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Crítica de Dopesick: Historia de una adicción (Disney+)

Con bastante retraso comento mis impresiones de Dopesick: Historia de una adicción, maravillosa serie denuncia sobre uno de los grandes problemas de la sociedad americana, el exceso en el consumo de medicamentos.

PUNTUACIÓN: 8/10

8 episodios. Miniserie que transporta a los espectadores al epicentro de la lucha contra la adicción a los opioides que se libra en Estados Unidos, desde la sala de juntas de Purdue Pharma a una castigada comunidad minera de Virginia, pasando por los despachos de la DEA.

Dopesick es una miniserie creada por Danny Strong que ha sido estrenada en España por Disney+. La serie está basada en el libro Dopesick: Dealers, Doctors and the Drug Company that Addicted America de Beth Macy, escribiendo Strong el guión junto a Benjamin Rubin.

Daniel William Strong (1974) es un actor, escritor, director y productor de cine y televisión estadounidense. Como actor, Strong es conocido por sus papeles en Buffy the Vampire Slayer y Gilmore Girls. También escribió los guiones de Recount, la adaptación de HBO Game Change, The Butler de Lee Daniels y el final de dos partes de la trilogía cinematográfica de Los juegos del hambre, Sinsajo – Parte 1 y Sinsajo – Parte 2. Strong ha ganado dos premios Emmy, dos premios Writers Guild of America, un premio Producers Guild of America y un premio NAACP Image.

Dopesick cuenta con ocho episodios de una hora de duración, que han sido dirigida por Michael Cuesta, Barry Levinson, Patricia Riggen y Danny Strong, con dos episodios cada uno. La serie cuenta con fotografía de Checco Varese y música de Lorne Balfe.

El reparto de Dopesick me parece una pasada, empezando por el gran reclamo de Michael Keaton como el Dr. Samuel Finnix, Rosario Dawson como la agente del FBI Bridget Meyer, Peter Sarsgaard, Michael Stuhlbarg, Will Poulter, John Hoogenakker y Kaitlyn Dever.

Dopesick me ha parecido una gran serie que denuncia una terrible historia real que no conocía, cómo una empresa farmacéutica lanzó un opiáceo contra el dolor tremendamente adictico como si no lo fuera, falsificando con la ayuda de las personas que supuestamente tenían que controlarles el etiquetado con el objetivo de ganar más dinero al poder venderlo masivamente, engañando sistemáticamente a los médicos que tenían que prescribirlo y provocando una de las crisis más graves de drogadicción en los Estados Unidos.

El acierto para que la denuncia realmente tenga fuerza es que la historia aparte de estar contada de forma super didáctica y sencilla de entender, es que además se plantea desde los personajes, de forma que ves el primera persona el sufrimiento que este medicamente causó en gente inocente. Además, las investigaciones de los fiscales y de la agente del FBI interpretada por Rosario Dawson nos muestra la peor cara del capitalismo salvaje, aquel que hará cualquier cosa por conseguir un beneficio, aún a sabiendas que sus acciones iban a causar mucho dolor. En todo caso, me llamó la atención como la serie sugiere los delitos, pero en ningún caso los muestra o dice que se cometieron, cosa que entiendo es para evitar un pleito de la familia propietaria de la empresa. Pero que a pesar de no mostrarse quedan implícitamente muy claros.

Cuando ves series denuncia como esta la verdad es que uno se alegra de vivir en España, porque es acojonante el estado de la sanidad en los Estados Unidos y de la FDA (Food & Drugs Administration), conunos recursos mínimos y unos funcionarios que en lugar de velar por la salud pública están pensando en hacer no hacer enemigos entre los empresarios de cara a un futuro fichaje por parte de estas empresas. La sensación que si no pasan más cosas es por pura casualidad y no por el trabajo de los funcionarios fue una sensación que me rondó varias veces a lo largo del visionado de la serie, al igual que el convencimiento que a lo major si han pasado pero no nos hemos enterado y han pasado por debajo del radar.

El reparto me parece que están todos muy bien y transmiten la humanidad necesaria a cada uno de los dramas individuales causados por este medicamento, además de la impotencia de los fiscales que siendo honestos notan que son motas de polvo luchando contra un sistema corrupto que no les va a permitir ganar. También la duración de 8 episodios creo que es muy correcta y consiguió mantenerme interesado sin llegar a aburrir en ningún momento. Plantear el guión como una historia no cronológica sino hacer que la serie vaya dando salto adelante y atrás en el tiempo creo que es otro de los grandes aciertos, que enfatizan momentos como cuando los ejecutivos dicen que el medicamento no produce adicción para ver a continuación las colas de enfermos adictos delante de las farmacias que se convirtieron en habituales apenas un par de años después del lanzamiento del medicamento.

No se me ocurre nada menos bueno que decir de esta serie, creo que acierta en prácticamente todo lo que plantean. Lo único es reconocer que por la temática es una serie que tienes que ver con el estado mental adecuado, dado que igual con la que está cayendo con el COVID ver esta historia no es la idea más optimista que se nos puede ocurrir. Dicho esto, si realmente te gusta el cine denuncia de los años 70, esta es una serie perfecta que te encantará.

Comparto el trailer de la serie:

Dopesick me ha parecido una gran serie de las que deben ser vistas por todo el mundo, que hacen que me alegre de vivir en España.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Reacher temporada 1 (Prime Video)

Tras su paso por los cines gracias a Tom Cruise, Jack Reacher, el personaje creado por el escritor Lee Child consigue nueva vida gracias a la serie de televisión que acaba de estrenar Prime video, con una primera temporada que adapta la primera novela del personaje.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Cuando lo arrestan por un asesinato que no cometió, el oficial retirado de la policía militar Jack Reacher se ve envuelto en una conspiración letal de policías corruptos, empresarios turbios y políticos intrigantes. Solo con su ingenio, debe descubrir qué está sucediendo en Margrave, Georgia. La primera temporada de «Reacher» se basa en la exitosa novela «Zona peligrosa» de Lee Child.

Lee Child (Inglaterra, 1954), es un escritor británico de thrillers. El protagonista de sus novelas es Jack Reacher, un exoficial de la policía militar norteamericana que, después de dejar el ejército, decide comenzar una vida de vagabundo a lo largo de Estados Unidos. Child publicó su primera novela “Zona peligrosa” en 1997 y desde entonces ha publicado todos los años una nueva novela del personaje.

La nueva etapa televisiva de Jack Reacher producida por Amazon Studios, Paramount Television y Skydance Television ha sido creada por Nick Santora, escritor y productor nacido en Queens, Nueva York en 1970. Ganó el Mejor Guión en el Festival Internacional de Cine Independiente de la Ciudad de Nueva York. También ha escrito y/o producido Los Soprano, The Guardian, Law & Order, Prison Break, Lie to Me, y Scorpion.

Esta primera temporada adapta la primera novela del personaje “zona peligrosa”, con una duración de 8 episodios de 50-60 minutos cada uno. La serie cuenta con música de Tony Morales y fotografía de Ronald Plante. Scott Sullivan , Cait Duffy. Aadrita Mukerji y el propio Nick Santora escriben los guiones de estos 8 episodios, que han sido dirigidos por 8 directores diferentes.

Alan Ritchson es el gran protagonista de la serie al interpretar a Jack Reacher, un excomandante condecorado de la policía militar del ejército de EE. UU. Que es un armario de puro músculo que impone respeto con sólo mirarte. Malcolm Goodwin interpreta a Oscar Finlay, capitán y detective jefe del Departamento de Policía de Margrave, Willa Fitzgerald a Roscoe Conklin, oficial de policía que también ayudará a Reacher en su investigación. Además, tenemos a Bruce McGill como Grover Teale, el corrupto alcalde de Margrave, y a Chris Webster como KJ, el hijo mimado de Kliner, al rico empresario que controla la ciudad.

Reacher no busca romper ningún hito televisivo, sólo ofrecer un más que buen entretenimiento que tiene claro el tipo de historia que es y los medios a su disposición para contarla con éxito. No hay duda que el argumento de un misterioso bienhechor que llega a un pueblo acosado por problemas no es nada original y lo hemos visto hasta la saciedad. De hecho, desde Kung-fu, El fugitivo o incluso El Equipo A, esta narración de “el caso / el pueblo de la semana” ha sido de lo más típico en la televisión de los 70, 80 y 90. Sin embargo, dentro que esto es cierto, Reacher no necesita ser original mientras lo que cuente lo cuente bien.

Cuando se estrenaron las películas de Jack Reacher de Tom Cruise (La primera super buena, la segunda no tanto), Lee Child estaba contento de ver a su personaje tomar vida, pero ya entonces comentaba que dentro de estar contento por el carisma que Cruise daba al personaje, además de la difusión mediática al ser una gran estrella, pero reconocía que físicamente el actor de 1,60m2 se quedaba muy lejos de la idea que tenía del personaje. Este aspecto es el primero que han remediado en la serie, al contratar a un armario de 1,90 m2 de puro músculo. Alan Ritchson es un gran acierto para la serie, empezando porque físicamente impone y te crees la sensación de amenaza que transmite. Pero además, Ritchson no es sólo un armario, su interpretación añade matices interesantes que consiguen que empaticemos con este asocial militar con una mente analítica perfecta para su trabajo de investigación que no busca hacer amigos ni siente que pertenezca a ningún sitio, motivos que le hacen querer ir de aquí para allá por los Estados Unidos deshaciendo entuertos.

La historia va mucho más allá del clásico “terrateniente malo”, y encontramos un caso que es personal para Reacher cuya investigación es compleja y con múltiples derivadas que justifican la duración de 8 episodios. Además, las escenas de acción están muy bien rodadas, algo imprescindible para que una serie de acción de estas características pueda funcionar, con un climax final que está a la altura de la tensión que la historia ha ido construyendo desde el principio.

Como digo, sin inventar ninguna rueda, creo que Reacher es una serie super entretenida más que digna que conecta con un tipo de historias que me interesan ver. Diría que todo en la serie es televisivo, aunque en este caso creo que su falta de pretensiones aparte de entretener es un elemento a favor, no en contra. De hecho, tras años desde el final de Banshee, por ejemplo, ojalá esta serie sea un éxito y Reacher tenga continuación. Dentro de su simplicidad, todo lo que han planteado lo han hecho bien, a mi me han ganado.

Comparto el trailer de la serie:

Reacher da justo lo que esperar de ella. Para mi en este caso esto es algo bueno, ojalá más series de este tipo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de El Libro de Boba Fett episodio 7 (Disney+)

Ya tenemos el final de El Libro de Boba Fett con un séptimo episodio dirigido de nuevo por Robert Rodríguez y con guión de Jon Favreau. Un buen final con muchas cosas buenas pero también con una ejecución cuestionable en algunos momentos.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

RESEÑA CON SPOILERS

Episodio 7. En el nombre del honor.

Boba Fett y Fennec Shand se enfrentan a un conflicto cada vez mayor.

Este séptimo episodio tiene una duración de una hora (55 sin los títulos de crédito), siendo de largo el capítulo más largo de toda la serie. Robert Rodríguez dirige su tercer episodio en la serie tras el primero y el criticadísimo tercer episodio, con Jon Favreau en el guión.

A Temuera Morrison (Boba Fett), Ming-Na Wen (Fennec Shand) y Pedro Pascal (Din Djarin, The Mandalorian) se les unen todos los personajes de Tattoine que hemos conocido hasta la fecha, Matt Berry (8D8, el droide torturador al servicio de Fett), David Pasquesi (el mayordomo twi’lek de Mok Shaiz, alcalde de Mos Espa), Carey Jones como el wookie cazarrecompensas Krrsantan, Sophie Thatcher (Drash, la líder de un grupo de cyborgs que se ponen del lado de Boba Fett), Jordan Bolger (Skad, miembro de grupo de cyborgs liderado por Drash), Ami Sedaris (Peli Motto, la mecánica que construye la nave de Mando) y Corey Burtor como el hiper molón y peligroso Cad Bane.

Empezando por los elementos positivos, en mi reseña del histórico episodio seis ya comentaba que estaba seguro que Favreau y Rodríguez iban a conseguir dejarnos en lo más alto, aunque quedaba implícito que era imposible poder superar los momentazos vividos en ese momento. Y lo cierto es que este séptimo episodio tiene un montón de momentazos increíbles con Boba Fett en el centro de atención que ahora sí muestran porqué la serie le tiene a él de protagonista.

El momento Butch Cassidy y The Sundance Kid con Boba y Mando luchando ellos dos contra todas las fuerzas del Sindicato Pike está super bien, al igual que el esperado duelo de Boba contra Cad Bane, que nos ofrece otra escena que quedará para el recuerdo. Pero incluso mejor que estas escenas es ver a Boba montando el Rancor contra los robots asesinos, un sueño hecho realidad. Esperábamos que Boba Fett brillara, y por fin lo consigue en este último episodio.

Otro elemento muy chulo es que Favreau sigue sin guardarse nada para más adelante y va a tope en el cierre de la historia en Tattoine. Si la semana pasada tenía duda si la trama de Grogu iba a resolverse en esta serie o la iban a dejarla para la temporada 3 de The Mandalorian, Favreau no sólo responde a la pregunta de si Grogu se queda con Luke o vuelve con Mando, sino que guarda a Grogu varios de los mejores momentos del episodio. También Mando tiene un par de momentazos que están super bien. Y la reunión de Mando y Grogu o el epílogo trasmiten más emoción que todo lo que vimos de Boba y Fennec juntos, lo cual, aunque entraré luego, no es bueno desde el punto de vista del protagonista. Además, frente a la gente que NO le gusta que Luke deje marchar a Grogu y no le entrene, creo que Grogu es demasiado buen personaje como para dejarle marchar, además que de esta manera Lucasfilm tiene completa libertad en caso que quisiera desarrollar una serie de la Academia Jedi con total libertad.

Se ha hablado mucho del elemento «cutre» de Robert Rodríguez, por esto creo que es justo reconocer que el combate del rancor contra los robots o el homenaje a King Kong me parecen momentos super chulos que están perfectamente contados, al igual que cuando Grogu duerme al rancor. Aunque hay elementos menos buenos sobre los que ahora entraré en detalle, realmente prefiero quedarme con los elementos chulos del episodio y en general de la serie, que para mi son muchos. En mi caso, cuando piense en El Libro de Boba Fett será siempre desde una perspectiva de vaso medio lleno, y estoy seguro que volveré a ver la serie en el futuro, aún reconociendo los elementos menos buenos.

Y es que si una evidencia ha quedado clara ahora que tenemos completa la serie es la falta de carisma de Temuera Morrison y Ming-Na Wen, y su imposibilidad de aguantar ellos solos una serie completa de Star Wars. Y mira que Favreau y Rodríguez le guardan a Boba los mejores momentos del episodio, pero a Boba le falta el carisma que si tiene Din Djarin, y eso es algo que se nota en todo momento. Y lo digo triste, no es algo de lo que me alegre.

En la serie hemos aprendido que tras casi morir en la Fosa de Sarlacc, Boba decide no volver a tener a jefes asquerosos que no se preocupan por su vida. Aprende lo bonito que es tener una tribu que cuida de ti, aunque sea una vida dura, con los Tusken. Y tras perderles y recuperar su armadura, vuelve a Tattoine para controlar el crimen del planeta, buscando ser respetado, no temido, entiendo que en un intento que pagar la culpa que siente por no haber podido salvar a los Tusken. Esta evolución se entiende a lo largo de la serie a pesar de la falta de emoción que tiene todo al no saber Temuera Morrison transmitirla.

Y aunque en lo relativo a la acción Boba tiene momentos para su lucimiento, argumental y emocionalmente la serie tiene un gran problema en este episodio, provocado por la obligación actual de que todos los personajes secundarios tengan su momento de gloria. Y es que tras conocer Boba que fueron los Pikes los que mataron a su familia Tusken, la escena en la que Fennec mata al jefe del sindicato (y a todos los gangsters locales) queda completamente vacía ya que ¡era Boba quien tenía que haberse enfrentado a él para conseguir su venganza! Aparte de ser una escena muy loca, porque ¿cómo ha entrado Fennec en la habitación?, que sea ella quien les mate roba la posibilidad de que Boba quede en paz con su pasado, de forma que en mi opinión esto sea un error que provoca que esta parte de la serie no encuentre un final satisfactorio.

Ya en episodios anteriores comenté el que para mi era el principal problema de la serie además de la falta de carisma de Boba y Fennec, y era que no me acababa de creer que Boba, Fennec y dos guardias gamorreanos pudieran hacerse con el control de todo el mundo criminal de Tattoine. No, con los chavales Cyborgs o el wookie tampoco me lo creo. Esto, que es una responsabilidad 100% de Jon Favreau, era el elefante en la cacharrería que hacía que mi suspensión de credulidad saltara por los aires en varios momentos, y en el climax de la serie el problema se vuelve más evidente que nunca.

A pesar que el momento traición con los pikes y sus aliados atacando simultáneamente mola, un momento que recuerda obviamente a El Padrino, todos los enfrentamientos en los que hay humanos que hay ha continuación están cutremente resueltos y quedan televisivos en el mal sentido, porque ¡son siempre cuatro gatos! ¿Cómo te vas a creer que este grupo pueda derrotar a nadie? Incluso el esperado momento «llegada del 7º de Caballería al rescate» queda cutre porque la guarnición que llega de Free Town son ¡10 agricultores con pistolas!

No tengo claro lo que voy a decir, pero da la sensación que Robert Rodríguez vendió a Lucasfilm que él podía rodar los episodios en muy poco tiempo ahorrándoles mucho dinero, consiguiendo además que las escenas de acción quedaran bien. Entiendo que la primera parte sí lo ha conseguido, pero no la segunda. Y no soy un hater de Rodríguez que opine que «es un cutre que no sabe rodar acción» como parece ser la norma últimamente. Con gran presupuesto Rodríguez rodó unas excelentes escenas de acción en Alita: Angel de Combate, pero con un presupuesto ridículo hizo El Mariachi o Desperado, que siguen siendo super visibles hoy en día. Sin embargo, sí es cierto que desde que fundó su estudio en Austin Texas, muchas de sus películas para niños parecen trasmitir que daba por bueno escenas no demasiado acertadas visualmente.

En la narrativa de acción hay una parte de creerte lo que te muestran o no hacerlo y que la suspensión de credulidad salte por los aires. Por ejemplo a pesar de haber construido un sets con 4 calles de Mos Espa sobre las que los personajes van dando vueltas una y otra vez, durante el episodio te crees que están escapando por una ciudad de gran tamaño. También la llegada de los robots-tanque gigantes con escudos son escenas que funcionan super bien. Sin embargo es imposible creerse nada de la huida de los humanos, ni el segundo tiroteo usando el muro de una casa como barricada. Esas escenas no funcionan nada bien, sobre todo la segunda con unos robots tanque que deberían destruir el muro de un sólo disparo y cuya potencia de tiro es irrisoria.

El hecho que las fuerzas de Boba Fett sean 4 gatos provoca elementos ridículos como que Krrsantan sea herido repetidamente y no muera, pasando de tener que ser ayudado para andar en una escena a disparar y luchar por su cuenta en la siguiente, porque a alguien tienen que dar los Pikes para las escenas tengan cierta tensión. Pero también tuve la sensación en varios momentos que Lucasfilm sólo ha fabricado 10-12 trajes / prótesis de los Pikes y estamos viendo todo el rato a los mismos 10 figurantes muriendo una y otra vez durante el episodio. En este episodio se ha visto algo que jamás sentimos en The Mandalorian, un elemento cutre televisivo provocado por la falta de un presupuesto adecuado para rodar el episodio con la escala que requería la historia. Lo cual es un enorme problema, en mi opinión.

En todo caso, incluso con este elemento cutre revoloteando en la mayoría de escenas, hay tantos momentazos estupendos como el duelo con Cad Bane, todo lo que tiene que ver con Grogu, Mando y el Rancor, que no puedo más que darme por satisfecho globalmente.

El Libro de Boba Fett no ha sido ni mucho menos perfecto, pero nos ha dado un entretenimiento 100% Star Wars que ha conseguido alegrarme el corazón en muchos momentos, lo cual es mucho más de lo que consiguieron los decepcionantes Episodios VII, VIII y IX de Star Wars. Aunque voy a verla, no tengo nada de hype por ver la serie de Obi Wan Kenobi que se estrena el próximo 24 de mayo (tampoco es que flipe con los Episodios I, II y III), pero si se me han quedado unas ganas locas de ver la tercera temporada de The Mandalorian y la serie de Ahsoka Tano. Gracias a Jon Favreau y Dave Filloni, Star Wars está más viva que nunca.

¡Ah! ¡Y Cobb Vanth está vivo! Menos mal que se ha confirmado, también en este aspecto podemos respirar tranquilos, hubiera sido una pena que hubiera muerto.

Comparto el teaser trailer del episodio:

Pensando en El Libro de Boba Fett prefiero quedarme con el vaso medio lleno y destacar las cosas buenas que son muchas por delante de los elementos cuestionables que también existen.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de El Libro de Boba Fett episodio 6 (Disney+)

Jon Favreau y Dave Filloni nos están haciendo vivir la magia de Star Wars que los fans soñamos durante años con disfrutar. ¡Menuda bendita locura ha sido este sexto episodio de El Libro de Boba Fett! Ha sido tan grande que es imposible analizar el episodio sin entrar en SPOILERS.

PUNTUACIÓN: 9/10

SPOILERS A CONTINUACIÓN

Episodio 6: Del desierto llega un extraño.

Se exploran algunos misterios y Boba Fett descubre nueva información.

Dave Filloni dirige este sexto capítulo y también colabora con Jon Favreau para escribir el guión de un episodio brillante en la forma en que conecta lore de Star Wars de todas las épocas. Al igual que pasó la semana pasada, y en contraste con los 4 primeros episodios de Boba Fett, es alucinante la cantidad de cosas que pasan y el montón de personajes que hacen su aparición en los apenas 42 minutos del episodio (47 contando los títulos de crédito).

Cob Vanth. Mando. R2D2. LUKE SKYWALKER. Grogu. Ahsoka Tano. Cad Bane.

¡VIRGEN SANTÍSIMA!!! ¡Es que van a tope y no se guardan nunca nada!

Cada vez parece más claro que Favreau y Filloni nos han engañado desde el principio y este El Libro de Boba Fett realmente se trataba de un The Mandalorian 2.5 encubierto y nunca estuvo en sus planes hacer una historia autónoma del Universo Star Wars con el que conecta, y yo no puedo estar más contento por ello. El planteamiento de «marvelizar» el universo de Star Wars reforzando la interconectividad de todos los personajes de épocas y formatos diferentes no puede ser más sorprendente y emocionante. De hecho, si antes del estreno de Boba Fett había fans entre los que me encuentro que dentro que nos alegrábamos de poder ver una serie de Boba Fett considerábamos que estar 2 años sin disfrutar de las aventuras de Din Djarin era demasido tiempo, no cabe duda que ¡Jon Favreau pensaba exactamente lo mismo! Porque en cine es un plazo normal entre películas, pero en televisión dos años son una barbaridad. Tiene todo el sentido del mundo que Favreau y Filloni optaran por NO dejar el arco de Mando para Mandalorian T3 sino que no se hayan guardado nada y lo hayan añadido ahora en la serie de Boba Fett.

Este sexto episodio incluye algunos de los mejores momentos de Star Wars de toda la saga, empezando por todo el entrenamiento de Luke a Grogu, un sueño hecho realidad. Ya lo pensé en su momento tras ver The Mandalorian, pero lo cierto es que Favreau y Filloni están dejando en un malísimo lugar a la terrible última trilogía cinematográfica. Pero si el Episodio IX acabó con mi ilusión por Star Wars, The Mandalorian volvió a prender una llama en mi interior que no pensé que pudiera brillar de nuevo, que este Libro de Boba Fett está asentando.

Sin embargo, también confirma algo que ya comentaba al final del cuarto episodio y sobre todo la semana pasada, y es que a pesar de los intentos de humanizar a Boba Fett y convertirle en un personaje tridimensional que fuera mucho más que una armadura molona, cosa que por otro lado consiguen, queda claro que el protagonista de la serie hasta el cuarto episodio se queda muy corto en lo referido a carisma y en capacidad de aguantar por si sólo una serie, cosa que sí consiguió Din Djarin. A todo esto, entrando en territorio de suposiciones, diría que es imposible que la guerra contra el Sindicato Pike pueda resolverse en el último episodio de la semana que viene, aunque quizá si consigan resolver la lucha por el control de Tatooine, de forma que nos van a dejar con un final abierto con la guerra por el control del elemento criminal de la galaxia para The Mandalorian temporada 3, prevista para navidades de este mismo año.

Ver de nuevo a Luke Skywalker y alucinar con la perfección de los planos me ha volado la cabeza, porque apenas ha pasado un año desde el final de The Mandalorian y el salto tecnológico es acojonante. Los planos de Luke ahora sí son perfectos, e incluso sabiendo el truco no consigo notarlo y me sentí como si estuviéramos de nuevo en 1983 tras acabar de ver El Retorno del Jedi por primera vez, con un Mark Hamill que en ese momento tenía 32 años. Las posibilidades que abre la tecnología puede cambiar el negocio del entretenimiento, y veo cada vez más claro que Lucasfilm va a seguir explotando el mundo de Star Wars de este momento temporal post-Retorno del Jedi mientras deja aparcada en un cajón la fallida tercera trilogía ambientada veintitantos años después, porque es aquí y ahora donde está la esencia de Star Wars que los fans llevábamos demandando porque es la parte realmente potente donde se concentran los mejores personajes, cosa que Favreau y Filloni (y Lucasfilm) saben.

Pero no es sólo tecnología fría o fan-service vacío (sigo sin verle la connotación negativa que se le da al término). La historia aporta una emoción a todos los personajes que me vuela la cabeza, conectándola además con todo el lore de Star Wars de la República, la trilogía original, las series de animación como The Clone Wars, Star Wars Rebels o The Bad Batch y el universo ampliado por The Mandalorian. Favreau y Filloni son unos maestros a la hora de crear historias que se sienten Star Wars de principio a fin, con los personajes en el centro de atención.

Buen momento para quitarse el sombrero y hacerle un monumento a Pedro Pascal y su minimalista interpretación de Mando, que consigue transmitir toda la emoción ante el dilema que siente en relación a su «hijo» Grogu sin que se le vea nunca la cara. Sus matices y comunicación no verbal en este episodio están a años luz a cualquier cosa que nos han mostrado hasta la fecha Temuera Morrison o Ming-Na Wen, los protagonistas absolutos hasta el episodio 4, destacando la enorme diferencia actoral existente entre Pascal y el resto. Rosario Dawson como Ahsoka Tano resultó super inesperada en el episodio y comparte unos momentazos con Mando primero y con Luke después que son magia pura. Y, de nuevo, es que todo el episodio es emoción.

Y qué decir de Timothy Olyphant como Cobb Vanth, su parte en el episodio tiene un feel al western más puro que me parece brillante, con un potentísimo duelo contra Cad Bane (Corey Burton), el cazarrecompensas duroniano que tuvo una gran importancia en The Clone War y que más recientemente salió en The Bad Batch, que ha supuesto la guinda a un pastel casi perfecto. A todo esto, incluso sin haber visto las series de animación, la presentación que hace Filloni de Bane es un prodigio de narrativa y deja claro que es un enemigo peligroso y que un Sheriff curtido como Vanth es normal que esté preocupado por su llegada. No hace falta conocer todo el lore para saber que la amenaza es muy real.

Como digo, todo en este episodio es increíble hasta que recuerdo que la serie se llama «El Libro de Boba Fett» y por segundo episodio consecutivo Fett tiene una importancia mínima y nunca le echamos de menos. Queda claro que la serie ha contado con dos narrativas diferentes que han estado separadas a hachazos una respecto la otra. Temuera Morrison ha hecho lo que ha podido como Boba Fett, aunque cada vez queda más claro que preferimos a Mando y el lore de personajes que vienen con él. Dicho esto, como Favreau es un gran narrador que sabe qué necesita la historia en cada momento, sigo confiando que nos va a dar en el último episodio los momentazos de puto amo que llevamos esperando ver de Boba desde que comenzó la serie y que aún no tuvimos. ¿Fett contra Cad Bane? ¿Donde hay que firmar? ¡Lo quiero ya!

No quiero terminar sin quitarme el sombrero también ante Dave Filloni, aparte de por su conocimiento enciclopédico del lore de Star Wars, porque se sale en este episodio como director, creando imágenes bellísimas y momentos super potentes de tensión y emoción. Si en la temporada 2 de Mandalorian se inspiró en Kurosawa y el cine japonés para el episodio de Ahsoka, todo lo relacionado con Cob Vanth es puro western y me encanta. A todo esto, confío que Vanth no esté muerto y haya sobrevivido al disparo.

No acabo de creerme que quede apenas un episodio para conocer el final de este Libro de Boba Fett. Y no tengo duda que Favreau junto a Robert Rodriguez pueden conseguir que el final nos deje en lo más alto.

Comparto el teaser trailer del episodio:

El Libro del Mandalor…., perdón, de Boba Fett no deja de crecer y de ir a más. Qué ganas que se haga la semana que viene para conocer el final de la historia.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Cortar por la línea de puntos (Netflix)

La enorme variedad de Netflix a menudo nos regala sorpresas como Cortar por la línea de puntos, serie de animación italiana creada por el autor del comic original Zerocalcare que mezcla con habilidad la comedia y el drama.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un dibujante de Roma con un armadillo por subconsciente, reflexiona sobre su trayectoria vital y un posible amor mientras viaja con un par de amigos.

Zerocalcare es el nombre artístico de Michele Rech (Cortona, 1983) un historietista italiano conectado con la escena hardcore punk italiana. En noviembre de 2011 puso en marcha un blog de historietas, zerocalcare.it, en el cual publicaría relatos breves con un trasfondo autobiográfico.​ A finales de 2019, las ventas de los libros en los que recopilaba las diferentes tiras cómicas e historias habían alcanzado unas ventas de un millón de ejemplares.

En 2020, Zerocalcare tuvo una gran visibilidad en Italia gracias a los cortos animados Rebibbia Quarantine emitidos en LA7 en el programa Propaganda Live durante el confinamiento debido a la pandemia de COVID-19 en Italia. A finales de 2020 anunció que había firmado con Netflix la realización de esta serie.

Cortar por la línea de puntos es una serie de seis episodios de entre 16 y 22 minutos de duración. Zerocalcare transmite muy bien las ansiedades de la juventud con un punto de vista pesimista de la vida, algo que conecta con muchas de las inquietudes sociales que surgieron a partir de la crisis financiera de 2008. Dentro de que el protagonista no es un dechado de virtudes, más bien al contrario ejemplifica muchos de los problemas de la generación ni-ni, Zerocalcare sabe combinar elementos humorísticos, ejemplificados por el armadillo que simboliza su consciencia, con otros dramáticos. Esto consigue que la historia no sea un pozo negro sin salida y facilita que el visionado funcione, en parte ayudado también por la corta duración de los episodios, que resalta el origen de las historias como tiras cómicas de corta duración.

Siendo muy diferente en todo, la serie me transmitía un cierto feeling a Trainspotting en lo relativo a un protagonista sin objetivos, aunque despojado de todos los elementos sexuales o relacionados con drogas polémicos al tratarse de una serie con calificación +12 dentro de Netflix, haciendo que esta serie pueda ser considerada bastante mainstream para todos los públicos. No he leído los comics originales, así que no se si eran igual o se ha suavizado algún elemento polémico, pero está claro que el target de la serie es más bien amplio, lo cual no me parece mal en absoluto.

Aparte de diferentes anécdotas de la vida del protagonista, hay durante la serie un argumento recurrente de un viaje que el protagonista tiene que hacer con sus amigos a un lugar indeterminado por motivos que no conocemos. Cuando descubrimos la razón del viaje, la serie adquiere unos tintes dramáticos y una profundidad que no tenía hasta ese momento, haciendo que una serie que me estaba gustando pero sin más, termine de la mejor manera posible.

Muchas veces me quejo del «montonerismo» de muchas de las propuestas de Netflix, pero sin duda hay que agradecer al canal de streaming que nos ofrezca contenidos variados como este Cortar por la línea de puntos, que no hubieramos visto de no ser por ellos. Cuanta más variedad haya a nuestra disposición, ganamos todos, así que hoy no puedo más que dar gracias a Netflix por apostar por series de animación como ésta.

Comparto el trailer de esta serie:

Me ha gustado Cortar por la línea de puntos, un tipo de animación para adultos que me hizo pensar sobre la vida y la forma como nos relacionamos en el mundo real con la gente a nuestro alrededor.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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