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Crítica de Anaconda de Tom Gormican

Finalmente Avatar Fuego y ceniza no ha sido la última película que vi en 2025, a mi hijo le apetecía ver Anaconda, la comedia remake/reboot dirigido por Tom Gormican y protagonizada por Jack Black y Paul Rudd. Y ha sido super divertida.

PUNTUACIÓN: 8/10

Doug y Griff son muy buenos amigos desde que eran niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos: el «clásico cinematográfico» Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad les anima a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por hacer, podría ser la que les mate?

Tom Gormican escribe y dirige esta comedia autoconsciente que hace un comentario super metareferencial de la industria del cine mientras plantea este remake / reboot de la clásica Anaconda (Luis Llosa, 1997), la película protagonizada por Jenifer López, Jon Voight, Eric Stoltz y Ice Cube entre otros. Junto a Gormican tenemos a Kevin Etten en el guion, a Nigel Bluck como director de fotografía, Craig Alpert y Gregory Plotkin en el montaje, y con David Fleming realizando la música. La película de 99 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 45 millones de dólares, y aunque está ambientada en el Amazonas, en realidad se rodó en localizaciones en Australia.

En el reparto encontramos a Paul Rudd y Jack Black como grandes protagonistas. Rudd es Ronald «Griff» Griffen Jr., un actor secundario fracasado, mientras que Black interpreta a Doug McCallister, un aspirante a director que acabó trabajando en la empresa de videos para bodas de su pueblo. Steve Zahn como Kenny Trent y Thandiwe Newton como Claire Simons interpretan a los amigos de Griff y Doug que les acompañarán en el viaje a Brasil para rodar el remake de Anaconda. Daniela Melchior como Ana Almeida, una joven local perseguida y Selton Mello como Carlos Santiago Braga, un domador de serpientes, completan el reparto en sus papeles principales.

Estamos en un momento en que parece que no es necesario ver una comedia en pantalla grande. En estos momentos de EVENTOS cinematográficos, parece que ir al cine para que una película nos haga reir es una actividad menor. No estoy hablando en general, es lo que yo mismo pensaba cuando vi el trailer de Anaconda y consiguió que me riera bien a gusto durante varios momentos. Por suerte para mi, mi hijo me dijo que le apetecía verla. Y menos mal que fuimos a verla, porque me he encontrado una comedia super divertida y una historia autoconsciente mucho más inteligente de lo que podría parecer en un primer momento, que dispara hacia muchos de los problemas de la industria del cine y acierta siempre en diana.

Por poner primero lo que para algunos puede ser malo, Anaconda es una comedia protagonizada por Jack Black y Paul Rudd. Las chorradas y las caras sobreactuadas de Black son constantes en la película, así que si no te gusta el tipo de humor de Black, es mejor que no la veas. Pero en realidad, esto es todo lo negativo que se me ocurre de esta comedia. Anaconda me ha gustado muchísimo.

Anaconda plantea un humor de patetismo, al seguir el viaje de 4 perdedores al Amazonas para intentar cumplir uno de sus sueños, rodar un remake de Anaconda. Aquí hay que pararse un momento porque ¿de verdad hay fans de la película original, por mucho que estuviera interpretada por JLo y Ice Cube? ¿O es una forma de reírse de todas las chorradas que se han inventado a lo largo de los años productores sin escrúpulos deseosos de exprimir el éxito de películas populares? Escribiendo estas líneas he descubierto que se han hecho ¡4 secuelas! de la película original, así que la idea de utilizar justo Anaconda para reírse de esta explotación salvaje de conceptos que igual no daban tanto de si podría decirse que está más que bien tirado.

Los 4 protagonistas están geniales. Jack Black hace un poco de Jack Black y no pasa nada. Paul Rudd es un aspirante a actor fracasado que quiere ser el héroe al menos una vez pero que tiene miedo de las serpientes y es todo lo contrario en el mundo real. Steve Zahn es el amigo de toda la vida que hará de cámara, aunque es un alcohólico que está dejando la bebida a la manera de Buffalo: Sólo bebe cerveza, vino y alguna bebida ligera. Este es uno de los mejores chistes de una película que tiene gags espectaculares casi en cada escena. Por último, tenemos a Thandiwe Newton como el amor platónico del personaje interpretado por Judd, que necesita un cambio tras un divorcio traumático. El humor de la película se construye riéndose una y otra vez de los protagonistas masculinos. Y en esta película funciona y nos da momentos geniales gracias a la increíble vena cómica de todo el reparto. Por ejemplo, siendo secundario, el humor a costa del personaje de Steve Zahn es maravilloso.

Cuando el grupo llega al Amazonas se encuentran con Carlos Santiago, un excéntrico amaestrador de serpientes que posee una anaconda que es su mejor amiga y le gusta mucho más que la mayoría de personas. Por último, la joven Ana Almeida se hace pasar por la capitana del barco de la expedición porque está escapando de un grupo que la busca por motivos no aclarados pero parece tener que ver con los asentamientos ilegales de mineros buscadores de oro.

Hablando de patetismo, el rodaje de la película está llena de momentos un poco de vergüenza ajena, y es divertido y llamativo como vemos que mientras las personas hacemos algo, no nos damos cuenta del bochorno que provoca lo que hacemos. Tras un accidente en el que muere la anaconda de Santiago, el grupo tendrá que buscar otra anaconda si quieren poder terminar su película. Por desgracia para ellos, la van a encontrar.

Cuando acabamos de ver la película, mi sobrino Álex (que también vino al cine con nosotros y mi hermano Fernando) nos preguntó «¿Cómo es posible que una serpiente de agua gigante pueda subirse a los árboles?» Y la respuesta es que como todo es una ridiculez super over-the-top y los autores saben que lo es porque el tono de comedia que no se toma muy en serie a si misma funciona, no te paras a cuestionas elementos absurdos como este. Y hay unos cuantos, pero como todo es tan divertido, todo funciona.

Además de unos diálogos geniales y unas situaciones super locas, algunas de las cuales se ven el trailer, la película se para a hacer broma a costa de la forma que se ruedan los blockbusters en la actualidad.

– «¿Cómo podéis empezar a rodar una película sin saber el final?

– «Esto es Hollywood»

Sumando a otros gags visuales y de diálogo, se hace humor incluso con la «obligación» en algunos blockbusters de realizar un giro que cambie todo lo que pensábamos que sucedía hasta ese momento. Y lo mismo para que el climax de la película sea un exceso de CGI y explosiones. La forma en que se plantean ambos elementos en la película me parece perfecta, y son momentos super divertido con más mala baba de lo que parece.

Al tener un montón de gags visuales, mi hijo y mi sobrino se lo pasaron en grande. En realidad Anaconda es una comedia, no una película de terror, y la película pueden verla sin problemas. Y si te gustan las historias de «cine hablando de cine», vas a disfrutar un montón de la película. Y aunque no seas un fan de la película original, a poco que la recuerdes (yo levemente), hay unos puntazos y un humor autoconsciente que me parecen brillantes.

El final con las típicas entradillas de texto para informar de lo que le pasó a cada personaje como si esta fuera una película inspirada en hechos reales es otro puntazo genial que consiguió dejarme con la sonrisa en la cara. Y si a eso le sumamos cameos hiper molones y escenas entre los créditos, el éxito de esta película me ha parecido absoluto.

Espero que Anaconda sea un éxito y los estudios se animen a producir más comedias super locas y divertidas. Cuando tantos espectadores de edades diferentes disfrutamos de la misma película, es que han hecho las cosas bien.

Comparto el trailer de la película:

Anaconda ha sido una película super divertida, con un humor auto consciente mucho más inteligente de lo que esperaba. Me lo he pasado genial y mi hijo la ha disfrutado aún más que yo. ¡Misión cumplida!!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Caballero Luna: Puño de Khonshu 1 de Jed MacKay (Marvel Comics – Panini)

Nuevo relanzamiento del Caballero Luna de Jed MacKay, con una nueva serie con el subtítulo Puño de Khonshu. Comparto mis impresiones del primer volumen publicado por Panini, que cuenta con dibujos de Alessandro Cappuccio, Domenico Carbone y Devmalya Pramanik

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¡Marc Spector ha vuelto del más allá! Como avatar y agente de Khonshu, dios egipcio de la Luna, ha muerto y resucitado en más de una ocasión. Reunido con la Misión Medianoche, que ha crecido en su ausencia, Marc se lanza directo a la lucha mientras peligrosos agentes de ambos lados de la ley atacan.

Este volumen de Panini recopila Moon Knight: Fist of Khonshu 0-5 USA.

Caballero Luna murió y fue resucitado en el climax de Caza Sangrienta. Antes de retomar sus deberes de protector de los que viajan por la noche, Marvel ha preparado un estupendo número 0 que sirva de punto de entrada para nuevos lectores. El comic está guionizado por MacKay y cuenta con espectaculares dibujos de Alessandro Cappuccio con splash.pages dedicado a cada uno de los personajes y situaciones que veremos a continuación. Este número está muy chulo y creo que cumple perfectamente con su objetivo, aunque creo que es poco probable que alguien vaya a subirse al carro de una etapa que ya lleva casi 4 años.

Esta nueva etapa presenta a un nuevo enemigo, Achilles Fairchild, un desconocido granjero que ha tenido un meteórico ascenso a la cima gracias a su control de la nueva droga Glitter. Esta nueva droga tiene elementos mágicos que provoca una adicción mortal y una marea de siervos desesperados que harán lo que sea por una nueva dosis. Junto a Fairchild, su guardaespaldas Carver posee una espada de origen mágico, posiblemente asgardiano, y plantea un nivel de amenaza incluso para el Puño de Khonshu.

MacKay está en su salsa en esta colección, equilibrando el interés entre Marc Spector y el resto de secundarios del comic. Cada grapa ofrece una lectura satisfactoria, en la que no da ni un minuto de respiro al Caballero Luna. En este tomo tenemos un cambio radical en el status-quo de la colección, y llega de forma un poco anticlimática, aunque reconozco que en el actual panorama editorial el guionista no puede dejar nada para más adelante, tiene que ir a saco siempre. La lectura de este volumen ha estado muy bien. Y como siempre, MacKay sabe dejarnos con un cliffhanger de los que quitan el hipo. Por la parte de la historia, en realidad todo bien.

Coger un comic Marvel es enfrentarte a la mítica escena de Forrest y la caja de bombones: Nunca sabes lo que te puede tocas. El teórico dibujante oficial Alessandro Cappuccio dibuja los números 0, 1 y 2, siendo sustituido por Domenico Carbone en el número 3 y por Devmalya Pramanik en los números 4 y 5. Y se que es una guerra perdida, pero no puedo entender que en la Marvel actual no sea posible que un mismo dibujante dibuje un arco completo. No ya uno, ni siquiera dos. Es de vergüenza.

Estaba tan mosqueado con esto que he mirado la edición USA y compruebo que los números de este tomo son los últimos de Alessandro Cappuccio en la colección. Cappuccio ha creado la identidad gráfica de este comic, es una pérdida enorme que vamos a notar a partir de ahora. Porque sus sustitutos son Domenico Carbone y Devmalya Pramanik, que se van a alternar en los próximos números. Y hasta que me acostumbre a sus estilos diferentes entre si, que ya es un fallo en si mismo, me parecen bastante más flojos. De hecho, casi me parece cuando un comic está en vías de cancelación y poner a dibujantes de segunda y tercera fila para no «malgastar» talento en este comic. Y no si la etapa de Mackay se está acabando tras más de 4 años escribiendo la colección, pero las elecciones de dibujantes de los editores no sirven para transmitir confianza precisamente.

MacKay ha creado una estupenda etapa para Caballero Luna. Y está claro que tarde o temprano terminará. Mientras siga, la disfrutaré aunque parezca que los dibujantes han sufrido un bajón. Esperemos que el entretenimiento no se resienta.

Comparto las primeras páginas del número 1 de esta etapa:

Caballer Luna: Puño de Khonshu mantiene la personalidad que Jed MacKay ha imprimido a su etapa, convirtiendo este comic en uno de los más disfrutables de la Marvel actual. Aunque el cambio de dibujante amenaza el entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Red Coat vol. 2 de Geoff Johns y Bryan Hitch (Image Comics)

Red Coat de Geoff Johns y Bryan Hitch, con entintado de Andrew Currie y color de Brad Anderson, es un comic super divertido mientras nos movemos por el tiempo con su protagonista Simon Pure.

PUNTUACIÓN: 8/10

INMORTAL. MERCENARIO. UNA ESPECIE DE HERRAMIENTA.

El soldado británico y pícaro integral Simon Pure ha llevado una vida bastante emocionante. O vidas, en realidad.

En este volumen, Simon se cruza con algunas de las figuras más importantes de Estados Unidos… y con un hombre misterioso que lo desprecia profundamente.

A finales del siglo XIX, Simon tiene su encuentro anual con su buen amigo John Chapman, alias Johnny Appleseed, y les espera una calamidad inesperada. También conoce a la llamativa y hábil tiradora Annie Oakley, que siempre da en el blanco… especialmente en el corazón de Simon.

Y durante el momento más desesperado de la Guerra Civil estadounidense, una fuerza misteriosa amenaza con cambiar el rumbo de batallas clave al otorgar a la Confederación una victoria impensable. Solo Simon y el enigmático nuevo mito estadounidense conocido como El Norteño se interponen en su camino. Pero, ¿podrán estos dos soldados tan dispares dejar a un lado sus diferencias el tiempo suficiente para detener una catástrofe?

Este volumen recopila Redcoat 8-14 USA.

Simon Pure es un personaje genial. Su naturaleza de perdedor que cree que no merece ser feliz permite situarle en el centro de un montón de historias super entretenidas a lo largo de toda la historia de los Estados unidos. En este segundo volumen de 7 grapas tenemos cuatro historias autoconclusivas situadas en diferentes momentos temporales. Historias que alternan el terror con las historias de fantasía, además de plantear historias utilizando a personajes y situaciones reales de la historia americana.

Luego tenemos un arco de 3 números que presenta a The Northerner El Norteño) un personaje que conecta este comic con la Guerra Sin Nombre (The Unnamed War), que se supone es el nexo de unión entre los diferentes personajes creados por Geoff Johns en su nueva empresa Ghost Machine. The Northerner es un viajero temporal del que aún poco se sabe, más allá de que proviene de una realidad en la que los Confederados ganaron la Guerra de la Secesión. En realidad sabemos bastante poco de la Guerra Sin Nombre más allá de que alguien ha movido los hilos de la historia americana hasta provocar la guerra nuclear que conocimos en Geiger. Entiendo que no deberiamos tardar mucho en empezar a conocer más, pero de momento cada una de las grapas de Red Coat me han dado un entretenimiento alucinante.

Junto a Johns, diría que el que se lo está pasando cañón es Bryan Hitch. Red Coat le permite dibujar diferentes ambientaciones temporales, que entiendo es justo lo que estaba buscando para no aburrirse dibujando este comic. Y su dibujo es impresionante. No sólo en lo relativo a la caracterización histórica, sino al tono divertido y la personalidad que imprime a cada personaje, por breve que sea su aparición. Desde el punto de vista del diálogo, Red Coat es de 10.

Me lo paso genial leyendo Red Coat. Creo que Johns y Hitch están en su salsa y en un momento de maravillosa madurez creativa. De momento, creo que este es el comic más interesante y satisfactorio del sello Ghost Machine.

Comparto las primeras páginas del número 8 USA con el que empieza este volumen:

Red Coat es super entretenido, con un concepto que les permite a Johns y Hitch lucirse en diferentes momentos temporales. Ojalá todos los comics fueran así.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Batman / Deadpool de Grant Morrison y Dan Mora (DC Comics)

La colaboración de Marvel y DC nos ha traído nuevos especiales cruzando a sus personajes más conocidos. Tras el divertido número de Marvel, DC ha juntado a los super estrella Grant Morrison y Dan Mora para un fascinante Batman / Deadpool.

PUNTUACIÓN: 9.5/10

¡El Caballero Oscuro y el Mercenario Bocazas, unidos en una aventura tan frenética que creerás estás soñando, cortesía de los legendarios Grant Morrison y Dan Mora!

Y no te pierdas, además, varias increíbles historias extra: ¡Scott Snyder, James Tynion IV y Joshua Williamson se reúnen con Hayden Sherman para una mágica aventura protagonizada por Constantine y el Doctor Extraño! ¡Tom Taylor y Bruno Redondo te regalan un épico team-up entre Nightwing/Dick Grayson y Laura Kinney/Lobezna! ¡Mariko Tamaki y Amanda Conner espachurran juntos a Harley Quinn y Hulk! ¡Y G. Willow Wilson y Denys Cowan retratan a los electrizantes Static y Ms. Marvel!

Cuando Marvel y DC anunciaron estos crossovers, la idea de cruzar a Batman y a Masacre no me llamó especialmente la atención. Lo que hizo que tuviera claro que tenía que comprar este comic era la nueva colaboración de Grant Morrison y Dan Mora, que ya trabajaron juntos en la maravillosa Klaus. Y el resultado ha sido alucinante.

Lo primero que me ha gustado mucho es la complejidad de la historia de Morrison y como consigue añadir una capa de metatextualidad adicional a un comic que ya era pura diversión de por si. Aunque no voy a desvelar las sorpresas del comic, me gusta mucho la forma en que conecta este comic con elementos que exceden el mundo del comic, como fue la película de Deadpool y Lobezno, utilizando a personajes secundarios de Marvel y DC que en realidad fueron creados por él. El comic tiene montones de detalles que hacen referencia a otros comics clásicos, empezando por la aparición de personajes poco o nada conocidos como Sportsmaster o The Writer, que ayudan a la ruptura de la cuarta pared. También hay un elemento que recuerda al Animal Man de Morrison, incluyéndose él mismo en la historia.

En lo referido al elemento de buddy-movie, me ha hecho muchísima gracia que el propio Deadpool tenga claro que al estar en un comic editado por DC, Batman va a ser el puto-amo y él no tiene ninguna oportunidad contra él. Además, rompiendo con lo esperado, Morrison plantea que sea Batman el que haga humor metatextual a costa del origen de Deadpool y las influencias que Rob Liefeld tuvo a la hora de crear al personaje. El comic es una locura, empezando por la excusa cósmica que plantea Morrison para que este crossover se produzca, creando incluso una Tierra 7642 donde los personajes de DC y Marvel comparten aventuras. Y aunque la historia tiene muchas luchas y locuras super divertidas, me gusta también que Morrison plantee un elemento emocional «a pie de calle» que Batman tiene también que resolver, que hace que el final sea aún más satisfactorio incluso aunque el personaje en cuestión nos trajera sin cuidado antes de leer este comic.

La historia de Morrison es una locura magistral que muestra a un Morrison en su mejor momento entendiendo las necesidades de los personajes, planteando una estructura narrativa perfecta que no deja de sorprendernos al girar cada página, planteando montones de momentazos y sorpresas alucinantes.

Por suerte para Morrison, tiene a Dan Mora dibujando este comic. Y lo mejor que se puede decir es que Mora puede dibujar cualquier cosa de forma brillante. Obviamente, Morrison es algo que ya sabía, tras trabajar con el costarricense en los diferentes especiales de Klaus. Y me flipa que todos los desafíos narrativos son una oportunidad para que Mora nos vuele la cabeza en cada página. Con el color de Alejandro Sánchez, Mora nos ofrece un despliegue visual alucinante que además del espectáculo añade el toque de humor perfecto que se espera en una historia protagonizada por Masacre. Para mi, esta historia de Batman y Deadpool es la perfección en apenas 27 páginas.

Este especial se completa con 4 historias adicionales.

Constantine y Doctor Extraño se encuentran en una historia de 10 páginas obra de Scott Snyder, James Tynion IV y Joshua Williamson en el guion, con Hayden Sherman en el dibujo y Mike Spicer en el color. La fusión de dos infiernos, los de Nerón y Mefisto, puede significar el fin de ambas realidades si los dos protagonistas no aceptan que tienen que trabajar juntos.

Me gusta que la historia haga que Constantine intente engañar a Extraño como el cabrón malnacido que es para conseguir lo que necesita para sus planes. Por suerte, Extraño también tiene su as en la manga. Me resulta muy interesante que al estar en el especial de DC, la historia está contada desde el punto de vista de Constantine.

A eso hay que sumar un dibujo super guapo de Hayden Sherman, que aparte de brillar en la parte sobrenatural, con unas composiciones de páginas super atractiva, consigue transmitir la altivez de Stephen Extraño y el cabrón-puto-amo que siempre debería estar implícito en cualquier historia de John Constantine.

Dentro de ser una historia corta, los autores realizan un gran trabajo que me deja con ganas de más. Buenísima historia.

Tom Taylor, Bruno Redondo y Adriano Lucas nos regalan una historia de 8 páginas con Nightwing/Dick Grayson y Laura Kinney/Lobezna que es puro corazón. Frente la narración de Constantine de la historia anterior, me gusta muchísimo la forma en que Taylor plantea que Dick y Laura ambos cuenten la historia desde su punto de vista. En ambos casos tenemos personajes derivados de otros más importantes, Batman y Lobezno, que sienten que tienen un legado muy importante que cubrir. Una parte importante de la gracia es que Taylor escribió los comics de ambos personajes, siendo para mi la mejor etapa de Laura que yo he leído. Al ser una historia de 8 páginas no hay espacio para demasiado, pero Taylor se las apaña para que veamos lo principal de ambos mundos, al incluir en la historia a Barbara Gordon y Haley, el perro de Dick, y a Gabby y su mascota carcayú Jonathan.

En lo referido a historias con corazón, ahora mismo no hay nadie mejor a Bruno Redondo. Redondo crea magia en estas 8 páginas, ayudado por Adriano Lucas en el color. Dick, Laura y Gabby transmiten un cariño y una empatía que hace imposible que no los amemos. Tenemos otra historia ganadora en este especial.

Las dos historias restantes son completamente secundarias, empezando por la extensión que tienen sus autoras. Mariko Tamaki y Amanda Conner, con color de Tamra Bonvillain cruzan a Harley Quinn y a Hulk en una historia de 5 páginas que es una chorrada auténtica que no me ha hecho ninguna gracia.

Después G. Willow Wilson y Denys Cowan, con el entintado de Klaus Janson y el color de Francesco Segala reúnen a Static y Ms. Marvel en otra historia de 5 páginas que consigue conectar las similitudes de ambos personajes, empezando por ser héroes jóvenes de sus barrios respectivos. Como le pasaba a la historia de Harley y Hulk, con 5 páginas no puede hacerse gran cosa, pero G. Willow Wilson y Denys Cowan consiguen dejarnos con la sensación que Static y Ms. Marvel tendrían que volver a reunirse en una historia de mayor extensión, preferiblemente una miniserie.

Comparando este especial con el publicado por Marvel hace un par de meses, creo que este comic es mucho más satisfactorio. Por supuesto, empezando por la historia de Morrison y Mora, que me parece alucinante. Pero DC creo que ha acertado también en lo referido a las historias de complemento. Porque en el comic de Marvel tuvimos 6 historias, algunas de apenas dos y tres páginas. La sensación de intentar abarcar más de lo deseable fue evidente.

Sin embargo, DC ha dado 27 páginas a Morrison y Mora, dos más que las del comic de Wells y Capullo, algo que el propio Morrison ha afirmado que le dio margen a que su historia respirara mejor, y ha planteado dos historias más largas con aventuras completas que me han dejado sensación satisfactoria. Por contra, recordando el Daredevil – Green Arrow, el dibujo de Kubert era una barbaridad pero en realidad no había historia. Por todos estos motivos, encuentro este Batman – Deadpool muchísimo mejor comic que su contrapartida de Marvel.

Además, esta grapa USA me dio una doble alegría porque me lo regaló mi hijo por Navidad, con la colaboración de mi hermano Fernando (¡gracias, bro!!!) Tener un regalo sorpresa que no esperaba y que me lo acierten de esta manera no tiene precio.

Comparto algunas páginas del comic:

Grant Morrison y San Mora. Batman y Deadpool. Un comic magistral. Si no le clavo un10 a este comic es por las dos historias de complemento más flojas, pero este comic ha sido pura diversión.

PUNTUACIÓN: 9.5/10

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Crítica de Transformers 27 de Robert Kirkman y Dan Mora (Image Comics)

Transformers 27 de Robert Kirkman y Dan Mora, con color de Mike Spicer, es un número de transición en el que pasan muchísimas cosas y prepara el camino de numerosas tramas que veremos en el futuro cercano.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡MEGATRON CONTRAATACA!

Los Decepticons se movilizan para rescatar a uno de sus miembros más poderosos de las manos de los Autobots.

Robert Kirkman y Dan Mora siguen con paso firme estableciendo las que serán las líneas narrativas más importantes de la colección en los próximos meses. En este número 27 hemos asistido a un montón de situaciones super importantes. Quizá la más emocionante sea la conversación de Optimus Prime y el nuevo autobot Thundercracker, tras desertar de los decepticons. Esta conversación me parece profunda e importante, porque aunque Thundercracker creía en la causa general de los Decepticons y aceptaba la violencia como un medio necesario para alcanzar un fin necesario, se siente incómodo con el nivel de crueldad y masacre innecesaria. Hasta el punto de abandonar la causa decepticon. Ver a Thundercracker con el símbolo autobot es uno de los momentazos del comic.

Otro momentazo es ver a Optimus por fin reparado y al 100% de potencia. Creo que fue en Transformers 2 o 3 de Daniel Warren Johnson cuando perdió el brazo, por lo que tras 2 años con diferentes problemas, me flipa ver a Dan Mora dibujarle en toda su gloria. Parece mentira que Mora consiga crear una de las imágenes más icónicas de Optimus que he visto en mucho tiempo. Es un artistazo, y lo demuestra en cada grapa.

Otro aspecto que merece comentarse es que con los mejorados recursos del Arca, los autobots han reanimado a un montón de robots, entre los que tenemos a Brawn, Bulkhead, Mirage, Sideswipe y Blaster. Y resulta llamativo que Brawl fuera disparado en el pecho por Megatron y pueda ser reparado, pero Bumblebee (o Ratchet, para el caso es lo mismo) siguen diciendo que no pueden ser reanimados. ¡Muy mal, Kirkman!!!

La reunión de Ultra Magnus con el General Flagg, en el que conocemos por qué Magnus no le dijo a Optimus que fue torturado por Flagg, el enfrentamiento entre Flagg y Miles Mayhem, o la intención de Magnus de nombrar a Arcee su sucesor, al no verse capaz de seguir combatiendo, son otros momentazos de un comic en el que todo resulta interesante. Como ESA aparición sorpresa en Cybertrón. Todo conecta conmio y me deja super interesado.

Parte del éxito está en el dibujo de Dan Mora con el color de Mike Spicer. Cuando algo lo dibuja Mora, la emoción se desborda y todo luce alucinante, siempre en su versión más icónica y reconocible. Es una pasada. Con Mora y Spicer, la lectura de la grapa mensual siempre es un placer, ¡qué pasada!

Comparto imágenes del comic:

Transformers sigue ofreciendo mes a mes un estupendo entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 8/10

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