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Crítica de Jurassic World El renacer de Gareth Edwards

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Jurassic World El renacer de Gareth Edwards es una buena película de dinosaurios que entretendrá a todos los fans de esta franquicia.

PUNTUACIÓ: 6.5/10

Cinco años después de los acontecimientos de Jurassic World Dominion, la ecología del planeta Tierra ha demostrado ser insoportable para los dinosaurios. Los pocos que quedan viven en ambientes aislados en las regiones ecuatoriales, donde el clima se parece al que conocieron antaño. Las tres criaturas más grandes dentro de esta biosfera tropical tienen en su ADN la clave para fabricar un medicamento que aportará beneficios milagrosos a la raza humana. Zora Bennett, una experta en operaciones encubiertas, es contratada para dirigir a un equipo de especialistas en una misión secreta cuyo objetivo es conseguir el material genético. Pero la operación liderada por Zora se cruzará con una familia cuyo barco volcó por culpa de unos dinosaurios acuáticos y todos acabarán en una isla prohibida donde se ubicó hace años un centro de investigación ultrasecreto del Parque Jurásico. Allí, en un lugar poblado por dinosaurios de numerosas especies, se enfrentarán a un descubrimiento tan sorprendente como siniestro que lleva décadas escondido.

Gareth James Edwards (1975) es un cineasta británico que se dio a conocer gracias a Monsters (2010), una película independiente en la que trabajó como guionista, director, director de fotografía y artista de efectos visuales. Posteriormente dirigió Godzilla (2014), y Rogue One: Una historia de Star Wars (2016). Tras los múltiples problemas que sufrió durante el rodaje de la película de Star Wars, en la que no dirigió los reshoots ni controló el montaje final estrenado en los cines, que incluye sin ir más lejos la ya super icónica final de Darth Vader, Edwards tardó 7 años en poder sacar adelante The Creator (2023), de la que también es autor del guion junto a Chris Weitz a partir de una idea suya.

Jurassic World El Renacer es la séptima película de la serie Jurasic Park creada por Steven Spielberg, y la cuarta desde que se renombró Jurassic World. La película ha sido escrita por el veterano David Koepp, que escribió los guiones de las dos primeras películas de la serie. La película de 133 minutos de duración y un presupuesto estimado de 180 millones de dólares cuenta con fotografía de John Mathieson, el montaje de Jabez Olssen y la música de Alexandre Desplat.

En reparto tenemos a Scarlett Johansson como Zora Bennett, una experta en operaciones encubiertas, Mahershala Ali como Duncan Kincaid, el líder del equipo de Zora, Jonathan Bailey como el Dr. Henry Loomis, un paleontólogo, Rupert Friend como Martin Krebs, un representante farmacéutico, Manuel García-Rulfo como Ruben Delgado, el padre de una familia civil náufraga, Luna Blaise como Teresa Delgado, la hija mayor de Reuben, David Iacono como Xavier Dobbs, el novio de Teresa, Audrina Miranda como Isabella Delgado, la hija menor de Reuben, y Ed Skrein como Bobby Atwater, un miembro del equipo de Zora.

Gareth Edwards sorprendió hace ya algunos años con su opera prime Monster (2010), a la que siguió la versión americana de Godzilla (2014). Teniendo en cuenta su experiencia previa, era un director perfectamente cualificado para dirigir esta película. Y en positivo tengo que decir que Jurassic World El Renacer es una película muy entretenida con un feeling clásico que recuerda a los clásicos de Spielberg. En este mundo de franquicias y secuelas continuas, resulta muy satisfactorio ver una película que se contenta con contar una historia autoconclusiva con principio y final y que sólo pretenda entretener a los espectadores.

Jurassic World El Renacer deshace toda la ridiculez de las dos películas anteriores en las que se daba a entender que la expansión de los dinosaurios por el planeta podría provocar la extinción de la raza humana. Eso era una mala idea para empezar que además nunca llegó a ejecutarse de forma conveniente. Por tanto, resulta lógico volver en esta película a un mundo en el que los dinosaurios casi se han extinguido de nuevo porque sólo pueden vivir en zonas cálidas cercanas al Ecuador.

El mcguffin es que un ejecutivo de una farmacéutica (Martin Krebs, interpretado por Rupert Friend) necesita la sangre y el ADN de los 3 dinos más grandes para hacer una vacuna que puede acabar con las enfermedades de corazón, lo que salvará millones de vidas, siempre claro que puedan pagar la vacuna. Para conseguir este ADN, viajará a una de las isla de investigación donde siguen viviendo estos animales. Su equipo lo forma Zora Bennett (Scarlett Johansson, en uno de los papeles más flojos de su carrera) una experta en operaciones encubiertas, el doctor Henry Loomis (Jonathan Bailey), experto en dinosaurios y asesor de Krebs), Duncan Kincaid ( Mahershala Ali), el líder del equipo de Zora y capitán del barco que les llevará a la isla. Junto a ellos van una tripulación que claramente son carne de cañón y que tenemos todos claro que simplemente están ahí para morir. La expedición rescatará a una familia cuyo barco se hundió por culpa de un dinosaurio. Una familia que tendrá que acompañarles en la expedición y que está formada por Ruben Delgado (Manuel García-Rulfo) , el padre de Teresa (Luna Blaise) e Isabella ( Audrina Miranda), a los que acompaña Xavier (David Iacono), el novio de Teresa.

La película empieza con un ritmo clásico en el que hacen que el espectador tenga que esperar para las grandes emociones. De esta forma, en la primera parte de la película asistiremos a la preparación y reunión del grupo que participará en la expedición. Este viaje por el mar recuerda al de películas como King Kong o Kong: Skull Island, pensando en otras películas de monstruos. A partir de ahí la historia adquiere una cualidad episódica mientras llevan a cabo las 3 misiones para obtener el ADN que fueron a buscar.

La primera criatura de la que extraen muestras es un Mosasaurio, un dino acuático que rodea la isla. En la isla, el equipo extrae la segunda muestra de un Titanosaurio, un pacífico hervívoro. A continuación, el grupo tendrá que entrar en un nido de un Quetzalcoatlus, un dino volador que se come a los velociraptores, obteniendo la tercera y última muestra de un huevo. Tras unas peripecias con múltiples problemas, empezando con que el barco encalla, y muertes de todos los que sabiamos que iban a morir, los supervivientes tendrán que buscar otra forma de abandonar la isla, momento en el que se encontrarán con el terrible dinosaurio mutante D-Rex, supuestamente el peor y más peligroso dinosaurio existente. (Otra vez).

Pensando en el vaso medio lleno, Jurassic World es muy entretenida. Las misiones con los dinos están geniales, hay momentos de tensión y consiguen que el visionado pase en un suspiro. Entre estas misiones la familia Delgado se encontrará con un Tiranosaurius Rex, que nos da uno de los mejores momentos de la película. El momento con los Titanosaurus nos devuelve el sense-of-wonder que siempre debería acompañar a los dinosaurio, unido a cierto terror cuando los protagonistas son atacados por Quetzalcoatlus o por el D-Rex. Hablando de cosas positivas, aunque la música es de Alexandre Desplat, mantiene el maravilloso tema de John Williams, y cada vez que sonaba me alegraba un poco el corazón.

Dentro que como digo Jurassic World El Renacer está bien, es necesario resaltar que NO es genial. Hay buenas escenas con los dinosaurios, pero en casi todas las escenas me dejaron con la sensación que plantean una buena escena que no saben cómo terminarla adecuadamente. Pasa con toda la misión en el mar, en la que el barco es atacado por un grupo de Spinosaurio  que acompañan al Mosasaurio. También en la casi perfecta escena del ataque del T-Rex en el río, en la que hay un montón de tensión y cuyo final es un chof. Y sobre todo, sucede en el climax final en el que el terrible D-Rex apenas aparece un par de minutos.

En esta apreciación de «bien pero no genial» entra también la sensación de familiaridad que tiene toda la película. Bien planteado esto es bueno, pero en la película se da la circunstancia de que todo recuerda a otra película de Jurassic Park / World, pero los originales son siempre mejores.

Hay otro elemento que debe comentarse, que es el hecho de ser la primera película de la saga en la que TODOS los dinosauros han sido creados por CGI, no utilizándose animatrónicos en ningún momento. Edwards en una entrevista afirma que es debido a que en sus películas previas usó CGI con buenos resultados, por lo que prefirió mantenerse con lo conocido. Sin embargo, dentro que no puedo decir que los dinosaurios luzcan mal, porque no lo hacen, en realidad sí pierden esa sensación de cosa real que interactuaba con los protagonistas. Algo que al final ayuda a la sensación de que estamos ante una película «menor» dentro de la franquicia.

Unido a esto hay otro elemento que también llama la atención. Y es que el guionista David Koepp fue contratado en ENERO de 2024 para escribir el guion de esta película. Que una película de efectos especiales de este calibre se haya podido estrenar 18 meses después es un milagro que me sugiere que había prisa por estrenar lo antes posible. Y que fuera una película que resultara lo más barata posible. Y obviamente un presupuesto de 180 millones es de un blockbuster de primer nivel, pero es un coste muy inferior al de las películas previas de la franquicia.

Las escenas están bien, pero al mismo tiempo la sensación que tenía de que no remataban bien los finales pueda ser debido a un guion poco trabajado y a la necesidad de rodar lo que fuera rápido, en lugar de pensar cosas más locas y/o espectaculares de las que han terminado apareciendo en el montaje final. En ese sentido, el final y todo lo relacionado con el D-Rex resulta decepcionante por la forma en la aparece y fin. Por no hablar del elemento de «gente tonta haciendo tonterías» de un guion que hace que unos duros mercenarios vayan ¡SIN ARMAS! a una isla llena de dinosaurios. El comentario de «no queremos hacer daño a los animales» no casa con ir a un ecosistema peligroso repleto de animales carnívoros. Acepto que esto añade un elemento novedoso a la película, pero es que es muy tonto.

De igual forma, todos los personajes son apenas arquetipos con muy poquita complejidad. No sólo es que sabes quien va a morir, es que casi sabes quien son los buenos y quien el malo y qué van a decir en cada momento. Comentaba que Scarlett Johansson tiene al peor personaje de su carrera, y es que no hay casi nada que rascar en un personaje plano al que intentan dar una complejidad falsa que la permita estar con los ojitos vidriosos a punto del llanto en u par de momentos, a pesar de ser una mercenaria curtida en 1000 batallas. Está claro que no vienes a Jurassic World por la complejidad emocional, pero lo que tenemos es más que plano (si es que eso es posible). también diré en positivo que me alegra tener a unos niños que tienes ganas de que mueran. En eso, la película cierta. No todo es flojo.

Claramente, los productores de Jurassic World El renacer están buscando un público familiar. Y para que los padres puedan llevar a niños de todas las edades se ha optado por una película super blanca en la que no hay sangre, los sustos son ligeros y no se consigue el tono cercado al terror que tuvo alguna película previa. Esto es también otra explicación a la sensación de «bien, pero no genial». Sin momentos impactantes y con un final telegrafiado, Jurassic World El despertar parece un sucedáneo del original. Y es un pena.

Me está quedando una reseña muy negativa de una película que me ha entretenido un montón y ha cubierto más o menos las expectativas que llevaba al cine cuando fui con mi hijo a verla. Tengo claro que los productores van a ganar bastante dinero con esta película, dentro que creo que se va a quedar muy lejos de las recaudaciones de las películas precedentes. La franquicia de Jurassic Park / World sigue llevando público a los cines, pero en realidad creo que los productores deberían pensar mejor qué quieren hacer con este mundo de dinosaurios, haciendo que el próximo estreno sea un acontecimiento en lugar de una versión descafeinada del original.

Comparto el trailer de la película:

Jurassic World: El renacer está bien pero nunca es genial. La sensación de familiaridad en este caso juega en contra, porque prácticamente todo recuerda a algo que ya vimos mejor en otras películas de la saga. Con todo, la película es un buen entretenimiento veraniego.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Transformers One de Josh Cooley

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Aprovechando su preestreno, me llevé a mi hijo a ver Transformers One, la película de animación dirigida por Josh Cooley que quiere contar el origen de la enemistad entre Optimus Prime y Megatron.

PUNTAUCIÓN: 7/10

Es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos.

Joshua Cooley (1979) es un cineasta y artista de storyboards estadounidense. Antes de esta Transformers, le conocí por haber dirigido la estupenda Toy Story 4 (2019) , que ganó el Óscar a la mejor película de animación. También es coautor del guion de la película Inside Out (2015), que fue nominada al Oscar al Mejor Guion Original.

Transformers One cuenta con un guión de Eric Pearson y el dúo de guionistas formado por Andrew Barrer y Gabriel Ferrari, basado en una historia de Barrer y Ferrari. Es el primer largometraje de animación de la franquicia desde Transformers: La película (1986), y plantea una especia de reboot al contar los orígenes y la relación inicial nunca antes vistos de Optimus Prime y Megatron y cómo cambiaron el destino de Cybertron, el planeta natal de los Transformers. La película de 104 minutos de duración ha contado con música de Brian Tyler y montaje de Lynn Hobson. Se estima que su presupuesto ha sido de 100 millones de dólares.

El reparto de voces incluye a actores mega populares como Chris Hemsworth como Orion Pax / Optimus Prime, Brian Tyree Henry como D-16 / Megatron, Scarlett Johansson como Elita, Keegan-Michael Key como B-127 / Bumblebee, Steve Buscemi como Starscream, Laurence Fishburne como Alpha Trion, Jon Hamm como Sentinel Prime e Isaac C. Singleton Jr. como Darkwing.

Tengo que reconocer que cuando vi el primer trailer de esta película, la idea de ver una buddy-movie de humor con los Transformers no me hizo especialmente gracia. Sin emnargo, mi hijo es un super fan de los Transformers, así que tenía claro que me gustara o no, esta película la iriamos a ver el día de su estreno. O de preestreno, en realidad. Porque no se por qué motivo, pero su distribuidora la planteado un extraño preestreno el fin de semana anterior a su estreno oficial, que es el 20 de Septiembre. No tengo claro qué objetivo esperar conseguir, aunque supongo que la idea es que los muy fans la vean antes y puedan recomendar la película unos días antes de su estreno, de forma que ayuden a que la recaudación sea mayor. Pero sea con un objetivo u otro, lo cierto es que nosotros pudimos ver la película con varios días de antelación.

Una vez comentado esto, tengo que decir que Transformers One me ha gustado mucho más de lo que esperaba a priori. Me ha parecido una película de origen modélica que cuenta con una historia más que correcta, con un giro que se ve venir desde el minuto uno pero que está bien, un final super potente y satisfactorio, y varias de tramas abiertas en caso que la película sea un éxito y se planteen realizar nuevas películas ambientadas en Cybertron. Como digo, sin que me haya volado la cabeza nada en concreto, creo que lo que cuentan está bien ejecutado.

Por culpa del preestreno no pudimos ver la película en versión original, pero me ha gustado la amistad de Orion Pax y D-16, los bots que están destinados a convertirse en Optimus Prime y Megatron. En general, me han gustado las voces y sobre todo la forma en que establecen las relaciones de los protagonistas, algo que mejora las espectaculares películas de Michael Bay, que en lo referido a los protagonistas están repletas de chorradas y momentos de vergüenza ajena. Esto no pasa nunca en Transformers One, y creo que es el primer éxito de la película. Porque si no hubiéramos empatizado con los protagonistas, la película se hubiera derrumbado, y sin embargo ellos son parte fundamental del éxito.

La primera sorpresa de la película es ver un Cybertron en el que la mayoría de habitantes son bots sin capacidad de transformarse, que al final es la principal cualidad de estos robots. Los protagonistas son mineros que extraen energon del fondo del planeta, y sólo unos pocos robots liderados por el Rey del planeta Sentinel Prime son transformers. Este elemento ya te hace ver que algo no cuadra, y resulta clave para el giro de mitad de película. Hasta llegar a ese giro, tenemos a un Orion Pax que sólo tiene ideas locas para demostrar que los bots pueden ser capaces de más cosas que los que sus jefes les obligan a ser, mientras que D-16, como su jefa Elita, son grandes defensores de cumplir con sus obligaciones y no preguntarse nada. Intentar hacer lo correcto hará que Opion Pax ne deje de meter en problemas a los demás, hasta que saldrán a la superficie del planeta para descubrir un secreto que cambiará el mundo para siempre.

La animación me parece correcta, aunque no diré que es espectacular. El movimiento de los robots está chulo, y consiguen enfatizar los momentos de humor, haciendo que el tono general sea de aventura ligera, hasta que llegas al giro antes mencionado. Dicho esto, quizá si no le pongo más puntuación es quizá por este tipo de animación que me parece solamente funcional. Otro acierto de Transformers One es su duración de 100 minutos y un ritmo que hace imposible que te aburras y te mantiene interesando ante el viaje que van a realizar los protagonistas. Por cierto, aparte del trio protagonista, me parece un acierto que hagan que Bumblebee esté con ellos desde el principio. Y las apariciones de algunos robots míticos de la franquicia me parece también algo muy guay.

Hablaba de un tono ligero inicial, pero me gusta que el director Josh Cooley sepa ir añadiendo tensión y peligro hasta llegar a un climax final que me parece super espectacular y con unos momentazos increíbles de Optimus Prime y Megatron. Además, me gusta mucho que un detalle clave de esta película relativo a la matriz del liderazgo en realidad no sea algo nuevo, sino que ya lo vimos en la segunda película en imagen real de Michael Bay, lo que confirma la idea de franquicia conectada. A pesar de que sabemos el dramático final de Cybertron y de los Autobots, me gusta mucho que esta película termine de forma super positiva y satisfactoria, lo que significó para mi la guinda del pastel.

Estoy pensando en cosas menos buenas que comentar de Transformers One. Pero el humor infantil no es un problema cuando pienso que estamos ante una película plenamente para todos los públicos que ante todo tiene que gustar a los niños. Como comentaba sobre la animación, quizá el único problema que le encuentro es que todo está bien, pero sólo un par de momentos diría que son «notables», lo cual explica la puntuación que le pongo.

Otro detalle que si me ha gustado mucho es que aparte de la rivalidad Autobots – Decepticons, me gusta que la película haya mostrado por primera vez en cine a otra gran amenaza para los robots que puede destruir el planeta si ambos bandos no olvidan sus diferencias cuando ataquen de nuevo Cybertron. Este es otro de los motivos por los que quiero que Transformers One sea un éxito de taquilla y permita a sus productores hacer la trilogía de películas precuela ambientadas en Cybertron que siempre quisimos que se hicieran y que ahora empiezan a ser una realidad.

En este sentido, el gran problema de Transformers One es el prejuicio que va a tener una gran parte del público ante esta película, ya que la animación y el tono planteado en los trailers sugiere que estamos ante una película infantil sólo para los más pequeños, lo cual estoy seguro que va a restarle asistencia en el cine. Espero que el boca a boca funcione, pero desde luego, si eres fan de los Transformers, no te puedes perder esta película.

Comparto el trailer de la película:

Transformers One me parece una estupenda película de origen que acierta en la presentación de los clásicos Autobots y Decepticions. Ojalá podamos ver más películas de esta franquicia situadas en Cybertron.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Asteroid City de Wes Anderson

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Wes Anderson es un género en si mismo, nadie hace las películas con su sensibilidad visual y artística, como hemos podido ver en Asteroid City, su nueva película que nos trae una constelación de estrellas de Hollywood.

PUNTUACIÓN: 7/10

En 1955, colegiales y padres de todo el país se reúnen para un concurso escolar dedicado a la observación de fenómenos astronómicos (Junior Stargazer Convention) que se lleva a cabo en una ciudad ficticia del desierto estadounidense llamada Asteroid City. La convención se verá espectacularmente interrumpida por eventos que cambian el mundo. (FILMAFFINITY)

Si hablamos de cine de autor que muestra una visión única de la vida, Wes Anderson (Texas, 1969) es uno de los nombres que automáticamente vienen a la cabeza. Director, guionista, productor y actor estadounidense, es conocido por sus películas Ladrón que roba a un ladrón (1996), Academia Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), Vida acuática (2004), Viaje a Darjeeling (2007), Fantástico Sr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012), El Gran Hotel Budapest (2014), Isla de Perros (2018) y La crónica francesa (2021).

Fue nominado al Premio Oscar en las categorías de mejor guion original por The Royal Tenenbaums, Moonrise Kingdom y The Grand Budapest Hotel. Además, tanto Fantastic Mr. Fox como Isle of Dogs fueron nominadas en la categoría de Mejor película animada. Durante su carrera ha ganados un Globo de Oro, el Oso de Plata de la Berlinale o un Premio Bafta a Mejor guión original.

Como suele ser habitual en la filmografía de Anderson, Asteroid City es una película coral con un enorme reparto, entre los que encontramos a Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Tom Hanks, Jeffrey Wright, Tilda Swinton, Bryan Cranston, Edward Norton, Adrien Brody, Liev Schreiber, Hope Davis, Steve Park, Rupert Friend, Maya Hawke, Steve Carell, Matt Dillon, Hong Chau, Willem Dafoe, Margot Robbie, Tony Revolori, Jake Ryan y Jeff Goldblum entre otros.

Asteroid City ha sido dirigida, escrita y coproducida por Wes Anderson a partir de una historia suya junto a Roman Coppola, hijo del gran Francis Ford Coppola. En la película de 105 minutos han trabajado varios colaboradores habituale sde Anderson como el director de fotografía Robert D. Yeoman, el montador Barney Pilling y el compositor Alexandre Desplat, en su sexta colaboración con Anderson. El elemento curioso es que Andeson no rodó el desierto en Estados Unidos, sino que se vino a Chinchón (provincia de Madrid) para rodarla.

Las películas de Anderson casi se han convertido en un género propio, y en Asteroid City vuelve a mostrar muchos de los elementos comunes que le caracterizan, empezando con que la película nos cuenta varias historias en una. Por un lado tenemos una historia de ciencia ficción en la que un grupo pintoresco de personas se reúnen en una ciudad desértica al lado del cráter de un meteorito con motivo de una reunión de jóvenes científicos, la Junior Stargazer. Lo que sucederá allí serán varias historias inclasificables que no son ni drama ni comedia con personajes que se salen de lo común, en medio de situaciones “extrañas” que se suceden a una enorme velocidad.

Pero además tenemos un elemento metatextual, al ser estos sucesos una ficción creada como obra de teatro por Conrad Earp, un importante dramaturgo interpretado por Edward Norton. Para separar ambos elementos, la obra de teatro que sucede en Asteroid City se presenta en formato rectangular de imagen y en color, con una gama cromática que recuerda los cuadros de los años 50 que mostraban elementos costumbristas con imágenes en tonos pastel. Junto a esto, la creación primero del libreto de la obra de teatro por parte de Conrad y luego la obra de teatro en si por parte del director Schubert Green (Adrien Brody) es mostrado en blanco y negro y formato cuadrado como si se viera en una televisión antigua también tipo años 50 en que se ubican ambas historias.

En lo estético, cada plano parece un cuadro colgado de una galería de arte. Individualmente, cada imagen debe tener su propia belleza y perfección, como si fuera un elemento único e irrepetible. Un uso de una gama cromática diferente a todo que aleja la historia de la realidad, una cuidada selección de los elementos y un elegante gusto por la geometría y la composición marcan cada una de las escenas. Además, la ambientación en los años 50, jugando además con narración en color o en blanco y negro le añade un toque de nostalgia al mostrar de alguna manera el viejo cliché sobre que los tiempos pasados siempre fueron mejor. La fotografía con los tonos pastel elegidos para contar la historia en el desierto me parece espectacular,

Siempre que veo en cine una película de Anderson me quedo flipado con la potencia visual de Anderson y su peculiar narrativa. Esto de alguna manera compensa que las historias de Anderson tienen siempre un elemento «chorra» que siempre de deja frío, en especial en lo referido a los arcos (o falta de ellos) de la mayoría de personajes y unas peripecias un tanto intrascendentes. Por suerte para él, aparte de la potencia visual, resulta una pasada encontrar en la misma película a actorazos como Scarlett Johansson, Tom Hanks, Edward Norton, Jason Schwartzman, Tilda Swinton, Bryan Cranston o Adrien Brody. Dentro del enorme reparto, hay actores como Willem Dafoe, Margot Robbie o Jeff Goldblum apenas tienen un cameo de una escena, pero hay un montón de sorpresas mientras descubrimos a los actores que van haciendo su aparición a lo largo de la película.

En cuanto a la historia, veo elementos de la soledad del artista que pone su trabajo por delante de su familia, algo personificado en las historias de Scarlett Johansson y Adrien Brody. También encuentro una trama referida a la creación artística, personalizado en Edward Norton y Willen Dafoe, y sobre la aceptación de la pérdida en lo que es la historia de Jason Schwartzman y su familia. Pero son elementos escasos y algo deslavazados dentro de la entrada y salida de múltiples personajes, no llegando en ningún caso a una conclusión satisfactoria.

En todo caso, no vienes a ver una película de Anderson por la historia, y en mi caso Asteroid City me ha dado lo que esperaba de ella. Me gusta tener una experiencia así cada dos / tres años, me viene bien para salirme de mi zona de confort mainstream.

Comparto el trailer de la película:

Asteroid City es otra película inclasificable de Wes Anderson. Tú decides si esto es bueno o malo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Viuda Negra de Cate Shortland (Marvel Studios)

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Tras más de un año de espera, por fin hemos podido disfrutar de Viuda Negra (Black Widow), el retorno de Scarlett Johansson al personaje de Natasha Romanoff que la lanzó a la fama en su primera película como protagonista en solitario. La película está dirigida por Cate Shortland y promete una montaña rusa de acción y emoción cuando conozcamos el origen secreto de Natasha.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Natasha Romanoff, alias Viuda Negra, se enfrenta a los capítulos más oscuros de su historia cuando surge una peligrosa conspiración relacionada con su pasado. Perseguida por una fuerza que no se detendrá ante nada para acabar con ella, Natasha debe lidiar con su historia como espía y con la estela de relaciones destruidas que dejó atrás mucho antes de convertirse en Vengadora.

Viuda Negra está dirigida por Cate Shortland, guionista y directora de cine y televisión australiana, conocida por sus películas Somersault, Lore y Berlin Syndrome. La película cuenta con un guión del jovencísimo Eric Pearson, a partir de un argumento de Jac Schaeffer (creadora de Wandavision) y Ned Benson. Pearson es un guionista estadounidense de tan sólo 36 años que ha trabajado con Marvel Studios en el guión de Thor Ragnarok (Taika Waititi, 2017), además de escribir varios cortometrajes para su serie de películas Marvel One-Shots. Además de Black Widow, este 2021 se ha estrenado Godzilla vs. Kong que también tiene guión suyo.

La película de 134 minutos cuenta con fotografía de Gabriel Beristain, montaje de Leigh Folsom Boyd y Matthew Schmidt, y música de Lorne Balfe. Viuda Negra va a ser uno de los grandes blockbusters palomiteros de este verano y cuenta con un presupuesto de más de 200 millones de dólares. Debido a su estreno simultáneo en cines y en Disney+ en su apartado Premium de pago, está por ver qué recepción tiene la película en la taquilla, aunque las previsiones previas teniendo en cuenta las preventas indican que va a ser uno de los taquillazos del año.

Junto a Scarlett Johansson como Natasha, tenemos un reparto de autentico lujo en el que encontramos a la estrella en alza Florence Pugh (Midsommar, Mujercitas) como Yelena Belova, una «hermana pequeña» y rival de Romanoff, entrenada en la Habitación Roja de la Rusia Soviética para ser una de sus asesinas, conocidas como las Viudas Negras.​ David Harbour (Stranger things, Hellboy) es Alexei Shostakov / Red Guardian: la contraparte del súper soldado ruso al Capitán América, que es una figura paterna para Yelena y Natasha. Rachel Weisz (La Momia, Constantine) es Melina Vostokoff, una espía experimentada entrenada en la Habitación Roja como Black Widow y una figura materna para Yelena y Natasha. Junto a ellos, William Hurt repite en su papel de General Ross, Ray Winstone como el General Dreykov, jefe de la Sala Roja, y O.T. Fagbene como Rick Mason, el proveedor de suministros de Natasha.

Entrando a valorar la película, creo que Viuda Negra es un entretenimiento de primer nivel más que digno, que intenta combinar unas espectaculares escenas de acción con el elemento emocional, al descubrir una faceta de Natasha que hasta ahora estaba oculta. La película está acertada (y previsiblemente) ambientada justo después de Capitán América: Civil War, cuando Natasha está escapando del gobierno americano y es una fugitiva, pero arranca con una primera escena en 1995 en la que conocemos a la familia formada por Natasha, Yelena, Alexei y Melina, antes de entrar a formar parte las dos niñas en la Sala Roja. De esta forma, el elemento emocional conecta inmediatamente con los espectadores.

El guión me ha parecido correcto en todo y aunque luego en el apartado de spoilers comentaré alguna cosa que me funciona menos, en general creo que está bien trabajado y justifica todos los elementos de forma razonablemente bien. En este sentido, creo que todo el equipo de Marvel Studios se ha empleado a fondo para que todo encaje perfectamente con el resto de películas del estudio y no se genere ningún glitch en el sistema. De hecho, hay un montón de detalles que nos recuerdan a todas las películas previas del MCU que están super bien. Que utilicen el viejo argumento de «El mejor truco que el diablo fue convencer al mundo de que no existía» para justificar que Natasha no buscara la Sala Roja me parece simple pero efectivo.

Scarlett Johansson está muy bien en su papel de Natasha Romanov, aunque eso era algo completamente esperable. Johansson es también productora de la película, por lo que entiendo ha tenido posibilidad de decisión para hacer que la historia para su personaje no fuera sólo acción, sino que el elemento emocional y de expiación de culpas pasadas tuviera un papel central en la trama y en la evolución de su personaje. Viuda Negra merecía una película en solitario, y el resultado final creo que es más que digno. Me gusta mucho que recuperen a la Natasha «conseguidora» de información incluso cuando parece que está siendo torturada, algo que nos devuelve a la primera película de Vengadores de Joss Whedon. Por ponerle un pero al arco del personaje, Natasha está siempre sufriendo en la película, emocionalmente pero también físicamente, y creo que no tiene casi momentos en los que se nos muestre feliz con su recién recuperada (ya veremos por cuanto tiempo) familia.

Luego está la polémica sobre si la película «llega tarde» y eso resta puntos ante la perspectiva conocida que Natasha falleció en Vengadores Endgame, algo en lo que no estoy de acuerdo. Es cierto que el retraso de más de un año provocado por el COVID nos ha roto los esquemas a todos, pero creo que la película llega en el momento perfecto para que aparte de ser un buen entretenimiento, pueda ser planteado como un homenaje a la primera Vengadora de este MCU. El problema no debería ser si la fecha de estreno es buena, mala, pronto o tarde, sino si la película cumple con sus objetivos y entretiene, y la respuesta es si en ambos aspectos.

Si Natasha está en modo «doliente» en casi toda la película, la que sin duda SI está disfrutando es Florence Pugh, cuyo carisma llega a los niveles de Scarlett y hace suyo el personaje de Yelena Belova de forma excelente. Además, teniendo en cuenta que Pugh sólo tiene 25 años, creo que tenemos nueva Viuda Negra para rato con su incorporación al MCU. Volviendo a la película, creo que Pugh y Johansson tienen buena química en pantalla y comparten unos momentos muy chulos durante el metraje. Aparte de todo en general, hay un momento en que Yelena recuerda que todas las Viudas Negras han sido esterilizadas y son incapaces de tener niños que refuerza la condición de víctimas de las niñas expuestas a la Sala Roja y nos devolvió de forma excelente a uno de los momentos más polémicos de Vengadores: La era de Ultron, una polémica absurda, en mi opinión.

David Harbour es el alivio cómico de la película, y no siempre funciona en pantalla, lamentablemente. Y Rachel Weisz tiene un papel pequeño, algo esperado por otro lado, pero se nota lo buen actriz que es porque con muy poco consigue que empaticemos con ella y con su dolor ante su «familia» perdida y de nuevo encontrada. Aunque los personajes tienen suerte dispar en la película, Harbour y Weizs transmiten las tablas que tienen y tienen el carisma justo que deben transmitir en pantalla. En todo caso, tengo que reconocer que al ver la película el jueves en el pre-estreno, no tuve opción de verla en V.O., y estoy convencido que escucharles a todos con acento ruso hubiera hacho que la experiencia seguro hubiera sido mejor.

Viuda Negra cuenta con unas estupendas escenas de acción, y casi sólo por ellas ya merecería la pena ver la película en pantalla grande. El combate entre Natasha y Yelena, la persecución por Budapest o el climax final con el combate / persecución entre Taskmaster y Natasha en el aire son super espectaculares y están super bien rodadas. En el combate cuerpo a cuerpo veo conexiones de Viuda Negra con Capitán América: Soldado de Invierno o la saga de Bourne, con momentos de gran intensidad con la cámara colocada justo en medio de la acción. Y la huida de la prisión rusa o el climax final sirven para recordarnos que estamos ante un blockbuster palomitero de primer nivel, con un gran nivel de espectáculo y acción más grande que la vida. ¡Ah! Y por si quedaba alguna duda, quedaros hasta el final, porque SI hay escena post-créditos, y las implicaciones de lo que ahí nos muestran pinta muy, muy bien.

Bueno, hasta el momento todo bien, ¿no? Lo cierto es que la primera mitad me ha resultado modélica. Sin embargo, encuentro que hay un problema muy importante de ritmo en la segunda mitad, justo cuando toda la familia vuelve a reunirse, con 10 minutos largos en los que la trama se para porque, a pesar de lo que comentaba antes, no terminas de creerte todo el elemento de familia feliz, ni es lógico que algunas acciones pasadas no tengan repercusiones ni castigo en el presente. Por no hablar de unos intentos de humor que no funcionan porque no están bien integrados y en ese momento que se supone es dramático te rompen completamente el feeling de la escena.

De igual forma, no me parece mal que la historia sea sencilla si está bien planteada y ejecutada, pero en Viuda Negra quizá todo el climax es demasiado fácil, incluso aceptando y reconociendo que la preparación previa nos ofrece un giro muy chulo que, de nuevo, nos devuelve a un elemento de las anteriores películas de MCU que está super bien.

Otro problema de Viuda Negra es, ¡sorpresa! el villano. Porque Taskmaster mola los pocos momentos en los que está en pantalla, ofreciendo una creíble sensación de amenaza, que hace que lamentes lo desaprovechado que está el personaje. Junto a Taskmaster, el General Dreykov es un villano de Bond (no de los buenos, de los chungos), que por un lado no aparece en pantalla hasta prácticamente el final, por lo que no hay amenaza en su persona, y cuando lo hace es para ser un villano de opereta que verbaliza su plan malvado para así poder ser detenido. Esto en parte también me ha parecido un problema grave de la segunda mitad de la película.

Por todo lo expuesto, creo que es compatible decir que me ha gustado Viuda Negra y recomiendo su visionado a ser posible en pantalla grande, y a la vez que dentro del MCU se encuentra en la mitad inferior de la lista, muy alejada de las históricas 4 películas de Vengadores, las 3 de Capitán América, Iron Man 1 y 3, Guardianes de la Galaxia 1 y 2 o Doctor Strange. En todo caso, creo que no pasa nada porque una película esté «simplemente bien», en estos tiempos de polarización en las redes sociales y a que algo o es una obra maestra o una basura, creo que se puede y se debe reivindicar una película correcta que cumple de sobra con su función de entretenimiento. No necesito ni pido que todo sea de sobresaliente, un bien 7 también puede estar bien para lo que le pides a una película, y al ejemplo de F9 de hace unos días me remito.

A partir de ahora, entro en territorio SPOILERS, no sigas leyendo a menos que ya hayas visto la película.

El principal problema para mi es que no te acabas de creer el elemento de la familia, algo que es clave en la historia. En 1995 vivieron juntos 3 años en Ohio mientras Alexei y Melina realizan una misión de espionaje para conseguir robar unos secretos que más adelante utilizarán en la Sala Roja. Sí es lógico que Yelena recuerde esos años como los mejores de su vida porque los vivió siendo muy niña y realmente para ella lo fueron. Pero incluso siendo feliz durante esos años, Natasha sabe que están viviendo una mentira, no acaba de justificarse sus ganas de recuperar esa mentira ni a los adultos que la construyeron y luego las abandonaron. Si lo sería en lo relativo a su relación como hermana mayor de Yelena, a la que quiere proteger, pero luego ella reconoce que no intentó buscarla para sacarla de la Sala Roja, lo cual no la deja en buen lugar y queda un poco absurdo.

Y si el elemento familiar resulta increíble para Natasha, lo es aún más para Alexei, aunque en su caso podría tener la justificación que los años en la cárcel podrían haber provocado una visión idealizada de esos momentos, los últimos que disfrutó en libertad antes de ser encarcelado. No, el problema no es tampoco él, sino todo lo relativo a Melina, la «madre» de Natasha y Yelena, ya que conocemos que en los 15 años transcurridos desde que se separaron ha sido la científica que ha creado el mecanismo de control mental que utiliza el General Dreykov para controlar a las Viudas Negras. La justificación de «soy un ratón en el laberinto» es totalmente insuficiente y no cuela, como también lo es su repentino cambio de bando tras años en los que parece que no le importó esclavizar a cientos de jóvenes mujeres para convertirlas en «drones» al servicio de Dreykov.

La sensación que Melina se libra del castigo justo que merecería por sus actos que ayudaron a asentar el control de la Sala Roja hacia las Viudas Negras porque es mujer es una idea terriblemente chunga. Pero sin embargo, se confirma cuando vemos que el climax de la película es ver que un grupo de mujeres se liberan de la opresión de un hombre malo que las esclavizaba. Mira que intento no fijarme en estos detalles cuando veo cine palomitero, pero es que es demasiado obvio y hasta burdo.

Esto conecta con la sorpresa de Taskmaster, y la revelación que NO es un hombre, sino la hija de Dreykov herida hace años por Natasha cuando escapó del control de la Sala Roja. Este era uno de los «pecados» que Natasha llevaba en su consciencia, haber matado a una niña inocente cuando ya estaba libre del control mental, y el hecho que no muriera sirve para que Natasha se quite ese peso de su consciencia, dado que el resto de muertes previas las cometió estando controlada por la Sala Roja. En lo relativo a Natasha, sirve para cerrar su arco argumental, sobre todo porque vuelve a buscarla cuando la Sala Roja está a punto de estallar porque quiere salvarla aunque le cueste la vida. Pero en lo relativo al villano, aparte de lo extraño que resulta que una mujer lleve una armadura masculina, convertirla en otra víctima de su padre, que utilizó su cuerpo herido para experimentar y crear a un luchador con memoria fotográfica, hace que se pierda toda la intensidad en el climax final, lo cual es una pena. ¿Tan difícil era crear a una mujer «villana» que actúa por venganza? Una venganza justa por otro lado, porque Natasha realmente intentó matarla siendo niña, es normal que busque ajustar cuentas. Convertir a Taskmaster en otra víctima de Dreykov impuesto quizá por el ideario políticamente correcto imperante ahora mismo en USA le hace un flaco favor a la película, porque hasta ese momento estaba siendo un gran villano y nos venía bien que hubiera uno, aunque fuera una mujer, ya que si al final el único villano es Dreykov, realmente la película cojea por todos lados.

Esto me conecta a lo que decía antes sobre el guión. Porque si, todo está suficientemente justificado, no puedes decir que haya trampas o fallos en la historia. Pero a la vez, esas explicaciones quedan en estos momentos como demasiado pocas y un tanto endebles. Además que varias situaciones pasan en varios momentos porque si. En ambos casos, no es nada grave, como decía también antes, pero si son pequeñas cosas que hacen que la cosa no cuadre como debería y el disfrute no sea máximo.

A destacar por último la escena post-créditos en la que Yelena en el presente parece estar trabajando, aunque sea en modo freelance, para la Condesa Valentina Allegra de Fontaine, el personaje interpretado por Julia Louis-Dreyfus que ya apareció al final de Falcon y el Soldado de Invierno, y que parece confirmarse que  su organización ¿Hammer? va a trabajar CONTRA los héroes del MCU. Que Valentina ponga a Yelena contra Clint Burton puede provocar un momento chulísimo en el futuro inmediato, quien sabe si incluso en su serie de televisión que Disney+ estrenará antes de final de año. ¿Tenemos a unos Thunderbolts en el horizonte? Estaría chulo, la verdad.

En resumen, Viuda Negra es un estupendo entretenimiento que merece ser vista en pantalla grande. Incluso reconociendo que no es una de las mejores película de MCU, creo que es un digno final al viaje de Scarlett Johansson y su Natasha Romanov.

Comparto el trailer de la película:

Viuda Negra en una buena película de acción con mucho corazón, y aunque no va a estar en mi lista de favoritas del MCU, creo que cumple sobradamente su objetivo y merece ser vista en pantalla grande.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Películas

Crítica de El Truco Final (El Prestigio), de Christopher Nolan

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Comparto mi crítica de El Truco Final de Christopher Nolan, publicada este mes de julio en la revista Fanzine El Colmo.

Fecha de estreno: 2006.

Director: Christopher Nolan.

Guión: Jonathan y Christopher Nolan, adaptando la novela The Prestige de Christopher Priest.

Interpretado por: Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Andy Serkis y David Bowie.

Disponible en: Netflix.

En Londres, a finales del siglo XIX, cuando los magos eran los ídolos más aclamados, dos jóvenes ilusionistas se proponen alcanzar la fama. El sofisticado Robert Angier (Hugh Jackman) es un consumado artista, mientras que el tosco y purista Alfred Borden (Christian Bale) es un genio creativo, pero carece de la habilidad necesaria para ejecutar en público sus mágicas ideas. Al principio son compañeros y amigos que se admiran mutuamente. Sin embargo, cuando un truco ideado por ambos acaba en tragedia, se convierten en enemigos irreconciliables. (FILMAFFINITY)

Fruto de la nueva normalidad, el mes de julio cinéfilo va a estar protagonizado por el estreno de la nueva película del director Christopher Nolan, la misteriosa TENET. Mientras esperamos a verla en el retorno a las salas de cine, es un buen momento para recordar El truco final, película de 2006 que terminó de cimentar su prestigio cinematográfico antes de que The Dark Knight (2008) marcara un nuevo standard para el género de las adaptaciones cinematográficas de los personajes de comic.

Christopher Nolan (Westmister, Reino Unido, 1970) es un director de culto convertido en sólido narrador de historias con una marcada personalidad. Tras su opera prima Following (1998), realizada en blanco y negro con un presupuesto de tan sólo 6000 dólares, realizó Memento (2000), cuya compleja narrativa fue unánimemente alabada por la crítica como una de las mejores películas del año. Insomnio (2002), adaptación americana de una película noruega de 1997, significó su primer contacto con los grandes estudios de Hollywood gracias al director y productor Steven Soderbergh, que apostó por él frente a los deseos de los productores de contratar a un director con mayor experiencia. Esta película le abrió las puertas de los grandes blockbusters americanos, al ser contratado por Warner para reiniciar la franquicia de Batman tras las desastrosas películas dirigidas por Joel Schumacher. El resultado, Batman Begins (2005), fue una exitosa película que gracias a su concepción realista que aportó una nueva sensibilidad al personaje.

Para el rodaje de El truco Final, Nolan reunió a parte de su equipo de Batman Begins, empezando por los actores Christian Bale y Michae Caine, así como el director de fotografía Wally Pfister (que había trabajado con Nolan desde Memento), el diseñador de producción Nathan Crowley o el editor Lee Smith.

Además de los mencionados Bale y Caine, Hugh Jackman es el otro protagonista y realiza un duelo interpretativo con Bale muy interesante, donde quién es el protagonista y quién el antagonista tiene una difícil respuesta. Y esto es una apuesta arriesgada, porque la audiencia necesita saber a qué personaje se debe aferrar en la historia. La película cuenta además con un estupendo reparto de actores secundarios en el que encontramos a Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Andy Serkis y David Bowie.

“Cada gran truco de magia consta de tres partes o actos. La primera parte se llama La Presentación. El mago te muestra algo ordinario, un mazo de cartas, un pájaro o una persona. El segundo acto se llama La Actuación. El mago toma lo ordinario y lo convierte en extraordinario. Ahora estás buscando el secreto, pero no lo encontrarás, porque realmente no lo estás buscando. No quieres saberlo, quieres ser engañado. Pero todavía no aplaudirás, porque hacer que algo desaparezca no es suficiente, tienes que traerlo de vuelta. Es por eso que cada truco de magia tiene un tercer acto, la parte más difícil, la parte que llamamos El Prestigio.”

Esta explicación de la estructura de todos los trucos de magia, sirve además para definir las inquietudes de Nolan a lo largo de toda su filmografía. Para Nolan, sus películas forman estructuras narrativas complejas que forman un puzzle cuyo impactante climax final añade la última pieza que hace que todo tenga sentido, adquiriendo los espectadores un conocimiento sobre los personajes o la historia que hasta ese momento había estado oculto.

La novela de Christopher Priest “The Prestige”, publicada en 1995 y galardonada con numerosos premios, se adapta como anillo al dedo a la sensibilidad de Nolan. Priest construye esta historia de obsesión y venganza utilizando los diarios cruzados de Angier (Jackman) y Border (Bale) como hilo conductor de la novela, mostrando los puntos de vista de cada uno.

Esta inusual estructura narrativa de la novela permitió a Nolan crear una película compleja planteada a modo de flashbacks que van dando la información sobre el enfrentamiento entre Angier y Border. Un ejemplo de la compleja narración de El Truco Final es que veremos como Border lee en el presente el diario de Angier que nos cuenta lo sucedido en el pasado, y en el cual él a su vez lee el diario que de Border, que añade su punto de vista a la historia. Y en ambos casos, nada garantiza que lo escrito en ambos diarios sea cierto, al estar planteados desde sus propias subjetividades, no siendo en ningún caso unos narradores “imparciales”.

Tener a actores fuera de serie como Jackman, Bale, Caine o Johansson asegura unas perfectas interpretaciones llenas de carisma que elevan el nivel de la película. Sin embargo, fruto de la frialdad de la narrativa de Nolan, centrado más en la complejidad del puzzle que en la emoción de sus personajes, encuentro tanto a Jackman como a Bale quizá demasiado fríos. Y no creo que sea debido a sus interpretaciones, sino a lo que Nolan les pidió que pusieran delante de las cámaras.

Esto es, en todo caso, un pequeñísimo pero en una película brillantemente planteada y ejecutada, que se convierte en una obra de visionado obligado. Dado que tendremos que esperar hasta el 31 de Julio para que TENET llegue a las carteleras, creo que merece la pena recuperar El Truco Final, sobre todo teniendo en cuenta que está disponible en Netflix.

Comparto el trailer de la película:

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