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Crítica de Para toda la humanidad temporada 4 (Apple TV)

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Para toda la humanidad es un seguro de vida en lo que se refiere a entretenimiento televisivo. Apple TV acaba de emitir una cuarta temporada super satisfactoria que te deja con ganas de más.

PUNTUACIÓN: 8/10

Para toda la humanidad plantea una realidad alternativa en la que los rusos llegaron primero a la Luna. En el inicio de esta cuarta temporada, en el año 2003, la base marciana de Happy Valley ha ampliado rápidamente su huella en Marte y el programa espacial ha pasado a centrarse en la captura y extracción de asteroides extremadamente valiosos y ricos en minerales. La aparición de un valioso asteroide hará que nuevas tensiones surjan en Marte y también en la Tierra.

Ronald D. Moore (Battlestar Galactica), Matt Wolpert y Ben Nedivi son los creadores de esta serie, que en esta tercera temporada tiene a Wolpert y Nevidi como showrunners. Esta tercera temporada cuenta con 10 episodios que han sido dirigidos a razón de dos episodios cada uno por Lukas Ettlin, Dan Liu, Sylvain White, Maja Vrvilo y Sergio Mimica-Gezzan. Los showrunners escriben el primer y último episodio de esta temporada, siendo el resto de guionistas David Weddle y Bradley Thompson (3 episodios), Andrew Black (2), Sabrina Almeida, Sabrina Almeida, Eric Phillips y Kate Burns.

De momento no se ha confirmado que vaya a ver una quinta temporada, pero el éxito de esta cuarta y el final abierto que se plantea, una tónica de la serie al plantear un salto temporal de 10 años, invitaría al optimismo ante la posibilidad que la serie alcanzara nuestro presente de 2023 en una eventual 6ª temporada. Espero que tengamos suerte y al menos podamos disfrutar de una quinta, porque la serie lo merece.

Joel Kinnaman interpreta a Ed Baldwin, un astronauta del Programa Apolo durante el incidente que dio origen a la serie, en el que la Unión Soviética aterriza en la Luna antes que Estados Unidos. Al comienzo de la cuarta temporada, la edad de Ed empieza a pasarle factura cuando dirige las operaciones en Marte.

Wrenn Schmidt interpreta a Margo Madison, una ingeniera de la NASA tutelada por Wernher Von Braun que llegó a convertirse en la jefa de la NASA al comienzo de la tercera temporada. Tras facilitar información clasificada a los soviéticos para salvar vidas en el espacio, Margo finge su muerte y se refugia en Moscú, donde vive en un relativo exilio al comienzo de la cuarta temporada.

Krys Marshall interpreta a Danielle Poole, una de las primeras mujeres astronautas presentadas en For All Mankind. A lo largo de su dilatada carrera, Dani trabaja como astronauta en la Luna y Marte, al tiempo que sufre numerosas tragedias personales. Al principio de la cuarta temporada, Danielle es sacada de su retiro para servir como nueva comandante de la misión de la NASA en Marte, lo que la lleva a enfrentarse de nuevo con Ed.

El resto del reparto en sus papeles más importantes son Cynthy Wu como Kelly Baldwin, la hija adoptiva de Ed y Karen Baldwin es una consumada científica y astronauta. Coral Peña Interpreta a Aleida Rosales, una inmigrante indocumentada de México que se convierte en una de las ingenieras más importantes de la NASA. Edi Gathegi es Dev Ayesa, un magnate de la tecnología que fue destituido de la dirección de Helios Aerospace al final de la tercera temporada, pero que volverá a dar guerra en esta cuarta. Toby Kebbell interpreta a Miles Dale, un antiguo trabajador de una plataforma petrolífera que está desesperado por mantener a su familia en la Tierra y aceptará un trabajo como minero en Marte. Finalmente, Daniel Stern interpreta a Eli Hobson, nuevo director de la NASA.

Me encanta Para toda la humanidad. Y creo que en esta cuarta temporada los showrunners han conseguido afinar la fórmula para ofrecernos una serie super sólida de principio a fin. Aunque es posible que el final de esta temporada no sea igual de brillante que otros años, con una tensión bestial en las primeras 3 temporadas que igual no tuvimos aquí, la consistencia de toda la serie y lo interesantes que son las nuevas historias y personajes hacen que haya sido super adictiva.

El principal problema que le veía a la serie era que dividía su tiempo entre lo que yo consideraba más interesante, la exploración espacial, con un elemento de folletín como era mostrar los problemas de las familias de los astronautas en la Tierra, al igual que del personal de Tierra de la NASA. Esta parte para mi siempre fue la parte más floja de la serie, y es la que prácticamente ha desaparecido para bien en esta temporada. Los problemas personales se han mudado también a Marte, y me gusta mucho ver como los mineros espaciales ven la necesidad de sindicarse ante los abusos laborales de Helios y de las naciones que han construido la base de Happy Valley. Ver a Miles Dale (interpretado por Toby Kebbell) pasar de obrero de baja cualificación a controlar el mercado negro de la base me parece interesante, aunque eso al final solo sea un elemento lateral de los conflictos que veremos en Happy Valley.

De hecho, en la Tierra sólo vemos los problemas que sufre Margo Madison durante su exilio en Rusia. Y es algo que a mi me tuvo enganchado y super preocupado por su destino. El que sea llamada de nuevo para trabajar en la Agencia Espacial Rusa provocará unas escenas brillantes cuando se encuentre de nuevo con Aleida Rosales, que la creía muerta y sigue traumatizada por el atentado contra la NASA del final de la 3ª temporada. La parte emocional en la Tierra con Margo y Aleida me resultan super potentes y me tuvieron enganchado desde el principio de la temporada, algo que no consiguieron algunas subtramas de temporadas anteriores.

Tengo que reconocer que Ed Baldwin, el personaje interpretado por Joel Kinnaman, siempre me ha caído super gordo, al ser una persona super chunga que ha puesto sus sentimientos egoista por encima de la misión. En esta temporada Baldwin vuelve a ser el «chungo» de la serie, al ser alguien que físicamente no está en condiciones de estar en Marte que hará lo que sea para no ser transportado de vuelta a la Tierra. La serie creo que plantea una faceta positiva para Baldwin, al mostrar que se preocupa por los trabajadores y les anima en su huelga contra la NASA, pero para mi esto es una respuesta egoísta a la decisión de cesarle, al decidir putear a la nueva responsable, su «amiga» Danielle Poole (Krys Marshall). Porque de hecho no se preocupó de las condiciones laborales de los trabajadores cuando él estaba al mando. Por tanto, no es un interés altruista el que le mueve sino querer mantenerse en Marte al considerar que no tiene nada en la Tierra que le interesa.

Por contra, la Comandante Poole siempre ha sido mostrada en la serie como demasiada perfecta, equilibrada y ecuánime, en muchos aspectos, lo contrario a Baldwin. Y esto es algo que continúa en esta temporada. El conflicto que se plantea en Happy Valley me parece interesante al no ser una situación de blancos y negros. La NASA y los países integrantes de la coalición de Marte quieren traer el asteroide a la Tierra para explotarlo allí, lo que provocará un beneficio inmediato para el planeta. Por contra, un grupo de trabajadores liderado por Baldwin y Dev Ayesa ven que si eso sucede, las naciones abandonarán la exploración espacial y Happy valley acabará siendo desmantelada. Por eso iniciarán un complot para llevar al asteroide hasta Marte. El conflicto que se genera me ha gustado mucho, aunque tengo que reconocer que en parte el final de la temporada no es tan potente como el de las anteriores porque en realidad sólo había un final posible si los creativos querían que hubiera más serie, lo que provocó que el impacto del desenlace se viera venir en parte. Con una sorpresa final en la Tierra que esa si que no la vi venir.

El final de esta temporada creo que va a marcar un momento clave para la serie, dado que entiendo que los personajes de Baldwin y Poole han cerrado su historia de forma satisfactoria. Al primero por edad y a la segunda por este final satisfactorio, no les veo en una posible quinta temporada. Y esto va a ser un shock en la serie, sobre todo por el personaje de Edward Baldwin puede decirse que era el protagonista principal de la serie, al haber participado prácticamente en todas las misiones de la NASA primero y de Helios después. El personaje que creo que aún tiene cuerda para rato es Margo, dada la situación en la que se encuentra al final de la temporada. En caso que estas bajas se confirmen, la serie tendrá que plantear unos buenos sustitutos que compensen por la falta de carisma. Esto entra dentro del terreno de la especulación, pero confío en los creativos de esta serie.

En conjunto, Para toda la humanidad me parece una serie super redonda y satisfactoria que me encanta y espero que pueda continuar durante muchas temporadas.

Comparto el trailer de esta temporada:

La cuarta temporada de Para toda la humanidad ha sido un sólido entretenimiento. Muchas ganas que Apple TV apruebe nuevas temporadas de esta serie.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Comics

Crítica de Lobezno 36-38: Armas de venganza de Benjamin Percy y Geoff Shaw (Marvel Comic – Panini)

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Termina Armas de venganza, el crossover entre Lobezno y Motorista Fantasma de Benjamin Percy, Geoff Shaw y Rain Beredo, que Panini ha decidido publicar dentro de la colección del mutante. Comento mis impresiones de esta historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

ARMAS DE VENGANZA.

Logan y Blaze… ¡armas de venganza! Un asesino en serie demoniaco está asesinando a mutantes. Lobezno y el Motorista Fantasma unen fuerzas para luchar contra él. Pero el nuevo villano comparte secretos del pasado concernientes al primer encuentro de los dos aventureros.

Este arco publicado por Panini en los números 36 a 38 de Lobezno incluyen el especial Ghost Rider/Wolverine: Weapons of Vengeance Alpha, Ghost Rider 17, Wolverine 36 y Ghost Rider/Wolverine: Weapons of Vengeance Omega USA.

Dejé la colección de Lobezno hace unos meses porque dejé de conectar con el over-the-top que planteaba Benjamin Percy en cada grapa. Sin embargo, creo que está realizando una buena labor en la serie regular de Motorista Fantasma, comic que Panini está publicando bi-mensualmente. Cuando Panini anunció este cruce, la verdad es que de inicio no me motivó demasiado, al ser algo que nos devolvía a lo peor de los años 90 en que estos personajes y Punisher multiplicaron su aparición por todo el universo Marvel. Sin embargo, a medida que pensaba en este comic, más ganas tenía de ver la macarrada que Percy podría plantear para la reunión de estos anti-héroes.

Y la verdad es que leído este arco se agradece que Benjamin Percy sea el guionista de ambas colecciones, dado que ha planteado un arco que encaja con ambos personajes, permitiendo la reunión no sólo de Logan y Johnny Blaze, sino de secundarios de ambas colecciones como el agente de la CIA Jeff Bannister y Talia Warroad, la actual acompañante de Blaze.

Percy ha demostrado en los últimos años que ninguna idea es lo bastante loca para los comics de estos dos personajes. Motorista Fantasma se ha ido por el gore demoniaco mientras que en la colección del mutante se ha recreado en los últimos meses con la tortura de Logan a manos de Bestia, con su venganza posterior. En Armas de venganza plantea un dilema interesante, al tener a un niño poseído por un demonio en una frenesí asesina a lo largo de varios años. La duda es si es posible matar al demonio sin dañar al niño, algo interesante que separa inicialmente esta historia de las típicas masacres a las que estamos acostumbrados.

Percy sitúa este arco dentro de la Caída de X, el actual arco mutante tras la masacre mutante sufrida en la Gala Fuego Infernal 2023. Por este motivo, las víctimas del demonio que en el pasado eran aleatorias empezarán a ser mutantes por la entrada en juego de Orchis. Como siempre esto plantea alguna duda de continuidad, porque se suponía que todos los mutantes «normales» habían sido secuestrados por Xavier y sólo se resistieron los que tenían habilidades para ello, por lo que no deberían haber mutantes inocentes para que el demonio los masacre. En realidad es algo que pensé a posteriori y no me molestó durante la lectura mensual de estas grapas, pero tengo claro que es un más que probable fallo de continuidad. O al menos, un elemento gris sobre el que mejor no pensar demasiado.

Hablando de ideas locas, conocer a «Inferbezno / Hellverine», la versión de Lobezno poseído por un demonio de Mefisto, permite crear a un villano super molón atractivo de dibujar que lleva la historia al over-the-top más exagerado, que parece ser el estado en el que más cómodo se siente Percy dentro de Marvel. En otras ocasiones he comentado que Percy parece no saber cerrar sus historias, sintiéndose apresuradas y anticlimáticas, pero diría que en armas de venganza consigue plantear una conclusión satisfactoria que permite al dibujarse Geoff Shaw lucirse en numerosos momentos, Su labor, por tanto, no puedo valorarlo más que de forma satisfactoria.

En el apartado gráfico, que Geoff Shaw haya dibujado la totalidad de este evento de 4 partes es para estar super contento. Critico mucho el cambio de dibujantes de Marvel, así que para una vez que lo hacen bien merece la pena destacarlo también. Shaw es un dibujante que me gusta mucho. Desde sus tiempos de God country, el primer trabajo en el que le conocí junto a Donny Cates, su dibujo ha evolucionado y ha mejorado un montón. Tras God country, las miniseries Thanos vence o el reinicio de Guardianes de la galaxia de 2019 ya mostraban a un artista con nivel de sobra para lucirse en Marvel Comics. Tras esto realizó Crossover en Image de nuevo con Cates, hasta que el accidente de coche de Cates que le ha dejado postrado durante meses ha obligado a Shaw a buscar otros encargos como el de esta miniserie. En este caso, más que la historia de Percy, al que le tengo bastante visto todos los meses en X-Force y cada dos meses en Motorista Fantasma, el elemento diferencial que me hizo comprar esta grapa fue precisamente el dibujo de Shaw.

Shaw se encarga del lápiz y la tinta, contando con la colaboración de Rain Beredo en el color. El estilo de Shaw se muestra especialmente adecuado para la historia sangrienta y perturbadora que plantea Percy, consiguiendo amplificar el elemento demoniaco de la historia. Shaw me parece un buen narrador, pero además sabe sacar todo el partido a los numerosos momentazos visuales que plantea Percy, regando el comic de imágenes super potentes. Por cierto, el comic está chulo, pero otro elemento a destacar son las estupendas portada a cargo de Ryan Stegman (lápiz), J.P. Mayer (tinta) y Marte Gracia (color), que también ayuda a vender esta grapa. Empezando por mi.

Armas de venganza no inventa ninguna rueda, pero creo que ofrece un entretenimiento más que digno con una historia muy bien dibujada que conecta con el lore y la sensibilidad de ambos personajes. Reconozco que me gustan estos eventos contenidos en pocos números, me parece la forma más adecuada de proceder por parte de Marvel. Estoy disfrutando la colección de Motorista Fantasma, y aunque parece que estamos en los momentos finales antes de su cierre, habrá que estar contento del camino recorrido durante estos meses.

Comparto las primeras páginas del Lobezno 36:

Armas de venganza ha sido una buena historia con el toque justo de macarrismo y salvajismo. No le pido más.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Comics

Crítica de American Ronin de Peter Milligan y ACO (AWA – Panini)

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Un comic de AWA que tenía curiosidad por leer era American Ronin, el comic de Peter Milligan con dibujo de ACO, entintado de David Lorenzo y color de Dead White, que ha publicado Panini en España.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

La guerra ha terminado. La democracia es una ilusión. El verdadero poder ya no reside en los estados-nación, sino en las grandes corporaciones, envueltas en una guerra silenciosa por el dominio mundial. Sus mejores armas: agentes altamente capacitados y tecnológicamente mejorados, adoctrinados desde la infancia para jurar lealtad al logo de la empresa. Pero ¿qué sucede cuando uno de esos agentes se libera de sus cadenas y decide derribar todo el sistema?

Peter Milligan , nacido en Londres en 1961, es uno de los más conocidos escritores británicos trabajando en la industria americana del comic desde finales de los años 80. Comenzó su carrera en la industria del cómic británica con historias cortas para 2000 DC  en 1986, y en 1989 dio el salto a DC, publicando su primer gran comic: Skreemer, junto a Steve Dillon.

En la década de 1990, Milligan actualizó el personaje de Steve Ditko , Shade, el hombre cambiante de DC Comics. Milligan sucedió a Grant Morrison en Animal Man durante seis números en 1990–1991, y se convirtió en el escritor habitual de Batman en Detective Comics en el mismo año. Durante una reunión editorial, Milligan presentó la idea que llevó a la creación de Azrael, quien se convirtió en Batman tras Knightfall. Milligan y el artista Duncan Fegredo crearon Enigma en 1993. El mismo año que publicó «The Extremist» con Ted McKeever. Milligan terminó la década escribiendo una miniserie de cuatro números de The Human Target. En 2001, el nuevo editor en jefe de Marvel Comics, Joe Quesada, comenzó a renovar la familia de títulos X-Men . Milligan y el artista Mike Allred se hicieron cargo de X-Force en el número 116, siendo rebautizada como X-Statix. Tras esto, fue el guionista de Hellblazer. Tras el relanzamiento de DC en 2011, Milligan se convirtió en el escritor de Red Lanterns , Justice League Dark o Stormwatch.

ACO  (Alex Cal Oliveira), es un dibujante vigués que lleva trabajando en la industria americana desde 2007, cuando empezó a trabajar con tan sólo 22 años. Ha trabajado en Batman y Wonder Woman para DC Comics, y Spiderman, X-Men o Nick Furia para Marvel.

Siempre estoy buscando comics diferentes que me saquen de mi zona de confort. Y el caso es que Peter Miligan es un escritor que siempre me ha gustado. Skeemer para mi es TOP, al igual que su Shade The Changing Man o su X-Statix. Pero en los últimos años creo que Milligan no se encuentra en su mejor momento, creativamente hablando. De ACO he leído poco, pero la verdad es que su Nick Furia me pareció una chulada. Debido a la saturación de oferta disponible, no me había animado a comprar este comic hasta ahora, en el que descubrí que la edición americana de AWA se encuentra disponible por menos de 10 €uros. A ese precio se pueden probar cosas nuevas.

Y empezando a valorar el comic… lo siento, pero no me ha gustado.

Por el lado del guion, Milligan parece especializado en protagonistas que no tienen clara su identidad, experimentando con las vidas de otros. Empezó esta tendencia con Shade y Enigma, y más recientemente consiguió un gran éxito con The human target, un comic excelente. En American ronin su protagonista es un émpata que a partir de conseguir ADN de su víctima puede conocer sus secretos más profundos, todo lo que le convierte en una buena o mala persona, cosa que utiliza para poder controlarles y derrotarles, que en este contexto quiere decir matarles.

El comic se vende de alguna manera como un tecno-thriller, pero en realidad no hay prácticamente casi nada del mundo que plantea Milligan en el que grandes corporaciones extra-nacionales controlan el mundo, usando a asesinos ultra poderosos para llevar a cabo sus planes sin oposición. En realidad estamos ante una historia de venganza bastante trillada en la que el Ronin protagonista intentará hacer pagar a sus antiguos jefes por los años que vivió controlado por ellos. La novedad radica en la adquisición del ADN como forma de conseguir una ventaja frente a sus enemigos, y la forma en que afecta al protagonista cada vez que se chuta una dosis. El giro vendrá al contratar sus enemigos a un asesino con su misma habilidad que empezará un juego del gato y el ratón tras conseguir su ADN y sumergirse en sus recuerdos.

Dentro que la historia a nivel general la veo correcta, con un protagonista haciendo también funciones de narrador con la voz en off, la clave como en cualquier otro comic está en el dibujo. Que al final es lo que marca si la lectura funciona. Y en este caso no me han gustado nada las decisiones que ha tomado ACO. (O que Milligan le planteó a la hora de dibujar el comic, que también es posible). Si nos fijamos en las páginas que comparto abajo con el inicio del comic, me llama la atención que estas páginas en realidad no reflejan lo que es el comic. Viendo las tres primeras páginas, vemos grandes planos generales en los que se insertan viñetas pequeñas con detalles que amplifican las claves de la historia. Aunque son de estilos muy diferentes, en parte estas páginas me recodaron lo que Paul Azaceta planteaba en Outcast. Estas primeras páginas, que son las que mostraban todas los previews, me gustaron mucho, y de alguna manera confirmaron la decisión de compra.

Sin embargo, a medida que avanzan las 5 grapas que se incluyen en este volumen, los planos generales son sustituidos por más y más viñetas siempre con primerísimos planos, desde los ojos de los personajes, las manos que cogen pistolas o brazos en los que se inyectan jeringuillas. Como la página de arriba. Y puedo entender que estas viñetas y este tipo de narración busque crear una sensación casi claustrofóbica que nos haga sentir a los lectores el desequilibrio de los personajes, casi metiéndonos en su cabeza. Pero a mi lo único que me provocó es confusión, con unas escenas de acción super mal narradas en las que no se entiende lo que está pasando, al poner ACO todo el rato la cámara casi en la cara de los personajes. Puedo entender las decisiones creativas. Otra cosa es que funcionen, cosa que para mi no es el caso.

Pero aparte del estilo, lo que es incontestable es que el dibujo de la primera grapa está muchísimo mejor que el resto, con espectaculares planos generales y una sensación de lápices mejor acabados que los que tenemos a continuación. Y esto no es un tema de estilo del dibujante, diría que es una decisión editorial, como si AWA usara esta primera grapa para vender la historia en Hollywood, que al final es el objetivo último de esta editorial, al entender donde está en realidad el dinero. No se si los plazos de entrega fueron menores en las otras cuatro grapas o que al poder trabajar más tiempo en el arranque de la historia el dibujo luce mucho más, pero hay una diferencia muy grande a medida que avanza la historia. Y es algo que no me gusta nada. Porque dibujar muchas viñetas de manos o con primeros planos de caras son mucho más rápidas y sencillas de dibujar que un plano general que muestra el espacio donde tiene lugar la acción. Y casi diría que pensaron que no se notaría el cambio de gato por liebre. Y yo lo he notado un montón.

Por otro lado, el color corre a cargo de Dean White un colorista super veterano que ha trabajado casi con todas las editoriales y personajes. Y mientras redacto este artículo y empecé a buscar las imágenes que acompañan el texto, me di cuenta que en las páginas online el comic se ve muchísimo mejor que en el comic impreso que compré. La sensación es que ha habido un problema de imprenta y todo el comic está más oscuro y con colores más apagados, lo cual diría que ha perjudicado muchísimo la experiencia de lectura.

Otro tema que no puedo dejar de comentar es que aparte de las imágenes de previews y la diferencia entre el color en pantalla y el impreso, buscando info de este comics las críticas eran super buenas, empezando por webs como Zona Negativa o La hora de las tortas. Y obviamente eso sólo significa que los redactores tienen una sensibilidad diferente a la mía, pero se me hace difícil calificar de «bueno» o incluso «aceptable» el dibujo de ACO. Este comic me sugiere revisar muy bien antes de comprar otro comic dibujado por él. Al tratarse de un dibujante español trabajando en USA, no se si esto es algo inadecuado que no debería decir, pero así es cómo me dejó la confusa y anticlimática lectura de este comic.

Comparto las primeras páginas del comic, que como digo antes en realidad NO representa lo que es el comic en su conjunto:

American ronin no me ha gustado, no he conectado con la historia de Milligan debido a la confusa narración de ACO. Y casi peor que no me guste un estilo de dibujo es la sensación que desde el punto de vista gráfico la primera grapa que se usa para vender la colección no es representativo de lo que el comic es en realidad.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Series TV

Crítica de Monarch: Legacy of monsters temporada 1 (Apple TV)

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La primera temporada de Monarch: Legacy of monster, la serie de Apple TV está ambientada en el mismo universo de las películas recientes de Godzilla y King Kong. Analizo esta serie que empezó muy bien pero que también ha sufrido algunos problemas a lo largo de su emisión.

PUNTUACIÓN: 7/10

RESEÑA SIN SPOILERS

Serie de TV (2023-). 1 temporada. 10 episodios. Tras sobrevivir al ataque de Godzilla en San Francisco, un espeluznante secreto sale a la luz. En medio de amenazas monstruosas, Cate se embarca en una aventura por todo el mundo para descubrir la verdad sobre su familia y la misteriosa organización conocida como Monarca. (FILMAFFINITY)

Monarch: Legacy of Monsters es una serie de televisión basada en el personaje de Godzilla de Toho Co, Ltd, ambientada en el Monsterverse de películas americanas recientes. La serie fue creada por Chris Black, y desarrollada por Black y el famosos escritor de comics Matt Fraction para Apple TV+, continuando los acontecimientos de la película de Godzilla (2014) de Gareth Edwards, llevando la acción hasta Godzilla vs Kong.

Matt Shakman (Wandavision) produce la serie y dirige los dos primeros episodios de esta temporada. Otros directores de la serie son Julian Holmes (2 episodios), Mairzee Almas (2), Hiromi Kamata y Andy Goddard (2). Chris Black escribe los dos primeros episodios y el décimo, mientras que Matt Fraction aparece acreditado como episodio del noveno. Otros guionistas son Andrew Collville, Milla Bell-Hart, Amanda Overton, Karl Greenfeld y la también autora de comics Mariko Tamaki.

En lo relativo a los personajes, el principal acierto de la serie es el casting de Kurt Russell y su hijo Wyatt para interpretar a Lee Shaw un militar del ejército de EE.UU. que en los años 50 tiene una participación clave en la creación de Monarch. Kurt interpreta a la versión más vieja de Shaw del presente, mientras que Wyatt interpreta a la versión más joven.

En el pasado conoceremos a Anders Holm como Bill Randa, un criptozoólogo que se convierte en uno de los fundadores de Monarch. John Goodman retoma en la serie su papel de Kong: La isla calavera (2017), interpretando a un Randa más adulto. Mari Yamamoto interpreta a Keiko Miura, una científica que investiga monstruos con Lee Shaw y Bill Randa en la década de 1950, y que es la abuela de los personajes del presente.

En el presente de 2014 tenemos a Anna Sawai como Cate Randa, una profesora de San Francisco que sufre estrés postraumático y cuya búsqueda de su padre desaparecido la lleva a descubrir su relación con Monarch. Ren Watabe es Kentaro Randa, hermanastro de Cate que se une a ella en un viaje para encontrar a su misterioso padre. Kiersey Clemons es May, una hacker estadounidense que vive en Japón. Joe Tippett es Tim, un empleado de Monarch demasiado entusiasta que sale al campo para rastrear los documentos perdidos de la organización, mientras que Elisa Lasowski interpreta a Michelle Duvall, una agente de campo de Monarch que resulta ser hermana de Sandra Brody (el personaje interpretado por Juliette Binoche esposa de Bryan Cranston que moría al principio de Godzilla).

En líneas generales me ha gustado Monarch. La serie tiene muchas cosas positivas de comentar. Empezando por el éxito general de las dos historias en dos momentos temporales diferentes que sirven para explicar la historia de la creación de Monarch en el pasado, mientras que en el presente la búsqueda de los tres jóvenes protagonistas hace de puente entre las diferentes películas de la serie.

Las apariciones de los monstruos son pocas pero impactantes. Godzilla tiene una potente aparición en el episodio piloto, situado en el 2014 de la primera película de Godzilla, durante su ataque a San Francisco. Y esta escena es alucinante. En general, cada vez que aparece un MUTO, la serie sube el nivel y nos da lo que en realidad estamos pidiendo los espectadores. Si algo deja claro la serie es que Apple ha tirado la casa por la ventana con Monarch. Los efectos digitales con las distintas apariciones de los monstruos, y las localizaciones por todo el mundo hacen de Monarch el equivalente en televisión del mayor blockbuster veraniego.

El principal problema que puede decirse de Monarch es que en muchos momentos los espectadores hemos visto una serie de monstruos SIN monstruos. Y esto a pesar que los showrunners Chris Black y Matt Fraction han acertado a la hora de conseguir que conectáramos con los protagonistas humanos de la serie. En especial tengo que quitarme el sombrero ante el trabajo de Kurt Russell y su hijo Wyatt al interpretar a Lee Shaw en dos momentos temporales. Sobre todo Kurt ha demostrado que tiene el carisma intacto y cada vez que aparece en pantalla el interés de la serie aumenta.

De los dos momentos temporales creo que me quedo sin duda con la del pasado en que conocemos la creación de Monarch a través de los ojos de sus tres fundadores, el mencionado Lee Shaw, un militar que entrará en un mundo de monstruos que supera sus sueños más locos, Bill Randa, el personaje interpretado por John Goodman en una versión más joven, y el nuevo personaje Keiko Miura que va a ser el corazón de la serie. Sus investigaciones en el pasado me resultan muy interesantes, y me gusta mucho la forma en que han resuelto que Monarch al principio de Kong: Isla calavera era una empresa casi desahuciada que mendiga presupuesto en Washington. Un elemento que hace de esta serie un concepto del siglo XXI es que los dos hombres están claramente enamorados de Keiko pero ella es independiente y demuestra tener otras prioridades antes que las sentimentales.

El problema de la serie está en toda su parte central, donde la búsqueda del padre de Cate y Kentaro por todo el mundo alcanza niveles casi ridículos. De hecho, Hiroshi Randa, el hijo de Keiko y padre de Cate y Kentaro es el gran problema de la serie. Empezando por la locura de tener dos familias en San francisco y Tokio, y siguiendo por unos viajes que son el mcguffin de la serie y la excusa que saca a la luz diferentes MUTOs situados en lugares diferentes del globo. La serie hace una cosa muy bien relativa a Shaw, el único miembro del trio fundador que aparentemente sigue con vida, para justificar su desaparición y que a pesar de tener más de 90 años se conserva extraordinariamente bien. Pero esto que es super chulo sobre Shaw provoca algo ridículo por parte de Hiroshi Randa, al no investigar la evidencia que supone que Shaw siga con vida todos esos años después. Las absurdeces de la serie suceden a partir de los años 80 y es una pena.

La parte central de esta primera temporada sufre además al alejarse de la trama principal del presente, con una parte relativa a la identidad de May que es la parte más floja de la serie. Y narrativamente entiendo que esto se muestra para plantear una nueva conexión con las películas, pero al final son momentos bastante flojos que nos quitan de ver lo que nos interesa, que son los MUTOs. En toda la trama del presente hay una indefinición constante con todo lo que supone Monarch, que es mostrado casi como los malos de la serie en muchas fases, quedando al final como unos incompetentes que se niegan a investigar las evidencias que tienen delante de ellos, al creer que son demasiado locas. Sin embargo, cuando todas las hipótesis se han descartado, al final la que queda, por muy improbable o loca que parezca, es la respuesta correcta. Y es justo lo que deciden no investigar, para sonrojo del espectador, a pesar de tener evidencias físicas que lo respalda, personalizadas en la figura de Shaw.

Sin embargo, aunque como digo la serie en su parte central decae bastante, la verdad es que los dos últimos episodios han resultado super emocionantes gracias a un giro que se plantea en la recta final. Prefiero no desvelar esta sorpresa por si te animas a ver esta serie. Sólo diré que como lector de comics de superhéroes, en realidad era algo que llevaba pensando desde que empezó la serie, al ser un cliché del género. Algo que en cuanto empezó el noveno episodio tuve claro que iba a suceder. Dicho esto, que lo supusiera no impidió que el momento me resultó super emocionante y sea uno de los mejores momentos de toda la serie. Un momento que en realidad no implica a ningún monstruo gigante, dado que para ese momento los protagonistas ya se habían ganado un hueco en nuestros corazones.

He intentado comentar mis impresiones sin spoilers dado que tengo claro que muy poca gente está suscrita a Apple TV. En mi opinión la serie merece la pena, sobre todo si eres fan del Monsterverso. Si es el caso, no te la puedes perder. La trama del presente resulta menos interesante que la del pasado en toda la parte central, hasta que pega el acelerón al final de séptimo episodio. Esa parte puede resultar un problema, como lo es también la falta de monstruos en muchas fases de la serie. Por suerte, la buena construcción de los personajes hará que aguantes el visionado y su final resulte super emocionante y satisfactorio.

Además, el final abierto que plantea la serie creo que va a servir de puente de cara al estreno de la nueva película de Godzilla vs. Kong: The new empire, que se va a estrenar en breve. De hecho, espero que estos personajes aparezcan en la película. Si no lo hicieran el bajón sería importante. Pero no creo que eso llegue a suceder, porque no tendría sentido construir lo que han hecho aquí si no va a ser tenido en cuenta de aquí en adelante. En todo caso, es un buen momento de ser fan del cine de monstruos.

Comparto el trailer de esta serie:

Monarch: Legacy of monster empezó muy bien pero la forma en que se desinfla en la parte central hace que mi valoración no sea todo lo buena que me hubiera gustado, aunque consigue terminar a buen nivel.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Películas

Crítica de Beekeeper: El protector de David Ayer

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La unión de David Ayer y Jason Statham en Beekeeper: El protector nos trae un combo perfecto para los fans del cine de acción.

PUNTUACIÓN: 7/10

La brutal campaña de venganza de Adam Clay (Jason Statham) adquiere tintes nacionales tras revelarse que es un antiguo agente de una poderosa organización clandestina conocida como «Beekeeper».

David Ayer (1968) es un director conocido por sus películas policíacas ambientadas en Los Ángeles y que tratan sobre las bandas y la corrupción policial. Entre sus guiones figuran la increíble Training Day (2001), The Fast and the Furious (2001) y S.W.A.T. (2003). También ha dirigido Harsh Times (2005), Street Kings (2008), End of Watch (2012) y Sabotage (2014). Ese mismo año dirigió el drama bélico Fury, ambientado en la 2ª Guerra Mundial con Brad Pitt, y en 2016 dirigió la película de superhéroes Escuadrón Suicida del Universo Extendido de DC, y después la decepcionante Bright (2017) para Netflix. The Tax Collector (2020) era su última película hasta la fecha.

La película ha sido escrita por Kurt Wimmer, director de películas de acción como Equilibrium (2006) y Ultraviolet (2006) que en los ultimos años parece más centrado en su faceta de guionista, habiendo realizado los guiones de Total Recall y Point Break, Salt protagonizada por Angelina Jolie y más recientemente el guion de la terrible Expend4bles, también con Jason Statham. La película de 105 minutos de duración cuenta con fotografía de Gabriel Beristain, montaje de Geoffrey O’Brien y música de Dave Sardy y Jared Michael Fry

Además del incombustible Jason Statham como el omnipresente protagonista Adam Clay, en el reparto de la película tenemos a Emmy Raver-Lampman como la agente del FBI Verona Parker, Josh Hutcherson como Derek Danforth, Jeremy Irons como Wallace Westwyld, Jemma Redgrave como la presidenta Danforth, Minnie Driver como la directora Howard y Phylicia Rashad como Eloise Parker.

Beekeper lo que se espera ella. A partir de un drama provocado por el suicidio de una amiga que ha sufrido una estafa de internet, un apicultor interpretado por Jason Statham empezará una búsqueda de venganza en la que nadie estará a salvo. El guion es ridículamente divertido, al plantear Statham diálogos que nos explican el mundo de las abejas y su sociedad en colmena que sirven también de metáfora de la sociedad americana

Como buena película de acción con tío duro, uno de los malos se encarga de informarnos lo puto amo que es Statham y como no tienen esperanza y van a ser ejecutados. En la parte de los villanos, la película plantea un combo de veterano interpretado por Jeremy Irons y el joven Josh Hutcherson que es un niñato sobre protegido que siempre hizo lo que le dio la gana. Una constante de la película es contrastar al veterano Statham que es un artesano del mundo real frente a unos jóvenes asquerosos que en su mayoría son hackers informáticos y merecen la muerte al aprovecharse de la gente mayor. Y que sorprendentemente Statham no mata, al buscar a los jefes del tinglado y no los operadores telefónicos que realizan las estafas. Este elemento resulta interesante, la verdad, porque Statham no busca la destrucción masiva que podría esperarse sino que es bastante quirúrgico.

La película plantea unos enemigos freaks que ofrecen unos buenos enfrentamientos de Statham, pero donde más dulce lo encuentro es en los combos contra múltiples enemigos, como la escena contra SWATS o contra los seguratas que aparecen en el trailer, que sirven para demostrar que Sthatham se encuentra en plena forma.

Como comentaba al principio, la película no ofrece prácticamente ninguna sorpresa, lo que hace que la identidad de la madre del asqueroso villano interpretado por Josh Hutcherson me haya hecho mucha gracia. Esto sirve para reforzar una idea muy popular en el entretenimiento americano actual, y es que los políticos van de la mano de los criminales que se aprovechan de la gente corriente. En todo caso, diría que la película no acaba de tomarse muy en serio a si misma, con lo que las locuras absurdas de la parte final no me suponen ningún problema.

Me encantan las hamburguesas con queso, no me importa comerme una de vez en cuando si es buena. Y he disfrutado con el entretenimiento que me ha dado Beekeeper, no le pido más a una película de acción de este tipo.

Comparto el trailer de la película:

Beekeeper es una película que no ofrece especiales novedades pero resulta super entretenida y me ha dado lo que quería. No le pido más.

PUNTUACIÓN: 7/10

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