Tras la decepción de la segunda temporada de Altered Cabon estrenada el mes pasado en Netflix, debo decir que he disfrutado mucho más Reenfundados, película de animación que presenta nuevas aventuras de Takeshi Kovaks en un mundo totalmente diferente a lo visto hasta ahora, sirviendo para ampliar las posibilidades narrativas de este mundo de ciencia ficción.
PUNTUACIÓN: 7/10
Dai Sato, la mente creativa tras “Cowboy Bebop” explora en más profundidad el universo de “Altered Carbon” en esta adaptación de anime. En el planeta Latimer, Takeshi Kovacs es despertado para proteger a una tatuadora mientras investiga la muerte de un jefe de la yakuza junto a una Comando muy pragmática.
Altered Carbon Reenfundado es una película de animación con guión de Sato, dirigida por Jo Nakajima para Studio Anima de Japón.
Altered Carbon Reenfundados ofrece justo lo que promete, lo que para mi es un triunfo, sobre todo teniendo en cuenta la decepción que precede a esta película. Visto lo visto no creo que vaya a ver una tercera temporada de la serie de imagen real, pero si que vería una nueva película con otra misión de Kovacs en otro mundo diferente.
La película de animación dura 74 minutos y no pierde el tiempo con caracterizaciones de personajes ni un guión complejo, sino que va directo al grano explicando cómo es el mundo de Altered Carbon y presentando una animación notable con unas sangrientas escenas de acción y unas estupendas coreografías.
Al ser una producción japonés, no es ninguna sorpresa que las mujeres de este anime están super sexualizadas, super delgadas y con grandes pechos, pero en mi caso esto no ha supuesto ningún problema ya que sabía lo que me esperaba. Además, este anime tiene calificación de edades +16 debido a la ultraviolencia, pero no incluye ninguna escena sexual explícita, por lo que entiendo que puede ser vista por público adolescente.
Desde Love, Death & Robots (por cierto ¿para cuando la segunda temporada?) no veía un anime con una buena animación y con una acción super bestia, lo cual me parece un plus. Además, su falta de pretensiones más allá de entretener hace que cumpla de sobre con su objetivo. Espero que la audiencia sea buena y Netflix se anime a confirmar nuevos animes dentro de esta serie de Altered Carbon que nos permita ver nuevas aventuras de Takeshi Kovacs.
Comparto el trailer de la película:
Altered Carbon Reenfundados sabe lo que tiene que hacer para ofrecer un buen entretenimiento que gustará a todos los fans del anime y de la ciencia ficción. Si mantienen este tono y violencia, estaré encantado de seguir viendo nuevas misiones de Kovacs en versión animada, que sin duda son más entretenidas que la decepcionante serie de imagen real.
PUNTUACIÓN: 7/10
Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
El hoyo, dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia, supuso una de las sorpresas del pasado festival Internacional de Sitges 2019 al conseguir el Premio a Mejor Película y del Público, entre otros galardones. Aprovechando que se acaba de estrenar en Netflix aproveché para verla y no puedo ocultar mi decepción ante esta producción española de ciencia ficción distópica.
PUNTUACIÓN: 5/10
El futuro, en una distopía. Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? ¿O de los que no tienen agallas cuando están abajo? Si lo descubres demasiado tarde, no saldrás vivo del hoyo.
El Hoyo es la ópera prima del director vasco Galder Gaztelu-Urrutia. David Desola y Pedro Rivero escriben el guión de esta película planteando una metáfora de la sociedad occidental y la lucha de clases sociales, algo que hemos visto en los últimos años en películas como Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), High-rise (Ben Wheatley, 2015) o más recientemente, la multipremiada Parásitos (2019), de nuevo dirigida por el coreano Bong Joon-ho.
De El Hoyo habría que destacar sobre todo su diseño de producción, muy cuidado en todo momento y que ayuda a transmitir el feeling claustrofóbico que la historia precisaba. También son dignos de mención la fotografía de Jon D. Dominguéz, la música de Aránzazu Calleja y el montaje de Haritz Zubillaga y Elena Ruiz.
El Hoyo ha recibido múltiples premios a nivel internacional, entre los que se encuentran El Premio del público en la sección “Midnight Madness” del Festival Internacional de Cine de Toronto, o los premios a Mejor Película, Mejor Director Revelación, Mejores Efectos Especiales y premio del público en el Festival de Cine de Sitges 2019. Además, en los pasados Premios Goya consiguió el premio a Mejores Efectos Especiales. Pocas veces ¿nunca? Una película de género española había conseguido tantos premios.
El reparto está liderado por Iván Massagué como Goreng, el nuevo preso de El Hoyo, que llega (ligeros spoilers a partir de ahora) a cumplir una pena de seis meses que a cambio le permitirá conseguir un título académico. ¿La primera metáfora sobre lo que tienen que hacer los pobres para conseguir una beca y terminar los estudios? Su personaje es el centro de toda la película y está presente en todo momento, transmitiendo Massagué de maravilla la confusión al llegar a este ecosistema enloquecido en el que las cosas no parecen tener sentido, más allá de machacar a los de abajo.
Junto a Massagué, El Hoyo cuenta con Zorion Eguileor como Trimagasi, el veterano preso compañero de nivel de Goreng que le explicará como funciona todo. Antonia San Juan es Imoguiri, otra compañera de Goreng durante su estancia en el hoyo, igual que Emilio Buale como Baharat. La Wild-Card de la película es Alexandra Masangkay como Miharu, una interna que busca a su hija por la prisión, a pesar de que las normas indican que eso es imposible.
Entrando en materia, El Hoyo entra en el grupo de películas en las que los autores solo tienen el concepto, la metáfora general que buscan transmitir, pero se han dejado sin pensar cómo resolver de forma satisfactoria la historia.
En positivo, que una producción española se atreva a hacer una distopía que intenta ofrecer un mensaje potente (aunque luego veamos que fallido) es de agradecer y la película consigue enganchar e interesar con su premisa inicial. Además, creo que las interpretaciones, el diseño de producción y todos los apartados técnicos cumplen con nota.
Sin embargo, esta metáfora de la sociedad actual y la lucha de clases en la que unos privilegiados están arriba y se aprovechan de todos los recursos mientras los pobres de abajo sufren su avaricia y su desprecio por el resto de conciudadanos ya la hemos visto antes en películas como Parásitos, Snowpiercer o High-rise mucho mejor planteada y resuelta.
La película empieza bien pero se desinfla demasiado rápidamente, y eso que dura 94 minutos. Y es que más allá de esta metáfora y su interesante puesta en escena, el guión no da casi de si, algo grave para una historia de ciencia ficción que intenta hacer crítica social.
Además, como espectador me molesta muchísimo cuando una película plantea unas reglas (sea o no ciencia-ficción) para luego saltárselas de forma tramposa. Y en este sentido, el final planteado por el guión de David Desola y Pedro Rivero me parece una tomadura de pelo y un todo-vale impropio de una película que busca ser seria y tocar temas importantes. La sensación que me transmite es que lo importante para ellos era llamar la atención y el cómo terminar la historia era totalmente secundario y no está bien trabajado.
Respetando todas las opiniones, no me caben en la cabeza los numerosísimos elogios que estoy leyendo sobre la película en general y su guión en particular. También es cierto que hay muchas críticas que indican igual que yo que empieza bien pero acaba desinflándose, pero en mi opinión una película que hace trampas y que no respeta mi inteligencia no puede calificarse jamás como que tiene un buen guión. Y niego la mayor, si los guionistas quieren que el final que va bien con el mensaje con que quieren que nos quedemos los espectadores (el cambio solo puede ser realizado por los jóvenes), deberían haber trabajado más el guión para poder llegar a ese punto de forma lógica y sin crear este antológico WTF! En todo caso, esto es relativo al guión, entiendo que si ponemos en la balanza el resto de elementos positivos de la producción, la puesta en escena, montaje o interpretaciones, al final quedaría una película que consigue un aprobado justito.
Comparto el trailer de la película:
No me arrepiento de haber visto El Hoyo y sin duda tiene elementos interesantes, pero creo que es una película mejor planteada que resuelta que consigue aprobar por los pelos. En todo caso, dado que está disponible en Netflix, entiendo que es una película para aquellos espectadores que busquen historias diferentes. Aunque vuelve a demostrarse que nuevo no es igual a mejor. Al menos, no de forma automática.
PUNTUACIÓN: 5/10
Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
La crisis sanitaria ha provocado que los cines hayan cerrado este mes de marzo, por lo que de momento no hemos podido ver Un lugar tranquilo 2, así que merece la pena recuperar su notable primera parte, una super entretenida película de terror que sabe perfectamente qué tipo de historia quiere contar y las herramientas que tiene para maximizar el impacto en el espectador.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Fecha estreno: 2018
Director: John Krasinski
Guión: Scott Beck, Bryan Woods y John Krasinski, a partir de una historia de Bryan Woods y Scott Beck.
Interpretada por: Emily Blunt, John Krasinski, Millicent Simmonds, Noah Jupe y Cade Woodward.
Sigue la historia de una familia que vive en una casa en el bosque cuidándose de no emitir ningún sonido. Si no te escuchan, no pueden cazarte… (FILMAFFINITY)
Un lugar tranquilo supuso uno de los grandes éxitos sorpresa de 2018, una historia de terror que tuvo una gran acogida de crítica y público sostenida por la química de su pareja protagonista, la carismática Emily Blunt y su marido John Krasinski, además de por un sobresaliente sonido y diseño de producción.
La película está producida por Michael Bay y cuenta con un guión escrito por Scott Beck, Bryan Woods y el propio Krasinski. La película recaudó más de 160 millones de dólares en los Estados Unidos, a partir de un presupuesto de tan solo 17, lo que la convierte en una de las películas más rentables de los últimos años.
Un lugar tranquilo fue la tercera película dirigida por John Krasinski, actor que consiguió notoriedad gracias a su papel en la comedia The Office de la NBC y que en los últimos años ha dirigido su carrera hacia el cine de acción con películas como 13 horas: los soldados secretos de Bangasi (dirigida por Michael Bay), y series como Jack Ryan de Amazon Prime Video. Krasinski demuestra en Un lugar tranquilo que tiene las ideas muy claras y sabe cómo construir una buena película a partir de una premisa simple que sabe exprimir manteniendo en tensión al espectador de principio a fin.
El casting de la familia Abbott me ha parecido un acierto. Emily Blunt como Evelyn y John Krasinski como Lee son los cabeza de una familia con tres hijos: Regan, la hija mayor que sufre sordera, interpretada por la actriz Millicent Simmonds que a su vez es también sorda en la vida real, así como los niños pequeños Marcus (Noah Jupe) y Beau (Cade Woodward).
La figura de la hija sorda tiene una gran importancia en la historia y por ello Krasinski comenta que buscaba una actriz sorda «… por muchas razones; la principal es que no quería que una actriz no sorda pretendiera ser sorda. Pero lo más importante es que una actriz sorda ayudaría a que mi conocimiento y mi comprensión de las situaciones se multiplicaran por diez. Quería a alguien que lo viviera en su vida real y que pudiera enseñarme sobre ello en el set.”
En todo caso, Emily Blunt es el corazón de la historia y un regalo para el espectador. Transmite todo su amor por sus hijos y su marido, preocupación al ser imposible mantener siempre a salvo a los niños, fragilidad cuando se enfrente a los monstruos y determinación cuando las cosas se compliquen. Sus matices y su carisma son para mi lo mejor de la película. Como ya he comentado, Blunt es la mujer de John Krasinski en la vida real y transmiten la química y complicidad de las parejas que con sólo mirarse saben lo que piensa el otro. En todo caso, aunque Krasinski me ha perecido un director notable que saca el máximo partido a esta premisa, como actor me ha parecido sólo correcto.
El misterio que rodea a los cazadores me ha parecido muy interesante. La película ofrece suficientes detalles sobre ellos y aunque casi nunca están en pantalla, su presencia y amenaza se nota en cada acto de la familia. A pesar de ser una película de presupuesto ajustado, cuando finalmente vemos a estos seres lucen geniales en pantalla gracias a unos buenos efectos especiales y un estupendo diseño diferente a otros monstruos clásicos.
En lo referido a otros aspectos técnicos, la película cuenta con un notable diseño de producción y en especial, una edición de sonido alucinante. Además, me gustaron también la fotografía Charlotte Bruus Christensen y la música de Marco Beltrami.
La película va al grano y dura 90 minutos, con un prólogo impactante y doloroso que sirve para ponernos en situación sobre la vida de esta familia, sin necesidad de tener que explicar todo lo que ha sucedido previamente en el resto del mundo. Siendo sincero, posiblemente esta historia tampoco diera mucho más de si, pero también es de agradecer que no la alargaran innecesariamente y hayan sabido cerrarla de forma brillante.
Y aunque de nuevo tengo que decir que globalmente la película me ha gustado bastante, también hay que comentar que al argumento se le notan completamente las costuras. Para el espectador es una sorpresa ver una película casi muda en la que una familia debe vivir en silencio ya que el más mínimo ruido atrae a unos seres mortalmente aterradores. Sin embargo, el misterio sobre estos seres implica también una “trampa” del guión que hay que aceptar porque sin ella no habría película.
En todo caso, esto entraría dentro de los convencionalismos del género de terror y no impide que el visionado de la película sea satisfactorio y deje a los espectadores con ganas de saber cómo continúa la historia de la familia Abbot.
Comparto el trailer de la película:
Un lugar tranquilo es una película super entretenida que sabe perfectamente qué tipo de historia quiere contar y qué herramientas tiene para maximizar el impacto en el espectador. Y que triunfa en lo que propone.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
* Este texto se publicó originalmente en el nº3 del Fanzine El Colmo publicado en Alcora (Castellón) este mes de marzo.
Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
Tras unos años probando géneros diferentes, Guy Ritchie vuelve a sus orígenes con The Gentlemen, super entretenida película de gangsters británicos llena de molonidad que está protagonizada por unos geniales Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Hugh Grant entre otros.
PUNTUACIÓN: 8.10
Un capo de la droga con un marcado estilo británico intenta vender su imperio a una dinastía de multimillonarios procedentes de Oklahoma. (FILMAFFINITY)
Guy Ritchie vuelve al género mafioso “British” con el que se hizo internacionalmente conocido con películas como Snatch (Cerdos y diamantes) y Lock, Stock and two smoking barrels. Con el molonismo y la cámara lenta como señas de identidad, tras su exitosa serie de películas ambientadas en el mundo criminal de Gran Bretaña, intentó cambiar de registro y actualizar iconos como Sherlock Holmes (2009 y 2011) o el Rey Arturo (2017) con resultados francamente mejorables. Y aunque Aladdin (2019) fue un éxito de taquilla monumental en todo el mundo, hay que reconocer que fue más debido al carisma de Will Smith y al cariño del público a la película clásica de animación de Disney que a su labor como director. En todo caso, dado que para Hollywood vales lo que tu última taquilla, Ritchie ha vuelto a contar con el favor de los grandes estudios, y además de dirigir The Gentlemen, Ritchie también ha escrito el guión junto a Ivan Atkinson y Marn Davies.
Para esta película ha reunido un casting de lujo, contando con Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Michelle Dockery, Henry Golding, Colin Farrell y Hugh Grant. Merece la pena comentar como a pesar de ser todos buenos actores sobrados de carisma, el escaso éxito comercial de sus últimas película parece haber puesto en cuestión su caché de estrellas que atraen público a las salas solo por ser ellos.
Afortunadamente, en The Gentlemen este reparto coral ofrece unas estupendas interpretaciones y un genial entretenimiento de principio a fin. Incluso los actores secundarios tiene algunos momentos freaks que son graciosísimos y que alejan la historia de la típica historia americana, mostrando orgullosa su origen 100% british.
Aunque este The Gentlemen pueda parecer más de lo mismo dentro de la filmografía de Guy Ritchie, y en parte así es, como hacía tanto tiempo que no veía este tipo de películas de género criminal con humor inglés negro y cínico y situaciones desenfrenadas, he salido super satisfecho. Empezando por un guión super carismático en la presentación de todos los personajes y situaciones, que aparte de la historia de género negro añade elementos de crítica social, entre otros, a unos nobles ingleses snobs pero empobrecidos y a sus malcriados hijos.
Otro elemento que me gustó del guión son sus numerosos giros y sorpresas, y como acciones a priori aisladas generan repercusiones importantes y totalmente inesperadas. Además, el personaje de Hugh Grant es el carismático narrador de la historia, lo que le permite a Ritchie reirse de las propias locuras e inconsistencias del género, sirviendo de divertido elemento metatextual.
Además de un Grant que por momentos parece que roba la función, tenemos a unos super-cools Matthew McConaughey, Charlie Hunnam y Michelle Dockery como el trío dirigente del grupo mafioso especializado en el cultivo y distribución de marihuana, a los que se les une un loquísimo Colin Farrell como el elemento freak de la historia que sirve de Wild-Card. Vi la película en una vacía sala en Versión Original, y me gustó escuchar sus voces originales aunque se me hizo algo complejo entender a algunos personajes.
La película dura unos divertidísimos 110 minutos que pasan en un instante, con un ritmo endiablado y una fotografía estupenda que consiguió atraparme a medida que me metían en la historia y serpenteaba por sus giros y sorpresas. Creo que The Gentlemen es un éxito total en todo lo que plantea, incluso al transmitir un tono de no tomarse muy en serio a si mismo que es precisamente lo que necesitaba la historia.
Comparto el trailer de la película:
The Gentlemen es una estupenda película que nos devuelve al mejor Ritchie centrado en el género criminal que tan bien se le da, consiguiendo una entretenidísima historia me deja super satisfecho.
PUNTUACIÓN: 8/10
Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
Onward, dirigida por Dan Scanlon (Monsters University), es la la nueva maravilla de Pixar. La historia de dos hermanos con las voces de Chris Pratt y Tom Holland que vivirán una gran aventura mientras intentan recuperar durante un día a su padre fallecido, nos traslada a un mundo fantástico que tiene que recordar lo que es la magia.
PUNTUACIÓN: 8/10
Ambientado en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo. (FILMAFFINITY)
La nueva película de animación de Pixar es una historia original que busca darle una vuelta a las típicas historias de fantasía con seres mágicos y sobrenaturales. Onward ha sido dirigida por Dan Scanlon, que también ha escrito el guión junto a C.S. Anderson. Scanlon es un hombre de Pixar que ha colaborado en películas anteriores del estudio, dirigiendo además Monsters University (2013), y promete un buen entretenimiento familiar para todos los públicos en el sentido más amplio y positivo del término.
Que la animación va a ser brillante es un hecho que no duda nadie, la novedad a priori podemos encontrarla en la química y el carisma que Chris Pratt (Star-Lord en Guardianes de la Galaxia) y Tom Holland (Peter Parker – Spiderman) pueden transmitir a estos hermanos elfos, dado su conocido gusto por la comedia. Y lo cierto es que la cuota de carisma, complicidad y sentido del humor está más que asegurada, con la sorpresa además de disfrutar con sus sentidas y emocionantes interpretaciones.
Cuando empiezo a pensar en Onward, precisamente “emoción” es el término que más veces aparece en mi cabeza. Y es que la película de Scanlon es un emocionante homenaje a los hermanos y a como los queremos a pesar de las luchas y desencuentros constantes. Además, la metáfora de buscar la magia que hemos perdido es maravillosa y perfectamente aplicable a nuestro mundo actual.
Onward tiene un feeling, o al menos a mi me lo pareció, a clásicos de mi infancia como Cuenta conmigo o Los Goonies, no tanto en las aventuras que se viven que son completamente diferentes, sino en el viaje en el que lo que conocen de si mismos es más importante que el tesoro en sí. Y eso que el tesoro de Onward implica ver a un padre que no conocieron, y para los hermanos Lightfoot no hay nada más importante.
Chris Pratt y Tom Holland estás los dos geniales, aunque diría que Holland tiene más momentos de lucimiento y los aprovecha de maravilla. Su química es genial y hay momentos muy divertidos. Como curiosidad, vimos la película en V.O. y solo estábamos en el cine mi hijo, mi mujer y yo en la sesión del domingo. No se si por la hora, por el coronavirus o porque la película no ha captado la atención del público, pero me pareció curioso lo vacío que estaba el cine el pasado fin de semana de estreno.
Otro elemento a destacar es la sobresaliente animación y la creación de esta “fantasía suburbana”. Ver la evolución de seres fantásticos como elfos, cíclopes, centauros o duendes de la imagen clásica que tenemos de ellos hasta su versión “civilizada” en este mundo industrializado provocó momentos super divertidos que yo disfruté mucho. Un personaje estupendo es Corey la Mantícora, un ser mitad león mitad dragón con cola de escorpión que en la fantasía clásica es una feroz guerrera y que en el mundo civilizado es la estresada dueña de un restaurante temático especializado en fiestas infantiles. Onward hace un divertido ejercicio subvirtiendo las expectativas que tenemos de estos seres, aunque para los que no los conocen en primer lugar se hace muy complicado que disfruten la broma, algo que sirve para confirmar mi sensación de que estamos ante una película más pensada en los padres que crecimos en los 80 y 90 más que en los niños.
Onward me ha encantado, pero reconozco que la falta de un antagonista hace que la película sea atípica. Aunque claro, el tema es que la película no va de eso, no necesita un «malo» al que vencer, ya que el viaje es más interior. Personalmente, esta decisión de Scanlon / Pixar me parece muy valiente, y rompe el falso mito de que todo el cine comercial es siempre igual y que las grandes empresas solo repiten patrones una y otra vez sin novedades ni creatividad.
Sin embargo, hay que reconocer que la película empieza muy lenta y le cuesta arrancar, pero de mitad de película en adelante el ritmo, la aventura y la emoción son de 10. Dan Scanlon ha hecho una película pensada para los padres como yo, que de niño jugábamos al D&D con nuestros hermanos, más que en el público infantil al que se supone se dirigen las películas animadas. Y no me malinterpretéis, esto me ha flipado muchísimo y he salido super contento del cine, pero al mismo tiempo entiendo que a mi hijo no le haya gustado tanto como a mí. Normal, ya que todo el componente emocional no iba dirigido a él. De igual forma, tampoco es una película para mi mujer.
En este sentido, lo que sí diría que es un pero comercialmente hablando es que su campaña publicitaria no ha sido especialmente atractiva ni mostraba cosas realmente novedosas o emocionantes, haciendo que la película pueda pasar mayoritariamente desapercibida. Yo soy muy fan de Pixar y siempre que pueda veré cualquier cosa que estrenen, pero, por dar un ejemplo, mi hijo tenía muchas más ganas de ver Trolls 2 que Onward, hasta el punto que puestos a elegir, hubiera preferido no ver este estreno de Pixar.
Como comentaba antes, aunque yo como espectador estoy encantado con Onward en concreto y Pixar en general, cada vez tengo más claro que se dedican a hacer películas para los padres que pueden gustar también a los niños. Y quizá los temas y la ambientación apelan a la sensibilidad de un padre acostumbrado a los juegos me mesa y las lecturas de Espada y Brujería, y para las nuevas generaciones muchos de los elementos que aquí aparecen les son completamente desconocidos.
Probablemente Onward no vaya a estar en ningún Top-3 de mejores películas de Pixar, al menos no está en el mío, pero sí ha conseguido emocionarme en muchas partes de la película y me parece una historia modélica que triunfa en lo que pretendía contar. Lo cual no es poca cosa hoy en día, teniendo en cuenta que comparte cartelera con numerosas películas mediocres que no justifican el precio de su entrada.
Comparto el trailer de la película:
Onward ha conseguido emocionarme con la aventura de estos dos hermanos elfos y estoy muy contexto de que Pixar siga ofreciendo un buen entretenimiento para los padres y los más pequeños. De momento, sigo muy fam y seguiré pagando por ver sus próximas películas.
PUNTUACIÓN: 8/10
Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
starsmydestination 
Debe estar conectado para enviar un comentario.