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Crítica de Nop de Jordan Peele

Jordan Peele ha estrenado su tercera película Nop, y a pesar de tener elementos interesantes me parece la más floja de su filmografía.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Dos residentes de un remoto pueblo en el interior de California realizan un descubrimiento tan insólito como escalofriante…

Tras las estupendas Get out y Us, Nope es la tercera película de Jordan Peele, que produce escribe y dirige esta nueva propuesta enclavada en el género de terror, con un giro curioso a lo largo de sus largos 130 minutos de duración. La película cuenta con fotografía de Hoyte van Hoytema, montaje de Nicholas Monsour y música de Michael Abels. Con un presupuesto de 68 millones, ha recaudado 118 en los Estados Unidos, la mayor recaudación de Peele hasta la fecha, pero lejos de resultar de momento rentable.

En el reparto encontramos a Daniel Kaluuya como Otis Jr. «OJ» Haywood, Keke Palmer como Emerald «Em» Haywood, la hermana de OJ, Keith David como Otis Haywood Sr., el propietario del Rancho Hollywood Horses de Haywood y padre de OJ y Em. Junto a ellos, Steven Yeun es Ricky «Jupe» Park, un antiguo actor infantil y propietario/creador del parque temático «Jupiter’s Claim», Brandon Perea como Ángel Torres, un vendedor de tecnología en Fry’s Electronics, Michael Wincott como Antlers Holst, un reconocido director de fotografía y Wrenn Schmidt como Amber Park, la esposa de Jupe.

Entrando a comentar la película SIN spoilers, Peele realiza un curioso ejercicio de cinefilia centrado en homenajear algunas de las películas más icónicas de Steven Spielberg. Técnicamente la película es de 10, con algunos planos super potentes dentro de una idea general de «menos es más», una edición de sonido alucinante y en general una puesta en escena bastante acertada. En este sentido, el homenaje que Peele hace a Akira de Otomo me sorprendió y consiguió que sonriera, siendo uno de los momentos top de la película. Lo cual tampoco es necesariamente algo bueno para la película en su conjunto, ahora que lo pienso.

Sin embargo, la película tiene el enorme problema de la duración y de una historia que durante muchos momentos se hace aburrida y lentísima. Dejo para la parte con spoilers hablar sobre la sorpresa de averiguar de qué va exactamente la película, pero cuando ese descubrimiento llega la verdad es que es un poco bluf. Mucho, en realidad. Aumentado porque al menos en mi caso esperaba la gran metáfora y el comentario social que explicara la película, como en sus dos obras anteriores, y me ha decepcionado no encontrarlo. No de forma potente. Al final Nop es una película sin grandes pretensiones narrativas que podría haber sido un episodio de Twilight Zone, no uno de los mejores, y desde luego los espectadores hubiéramos agradecido una duración cercana a la hora,

Tengo un problema muy grande con los personajes protagonistas, y es que todos entran en la categoría de «ostiable que casi desearía que muriera al final». Y entiendo que Daniel Kaluuya, Keke Palmer y Brandon Perea muestran en pantalla lo que Peele les pidió que hicieran, pero hicieron imposible que empatizara con ellos. En especial el personaje de OJ interpretado por Kaluuya es el peor de todos, porque hay una línea muy fina entre ser un personaje estoico de pocas palabras y parecer retrasado mental (sin ánimo de ofender a nadie), sin una idea coherente más allá de «tengo trabajo que hacer en el rancho». Casi peor es EM, su hermana que es directamente gilipollas. Al único que me creo es a Steven Yeun como «Jupe» Park, una persona traumatizada por un hecho del pasado que le hace tener una perspectiva única ante los sucesos que suceden a su alrededor. Lástima que su papel sea super secundario y tenga muchos menos minutos de lo que me hubiera gustado.

Nop me parece que tiene cosas interesantes, pero me aburrió y no tengo claro si globalmente no sea bastante fallida. Está claro que si la ves como una película de terror ligera sin más la cosa cambia, pero el listón con sus películas previas estaba muy alto, y creo que no consigue igualar el mismo nivel de brillantez. Pero es imposible hablar de Nop sin analizar aspectos claves de la trama, por lo que a continuación empieza una parte FULL SPOILERS, sigue leyendo bajo tu propia responsabilidad.

¿Sigues aquí? Bien!

A poco que hayas visto algo de la película, dentro del misterio general parecía que Peele nos estaba vendiendo con Nop una película de OVNIs. Mientras veía la película no podía dejar de pensar y sorprenderme viendo que Nop era «Encuentros en la 3ª fase vs Tiburón», con un final sacado casi directamente de La guerra de los mundos también de Spielberg. Comentaba el homenaje a Spielberg, no se si intencionado o sin querer, pero yo lo vi muy muy claro. Es cierto que la sorpresa de Peele sobre que el enemigo al final no es una nave espacial al uso sino un ser vivo ¿aparentemente alienígena? Esto realmente no queda claro y podía acabar siendo una metáfora del exceso de la industrialización sin control, un animal infernal salido de nuestra peor pesadilla, pero terráqueo.

Comentaba la falta de metáforas potentes en Nop, pero eso no quiere decir que no hayan. Que tras descubrir OJ la existencia de ESO detrás de la nube, su primer pensamiento no sea llamar a las autoridades o intentar matarlo, sino sacarle una foto «nivel Oprah» que les haga millonarios con el descubrimiento podría ser un comentario sobre la inmediatez de las redes sociales y como engaña a la gente pensando que podrán hacerse millonarios con ella.

El que en la película el caballo real sea sustituido por un muñeco de CGI podría ser una metáfora de nuestra obsesión por lo nuevo y lo tecnológico cuando lo natural, siendo igualmente válido, acaba desechado. El tener que usar una cámara antigua que no use baterías de ningún tipo para fotografiar al bicho, o la cámara que finalmente realiza el encargo, entrarían en esta metáfora. Y que ESO acabe muriendo al comer plástico, de alguna manera un elemento contaminante moderno, reforzaría la idea que lo moderno no tiene porqué ser bueno, desde luego NO es mejor. Una muerte que como comentaba antes me sugirió automáticamente el final de La guerra de los mundos de H.G. Wells, que Spielberg convirtió en película, en la que los marcianos finalmente mueren al entrar en contacto con gérmenes y enfermedades de la tierra, algo para lo que no tenían defensas.

Pero que estas metáforas sean más o menos acertadas no es el verdadero problema, que al final es lo poco entretenido que es todo y lo largó y repetitivo que se me hizo el último tercio. Hay una subtrama con el personaje de Steven Yeun que era un actor infantil que vió como un mono mató a gente en un rodaje de una sit-com en los años 90 que me hizo volar la imaginación (¿los aliens son monos super evolucionados a partir de los especímenes que lanzaron al espacio la NASA y los rusos en los años 50 y primeros 60? Whoa! Esa SI hubiera sido una grrn película.) y que me fastidió fuera algo que quedó en nada y, lo que es peor, parezca un engaño para distraernos hasta que Peele nos diera el giro de la película y confirmara que no se trata de un OVNI de un ser vivo que mata a todo el que le mira. Giro que en Get out y en Us me fliparon y en esta película me dejó super frío.

Una vez entramos en el climax, la forma en que repiten el intento de sacar una foto en lugar de lanzarle una granada para matarlo me fastidiaron bastante y de alguna manera me sacaron de la película. Pero incluso no teniendo en cuenta esto que al final si consiguen, la película repite hasta ser redundante el ver como llega el ser y los protagonistas se quedan quietos intentando no mirar hacia arriba, de forma que como digo, este final se me hizo larguísima.

Y es una pena, porque técnicamente como comentaba al principio la película me parece de 10 y hay elemente que vistos individualmente me parecen muy chulos. Lo malo es que el conjunto no me acaba de cuadrar, entiendo que ayudado por el problema con los protagonistas y lo que el guion les hace hacer durante la película.

Comparto el trailer de la película:

Nop no consigue igualar el nivel de brillantez de las dos películas anteriores de Jordan Peele, con una duración excesiva que lastra la experiencia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de Carter de Jung Byung-gil (Netflix)

Una de las cosas buenas que nos ha traído el streaming es poder ver propuestas bizarras jamás hubieran llegado a los cines por los canales tradicionales. Es el caso de Carter, película de acción coreana dirigida por Jung Byung-gil que se ha estrenado recientemente en Netflix, que incluso siendo fallida me ha dado cosas interesantes.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Un hombre se despierta sin recordar nada. Guiado por la misteriosa voz del dispositivo en su oído, emprende una misión plagada de peligros para rescatar a una rehén.

Jung Byung-gil es un director y guionista coreano. Antes de Carter había dirigido Action Boys (2008), Confession of murder (2112) y La villana (2017). Jung Byung-gil escribe el guión de este película junto a Byeong-sik Jung. La película de 132 larguísimos minutos de duración está protagonizada por Joo Won en el papel principal y Lee Sung-jae, Jeong So-ri y Kim Bo-min.

Incluso considerando que Carter es una película fallida, nos ha dado algunos momentos geniales con unas escenas de acción diferentes a todo lo que he visto. De alguna manera, Carter se siente en muchos momentos como si estuviéramos viendo un videojuego, con unos movimientos de cámara loquísimos que nos muestra al personaje en medio de la acción desde todos los puntos de vista imaginables. Aparte de numerosísimos efectos digitales, entiendo que el uso de drones ha sido clave para el rodaje de algunas escenas clave de la película.

Esta sensibilidad de video-juego la verdad es que se nota también con unos efectos que sobre todo en el segunda mitad son super cantosos y dan un poco de pena. Me quejaba de Ms. Marvel, pero aquí hay muchos planos sencillamente ridículos. Y dicho esto, la falta de pretensiones y casi hasta de vergüenza a la hora de no importarle que se noten los efectos con tal de mostrar el plano super imposible en la escena de acción creo que en este caso hay que valorarlo positivamente, la verdad.

Lo malo es que Carter acaba siendo super excesiva con sus más de dos horas de duración, hasta niveles de provocar agotamiento en el espectador. A esto hay que sumarle que la historia es una ridiculez que te dice una cosa y la contraria, con una sensibilidad 100% coreana que bajo el prisma europeo hace que casi todo lo que vemos parezca una patochada ridícula. El protagonista Joo Won lo da todo en las escenas de acción, pero acaba no siendo suficiente dado que Carter no se siente una persona real sino un personaje de video juego, lo que hace que la empatía sea imposible.

Carter nos ha servido para hacer unas risas al verla en casa, con unos momentos de humor involuntario que a mi me valen, y una primera mitad que si me gustó y me sorprendió. No la hubiera vista en el cine, y de haberlo hecho posiblemente hubiera salido enfadado por pagar por ver esta bizarrada sin sentido, pero agradezco que gracias a Netflix podamos disfrutar en casa de una película tan diferente a todo lo que he visto este año.

Comparto el trailer de la película:

Carter es una película fallida que se me hizo eterna, pero también hay que reconocerle inventiva y ganas de hacer algo diferente, con una primera mitad super entretenida.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Trece vidas de Ron Howard (Prime Video)

Siguen los estrenos de películas interesantes en streaming. En este caso quiero recomendar 13 vidas, la película de Ron Howard inspirada en hechos reales que ha sido estrenada recientemente por Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Basada en la historia real, «Trece vidas» es el relato del rescate de un equipo de fútbol de la cueva de Tham Luang, en Tailandia, tras quedar atrapado por las lluvias torrenciales y peligrosas inundaciones

Trece vidas es una película inspirada en el rescate en la cueva de Tham Luang, dirigida y producida por Ron Howard, a partir de un guión escrito por William Nicholson a partir de una historia suya y de Don MacPherson. Sayombhu Mukdeeprom es el director de fotografía, James D. Wilcox realizó el montaje y Benjamin Wallfisch la música. La película se estrenó en cines de modo limitado el 29 de julio de 2022, para empezar a emitirse en streaming en Prime Video la semana siguiente, el 5 de agosto. 13 vidas ha contado con un presupuesto de 55 millones de dólares y fue rodada en localizaciones de Tailandia y Australia, contando con una duración de 147 minutos.

Viggo Mortensen, Colin Farrell, Joel Edgerton y Tom Bateman son las caras más conocidas de un reparto principalmente formado por actores asiáticos.

Ron Howard es un director super sólido con una filmografía ecléctica y variada. Su nueva película inspirada en hechos reales es un canto al poder de la humanidad cuando nos unimos por una buena causa, como fue el caso de este rescate de unos niños que quedaron atrapados en una cueva subterránea, que movilizó recursos y personas literalmente de todo el mundo. Porque no son sólo los submarinistas, todo un pueblo se unió para impedir que los acuíferos inundaran las cuevas tras las copiosas precipitaciones, lo que mantuvo con vida a los jóvenes hasta que fueron rescatados.

Narrativamente Howard da otra lección con esta película. Me parece una pasada como rueda estos espacios subterráneos inundados, consiguiendo que se vea perfectamente lo que pasa y a la vez que sientas el terror de poderte quedar atrapado en cualquier recodo de estas cuevas, algo que son aspectos super complejos y casi antagónico.

Para ser una película de dos horas y media en la que la acción está confinada a espacios claustrofóbicos mientras los submarinistas de rescate intentan salvar a los críos, Howard consigue hacerla super apasionante y entretenida, y me tuvo con el corazón en un puño durante la mayor parte del metraje. De hecho, a pesar de no conocer los detalles concretos del rescate, sí recordaba que al final salvaban a los niños, y sin embargo hay una sensación de cuenta atrás y de tensión tan chula en la película que me tuvo dudando por la resolución de la historia en varios momentos.

El reparto me parece que está super bien. El carisma de Viggo Mortensen y Colin Farrell se sale de la pantalla. Además de grandes actores, tienen una química estupenda y te crees que son profesionales de gran experiencia que han trabajado juntos en otras ocasiones. Junto a ellos, Joel Edgerton también está muy bien, sobre todo cuando conoce el motivo real por el que le han llamado para ayudar en el rescate, cuando parece que las opciones se les acaban. En este aspecto, la película también me parece un acierto total.

La película me parece perfecta en su propuesta y la forma en que la plasma en una película comercial. No es que no tenga ninguna pega, es que me ha tenido super entretenido y preocupado por el rescate de principio a fin, no le puedo pedir más. De hecho, ya me gustaría que hubieran más películas con esta perfecta factura técnica y unas buenas interpretaciones al servicio de la historia.

Por cierto, no se me escapa que posiblemente esta película no la hubiera visto ni el tato si se hubiera estrenado en las salas de cine. Y dentro que seguro que visualmente luciría espectacular en pantalla grande, me parece genial que gracias al streaming, y en este caso a Prime Video, espectadores de todo el mundo hayamos descubierto esta historia y disfrutado con el trabajo de Ron Howard y todo el equipo de la película. Por favor, ¡más películas así!

Comparto el trailer de la película:

13 vidas es una película estupenda que destaca el potencial del ser humano cuando trabaja unida, dejándote con un estupendo sabor de boca. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Bullet Train de David Leitch

La nueva película de David Leitch Bullet train protagonizada por Brad Pitt es un festival de personajes y situaciones extravagantes al servicio de una historia de humor y acción ideal para el periodo vacacional.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cinco asesinos a sueldo se encuentran a bordo de un tren bala que viaja de Tokio a Morioka con unas pocas paradas intermedias. Descubren que sus misiones no son ajenas entre sí. La pregunta es quién saldrá vivo del tren y qué les espera en la estación final.

David Leitch (1975) es un director de cine, actor, especialista y coordinador de escenas de acción que debutó como director en la película de acción de 2014 John Wick junto a Chad Stahelski, aunque solo se acreditó a Stahelski. A continuación, Leitch dirigió en 2017 Atomic Blonde, protagonizada por Charlize Theron, y Deadpool 2, de 2018, la secuela de la película de 2016. En 2019, dirigió Hobbs & Shaw, un spin-off de la franquicia Fast & Furious.

La película cuenta con guion de Zak Olkewicz basado en la novela de Kotaro Isaka. Cuenta con fotografía de Jonathan Sela, montaje de Elisabet Ronaldsdottir y música de Dominic Lewis. La película de 126 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 90 millones.

Brad Pitt interpreta a Ladybug, un experimentado mercenario aquejado de mala suerte que busca cambiar de vida. Joey King como El Príncipe, Aaron Taylor-Johnson como Mandarina, Brian Tyree Henry como Limon, Andrew Koji como Yuichi Kimura / El Padre, Hiroyuki Sanada como El Anciano, un antiguo Yakuza y padre de Kimura, Benito A. Martínez Ocasio (Bad Bunny) como El Lobo, Zazie Beetz como El Avispón y Logan Lerman como El Hijo forman el reparto principal de una película que incluye además un montón de cameos buenísimos que prefiero no spoilearte.

Con cierta frecuencia suele leerse que ya está todo inventado en el género de acción. Y entonces llega un director como David Leitch con ganas de negar la mayor y nos sorprende con una propuesta loquísima llena de planos para el recuerdo y situaciones over-the-top que no se toma muy en serio a si misma. Bullet Train es una estupenda película ideal para el periodo estival que hará las delicias de todos los fans de este género.

Lo primero a destacar es un casting plagado de caras conocidas, entre los que destaca por supuesto Brad Pitt, que es la estrella que vende la película. Agradezco que Pitt no se tome a si mismo demasiado en serio (como la película en general) e interprete a un mercenario no demasiado espabilado que es el centro de una historia que es humor más que acción en la que todo vale para entretener a la audiencia. Tener junto a Pitt a Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji o Hiroyuki Sanada me parece una pasada, a lo que habría que añadir unos cameos loquísimos super buenos que me han gustado mucho. En general, diría que se nota que todos los actores se lo han pasado genial durante el rodaje.

Me ha sorprendido que la historia sea super enrevesada, mucho más compleja de lo que uno hubiera pensado a priori. La forma en que conecta a todos (TODOS) los personajes y los motivos de estar en el tren me parece una pasada. Sobre todo porque no conocemos todas las piezas del puzzle hasta el final, y cuando todo cobra sentido, la sensación fue que me han volado la cabeza. Además, el tono de humor exagerado en el que todo vale consigue que el visionado sea satisfactorio la mayor parte del tiempo, e incluso en los momentos WTF?! (y hay unos cuanto) consigan una sorpresa y una sonrisa en el espectador, algo que creo que es muy positivo.

David Leitch realiza un despliegue visual increíble para Bullet Train. Aunque hay menos escenas de acción de las que esperaba, están muy bien hechas y transmiten muy claramente la idea que estaba buscando mostrar cosas diferentes. En muchos casos el humor es la fórmula para que entremos en los aspectos más locos, con un climax super over-the-top que me parece un desfase total. Dicho eso en el buen sentido.

Para Bullet Train parece que Leitch ha buscado la inspiración en Quentin Tarantino en lo relativo a los personajes peculiares con diálogos extravagantes o de Guy Ritchie con una acción a un ritmo frenético con constantes saltos temporales y sorpresas. Y diría que globalmente creo que sale bastante bien parado teniéndolo todo en cuenta, aunque creo que aún se encuentra por debajo de ambos directores.

Mi principal pero con Bullet Train, dentro que me lo he pasado muy bien, es que me deja cierta sensación que lo que nos están contando no es tan divertido como Leitch y su equipo creen que es. Por ejemplo, cuando Mandarina y Limón cuentan las muertes que causaron en su encargo previo o en general las interacciones de estos dos hermanos un tanto peculiares. De hecho, creo que los actores y todos en general se lo pasaron mejor rodando la película de lo que me transmiten algunos momentos de humor que a mi no me funcionaron, algo que entiendo que es totalmente subjetivo y opinable. Incluso Brad Pitt tiene algo en su personaje que no acaba de funcionar del todo bien.

Aunque visualmente Bullet Train me parece una pasada, también es verdad que hay un par de momentos puntuales en que es un too-much excesivo en el que lo visual va en detrimento de lo narrativo, cuando debería servir para contar la historia. Por ejemplo cuando conocemos la historia de El Lobo o la misión de Mandarina y Limón que mencionaba antes. Y tengo claro que la película es 99% estilo visual, casi una declaración de intenciones de Leitch en el que muestra a espectadores (y ejecutivos de estudios) lo que puede crear con un presupuesto a la altura. Pero como digo no siempre me encajó como pensaba que lo iba a hacer a priori.

Dicho lo anterior, el tono de no tomarse muy en serio la película y el humor over-the-top en el que todo vale creo que es perfecto para la propuesta planteada por Leitch, y que gracias a eso la película puede considerarse un éxito total que supera ampliamente el objetivo de dar a los espectadores un estupendo entretenimiento que merezca ser visto en pantalla grande.

Por cierto, no quiero terminar sin acordarme de la banda sonora y la estupenda selección de canciones, que me parece un acierto que añade el toque festivo que el conjunto precisaba.

Comparto el trailer de la película:

Bullet Train da justo lo que promete y realmente hay mucha imaginación en esta propuesta, lo que hace que me de más pena el no haber conectado con la película como me hubiera gustado.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Predator: La Presa de Dan Trachtenberg (Disney+)

La nueva película de Predator: La Presa, dirigida por Dan Trachtenberg que se ha estrenado en Disney+ es una vuelta a las esencias del clásico de JohnMcTiernan.

PUNTUACIÓN: 8/10

Ambientada hace 300 años en la Nación Comanche. Naru es una joven guerrera, feroz y altamente hábil, que se crió a la sombra de algunos de los cazadores más legendarios que deambulan por las Grandes Llanuras. Cuando el peligro amenaza su campamento, se dispone a proteger a su gente. La presa a la que acecha y, en última instancia, se enfrenta, resulta ser un depredador alienígena evolucionado con un arsenal técnicamente avanzado, lo que deriva en un enfrentamiento cruel y aterrador entre los dos adversarios. Nueva entrega de la saga Predator. (FILMAFFINITY)

Dan Trachtenberg (1981) es un director de cine y presentador de podcasts estadounidense. Dirigió en 216 la brillante 10 Cloverfield Lane en 2016, que le valió una nominación al Premio del Gremio de Directores de América por Dirección Destacada de un director nobel. Trachtenberg fue uno de los tres presentadores del podcast The Totally Rad Show y fue copresentador del podcast Geekdrome. También dirigió episodios del podcast Ctrl+Alt+Chicken. También el director del cortometraje de 2011 Portal: No Escape, de un episodio de Black Mirror titulado «Playtest» y del episodio piloto de The Boys. En 2021, dirigió el episodio de estreno de la serie de Peacock The Lost Symbol, donde también hace funciones de productor ejecutivo.

Prey cuenta con guion de Patrick Aison y su concepción surgió durante la producción de la anterior película de The Predator (Shane Black, 2018), cuando el productor John Davis fue abordado por Trachtenberg y Aison, con un concepto que habían estado conceptualizando desde 2016. El director y guionista planteaban la película de clasificación R y sin mención expresa a los Predators para conseguir una mayor sorpresa en el espectador, vendiendo la película como «la historia de una mujer comanche que va en contra de las normas y tradiciones de género para convertirse en una guerrera». En noviembre de 2020, se anunció que Skulls (nombre inicial del proyecto), era el nombre en clave de una quinta entrega de la franquicia Predator, que obviamente ya no pudo contar con este elemento sorpresa.

Predator: La presa se rodó en localizaciones en Alberta, Canadá, en 2021. Cuenta con fotografía de Jeff Cutter, montaje de Angela M. Catanzaro y Claudia Castello y música de Sarah Schachner. Tiene la particularidad de haberse rodado en inglés y comanche, ya que al saberse de su estreno en streaming, el espectador puede elegir el idioma del visionado. La película tiene una duración de 100 minutos, que son los perfectos que la historia necesitaba.

Amber Midthunder interpreta a Naru, una guerrera comanche que protege a su tribu contra un depredador. Dakota Beavers como Taabe, Dane DiLiegro como el Depredador, Stormee Kipp, Michelle Thrush y Julian Black Antelope completan el reparto.

Dan Trachtenberg me sorprendió muy positivamente con 10 Cloverfield Lane, una película que siendo su opera primea tenía una alucinante construcción de la tensión que hizo que esta continuación de Cloverfield en muchos aspectos resultara más satisfactoria que la original, siendo películas completamente diferentes. Cuando se confirmó el proyecto y su nombre como director me alegré precisamente porque en Cloverfield vi un montón de elementos super interesante que podían venirle perfectos para crear una película de Predator a la que se añadía un elemento tan novedoso como el situarla 300 años en el pasado.

Trachtenberg explica que su objetivo para la película era volver a las raíces de la franquicia: «la ingeniosidad de un ser humano que no se rinde, que es capaz de observar e interpretar, y que básicamente es capaz de vencer a una fuerza más fuerte, más poderosa y mejor armada». Y este resumen es perfecto y resume un guion muy inteligente que construye la historia para que Naru llegue a un punto en que tenga una oportunidad para derrotar al depredador.

La película acierta completamente al enseñarnos primero la vida de Naru y los guerreros comanches liderados por Taabe, el hermano mayor de Naru. Presa se toma su tiempo en enseñarnos las habilidades de Naru y la forma en que aprovecha una de las normas de los Predators, que es que sólo ataca y caza a aquellos que considera una amenaza, para construir su ataque contra el alienígena. Pero ante de eso, tenemos una ensalada de gore y momentos brutales gracias a un predator con un arsenal de armas alucinantes que nos regala momentos alucinantes. Este es otro de los valores de la película, porque Presa se siente una película de Predator con varias masacres increíbles y escenas super bien construidas con momentos para el recuerdo, pero a la vez y por encima es una historia de superación y del paso de una joven de niña a cazadora comanche por sus propios méritos.

Por cierto, la protagonista Amber Midthunder me ha parecido una excelente elección de casting, con unos ojos potentes y una poderosa determinación para conseguir aquello que se propone. La respuesta de Naru a la pregunta de su madre sobre por qué quiere ser cazadora cuando puede hacer otras labores en la tribu, «Porque todos pensáis que no puedo», creo que puede ser muy inspiradoras a muchas niñas y niños que tienen que enfrentarse a la sociedad que les dice que no pueden ser algo que ellos quieren ser. Y junto a Midthunder, también creo que el reparto es otro de los aciertos de la película.

Aunque la ficha técnica indica 100 minutos de duración, realmente Presa tiene 90 minutos de acción, y la verdad es que es la duración perfecta para conseguir mantenernos en tensión durante todo el metraje. Además, aunque inicialmente tenía la sensación que íbamos a estar ante una película pequeña, realmente ha debido haber un montón de gente de efectos especiales, ya que la tecnología de camuflaje del Predator luce genial, al igual que las numerosas coreografías de acción y los nuevos (viejos) gadgets que usa el predator a lo largo de su cacería, que nos dan también algunos momentos gores super chulos. Obviamente no es una película de 150 millones, pero creo que pueda superar los 50 millones de presupuesto, lo cual hace que sea tan extraño la decisión de no estrenar esta película en los cines y pasarla directamente a Disney+. Es cierto que tras The Predator de Shane Black podría decirse que la franquicia estaba quemada completamente y no estaba claro que el público hubiéramos pagado por ver una película «pequeña» como esta. Pero Presa me ha parecido una gran película.

Tras esta película, creo que a Dan Trachtenberg le espera un futuro brillante, porque la película es un triunfo en todo lo que plantea. Desde conseguir que empaticemos con Naru como elemento prioritario, la construcción de la tensión a partir de las diferentes matanzas que va cometiendo el Predator, la sorpresa de los otros cazadores y el brillante climax final, todo en Presa me parece que está perfectamente planteado y ejecutado.

La película me parece que acierta en la forma en que Naru aprende las debilidades del Predator para conseguir vencerle y en general planteando una lógica interna de las habilidades y objetos que tiene a lo largo de la película, y por supuesto la forma en que los usa. En ese sentido, me gusta que no haga trampas y se invente alguna locura para vencer al predator, lo cual también me muestra a un director y a un guionista (Patrick Aison) como grandes fans del cine de acción y que saben sacar el máximo partido a su historia respetando al espectador que queremos ver una buena película de acción sin que nos deje la sensación de que nos han tomado el pelo en algún momento. En este caso, y casi diría que siempre, me gusta que algo sea lógico y se mueva por los territorios esperables, siempre que tenga sentido dentro de la lógica establecida por la película.

Como digo, dentro de la lógica interna de la película, todo funciona bien, y realmente no se le debería pedir más. Dicho esto, reconozco que durante el climax, no pude evitar pensar, incluso estando todo bien contado, que no me acababa de creer que esta niña comanche por muy bad-ass que la hayan mostrado durante toda la película, pueda vencer al predator como lo hace. Y es que Arnold también le vence, pero recibiendo la paliza de su vida, mientras que Naru le vence ampliamente y casi hasta con demasiada facilidad. Pero eso es un tema mío como espectador, no un problema de una película que plantea muy bien todos los elementos y tiene una conclusión coherente con lo expuesto previamente.

Por cierto, dentro que la película me ha gustado mucho, leo a muchos flipados opinar que esta es una obra maestra del género y la mejor película de Predator de la historia. Y obviamente no estoy de acuerdo, porque si existe Predator es gracias a Arnold y a un John McTiernan que hizo magia y es historia del cine. Esta Presa me parece una muy buena película igual que lo fue Predator 2, pero a la original que no me la toquen. A todo esto, no soy un hater de la franquicia, de hecho, diría que mala mala solo está la película de Shane Black, me gusta mucho Predators de Nimrod Antal, y no entiendo la tirria que le se tiene. Otra cosa son los dos crossovers con Alien, que son ciertamente películas menores, pero no podemos decir que la franquicia de Predator haya sufrido películas «malas» como por ejemplo hemos sufrido con Terminator. Pero esa es otra historia.

Comparto el trailer de la película:

Predator: La Presa es una película estupenda que demuestra que la franquicia de Depredador puede revivir si cuenta con creadores que saben sacarle todo el partido.

PUNTUACIÓN: 8/10

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