diría que la factura general me ha transmitido calidad televisiva, no cinematográfica. De hecho, hacer que los elementos sobrenaturales estén en un segundo plano desenfocados en parte ayudan a crear una atmósfera perturbadora (dentro de que hablamos de una serie de Disney, por supuesto nada terrorífico ni gore), pero no oculta el hecho que esto ayuda a abaratar el coste de estos efectos. En todo caso, viendo las localizaciones de la serie, tengo claro que Marvel ha invertido bastante dinero en esta serie, por lo que espero que también en este aspecto Caballero Luna también mejore a medida que avance la serie.

Comparto el trailer de esta serie:

Caballero Luna nos ha mostrado poco, pero todo bueno. A pesar de los cambios respecto al comic creo que va a ser una versión fiel al espíritu del personaje, y me ha dejado con ganas de saber cómo continúa la historia. La semana que viene comentaré a ver qué tal sigue.

PUNTUACIÓN: 7/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Ojo de Halcón episodios 1 y 2 (Disney+)

Nos acercamos al final del año, y en la previa a la navidad nos llega el comienzo de Ojo de Halcón, la nueva serie de Marvel Studios para Disney+ con la vuelta de Jeremy Renner como Clint Burton y la presentación de la maravillosa Hailee Steinfeld como Kate Bishop. Hoy comento mis impresiones SIN SPOILERS de los dos episodios recién estrenados.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Episodio 1. Jamás conozcas a tus héroes.

Episodio 2. El escondite.

Clint Burton (Ojo de Halcón) se aliará con la arquera Kate Bishop para destapar una conspiración.

Kevin Feige anunció oficialmente la serie de Hawkeye en la San Diego ComiCon de 2019, confirmando la vuelta de Jeremy Renner al papel de Clint Burton. Para el desarrollo de esta serie Marvel ha contratado a Jonathan Igla, un escritor veterano de series como Mad Men, donde empezó como escritor y terminó como editor en jefe de guiones, Pitch, Sorry For Your Loss, Shut Eye y Bridgerton. Igla aparece acreditado como creador de la serie, productor ejecutivo y guionista de momento del primer episodio, mientras que Elisa Climent ha escrito el segundo episodio.

Las series de Marvel Studios estrenadas en Disney+ hasta ahora habían tenido todas un único director para todos los episodios de la serie en cuestión: Matt Shakman en Wandavision, Kari Skogland en Falcon y el Soldado de Invierno, Kate Herron en Loki, y Bryan Andrews para What if? Esta “tradición” se rompe en Ojo de Halcón, ya que Marvel ha contratado a Rhys Thomas y a Bert y Bertie para que dirijan la serie. Thomas es un director y productor galés conocido por su trabajo en Saturday Night Live y la serie Documentary Now!, y se ha encargado de los dos primeros episodios recién emitidos, mientras que Amber Templemore-Finlayson y Katie Ellwood, conocidas como Bert y Bertie, directoras de cine y televisión británicas que dirigieron la película Troop Zero, dirigirán la segunda mitad.

Ojo de Halcón cuenta además con fotografía de Eric Steelberg y Jim Whitaker y música con un marcado tono navideño de Christophe Beck. La serie de 6 episodios ha sido rodada en localizaciones de Nueva York y en los estudios de Disney en Atlanta, y se comenta que cuenta con un presupuesto de 150 millones, resaltando que Disney sigue invirtiendo presupuestos de blockbuster cinematográfico.

Además del mega popular Jeremy Renner, Ojo de Halcón sirve de presentación en el MCU de Hailee Steinfeld como Kate Bishop, una universitaria super fan de Ojo de Halcón que busca imitarle y convertirse ella también en una heroína. Renner borda el papel del veterano Clint que sigue siendo un super pro pero está un poco quemado, no tanto de ser un héroe, sino de ser reconocido por la calle y que todo el mundo le considere un héroe mientras que él no pudo salvar a Natasha y recuerda los pecados que cometió como Ronin. Clint servirá de estupendo contraste de la chispa y la locura juvenil que representa Kate Bishop. Steinfeld transmite con su personaje un carisma y una empatía alucinante, y comparte una perfecta química con Renner.

El reparto lo completan Vera Farmiga como Eleanor Bishop, la madre de Kate, Tony Dalton como Jack Duquesne, el prometido de Eleanor que parece que tiene muchas cosas que ocultar. La familia de Clint vuelve a aparecer en la serie: Linda Cardellini como Laura Barton, yAva Russo, Ben Sakamoto y Cade Woodward como sus hijos Lila, Cooper y Nathaniel. Ojo de Halcón sirve además como presentación de Alaqua Cox como Maya Lopez / Echo, la heroina sorda de Marvel Comics que de momento es un misterio en esta serie, y tras el final de la película de Viuda Negra, se intuye que volveremos a ver a Florence Pugh como Yelena Belova, aunque quien sabe si a modo de cameo final.

Vistos los dos primeros episodios, las sensaciones no pueden ser mejores. Ojo de Halcón está planteada como una aventura ligera para todas las edades a partir de la química que comparten Renner y Steinfeld, con el feeling justo a historia navideña que justifica su estreno en estas fechas. Estética y narrativamente, la serie muestra una clara inspiración en el comic de Matt Fraction, David Aja y Matt Hollingsworth, empezando por toda la promoción de la serie, la estética general y numerosos elementos como la mafia chandalera, Pizza Dog o la sordera de Clint. Si queréis saber más easter-eggs y las inspiración de muchos elementos de estos episodios, os invito a leer el estupendo artículo de Lidia Castillo en Sala de Peligro.

Sin embargo, la serie por lo visto hasta ahora se desmarca con acierto del elemento más polémico del comic de Fraction y Aja, que era convertir a Clint en un loser metepatas como forma de promocionar las aptitudes de la nueva Ojo de Halcón Kate Bishop, haciendo que ella saliera siempre ganando en la comparación. Esto hizo que para mi ese Clint Burton no sea “mi” Ojo de Halcón sino Hawkguy, aprovechando el término que Fraction y Aja acuñaron, otro tío diferente con el que no conecto nada. Y por eso mismo entiendo que el comic de Fraction y Aja, que por otra parte visualmente es una pasada, guste mucho a gente que no son fans acérrimos del comic de superhéroes de Marvel, pero no tanto a los lectores veteranos.

Teniendo en cuenta que Clint en el MCU es el PUTO AMO, no sólo uno de los mejores agente de SHIELD y Vengador de pleno derecho, sino que como Ronin él solo se cargó a todo el hampa a nivel mundial, no tenía sentido usar esta aproximación de Fraction al personaje de Clint Burton, por lo que me gusta mucho y tiene todo el sentido del mundo que Clint sea el veterano maestro que va sobrado mientras que Kate sea la mete patas que no deja de meterse en problemas porque es una amateur a la que toda la situación la supera. Me gusta mucho la caracterización de Clint Burton y que el personaje tenga por fin su momento para brillar en solitario, y a la vez, entiendo y tiene toda la lógica del mundo que Kate Bishop tenga mayor protagonismo al tener que contarnos su origen y al relacionar el misterio que la pareja va a investigar a la familia de Kate. Un misterio y un asesinato en el que el traje de Ronin de Clint aparece y hace que Clint recuerde esa etapa de su vida de la que no está orgulloso.

De momento, estos dos episodios me han parecido modélicos. Incluso que realmente no haya un cliffhanger potente al final del primer episodio me parece normal, sabiendo como entiendo que sabían que iban a estrenar los dos primeros episodios a la vez. Otro elemento que supongo tras ver estos episodios y que también me gusta mucho es que en estos 6 episodios vamos a tener una historia “pequeña”, el destino del mundo NO está en juego ni mucho menos, sino que todo se construye a partir del misterio alrededor de la familia de Kate (por cierto, que placer tener a Vera Farmiga en la serie), y cómo ello va a forjar una relación entre los ahora casi desconocidos Clint y Kate. Y a mi me vale, si la historia está bien construida.

Poco que decir de la mafia chandalera de origen ruso, transmiten el toque freak del comic y tienen momentos divertidos, pero falta por ver que puedan ser una amenaza para Clint, aunque obviamente sí lo serían para Kate si ella estuviera en solitario. Además, en estos dos episodios nos encontramos con la gran incertidumbre que genera el personaje de Echo y la posible introducción de El Espadachín en el MCU. Las sensaciones no pueden ser mejores, aunque al mismo tiempo hay que reconocer que tras el primer tercio de historia ya emitido, les queda mucho por demostrar a la serie, porque los primeros episodios de Falcon y Winter Soldier o de Loki también fueron buenos y luego ambas no supieron estar a la altura.

Hablando de las comparaciones, lo que si me parece curioso es que de momento la serie se ha guardado los que espero sean los grandes momentos de Clint con el arco en las manos. Recordando, Falcon y el Soldado de Invierno, la serie empezó con la increíble escena de acción de Sam contra los helicópteros que nos voló a todos la cabeza, y no hay nada parecido en Ojo de Halcón. Aunque la conexión de Kate con Clint me parece también chulísima, me ha faltado una gran escena de acción (o varias) que espero y deseo lleguen a producirse.

En todo caso, si el objetivo de cualquier narrativa periódica es dejarnos con ganas de ver el siguiente episodio, el éxito de Ojo de Halcón es total, con unos episodios que nos han gustado a toda la familia. No es una historia profunda ni lo pretende, pero triunfa al crear una conexión emocional con Clint y sobre todo, con la recién llegada Kate. Incluso el feeling navideño en este caso lo encuentro un plus. Muchas más series así, por favor.

Comparto el trailer de la serie:

Ojo de Halcón no podría haber comenzado mejor, Marvel Studios ha vuelto a conseguir engarcharme. La semana que vien comentaré mis impresiones del tercer episodio, me momento todo bien.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de The night house de David Bruckner (Disney+)

Como parte de las celebraciones de Halloween, Disney+ estrenó dentro de Star The night house, la nueva película de David Bruckner (El ritual) protagonizada por Rebecca Hall, que entraría dentro del género de las casas encantadas.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Mientras intenta superar la inesperada muerte de su marido, Beth (Rebecca Hall) se queda a solas en una casa cerca de un lago especialmente diseñada para ella. Aunque hace todo lo posible por no perder la cordura, los sueños no tardan en aparecer. Las perturbadoras visiones de una presencia que llama por ella en la casa comienzan a ser cada vez más frecuentes. Aunque a la luz del día todo parece normal, Beth empieza lentamente a desesperarse, por lo que decide ignorar el consejo de sus amigos e investiga en sus pertenencias tratando de encontrar alguna respuesta. Allí se topa no sólo con secretos tan extraños como terribles, sino también con un misterio que está dispuesta a resolver. (FILMAFFINITY)

David Bruckner (1977) es un director de cine estadounidense. Con Jacob Gentry y Dan Bush, coescribió y codirigió The Signal (2007). También ha coescrito y dirigido «Amateur Night» en la antología de terror V / H / S. Yo le conocí gracias a la interesante El Ritual (2017) estrenada en Netflix, y tras dirigir The Night House en 2020, an la actualidad se encuentra realizando una nueva versión de Hellraiser, el clásico de Clive Barker.

The night house cuenta con un guión de Ben Collins y Luke Piotrowski, fotografía de Elisha Christian, montaje de David Marks y música de Ben Lovett. La película de 107 minutos se rodó en 2019 en Syracuse, en el estado de Nueva York. La película sólo se estrenó en EE.UU. y Canadá este verano, consiguiendo unos discretos 15 millones de recaudación, mientras que Disney+ se ha encargado de la distribución internacional dentro de su plataforma.

La película cuenta con una excelente Rebecca Hall interpretando a Beth, una doliente viuda que no sabe qué provocó el suicidio de su marido. A la omnipresente Hall la acompañan Sarah Goldberg como Claire, una amiga de Beth, Vondie Curtis-Hall como Mel, el vecino de Beth que quizá sabe más de lo que cuenta, Evan Jonigkeit como Owen, el marido fallecido, y finalmente, Stacy Martin es Madelyne, una joven con una oscura conexión con Owen.

The night house es una película «malrollera» que ofrece un interesante misterio construido sobre la brillante interpretación de Rebecca Hall, que es lo que mantiene a flote la película. Reconozco que Hall durante el visionado además del dolor y el desequilibrio tras quedarse viuda, a veces me parece super borde, pero eso incluso entraría dentro de la forma en que asume la pérdida de su marido. Beth y Owen parecían compartir una vida perfecta tras 14 años casados, pero eso es algo que saltará por los aires cuando Beth intente encontrar un sentido al suicidio de su marido. Visualmente Bruckner ofrece buenos momentos y aunque no hay una gran tensión, y no es ni muchos menos creciente, sí hay momentos muy interesantes y la película tiene un ritmo adecuado, aunque NO diría que estamos ante una película de terror. O al menos, pensando en lo que yo entiendo que debe tener una película para poder ser terror.

Sin querer destripar nada importante de la trama, Bruckner presenta un mundo opuesto al nuestro que para mi es sin duda lo mejor de la película y que plantea cuestiones que me gustaría que hubieran sido planteadas con mayor amplitud de lo que vemos en la película. Sinceramente The night house no es una película por la que pagaría por ver en el cine, pero al verla gracias a mi suscripción a Disney+, me ha dado un más que correcto entretenimiento.

Empezando por lo que no me gustó, la idea del lado negativo me ha gustado mucho, pero la verdad es que la resolución y la explicación de todo me parece un fail como una casa. De hecho, la presencia que habita en la casa no acaba de encajar bien con la idea del lado negativo, y todo el conjunto de familia perfecta feliz se derrumba ante la absurdez del conocimiento de todo lo que hizo Owen delante de las narices de Beth sin que ella se enterara de nada. Como digo, como entretenimiento ligero me vale, pero sin mucho más que poder destacar, me temo que la olvidaré con la misma rapidez que la vi.

Comparto el trailer de la película:

The night house tiene elementos interesantes, pero globalmente se me ha quedado algo intrascendente con un final que no acaba de cuadrarme. Una película para reservada para los fans del género.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Gracias por leer este post. Y tu, ¿has leído esta película? Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!