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Crítica de Resident Evil de Zach Cregger

De forma totalmente inesperada, la nueva versión de Resident Evil de Zach Cregger (Barbarian, Weapons) se coloca como una de mis películas favoritas de 2026. Menudo disfrute viendo pasarlo mal al desdichado protagonista.

PUNTUACIÓN: 9/10

Película basada en la saga de videojuegos de Capcom del mismo nombre. En una reinvención totalmente nueva, el mensajero médico Bryan (Austin Abrams) se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia, mientras el caos se desata a su alrededor. (FILMAFFINITY)

Zachary Michael Cregger (Virginia, 1981) es un actor, comediante, escritor, director, productor y streamer de Twitch estadounidense. Saltó a la fama como uno de los tres miembros fundadores, junto con Trevor Moore y Sam Brown, de la compañía de comedia con sede en Nueva York The Whitest Kids U’ Know. Más tarde protagonizó las comedias Friends with Benefits, Guys with Kids y Wrecked. También protagonizó la película Miss March, que codirigió y coescribió con Moore. Barbarian (2022) fue su ópera prima como director, a la que siguió la exitosa Weapons (2025), que a su tremendo éxito de taquilla hay que sumar el Oscar a Mejor Actriz de Reparto para Amy Madigan.

Además de dirigir y producir, Gregger escribe junto a Shay Hatter el guion de esta película basada en el mítico videojuego de Capcom. Tras el fracaso de las últimas películas de la saga, Constantin Film buscaba cómo relanzar esta saga cinematográfica, y la solución de Cregger fue sencilla: Contar una historia ambientada en este mundo pero NO adaptando ningún videojuego concreto ni usando a los personajes míticos. Esto provocó un odio online que demuestra una vez más que las redes sociales no tienen nada que ver con el mundo real.

La película de 97 minutos de duración y un presupuesto de 75 millones de dólares ha contado con fotografía de Dariusz Wolski, montaje de Joe Murphy y música de Hays y Ryan Holladay.

En el reparto tenemos a Austin Abrams como Bryan, un mensajero médico que tiene que llevar un importante paquete al Hospital de Raccoon City. Aunque él no sabe exáctamente qué es, imagina que será un corazón o un riñón para un trasplante. Otros actores en roles menores son Zach Cherry (Severance) en el papel de Carl, un científico de Umbrella que investiga el mutágeno, Kali Reis es Maxine, una dura agente de Umbrella que protege a Paul (Paul Walter Hauser), otro científico. Emily Piggford como la Dra. Maria Stokes, que da el encargo a Bryan, y Johnno Wilson como Wilson, un sheriff del condado que se encuentra a Bryan en la carretera, completan el reparto.

Resident Evil es la mejor película de Zach Cregger con mucha diferencia respecto a Barbarian y Weapons. Desde luego es la más redonda y satisfactoria de las tres. Y lo primero que me viene a la cabeza es que los ofendidos de las redes sociales son gilipollas. Así, como regla general. Porque la caverna de gente indignada porque Cregger se atrevió a no adaptar ningún videojuego concreto deberían pedir perdón y arrastrarse por el fango. Porque Cregger hace algo mejo a adaptar un juego u otro, adapta el espíritu del videojuego y la experiencia de jugarlo.

Y hay que quitarse el sombrero ante el perfecto casting de Austin Abrams como el protagonista Bryan. Porque para esta película, es clave que el protagonista NO sea el puto amo, sino un pringado que no sabe donde se está metiendo y lo que se le viene encima. En varios momentos, la experiencia de Resident Evil me recordó la premisa de Barbarian, en la que Cregger quería explorar la tensión que se producía cuando la protagonista ignoraba todas las red-flags que se estaban levantando a su alrededor, haciendo lo contrario que el sentido común sugeriría. Al pobre Paul le pasa lo mismo, pero al menos él tiene una misión que cree importante y de la que depende una vida: llevar el paquete hasta el hospital de Raccoon City.

Me parece una pasada super inesperada lo bien equilibrada que está la película y como alterna en segundos momentos de terror y gore con un humor que funciona siempre. Esto para mi es la mayor sorpresa de la película, y el motivo del éxito monumental del visionado. Y de nuevo, para que este humor funcione, la película deja claro desde el primer fotograma que Bryan es un pringado a las que las cosas no suelen salirle bien a la primera. De alguna manera, no tomándose demasiado en serio a si misma más allá de su propósito de entretenimiento con el que triunfa absolutamente. Las bromas a costa de los cerrojos que Bryan tiene que abrir durante la película o las reacciones que tiene ante el siguiente horror son situaciones buenísimas. «No acabo de volarle la cabeza a esa persona», por ejemplo. Y me recordaron la sensación comunal de ver una película en el Festival de Sitges, cuando tras un gran susto, la multitud nos reimos a la vez por la forma en que la película nos pilló en esa escena o por lo over-the-top de la situación. Resident Evil tiene numerosos momentos de estos. Me lo pasé increíble viendo la cabeza.

Zach Cregger es un maestro planteando tensión, amplificada por el hecho que los espectadores sabemos más que los personajes. Por ejemplo, cuando Bryan atropella sin querer a una infectada y corre a ayudarla porque eso es lo que haría cualquier persona decente. Situación amplificada cuando intenta ayudar a la niña a la que se encuentra más adelante. Como pasa tantas veces, los espectadores estamos pidiendo que Bryan no se meta en la alcantarilla, pero en el fondo sabemos que es inevitable que lo haga. Y que en realidad vamos a disfrutar aún más porque lo ha hecho.

Visualmente, Resident Evil me ha parecido increíble. Me flipa el homenaje a los videojuegos que hace Cregger con los planos subjetivos en los que la cámara nos muestra lo que ve Bryan, tenéis abajo un ejemplo, unido a otros momentos en los que la cámara se sitúa arriba a la derecha de Bryan, justo como en la mayoría de los videojuegos. Los puntazos visuales son constantes, lo que unido a la tensión y el alivio cómico hace que el visionado pase en un suspiro.

Otro de los elementos que me flipan de Resident Evil es que Cregger mete a Bryan en casi todas las situaciones que suelen verse en los videojuegos. Empezando por el accidente en la carretera, el establo y casa de la granja, el túnel de acceso a la Raccoon City, la exploración de las calles principales de la ciudad y sus callejones, y el acceso al hospital. Hay situaciones muy locas como el área de maternidad, que son una locura pero al mismo tiempo no puedes evitar que tenga que entrar. Esto, unido al concepto de Final Boss que hace que cada bicho sea más peligroso y chungo que el anterior, hace que la tensión alcance su nivel de ebullición cuando llegamos al climax final. Que la duración no llegue a los 100 minutos me parece una flipada absoluta.

Me ha encantado que el presupuesto de la película se vea en pantalla. Hay algunos monstruos super chungos, como el que va cogiendo cadáveres y los fusiona en un ser con 12 piernas, 10 brazos y tres cabezas. O lo que sea. Me gusta mucho que la película vaya de menos a más, para darnos un final que es una orgía de sangre, vísceras y diversión que me ha parecido algo muy grande.

Otro de los grandes éxitos de Resident Evil es que Zach Cregger da en la diana con el final. Un final que es perfecto teniendo en cuenta el tipo de historia que hemos visto con un tono tan particular. Acertar con el final es justo lo que Cregger no consiguió en sus dos primeras películas, en las que a partir del giro en que se descubría todo ambas películas se fueron a la mier%$ y se convirtieron en un todo vale decepcionante. Como digo, eso no pasa en Resident Evil. Otro éxito monumental.

Estoy intentando hacer la reseña lo más libre de spoilers posible, pero mientras escribo estas líneas me estoy riendo yo sólo mientras recuerdo algunos de los momentos de la película. En ese sentido, si Bryan es un pringado con buenas intenciones, me ha encantado ver a Paul Walter Hauser y Zach Cherry como dos científicos de Umbrella super incompetentes, cobardes y aprovechados. Algo que conecta con el tono un poco loco que Cregger plantea para la película.

En estos tiempos de spoilers en redes sociales, es una maravilla llegar a una película como esta Resident Evil y que me sorprenda y me entretenga de la forma que lo ha hecho. No puedo recomendar más la película, y eso que nunca jugué al videojuego y probablemente no capté las referencias a los juegos que seguro Cregger ha puesto en la película. Que seguro harán disfrutar aún más a los espectadores gamers. Pero tanto si eres jugador como si no, no lo dudes y anímate a verla en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Resident Evil es un peliculón. De largo la película más satisfactoria de la carrera de Zach Cregger, al que no tengo duda que le espera un futuro alucinante. Sin duda, veré su próxima película.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Absolute Superman 23 de Jason Aaron y Juan Ferreyra (DC Comics)

Estoy disfrutando de un momento muy bueno para mi afición comiquera. Y dentro que hay un montón de comics que me flipan, cada nuevo número de Absolute Superman de Jason Aaron y Juan Ferreyra me reafirma en que esta colección es lo mejor que se está haciendo en el género superheroico.

PUNTUACIÓN: 9/10

¡“GET BRAINIAC” CONTINUA!

La búsqueda de Brainiac lleva a Superman a enfrentarse al Toyman, que podría ser el villano más aterrador al que se ha enfrentado hasta ahora el Hombre de Acero, ¡y su enfrentamiento dejará a Superman tan conmocionado como nunca hubiera imaginado!

Como fan de Superman, me parece una pasada tener al mismo tiempo a Jason Aaron, Joshua Williamson y Mark Waid creando historias de Superman. Estamos en un momento extraordinario para ser fan del personaje. Y el caso es que me encanta el Superman de Williamson y el World´s Finest de Waid (no he comprado su Action Comics centrado en Superboy aunque imagino que debe estar muy bien también). Pero es que cada mes que llega el siguiente número de Absolute Superman, Aaron y Ferreyra tienen la capacidad de volarme la cabeza. Y eso sucede TODOS los meses. Me parece algo al alcance de muy pocos autores.

Superman está buscando al Absolute Brainiac. Y el villano está poniendo entre ambos a villanos que le interrumpan. El mes pasado tuvimos al Absolute Metallo, uno de los mejores números unitarios que he leído este 2026, y en este número a Toyman. Frente a la acción sin cuartel del número anterior, en este Superman va a conocer hasta qué punto llega la depravación del ser humano. Aaron consiguió ponerme el corazón en un puño con la revelación de Superman. Una revelación que hará que se cuestione su compromiso de no matar. La lucha no es física, sino emocional y de valores, lo que hace que sea aún más importante que ganar o perder un combate a puñetazos. Hablamos del alma de Kal-El.

Uno de los muchos triunfos del comic es la forma en que Aaron plantea los textos de apoyo para que conozcamos los pensamientos de Superman ante el horror que va a vivir. Algo que apuntala el extraordinario trabajo psicológico que Aaron ha creado en esta colección. Que a pesar de todo mantenga sus valores sólo se explica en que Kal-El es SUPERMAN. El éxito de Aaron es absoluto.

Otro de los éxitos del comic vienen con el flashback de Kal-El en Krypton, en el que descubre que los vecinos de su familia mataron a un burócrata de Kandor y su madre no parece estar en contra. Aaron en esa escena contrapone esa muerte con el ataque de un bicho en los planos kryptonianos, resaltando que existen situaciones en las que se trata de matar o morir. Sin embargo, Kal-El no lo acepta y lucha por convertirse en un héroe mejor que lo incluso su madre llegó a ser. Un héroe que elige no matar. Impresionante.

Por supuesto, nada de esto sería posible sin el extraordinario Juan Ferreyra, que vuelve a darnos una master-class de emoción y narrativa super heroica en las 22 páginas del comic. El cambio de color para resaltar las páginas de flashback es una chulada, de forma que no tienes ni que leer los textos para saber que es otro momento temporal. Ferreyra clava en la página el sufrimiento de Kal-El, confirmando lo buenísimo dibujante que es. Y en las páginas de combate, me flipa como dibuja a un muñeco de Silver Banshee como si fuera un peluche infantil, para luego liberar un poder que puede acabar con Superman. La imagen de Superman llorando en el espacio es otro de los momentos más emocionantes que voy a leer en mucho tiempo. Un momento en que Superman refuerza su compromiso de ayudar a los habitantes de la Tierra sin importar lo que Brainiac le lance a su paso.

Otro elemento que me gusta mucho de este Absolute Superman es que no se puede negar que por sus argumentos, este comic es super woke. En este número, Superman ataca a los clientes de Toyman que son los que recibían sus terroríficos encargos. Clientes que son los ricos y super ricos del mundo. No sólo les despoja de sus bienes más valiosos, mostrando que por muy ricos que son no están a salvo de pagar por sus crímenes porque Superman les va a encontrar. Además, a continuación Kal-El redistribuye su dinero entre los más pobres del planeta. A priori, ¿Qué argumento puede ser más woke? Sin embargo, la clave no está en la historia, sino en la ejecución que aleja el comic de la propaganda y el pastiche infumable en que otros han convertido sus comics. Y a uno de los ricos, Superman le destruye su cohete espacial, lo que sugiere de forma poco sutil a Elon Musk, pero esto lo hace de forma en que el lector rellenemos los huecos, sin necesidad de poner un cartel que diga «los ricos son malos». De nuevo, como pasa en muchos panfletos que he tenido el disgusto de leer en los últimos años. Que Superman sea el protector de los desfavorecidos es algo que conecta con la esencia del personaje, y Jason Aaron y Juan Ferreyra lo están haciendo extraordinariamente bien.

Qué grande es leer un comic PERFECTO. Absolute Superman de Aaron y Ferreyra no está siendo de forma consistente mes tras mes. Esto es algo muy grande.

Comparto las primeras páginas del comic:

Absolute Superman de Jason Aaron es un triunfo monumental cada vez que Juan Ferreyra lo dibuja. Este número 23 es un ejemplo perfecto de esto. Dame más, por favor.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Transformers 36 de Robert Kirkman y Jason Howard (Image Comics)

Termina el sexto arco de Transformers y lo hace con la presentación del nuevo Superion y el recuerdo que robots y humanos no están solos en el planeta Tierra.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡EL NUEVO SUPERION HACE SU DEBUT!

¡Así es! En una jugada que nadie podría haber previsto, ¡Thundercracker se une a los Aerialbots! Se reúnen justo a tiempo para… un momento… ¿qué es ese ruido? ¿Será posible?

¡COBRA-LA-LA-LA-LA-LA-LA-LA!

La sorpresa llegó al final del número anterior, cuando los Aerialbots fueron atacados por las fuerzas de Cobra-La. Si falta alguien, el señor de Cobra-La Lord Globulus se ha cansado que los seres robóticos sigan pisando su planeta, y se dispone a poner los medios para que eso termine lo antes posible. Pensando que en Transformers están pasando muchísimas cosas a la vez y las grapas de la colección apenas empleas 3/4 grapas a cada trama por número, que el ataque de las fuerzas del General Drakun se desarrolle a lo largo de 8 páginas de este comic deja claro la importancia que Kirkman quiere darle a Cobra-La.

El final de este arco nos trae la nueva composición de Superion incluyendo al antiguo decepticons Thundercracker es otro de los momentazos de este comic. En las apenas 20 páginas tenemos además la vuelta de Starscream y lo que parece será el retorno de Megatron en el próximo número. Y por si fuera poco, el Doctor Arkeville ayuda a recuperar a Shredhead. Para ser un arco de transición, no está nada mal.

Dentro que no es algo malo, si algo menos bueno tiene este comic es que plantea muchas tramas abiertas, pero no nos ha dejado con un cliffhanger explosivo como hemos tenido en los arcos anteriores. Con todo, la falta de este cliffhanger no quiere decir que el comic sea malo, más bien al contrario. La soltura con que Kirkman maneja las diferentes tramas y a las decenas de personajes de cada bando, en la Tierra y en Cybertron, me parece una pasada. Y ahora, además, Cobra-La. ¡Qué locurón!

El dibujo de Jason Howard con color de Mike Spicer es perfecto. No se puede decir de otra manera. Espero ver a Howard mucho tiempo en la colección, porque en este segundo arco se nota que ya ha hecho suyos a los personajes. Además, el dinamismo que incorpora en las escenas de acción me parece maravilloso, creando un comic cuyo dibujo ayuda y justifica el disfrute de este comic.

Comparto las primeras páginas del comic:

Transformers se encuentra en las mejores manos posibles con el equipo formado por Robert Kirkman y Jason Howard. Así da gusto.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Olympos: Nullhunter de Michael Walsh y Gustaffo Vargas (Image Comics)

Otra de mis compras en Edimburgo en el Forbidden Planet fue Olympos: Nullhunter, el comic de Michael Walsh y Gustaffo Vargas publicado por Image Comics es una reimaginación de Las 12 pruebas de Hércules en un contexto de ciencia-ficción cyberpunk.

PUNTUACIÓN: 8/10

Una versión cyberpunk con toques de neón del clásico mito griego «Los trabajos de Hércules», ambientada entre las estrellas.

En Nullhunter, Clay es un héroe de guerra que se enfrenta a una tragedia indescriptible tras regresar a casa. En busca de justicia, se ve obligado a trabajar para la poderosa empresa de su padre, con quien no mantiene relación, OLYMP0S. Su primera misión le lleva al lejano N3M-3A tras la pista de un cargamento secuestrado de leones de guerra. En su búsqueda de la exoneración, esta aventura con misiones casi imposibles llevará a Clay hasta los confines del espacio, donde descubrirá la verdadera fuente de corrupción en el cosmos.

NULLHUNTER combina una narrativa distópica inspirada en los años 80 con un estilo artístico en la misma línea que obras favoritas de los fans como Ronin y Blade Runner.

De la mano del aclamado creador MICHAEL WALSH (THE SILVER COIN, UNIVERSAL MONSTERS: FRANKENSTEIN) y con el arte de la estrella emergente GUSTAFFO VARGAS (Marvel’s Voices), NULLHUNTER es una dinámica versión cyberpunk del clásico relato mitológico: los trabajos de Hércules.

Este volumen recopila los 10 números de la serie publicada por Image Comics.

Michael Walsh es un artista multidisciplinar y escritor de Ontario (Canadá). Es conocido sobre todo por ser el cocreador y dibujante principal de la serie EXQUISITE CORPSES, nominada a los premios Eisner. Entre sus otros trabajos recientes en el mundo del cómic se incluyen Universal Monsters: Frankenstein (guionista y dibujante) y la serie THE SILVER COIN, nominada a los premios Eisner (creador, dibujante y guionista). Con quince años de experiencia profesional en el mundo del cómic a sus espaldas, ha trabajado en iconos de la cultura pop que van desde Superman hasta Star Wars. Michael es también un prolífico dibujante de Magic: The Gathering y ha realizado las ilustraciones de más de treinta cartas. Actualmente, Michael está trabajando en una serie de «Next Level» para DC Comics, la segunda temporada de Exquisite Corpses y el cuarto volumen de The Silver Coin.

Gustaffo Vargas es un dibujante y guionista de cómics peruano, creador de las novelas gráficas peruanas de cyberpunk «ALTIPLANO», «ANTICUCHO» y «TRUJILLO Comic», en las que explora la sociedad y la cultura peruanas, así como temas poscoloniales. Es el dibujante de «Power Rangers: GREEN», con guion de Pallie Paul Allor y publicado por BOOM! Studios. También es cocreador de OLYMPOS: NULLHUNTER junto con Michael Walsh, publicada por IMAGE Comics. Ha trabajado para BOOM! Studios, Marvel Comics, IMAGE Comics, Tiny Onion, Titan Comics, Unit 2 Games y editoriales independientes del Reino Unido. Publica la revista SKRAWL junto con los SkrawlLordz.

Me ojeé algunas páginas de este comic en la librería mientras buscaba un tercer comic para aprovechar la oferta de 3×2 en tomos de Forbidden Planet. Algo que no se si son buenas noticias para la librería, aunque seguro que fueron buenas noticias para mi.

Lo primero que me llamó la atención es que las páginas dibujadas por Gustaffo Vargas tenían muchísima fuerza. Potencia visual y personalidad, algo que no abunda cuando hablamos del mainstream comiquero, sobre todo en Marvel. La premisa de adaptar los mitos griegos y en concreto Las 12 pruebas de Hércules en un entorno de ciencia ficción cyberpunk fue la clave para terminar de engancharme. Y que me han hecho leerme los 10 números de esta miniserie casi de una sentada.

Clay es un héroe de guerra asqueado de las muertes y las masacres en las que participó. Decide alejarse de su familia y sobre todo de su complicado padre, que son los dueños de la compañía Olympos que controla la galaxia. Pero una tragedia le llevará de nuevo con su padre y le pondrá en una misión de venganza mientras realiza encargos para su padre. Hay que reconocer que este arranque contiene un giro que en realidad no es tal, porque es algo que se ve venir a la legua. En todo caso, es funcional e imprescindible para la historia de Walsh y Vargas nos quieren contar.

En sus misiones, a Clay le acompaña Lois, la consciencia de una antigua compañera de Clay en la guerra que murió en sus brazos, cuya consciencia ha sido descargada a la I.A. de la nave. Además, durante las misiones recogerán a Simon, un huérfano que le recuerda a Clay a su hijo fallecido.

Una de las cosas más interesantes de este comic es que cada número cuenta una misión autoconclusiva que recuerda a una de las pruebas de Hércules. Esta cualidad de crear grapas autoconclusivas que construyen una gran historia que se resolverá en el último número es algo que me gusta mucho. Las historias están planteadas como misiones de acción con ultra violencia. Además, Clay ha sido mejorado con miembros cibernéticos y la última tecnología de Olympos, lo que le convierte en un enemigo extremadamente difícil de matar. Hay algunos giros que se ven venir, pero en general la historia de Michael Walsh me ha gustado mucho. En este entorno cyberpunk de corporaciones mega poderosas, las misiones que el padre de Clay le encarga no son para arreglar un problema, sino para eliminar enemigos de la empresa o conseguir más poder para la familia. Motivos egoístas y nada positivos, siendo Clay un mero peón en un juego que no alcanza a entender. La combinación de elementos en este mundo de ciencia ficción en el que la venganza sigue siendo la principal emoción es uno de los grandes aciertos del comic.

Como decía al principio, me gusta mucho la personalidad que Gustaffo Vargas imprime a este comic. Sus imágenes tienen una fuerza poco habitual en un dibujante que me parece bastante novato. Tengo que quitarme el sombrero ante el trabajo de Vargas en este comic, dado que creó desde cero junto a Michael Walsh todos los personajes, naves y espacios de ciencia ficción. Y creo que ha hecho un trabajo excelente.

Vargas dibuja y colorea este comic, lo que hace que su trabajo sea aún más destacable. Si bien alguna decisión creativa en lo relativo a plantear páginas casi monocolores, por ejemplo, con el rojo en los momentos de combate, igual no me acaba de funcionar como creo debería. Una decisión que crea una mayor uniformidad cromática, algo a lo que Vargas prestó especial atención durante la creación del comic, pero que provocaba que algunas páginas no fueran agradables de leer.

Dentro que este comic tiene un buen final que resulta satisfactorio dentro de dejar abierto el futuro de algunos personajes, me da la sensación que algo pasó con este comic que obligó a terminarlo antes de hora. Empezando porque en las primeras solicitaciones se hablaba directamente de que Clay tenía que realizar 12 misiones, como Hércules. Sin embargo, el comic acabó reduciéndose a 10 números. ¿Fue debido a las bajas ventas? Si fuera el caso, sería una pena, porque este comic me ha gustado mucho. Además de este detalle, Walsh NO guioniza toda la serie, siendo el propio Gustaffo Vargas el guionista del número 7, con Aaron Losty el guionista del número 8. Igual Walsh recibió otros encargos que pagaban mejor y no tivo más remedio que reducir la serie.

En todo caso, como el final implica el giro, que no llega a ser una sorpresa, con el que arranca el comic, no era difícil cerrar este argumento. Dentro que resulta un tanto apresurado, sobre todo con un último giro al que le falta fuerza porque no tuvimos tiempo de conocer a todos los personajes implicados. Con todo, dentro de estar ante una historia de venganza, me ha gustado que el final no haya sido el típico esperable. Dejando además la puerta abierta a posibles nuevas aventuras en el futuro.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Olympos: Nullhunter me ha gustado mucho. Dentro que sus influencias están claras, Walsh y Vargas han conseguido un comic con una personalidad y una fuerza arrolladoras. Ojalá más comics así.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Next Level: One Shot 1 de Gerry Duggan y Fernando Blanco (DC Comics)

Deadshot protagoniza el especial Next Level: One shot, realizado por Gerry Duggan y Fernando Blanco, con el color de Jordie Bellaire. Un comic destinado a presentar la que venden que será una de las tramas importantes del futuro del universo DC.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

PARA SALIR VICTORIOSO, DEADSHOT SOLO NECESITA UN DISPARO.

El asesino más letal de la historia del Universo DC da un salto al «Next Level» en Next Level: One Shot y descubre una conspiración que lo cambiará todo. El guionista Gerry Duggan narra la historia de un trabajo que se tuerce, de un padre y su hija, y de una red de mentiras con superpoderes que se extiende por todo el elenco de personajes de DC Next Level… y apunta hacia una guerra que se avecina. Este número épico te cuenta todo lo que necesitas saber sobre lo que está por venir en Next Level… si sobrevives a la experiencia.

Gerry Duggan es un escritor solvente, de forma que cuando la solicitación nos vendió que este especial Next Level One shot era el pistoletazo de salida (nunca mejor dicho) del siguiente gran misterio del universo DC, me animé a ver qué nos planteaban. Duggan plantea esta historia a partir del clásico «no es paranoia si de verdad te están persiguendo». Tras recibir una llamada de un enloquecido Rick Flag, Flag le entrega un libro con sus descubrimientos sobre una conspiración en la que unos drones creados a partir de ADNs diversos están en el centro de todo. Además, el Escuadrón Suicida parece estar involucrado. Pero, ¿Qué Escuadrón, el grupo no había quedado disuelto?

De alguna manera, este especial plantea una publicidad muy secundaria de varias de las series que DC va a lanzar en la nueva hornada Next Level. En concreto, investigando este misterio, Deadshot visita a la Doom Patrol, a Vixen, a los Teen Titans e incluso a Jason Blood (Demon). Una visita que los susodichos no saben que se ha producido. Como digo, como publicidad para estos nuevos comics, la trama (si puede llamarse así), me parece bastante endeble.

Lamentablemente, el dibujo del español Fernando Blanco no me ha gustado y me ha impedido disfrutar del comic como esperaba. Blanco cuenta con el color de Jordie Bellaire, lo que a priori es un equipo crativo de primer nivel. Sin embargo, las páginas de Blanco plantean a personajes y planos demasiado estáticos y poco atractivos. Además, Bellaire plantea una gama cromática apagada y gris que tampoco ayuda a leer el comic.

Quizá lo mejor del comic son las páginas finales en las que se desvela una parte del misterio y qué villano clásico está involucrado. El cliffhanger posterior hace que el pobre Deadshot quede en una situación bastante comprometida, con lo que me han dejado con cierta curiosidad de saber cómo continúa la historia. Incluso reconociendo que el comic en si no es nada del otro mundo, lo que han planteado puede ofrecer un nivel de amenaza que pueda superar a la mismísima Liga de la Justicia. Como digo, mucha curiosidad por saber cómo van a continuar la historia.

Comparto las primeras páginas del comic:

Next Level: One Shot plantea un misterio interesante, pero en este caso el dibujo de Blanco no ayuda al disfrute del comic. Una pena. Aunque habrá que ver qué van a hacer con el misterio que se ha presentado en este especial. Eso marcará la clave de si este especial habrá merecido la pena o va a quedar como un sacacuartos más. Veremos.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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