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Crítica de Capitán América 7-8 de J. Michael Straczynski y Carlos Magno (Marvel Comics – Panini)

Tras el primer arco de la nueva etapa del Capitán América de J. Michael Straczynski, la colección se coge un respiro en un arco de dos números que cuenta con dibujo de Carlos Magno y color de Espen Grundetjern.

PUNTUACIÓN: 8/10

INTERMEZZO

Cuando Steve Rogers pensaba que la batalla contra Asmodeo estaba ganada, encuentra a una nueva aliada llamada Lyla, y descubre que la derrota de Asmodeo sólo ha servido para desatar una nueva amenaza. El comienzo de este nuevo arco llevará al Capi a lo largo de todo el Universo Marvel.

J. Michael Straczynski ha planteado una historia con una importante vertiente sobrenatural que se aleja de las típicas luchas del Capi contra los nazis, dentro que en estos comics también ha combatido contra ellos. En el primer arco conocimos que el demonio Asmodeo buscaba aniquilar a unos «Agentes del Cambio», personas anónimas que en el futuro ayudarían a crean un mundo mejor, si Asmodeo no lo impedía antes. Aunque este demonio sí mató al menos a uno de estos elegidos, el Capitán América consiguió derrotarle y matarle, la historia está muy lejos de haber terminado. En este historia en dos partes Steve conocerá a Lyla, la personificación de la VIDA, que lucha contra su hermano MUERTE y que quiere proteger a toda costa a estos Agentes del Cambio de las amenazas que se ciernen sobre ellos. Y para ello necesitará al Capitán América.

Straczynski se muestra como un perfecto conocedor de los mitos del Capi: «Siempre pones a los demás antes que a ti mismo…Tú te levantas. Te obligas a levantarte. Cada vez. Siempre lo has hecho y siempre lo harás». Es que le ha clavado. Y sólo por eso ya hace que merezca la pena leer este comic. Pero es que además Steve Rogers se muestra cómodo luchando contra nazis, pero las amenazas sobrenaturales son un problema para él. Que Straczynski plantee una amenaza sobrenatural hace que tenga que salirse de su zona de confort, a la vez que sigue siendo una lucha pura del bien contra el mal, en este cado de la VIDA contra la MUERTE. No puede ser más Capitán América y, a la vez, resulta fresca y novedosa. Lo ideal para conseguir que quiera saber cómo continúa la historia tras estos primeros 8 números de la colección.

En los próximos meses Steve tendrá que proteger a 4 Agentes del Cambio que viven en diferentes partes del mundo. Esto puede alargarse todo lo que Straczynski quiera, a lo que habría que sumar la amenaza superior, que nos ha mostrado en un flashforward que va a provocar la muerte del Capitán América. Aunque por supuesto no nos creemos nada de la supuesta muerte, el comic lo hace todo bien para que me plantee leer toda la etapa hasta su finalización.

A Carlos Magno le tengo ubicado como un dibujante de fill-ins en varias colecciones de Marvel, sin haber tenido nunca una colección fija. (Si la ha tenido, ha sido una de las muchas que no compro). Sin embargo, dentro del elemento negativo que el calificativo «artista de fill-ins» tiene, tengo que decir que me ha gustado mucho su trabajo en este arco.

Por empezar por lo menos bueno, Magno aún tiene que mejorar algunas caras que se ven a veces repetidas respecto a otras viñetas, o con facciones de Steve que hacen que se le vea «feo». Esto es algo que claramente se puede mejorar con el trabajo continuado, lo cual no supone un problema importante. Y lo mejor de Magno ha resultado ser su narrativa, con algunas composiciones de página que me han recordado a Phil Jiménez, lo cual es un alago importante. Otro elemento muy positivo es la forma en que dibuja los elementos sobrenaturales, que me parecen otro de los aciertos de este comic. Además, el color de Espen Grundetjern ayuda a transmitir la sensación onírica y sobrenatural de la historia, complementando perfectamente al dibujo de Magno.

En positivo también, las portadas de Taurin Clark añaden a este arco una cualidad icónica y casi onírica muy chula, además de no parecer las típicas portadas de los comics Marvel. En general, tenemos una buena historia de Straczynski perfectamente acompañada por un dibujo que potencia todos los puntos fuertes del comic y te dejan con ganas de seguir leyendo esta colección. No le puedo poner un pero. Y con el retorno de Jesús Saiz al dibujo el mes que viene, la ilusión por el Capitán América se mantiene como el primer día.

Comparto las primeras páginas del número 7 USA:

Al nueva etapa de Capitán América de J. Michael Straczynski parece que tiene cuerda para rato. Sobre todo pensando en lo que estos dos números significan. Seguiré atento a esta colección sobre todo pensando en el retorno de Jesús Saiz el próximo número.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Absolute Power 2 de Dan Waid y Dan Mora (DC Comics)

Mark Waid y Dan Mora están en estado de gracia, algo que se hace evidente en Absolute power, el evento veraniego de DC Comics. Y en este segundo número, las cosas no pueden ponerse peor para nuestros héroes.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Tras la victoria total de Amanda Waller, los metahumanos del universo DC han sido desposeídos de sus poderes, dispersados al viento, y se tambalean por la derrota crítica en todo el planeta. Pero la resistencia sigue viva. Los héroes que no han sido acorralados por la TRINIDAD DEL MAL se han reunido en la Fortaleza de la Soledad de Superman… pero ni siquiera este santuario de paz y esperanza está a salvo de la guerra relámpago de Waller. El precog conocido como Soñador ha apuntado las armas de Waller hacia la tundra helada donde nuestros héroes se lamen las heridas… y el impactante general que lidera la carga de Waller para arrasar la fortaleza te dejará sin aliento. En esta épica segunda entrega de la saga de PODER ABSOLUTO, el desvalido se enfrenta a la dominación mundial.

Si el primer número de Absolute Power terminó de mala manera para los héroes del Universo DC, este segundo episodio aún complica más la situación, convirtiéndola en casi desesperada. Dentro de un comic mainstream como este, está claro que narrativamente las cosas tienen que ponerse muy feas antes de que los héroes se levanten contra la peor de las amenazas, pero hay que reconocer que Mark Waid ha planteado unos villanos espectaculares que les han puesto contra las cuerdas. Y es que la unión de Amanda Waller y los recursos del gobierno de los USA, la inteligencia de Failsafe y Queen Brainiac y su invención de los robots Amazon que está robando las poderes de héroes y villanos, hacen que la cosa no pueda pintar peor.

Tenía cierta aprensión a la posibilidad que este evento se sintiera cojo al tener sólo cuatro números y un montón de tie-ins, dado que yo sólo compro la miniserie principal. En este número, Nightwing asigna varias misiones a los héroes que escaparon al primer ataque de la Trinidad del Mal. Estas misiones entiendo que tendrán lugar en estos tie-ins que comentaba, pero de momento la historia de Waid los ha colocado en esta grapa de forma muy orgánica, con lo que de momento no siento que me esté perdiendo nada fundamental. En este sentido, y en muchos otros, se confirma una vez más la maestría de Waid a la hora de escribir este tipo de eventos. Un evento que a pesar de tener a muchísimos personajes sientes que todos tienen la personalidad que correcta y son reconocibles, a pesar de llevar un tiempo sin leer los comics de DC en continuidad.

Cuando llega el ataque de los villanos, utilizando a un héroe prisionero al que controlan mentalmente, nos regala una escena super dramática que me dolió y funciona de forma increíble. Si faltaba algo a un comic estupendo, el cliffhanger hace que la espera de un mes hasta que me llegue el siguiente número se me vaya a hacer muy larga. Por cierto, uno de los muchos shocks del inicio del evento fue ver cómo Oliver Queen tomaba partido a favor de Amanda Waller. El final de este número, sin embargo, sugiere que estamos a punto de asistir a uno de los giros importantes del eventos. habrá que esperar un mes a ver si tengo razón.

Y si Waid está en su salsa con una historia alucinante, en realidad es el dibujo de Dan Mora con color de Alejandro Sánchez el que hace que este evento de el salto de calidad y espectacularidad. Mora es increíble en la caracterización de todos los personajes, y transmite un dinamismo y una espectacularidad en cada una de sus páginas al alcance de muy pocos artistas. Ahora mismo, en lo referido a pijameo «puro» no veo a nadie por encima de Mora, que empieza a mirar de tu a tu a algunos grandes del medio como John Byrne, George Pérez o Carlos Pacheco.

Mora es la confirmación que un medio visual como es el mundo del comic necesita un dibujo atractivo que haga que los lectores queramos volver el mes próximo. Y por supuesto el guion es importante, pero con un dibujante mediocre (me vienen a la cabeza C.F. Villa que ha estado arruinando los comics de Los Vengadores de Jed MacKay, o Marco Ferrari decepcionando en Scarlett) el impacto de este evento no sería ni la mitad.

Creo que ya lo he comentado en Batman – Superman: World´s Finest, pero Mora está en un momento de calidad en que merece la pena comprar cualquier comic que dibuje él. La diferencia frente a la media del mainstream es abismal. Y quien sabe si Mora se quemará tras estar trabajando muchos meses en dos series mensualmente. Pero de momento hay que aprovecharle y disfrutarle mientras se mantenga en este nivel.

Llegados al ecuador de Absolute Power, las ganas de leer los siguientes números es total. No sólo de esta miniserie, también de los comics satélites. La forma de conseguir que lectores veteranos como yo volvamos a comprar DC ha resultado ser algo tan sencillo como ofrecer a personajes reconocibles viviendo historias más grandes que la vida y con un dibujo TOP. Así voy a comprar comics DC encantado de la vida.

Comparto las primeras páginas del comic:

Absolute power está siendo un evento impresionante que justifica mi afición por los comics de superhéroes,con unos héroes llenos de personalidad donde las apuestas y la amenaza no pueden ser mayores gracias a un guion perfecto de Waid acompañado por un Dan Mora en estado de gracia.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Alien: Romulus de Fede Álvarez

Tenía ganas de ver Alien: Romulus, la nueva película de la franquicia de los xenomorfos realizada por el especialista en terror Fede Álvarez, que ha cumplido con las expectativas y mucho más.

PUNTUACIÓN: 8/10

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo.

Fede Álvarez (Montevideo, Uruguay, 1978). Se dió a conocer en 2009 gracia a su cortometraje ¡Ataque de pácino!, lo que le llevó a firmar un contrato con la productora Ghost House, que acabó con él dirigiendo el remake de Evil Dead (2013). Tras esto dirigió la estupenda Don´t breathe (2016) y la fallida adaptación de The Girl in the Spider’s Web (2918). Tras producir y escribir Don´t breathe 2 (2021) y realizar la serie Calls (2021) para Apple TV, consiguió convencer a Redley Scott para realizar esta nueva película de Alien.

Álvarez escribe el guion de la película junto a su colaborador habitual Rodo Sayagues. La película ha sido producida por Ridley Scott a través de su productora Scott Free y ha contado con fotografía de Galo Olivares, montaje de Jake Roberts y música de Benjamin Wallfisches. Alien: Romulus tiene un ajustadísimo presupuesto de 80 millones de dólares, lo que puede ser vital para asegurar su rentabilidad, y fue rodada mayoritariamente en Budapest.

Por la propia premisa de la película, Alien: Romulus cuenta con un reparto con muy pocos integrantes. 2024 parece ser el año de Cailee Spaeny, ya que hace unos meses protagonizó Civil War de Alex Garland y ahora hace de Rain, una joven que ansía abandonar su colonia minera junto a su hermano Andy (la otra gran sorpresa positiva de la película, interpretado por David Jonsson), para ir a otro planeta donde pueda ver la luz del sol. El resto de jóvenes de la tripulación que la acompañarán a la estación espacila Romulus a la deriva son Archie Renaux como Tyler, el ex novio de Rain, Isabela Merced como Kay, la hermana de Tyler, Spike Fearn como Bjorn, el primo de Tyler y Kay y Aileen Wu como Navarro, piloto y novia de Bjorn.

Alien: Romulus es un extraordinario ejercicio de estilo y tensión por parte de su director Fede Álvarez. Además, sirve para mostrar la reverencia que el director uruguayo tiene por la franquicia iniciada por Ridley Scott en 1979. La película suponen una vuelta a las esencias de los xenomorfos, con una premisa que en cierto sentido recuerda a la de otra película de Álvarez: Don´t breathe. En el sentido que en ambas películas tenemos un grupo de jóvenes que entra en un espacio cerrado para robar, siendo sorprendidos por una presencia que no esperaban. Los pasillos claustrofóbicos, las sorpresas en cada esquina y una tensión opresiva son varias claves de una película que empieza a fuego lento pero que nos ofrece una segunda hora notable.

La película parece un catálogo de lo mejor de la franquicia, conectando con todas las películas previas (sin contar con los subproductos de Alien vs Predator). De la película original recupera la atmósfera de terror con una tripulación superada ampliamente por unos inesperados xenomorfos, con la presencia de la corporación Waylan-Yutami que como siempre es la verdadera villana de la película. En ese sentido, Alien: Romulus lleva esta villanía un paso más allá, al mostrar que el planeta minero donde viven Rain y sus amigos es prácticamente una trampa donde la empresa mantiene a los trabajadores casi en un régimen de esclavitud, al no permitirles abandonar el planeta.

La película recupera todos los mitos a Alien, empezando con los Facehuggers, que protagonizan unas escenas geniales llenas de tensión, el Chestburster y por último la versión adulta. Por cierto, Romulus muestra otro elemento muy interesante de la franquicia, al mostrar como tras nacer el chestburster, tiene que formar una nueva crisálida para conseguir su forma y tamaño adulto. La sorpresa es comprobar que Álvarez también incorpora en la película elementos de Prometheus y Covenant, algo que también conectaría con aspectos de Alien Resurrección y que sirven para darnos la sorpresa inesperada de la película en su parte final.

Fede Álvarez la verdad es que puede estar orgulloso de su trabajo en Alien: Romulus. La tensión es palpable durante toda la película, y me gusta que prácticamente todos los sets sean espacios físicos que tienen peso en pantalla. Además, los aliens combinan animatronics alucinantes con versiones CGI que no desentonan. La trama toma esquemas del terror el tener un set de terror al que le sigue otro y luego otro. Y aunque tenemos una primera mitad que casi parece un remake que toma elementos de las películas previas, en la segunda mitad Álvarez plantea una escena en gravedad cero que me parece brillante y es una interesante añadido a los mitos de alien, aparte de un climax final que me vuela la cabeza y resulta totalmente inesperado.

Por ponerle algún pero, la obsesión de los estudios por añadir easter-eggs y guiños a las películas previas hace que haya una aparición mediante CGI de un personaje que queda raro. Raro porque el actor falleció y por tanto sabes que lo que ves es CGI, pero también porque en realidad no era necesario. Por otro lado, había leído de Alien: Romulus era super aterradora, y la verdad es que no me lo ha parecido, dentro que al ser un espectador curtido en esta franquicia hay muy pocas cosas que me puedan alterar por muy buen trabajo que haga el director. Por último, un pequeño pero inevitable en este tipo de películas, y es que la franquicia no ha dejado claro el tiempo de incubación del huevo de alien en su huesped humano, de forma que pueden ser horas (¿o días?) en la primera Alien o en Aliens, a apenas minutos en Romulus. De igual manera tenemos el paso de chestburster a alien adulto, que también sucede con minutos de diferencia. En todo caso, este es un pero muy pequeño que en realidad no me molestó durante el visionado, así que ni tan mal. En todo caso, como veis, son muy pocas cosas las que no me han funcionado, porque en realidad la película me gustó bastante.

El reparto me parece que está muy bien. Cailee Spaeny se luce como heroina de Alien: Romulus, transmitiendo humanidad y empatía, y dando caña cuando llega el momento, en una escena que recuerda para bien Aliens de James Cameron. Junto a Spaeny, David Jonsson como su hermano Andy es la gran sorpresa actoral. Andy parece sufrir algún tipo de discapacidad, pero sufrirá varios cambios a lo largo de la película que provocarán que su rango interpretativo se amplíe para convertirle en el personaje más interesante de la película. El resto un poco sabes que están ahí para morir, y la verdad es que hay un par de muertes realmente potentes.

Aparte del catálogo de lugares comunes, me ha gustado mucho la sorpresa que me ha dado la película en su último cuarto. Antes de ir al cine me temía que los mejores momentos de la película estuvieran en el trailer, y la verdad es que no es así. Aparte, de nuevo recordando Aliens, por si no fuera suficiente con los aliens, hay una cuenta atrás que obliga a los protagonistas a correr si no quieren morir en la estación Romulus, lo que añade una capa adicional de tensión y urgencia a todo lo que hacen. En algunos aspectos Alien: Romulus parece (porque lo es) un back-to-basics, pero cuando algo se ejecuta con esta brillantez el resultado no puede ser más que notable.

Como decía, los guiños a las películas previas es constante, incluso a la locura máxima que en su día representó Alien Resurrección. Esto en realidad es algo que me gusta mucho. El final con reminiscencias a la película original deja el escenario lo bastante abierto como para que en caso que Romulus sea un éxito, el estudio pueda plantearse una continuación. Visto lo visto, ojalá Alien: Romulus sea un éxito, me parece que es una forma modélica de dar nueva vida a una franquicia que parecía quemada. En muchos sentidos, me recordó para bien lo que Predator: Prey significó para la franquicia de Depredador el año pasado.

Además, cuando he descubierto que su presupuesto fue de apenas 80 millones, me he llevado una alegría muy grande. Primero porque lucen espectacularmente bien en pantalla, pareciendo un blockbuster de gran presupuesto. Pero también porque tener un presupuesto tan ajustado permitirá que la película pueda ser rentable a poco que supere los 200 millones de dólares de taquilla en todo el mundo ya empezará a dar beneficios. Una cifra que creo (espero) que sea muy accesible.

Si os gusta la ciencia-ficción, os gustará Alien: Romulus. Si os gusta el terror, también. Y si además sois fans de la franquicia, entonces no te la puedes perder.

Comparto el trailer de la película:

Alien: Romulus es una película notable que marca el camino para otros creadores y estudios que quieran relanzar franquicias cinmeatográficas.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Los Vengadores 11-12 de Jed MacKay y Francesco Mortarino (Marvel Comics – Panini)

Analizo el cruce de Los Vengadores de Jed MacKay con el actual arco de La Caída de X, que se ha desarrollado en los números 11 y 12 con dibujo de Francesco Mortarino y color de Federico Blee.

PUNTUACIÓN: 7/10

Un episodio relacionado con «Caída de X». Los Vengadores han estado suspendidos en el espacio demasiado tiempo, lo que representa un peligro para Orchis. Sabiendo que sólo tenían una oportunidad de atacar, esperaron a que Iron Man estuviera listo. Ahora el momento ha llegado.

¡Los Vengadores contra los Centinelas Stark! El contraataque de Orchis pone a Los Vengadores en desventaja después de que se descubra el verdadero alcance de los Centinelas Stark. ¿Podrán Los Héroes Más Poderosos de la Tierra enfrentarse a obstáculos imposibles?

Por una vez los editores de Marvel se han coordinado adecuadamente y un evento de la franquicia mutante tiene su reflejo en una colección que no pertenece a la misma. Y en este caso, la ocasión lo merecía, porque la masacre mutante provocada por Orchis en la Gala Fuego Infernal 2023 no podía quedar sin respuesta. Tras la miniserie Imposibles Vengadores de Gerry Duggan y Javier Garrón, ahora llega el momento del contraataque de los pesos pesados. Y Jed MacKay nos ofrece dos comics estupendos en lo que prima primero de todo es la inteligencia, no la fuerza bruta. El saber el momento de atacar y estudiar la forma de hacerlo provocando los mayores daños posibles a Orchis. Y esto me parece un momento muy inspirado de MacKay.

La historia ofrece un giro con la revelación que el antiguo vengador Hombre 3D trabaja para Orchis, Tras un estupendo cliffhanger que marca el final del número 11, el comic nos ofrece un contra giro bastante esperable, pero que creo que está bien ejecutado por parte de MacKay, ofreciendo una historia que es puro entretenimiento. Dentro de no ser un problema, me llama la atención que tanto los Vengadores como la Patrulla-X hayan repetido la idea del infiltrado que nadie sabe que lo es, algo que creo debería merecido un mejor planteamiento.

El comic está dibujado por Francesco Mortarino con color de Federico Blee, y me resulta correcto y resultón por momentos, pero sin llegar a alcanzar el nivel de calidad y personalidad que debería tener el dibujo de la que para mi debería ser la colección más importante de Marvel. La acción es aceptable aunque pecando de poco dinamismo. Pero lo que me sacaba un poco de la lectura es ver que todos los personajes tienen la misma cara (mirad a Tony Stark y al Hombre 3D de las páginas de muestra de abajo), o están dibujados desde el mismo ángulo, como si sólo supiera dibujarles en un plano concreto. Entre eso y las narices de los personajes, no puedo decir que haya conectado con el dibujo de Mortarino.

Como viene siendo habitual, dicho en negativo, el mejor arte de estos comics no está en su interior, sino en las portadas, la del número 411 a cargo de Stuart Immonem y la del número 12 de Joshua Cassara. Ambas me parecen espectaculares, pero en ambos casos aparte de vender el comic sirven para resaltar que el dibujo interior no está al nivel que se demanda de Los Vengadores.

Y la acción no para, porque al igual que vimos en Doctor Extraño, sin un segundo de respiro el final nos coloca directamente en el comienzo del evento Caza sangrienta guionizado por MacKay. Espero por tanto que la coordinación del evento con sus series asociadas será perfecto. MacKay ha brillado en las series individuales de personajes de segunda línea como Doctor Extraño y Caballero Luna, ya toca comprobar cómo se las gasta el escritor en los grandes eventos. Espero que el comic sea super impactante y entretenido, a ver si hay suerte.

Comparto las primeras páginas del número 11:

Los Vengadores de Jed MacKay son entretenidos, pero algo no acaba de hacer click, empezando por un dibujo que es sólo correcto. Veremos con qué nos encontraremos el mes que viene con el cruce de Caza Sangrienta.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Tokyo Vice temporada 2 (MAX)

Las historias ambientadas en Japón vuelven a estar de moda en el mainstream televisivo. La estupenda segunda temporada de Tokyo Vice emitida en Max es una buena prueba de ello.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Finales de los años 90. Jake Adelstein es un joven periodista norteamericano que trabaja para un importante periódico de Tokio. Bajo la supervisión de un veterano detective de la policía de la ciudad, Jake comienza a investigar el oscuro mundo de la Yakuza, la peligrosa mafia japonesa controlada por algunos de los criminales más poderosos del país. (FILMAFFINITY)

Tokyo Vice es una serie de televisión estadounidense creada por J. T. Rogers y basada en las memorias de 2009 de Jake Adelstein. Tras su exitosa primera temporada, Max dio luz verde a una segunda que cerraría las principales tramas abiertas. Esta temporada ha contado con 10 episodios que han sido dirigidos por Josef Kubota Wladyka (4 episodios), Alan Poul (2), Takeshi Fukunaga (2) y Eva Sørhaug. Los guiones corren a cargo de Brad Caleb Kane, Karl Taro Greenfeld, Francine Volpe, Ashley M. Darnall, Adam Stein, Annie Julia Wyman & Joshua Kaplan, Arthur Phillips, Jen Silverman y J. T. Rogers escribiendo el primer y último episodios de la temporada. La producción de la segunda temporada comenzó en noviembre de 2022 en Tokio y concluyó en agosto de 2023.

Ansel Elgort (Baby driverWest Side Story) interpreta al protagonista Jake Adelstein, un periodista estadounidense de Missouri que se traslada a Tokio. Cuanto más se queda, más se adentra en la corrupción de los bajos fondos de Tokio, donde nadie es lo que parece. Ken Watanabe como Hiroto Katagiri, detective de la división de crimen organizado. Es una figura paterna para Adelstein que le ayuda a atravesar la delgada y a menudo precaria línea que separa la ley del crimen organizado. Rachel Keller como Samantha Porter, una expatriada americana residente en Tokio que se gana la vida trabajando en el Onyx Club del distrito de Kabukicho. Sus clientes varían desde asalariados a clientes de alto standing y yakuza. Show Kasamatsu es Sato, un ejecutor del clan yakuza Chihara-kai que cobra dinero por protección y es el encargado de Samantha en el Club Onyx. Rinko Kikuchi como Emi Maruyama, la supervisora de Adelstein, una mezcla de varios colegas y supervisores que trabajaron con Adelstein en la vida real durante su carrera. Ayumi Tanida como Shinzo Tozawa, el líder del clan yakuza Tozawa, una organización rival de la Chihara-kai, que intenta establecerse en Tokio mientras sufre una enfermedad incurable,

Los nuevos personajes de esta segunda temporada son Miki Maya como Shoko Nagata, una detective de la Agencia Nacional de Policía asignada a Tokio, que pretende crear un nuevo grupo de trabajo para erradicar definitivamente el crimen organizado en la ciudad. Yōsuke Kubozuka como Naoki Hayama, un yakuza de alto rango en el Chihara-kai, que acaba de ser liberado de un encarcelamiento de 7 años y es nombrado segundo al mando de Ishida.

La segunda temporada de Tokyo Vice empieza justo donde se quedó la estupenda primera temporada. Y una de las cosas que más me han gustado es que ofrece un final satisfactorio a las tramas principales, dentro que como comentan los protagonistas en un momento determinado, el trabajo de periodista y de policía en realidad nunca termina. Siempre tendrán un nuevo caso, una nueva noticia que cubrir. Pero al menos el final de esta serie, que por lo que he leído no va a tener una tercera temporada, resulta perfecto.

La serie ha planteado una serie de tramas entrecruzadas, siendo la más importante la del periodista americano Jake Adelstein, que trabaja junto al policía Hiroto Katagiri para encontrar pruebas que les permitan detener a Shinzo Tozawa, el líder del clan yakuza Tozawa. Tozawa está consolidando su poder no sólo dentro de los clanes yakuzas, sino en los principales estamentos políticos y económicos de Japón, y parece imparable.

En paralelo, Sato, un yakuza del Chihara-kai sufre al descubrir que su hermano quiere seguir su camino criminal, mientras sufre a Naoki Hayama, un cruel yakuza de alto rango que acaba de volver a Tokyo tras un periodo en prisión. Además, intentará aclarar qué tipo de relación quiere tener con Samantha Porter, la chica de compañía americana que ha inaugurado su propio club y que tendrá que enfrentarse a los problemas que ello conlleva. Igual que Emi Maruyama, la supervisora de Jake Adelstein en el periódico que intenta compaginar su vida profesional con la personal, con el añadido de tener que cuidar a un hermano depresivo que vive con ella en casa y puede ser bastante despótico.

Los diez episodios de esta temporada consiguen moverse por todas estas tramas (y otras más) de forma ágil, de forma que la mayoría me interesaban. Dentro de esto, quizá la relación de Emi Maruyama o la del periodista gay con el oficial de la embajada americana son algunos de los elementos menos buenos de la serie. También la trama del club de Samantha acaba resultando de las tramas más flojas, hasta el punto de tener que buscarle los guionistas algo que hacer durante el cliax, aprovechando su relación con el resto de personajes. Por contra, el retorno de Shinzo Tozawa a Tokyo y su toma de control de la mayoría de clanes, excepto el Chihara-kai de Sato, resulta de las partes más interesantes. Al igual que ver como el poder y la influencia de Tozawa se extiende incluso por el periódico de Jake o la policía de Tokyo, de forma que parece imparable sin importar lo que él y Katagiri puedan hacer.

La tensión de la serie no deja de ir a más, de forma que en los dos últimos episodios están super bien. Y dentro de ofrecer un final satisfactorio, me llamó la atención que este final se plantee fuera del sistema, dado que el sistema y los métodos legales resultan insuficientes para vencer a Tozawa. Que haya que acudir al final que se plantea sólo puede verse como un fracaso de unas instituciones japonesas infestadas de corrupción. Esto puede ser una solución «realista», pero resulta desoladora. Unido a esto, los personajes me han gustado mucho. Y sobre todo me gusta que no sean perfectos y cometan errores y decepcionen a familia y amigos. El final con Jake pegándole una puñalada trapera a un compañero con tal de conseguir la noticia es un buen ejemplo de una ambición que pone por delante su carrera y la noticia a cualquier otra consideración. Que cada uno decida si es algo bueno o no.

Tokyo Vice me ha parecido una gran serie, la he disfrutado mucho. Si os gustan las temáticas japonesas y no tenéis problemas con series que e obligan a leer los subtítulos el 90% del tiempo, ya que los personajes hablan en japonés la gran mayoría del tiempo, hay muchas posibilidades que tu también puedas disfrutarlas.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Tokyo Vice ha sido una serie estupenda que nos ha dejado con un buen final. Ojalá más series que saben terminar a tiempo como esta.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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