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Crítica de Sin novedad en el frente de Edward Berger (Netflix)

Termino mi repaso a las películas nominadas a Mejor Película en los Oscars 2023 con Sin novedad en el frente, la película alemana dirigida por Edward Berger que muestra una nueva versión de la novela de Erich Maria Remarque, y que está disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

Relato de las terribles experiencias y la angustia de un joven soldado alemán en el frente occidental durante la Primera Guerra Mundial.

Edward Berger (nacido en 1970 en Wolfsburgo) es un guionista y director de cine alemán con una carrera de más de 20 años principalmente en televisión. Berger dirige la primera adaptación cinematográfica en idioma alemán del libro homónimo de Erich Maria Remarque de 1929, que había contado con otras adaptaciones cinematográficas previas.

A partir de un guion del propio Berger con Ian Stokell y Lesley Paterson, la película de 147 minutos de duración cuenta con fotografía de James Friend, montaje de Sven Budelmann y música de Volker Bertelmann.

La película ha recibido 9 nominaciones: Mejor película, Mejor película internacional, Mejor guion adaptado (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell), Mejor fotografía (James Friend), Mejor banda sonora (Volker Bertelmann), Mejor diseño de producción (Christian M. Goldbeck, Ernestine Hipper), Mejor maquillaje y peluquera (Heike Merker, Linda Eisenhamerova), Mejor sonido (Viktor Prasil, Frank Kruse, Markus Stemler, Lars Ginzel, Stefan Korte) y Mejores efectos visuales (Frank Petzold, Viktor Muller, Markus Frank, Kamil Jaffar).

La película está protagonizada por Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven que se alista voluntario para servir a su patria en la Gran Guerra y que servirá de punto de vista de la película. Albrecht Schuch como Stanislaus «Kat» Katczinsky, Moritz Klaus como Frantz Müller, Aaron Hilmer como Albert Kropp, Edin Hasanovic como Tjaden Stackfleet y el siempre estupendo Daniel Brühl como Matthias Erzberger completarían el reparto.

Tengo que reconocer que vi la película en octubre cuando Netflix la estrenó, pero por unas cosas o por otras no me animé a escribir la reseña correspondiente, al haber siempre otra cosa que parecía tener prioridad. De hecho, el propio estreno en streaming sería la única queja que se me ocurre de esta película, dado que estamos ante una puesta en escena y una historia que sin duda hubiera merecido verse en pantalla grande. Es posible que el propio estreno en Netflix de alguna manera sirviera para desmerecerla, tan cansados como estamos (estoy) por la avalancha de contenidos mediocres, de forma que cuando se estrena uno bueno parece que lo colocamos en el mismo saco.

Entrando a valorar la película en si, la verdad es que el mensaje antibelicista está super bien conseguido, consiguiendo que la clave de «la guerra es una mierda» queda grabada en el ADN del espectador. Aunque toda la película me ha gustado mucho, podría decirse que su brillante media hora inicial presenta quizá los momentos más potentes y simbólicos. El primer combate y como las ropa sucia y ensangrentada de los soldados muertos es limpiada y arreglada para ser entregada a una nueva generación que va engañada al frente pensando que se dirigen a una guerra heroica, me parece sencillamente brillante. También resulta terrible es comprobar como los poderosos se llenan la boca hablando de «HONOR» cómodamente en sus despachos mientras mandan a la muerte a centenares de soldados por nada. Otro momento de la película que me encogió el corazón.

Aparte del mensaje antibelicista en el que jóvenes inocentes se pegan un terrible golpe de realidad en las trincheras, la película consigue equilibrar bastante bien el drama tremendo de la guerra con los momentos de descanso y hermanamiento entre soldados, ofreciendo destellos de paz entre tanta muerte. Aquí se aplica el clásico «lucho por el hermano que combate a mi lado» que tantas veces hemos visto en la última generación de películas bélicas americanas. Las casi dos horas y media de película están muy equilibradas y la verdad es que no se me hizo larga en ningún momento.

Sin novedad en el frente tiene unos valores de producción que no tienen nada que envidiar a otros blockbusters bélicos recientes americanos/británicos. El diseño de producción es sencillamente perfecto, trasladándonos totalmente a 1918. La fotografía y el montaje me parecen brillantes, metiéndonos en el mundo gris de las trincheras donde cualquier momento puede ser el último. Y además destacaría el sonido de la película, con una sensación brutal de estar en medio del combate. En este sentido, la música de Volker Bertelmann también me parece una pasada, sobre todo con unas notas ¡PUM PUM!! repetidas durante toda la película que añade una tensión y una sensación de peligro creciente alucinante.

Para estar ante una película alemana llena de actores para mi desconocidos excepto Daniel Brühl, la verdad es que todos lo hacen genial. En especial el protagonista Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven cuyos pasos seguiremos en esta contienda, y que muestra de forma impactante todo el horror de la guerra y cómo las personas son hojas movidas por un viento sobre el que no tienen control y que puede provocar tu muerte o la de la persona que se encuentra a tu lado. Hablando de Daniel Brühl, su papel es pequeño pero él está muy bien como el político que busca la paz a pesar del rechazo de unos militares a los que no les importa la pérdida de miles de vidas alemanas.

Mencionaba antes a otras películas bélicas, y siendo cosas diferentes, creo que en la comparación Sin novedad en el frente me ha gustado mucho más que 1917, por ejemplo. De hecho, es que me ha gustado mucho.

Otra cosa es el tema de las nominaciones a los Oscars. Aunque no descarto que pueda ganar algún premio técnico, creo que es imposible que pueda ganar el Oscar a Mejor Película. Sin embargo, justo por eso creo que el premio a Mejor Película Extranjera lo tiene casi asegurado, y eso a pesar de lo mucho que me gustó también Argentina 1985. En todo caso, que una película alemana consiga 9 nominaciones ya es un premio en si mismo. Desde luego, Netflix puede darse por super satisfecha.

Al estar disponible en Netflix, no se si queda mucha gente que no haya visto Sin novedad en el frente. Pero la recomiendo sin duda.

Comparto el trailer de la película:

Sin novedad en el frente es un peliculón que sirve par resaltar lo terribles que son todas las guerras y como son siempre los jóvenes los que más la sufren.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de The Mandalorian 3×01 (Disney+) SIN spoilers

¡Ya está aquí la tercera temporada de The Mandalorian! La serie de Jon Favreau y Dave Filloni ha inaugurado esta nueva tanda de episodios por todo lo alto.

PUNTUACIÓN: 8/10

Episodio 17 El Apóstata

El Mandaloriano emprende un viaje decisivo en busca de la redención.

The Mandalorian ha vuelto y lo ha hecho con el carisma alucinante que convirtió a esta serie en la mejor historia de Star Wars desde la primera trilogía. Esta tercera temporada va a contar con 8 episodios como las anteriores. El primer episodio cuenta con guion de Jon Favreau, el creador y productor ejecutivo de la serie, que ha decidido escribir él personalmente todos los episodios de la temporada, con Dave Filloni acompañándole en dos capítulos y Noah Kloor en otro. Frente a la búsqueda de los Jedi de la segunda temporada, Favreau ha afirmado que este tercera va a estar centrada en los Mandalorianos, aunque no descarto que como siempre en la serie, algunos episodios sirvan para realizar misiones concretas.

Tras dirigir 3 episodios en las temporadas 1 y 2, Rick Famuyima ha sido elegido como director de este primer episodio de la temporada, y además dirigirá los dos últimos. Esto me indica que Lucasfilm tiene claro que lo que no está roto no hay que tocarlo, y me gusta que el núcleo duro con Favreau y Fillone se mantenga intacto. Por cierto, una sorpresa que si me he llevado es la confirmación que Joseph Shirley compondrá la partitura de esta temporada, sustituyendo a Ludwig Göransson. Dicho esto, Shirley se encargó de la música adicional de las dos primeras temporadas y utilizó los temas de Göransson para componer la partitura de El libro de Boba Fett, así que creo que seguimos con la misma filosofía de mantener el equipo, siempre que sea posible. Además, Disney ha confirmado que la serie contará con una cuarta temporada.

En este primer episodio volvemos a ver a Pedro Pascal como Din Djarin / El Mandaloriano junto a Grogu. Y en esta primera aventura Mando se reunirá con Emily Swallow como La Armero del clan Mandaloriano al que pertenecía Mando hasta que fue expulsado por quitarse su casco. Carl Weathers como Greef Karga, lider del planeta Nevarro, y Katee Sackhoff como Bo-Katan Kryze, vuelven a la serie y por lo visto en este arranque no parece que se vayan a limitar a una aparición puntual.

El Apóstata tiene una duración de 38 minutos, 33 sin los títulos de créditos. Y aunque puede parecer un episodio muy corto, la verdad es que pasa volando porque hay un montón de situaciones que sirven para establecer las principales tramas a las que Mando y Grogu tendrán que enfrentarse en la temporada. Empezando por un viaje a Mandalore para intentar encontrar las fuentes subterráneas en las minas de Mandalore, en cuyas aguas Mando puede lavar su pecado de quitarse el casco. A pesar que tras el exterminio provocado por el Imperio, se piensa que el planeta es inhabitable al haber quedado envenenado.

Fiel al ADN de la serie, me ha flipado que este episodio de presentación de la temporada tenga 2 grandes sets de acción que son super espectaculares, y un tiroteo también rodado con tensión y acierto por parte de Famuyima. The Mandalorian tiene claro el tipo de historias que cuenta, y en ese sentido el arranque no ha podido ser más espectacular y satisfactorio. Pero junto a la acción y a un episodio realmente brillante en lo visual, me ha encantado sentir la relación entre Mando y Grogu sigue en el centro de todo. De Pedro Pascal hay que destacar a parte de su potencia vocal, la inteligencia de su interpretación no verbal con una dinámica corporal super minimalista en la que el más mínimo movimiento transmite un montón. Esto también puede decirse de La Armera interpretada por Emily Swallow. La escena con Mando y cómo expresa sorpresa y duda sin decir una palabra ni se la vea la cara me parece una pasada. Por cierto, me gusta la quimica que Pedro Pascal comparte con Carl Weathers, un actor con un vozarrón que tiene una presencia imponente en pantalla.

No he dicho nada de Grogu, pero es una maravilla. Cada vez que aparece en pantalla me tiene con la sonrisa en la cara y tiene además un par de momentos superdivertidos, uno en concreto a costa de Babu Frik, que me parece buenísimo. El diminuto especialista en tecnología al que conocimos en Star Wars: El ascenso de Skywalker es uno de los muchos cameos de razas alienígenas, resaltando que esto es STAR WARS. Pero volviendo a Grogu, me vuela la cabeza la forma en que una marioneta es capaz de transmitir tanta emoción de tantas formas posibles.

Otro elemento que me ha gustado mucho es que la trama principal de Mandalore está clara, pero hay varios detalles que aparecen en el trailer que no han aparecido en este episodio, por lo que estoy seguro que vamos a tener numerosas sorpresas a lo largo de las próximas siete semanas de emisión. Por ejemplo, Moff Gideon es mencionado pero no llega a aparecer, y diría que es un personaje demasiado bueno para que no tenga su importancia en esta temporada. Junto a esto, la situación en la que se encuentra Bo-Katan al comienzo de la serie resulta lógica visto lo que pasó en la segunda temporada, pero no por ello es menos impactante.

Y al revés, en este episodio hay dos elementos totalmente inesperados que no se vieron en los trailers y que también creo que van a dar mucho juego. Aparte de lo guay que es que te sorprendan con algo cuando el mantra de los haters universalmente aceptado por las unanimidades de las redes sociales es que ya no hay nada original en el mainstream de Star Wars. A todo esto, el combate espacial al que asistimos, uno de los pocos que hemos visto en The Mandalorian y que nos trajo reminiscencias al Imperio Contraataca, me parece una pasada.

No quiero terminar sin resaltar la potencia visual de The Mandalorian. Llega un momento en que se nos olvida lo guay que resulta verte inmerso en el mundo de Star Wars de forma tan perfecta e inmersiva. En este episodio no tengo claro qué parte es set real de rodaje y qué parte ha sido creado con el  Stagecraft creado con tecnología LED por ILM. Hay una parte como vimos en Andor en que mola la sensación de sets reales donde plantean la acción. Pero llega el momento en que Star Wars NO es la Tierra y los espacios no tendrían que sugerir ambientes mundanos, sino sorprendernos con cada nuevo planeta que visiten. El Stagecraft sigue siendo la herramienta perfecta para rodar ciencia-ficción, sobre todo por creativos expertos en su uso que saben sacarle todo el partido posible.

No quiero comentar nada más dado que eso significaría entrar en territorio de spoilers. Como primer episodio de una nueva temporada me ha parecido modélico, aunque tengo que reconocer que ya venía convencido de casa. Me esperan las mejores semanas del año mientras disfruto de The Mandalorian semana a semana.

Lo que sí me produce cierta extrañeza es la polémica que se ha formado a partir de las declaraciones de Jon Favreau sobre que entre el final de la segunda temporada de The Mandalorian y el principio de esta tercera han pasado entre uno y dos años, afirmando además que Grogu pasó alrededor de un año con Luke Skywalker. Obviamente este año puede parecer mucho tiempo, pero el uso de elipsis temporales no es algo nuevo en la ciencia ficción. Y obviamente entre misiones de Mando pasa algún tiempo, la primera temporada no sucede ni mucho menos en una semana. Que Mando quisiera ver a Grogu se explica porque han pasado meses, es una locura plantear que iría a buscarle tras haber pasado un par de semanas.

En este sentido, diría que la clave de la elipsis temporal no está tanto entre el final de la temporada dos de The Mandalorian y el comienzo de El libro de Boba Fett, sino entre el final de Luke, Mando y Grogu en el histórico episodio 16 (El rescate) y la escena post-créditos de este mismo capítulo, cuando Boba Fett se hace con el control del palacio de Jabba. Ahí es donde perfectamente creo que han podido pasar meses, aparte que la historia de Fett entre los moradores de las arenas sucedió también a lo largo de años de la vida de Fett por el mismo uso de elipsis temporales. A partir de asumir esto, no veo que este conocimiento altere de alguna manera el disfrute de esta temporada.

Comparto el trailer de esta temporada:

The Mandalorian ha empezado por todo lo alto. Nos esperan 7 semanas maravillosas que estoy seguro que voy a disfrutar un montón.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Batman – Spawn de Todd McFarlane y Greg Capullo (DC Comics)

DC Comics y Todd McFarlane se han vuelto a poner de acuerdo 29 años después para realizar un nuevo crossover entre Batman y Spawn, un especial realizado con guion y tintas de McFarlane, dibujo de Greg Capullo y color de Dave McCaig. Y este especial me ha devuelto al macarrismo de los años 90 de los que McFarlane era uno de sus principales exponente.

PUNTUACIÓN: 7/10

El acontecimiento de la década ya está aquí: Todd McFarlane y Greg Capullo se han reunido para Batman/Spawn.

Dos héroes oscuros, maldecidos por la tragedia, vuelven a cruzar sus caminos… ¡pero no por elección propia! ¿Qué siniestro enemigo está enfrentando al Caballero Oscuro con los Hellspawn? Desde las sombras de Gotham City hasta la ciudad de Nueva York, este épico acontecimiento es el éxito de taquilla que has estado esperando durante casi dos décadas.

Batman / Spawn es un especial de 48 páginas publicado por DC Comics.

Recuerdo perfectamente comprar en 1994 los crossovers Spawn – Batman de FRANK MILLER y Todd McFarlane editado por Image, y el mes siguiente el Batman – Spawn de DC Comics de Doug Moench, Chuck Dixon, Alan Grant y Klaus Janson. Estábamos en un momento en que Image seguía en la cresta de la ola y estábamos a punto de vivir la implosión de la industria, con Marvel declarando concurso de acreedores en 1995. Y en ese momento el comic de Miller y McFarlane lucía muchísimo mejor que el de DC. De hecho, parecía que no jugaban en la misma liga, quedando el pobre Klaus Janson en muy mal lugar comparado con McFarlane.

Han pasado casi 30 años des esos comics, pero casi parece que fue ayer. Tras crecer como artista con Quasar y X-Force, Greg Capullo afinó su estilo en los años 90 gracias a una larga estancia en los comics de Spawn. Si no se convirtió ya entonces en un superestrella probablemente fuera porque la sombra de McFarlane imponía mucho, pero su dibujo me gustaba muchísimo más que los de Todd. A partir de su Batman con Scott Snyder, Capullo es una de las grandes estrellas del comic americano, y tiene todo el sentido que sea el elegido por McFarlane para dibujar este comic, dada la relación del dibujante con ambos personajes.

McFarlane se encarga del guion y de ponerle tintas a Capullo, además de contar con Dave McCaig en el color, comentando que ha sido un trabajo super gratificante para él al recuperar su colaboración con Capullo, que se interrumpió hace más de 10 años cuando Capullo dio el salto a DC. La historia no inventa ninguna rueda, solucionando de forma correcta los aspectos fundamentales que necesita la historia, empezando por la forma de conectar los mundos de ambos personajes, la elección del villano y cómo disminuir el nivel de poder de Spawn para que su pelea con Batman esté competida. En lo demás, tenemos la típica estructura de personajes que se enfrentan por una confusión provocada por el villano, hasta que se dan cuenta que tienen que unir sus habilidades para derrotarle, todo ello decorado con las características dosis de macarrismo de McFarlane.

He leído una entrevista con Capullo y no se muestra demasiado satisfecho con el resultado final del comic. De alguna manera se intuye que McFarlane estuvo meses negociando con DC el crossover, y cuando le dieron el OK, el plazo de entrega del trabajo fue muy corto para un comic de 48 páginas como éste. Y el caso es que leí esta entrevista después de leer el comic, y en el momento de la primera lectura la sensación que me dejó era que era un buen comic muy bien dibujado, pero también que NO es uno de los mejores trabajos de Capullo. Y por supuesto Capullo es un seguro de vida y sus splash-pages son super espectaculares, además que nadie como él para recrear callejones lúgubres. Pero también hay algunas figuras mostradas de la forma más básica posible, con una planificación de página que está bien, pero sin pasadas narrativas.

En todo caso, cuando uno compra un Batman – Spawn, creo que sabe a lo que viene, y en esto el comic da lo que se espera de él. Incluso la verborrea de McFarlane con varios narradores que se intercambian durante el comic y que no ayuda a que la lectura sea fácil. Por suerte, incluso no siendo el mejor trabajo de Capullo, su consistencia y calidad está a prueba de bombas y consigue que el resultado final sea más que satisfactorio.

Por cierto, no puedo evitar comentar que mi hermano y yo hemos comprado la edición americana con la espectacular portada de Jorge Jiménez que podéis ver arriba. Este comic nos costó 7.99 €uros en su edición USA. Y asisto asombrado a la noticia que ECC Ediciones ha anunciado esta grapa como un tomo en cartoné con un precio de ¡20.00 €uros!! Me parece un atraco a mano armada, incluso aunque lo hayan ampliado a 64 páginas entiendo que para incluir en su edición todas las portadas alternativas (muchas de las cuales son super chulas, las cosas como son) que DC ha lanzado con este comic. Es cierto que ECC es más barato que Panini en las grapas sencillas, pero en cuanto ven que pueden exprimir algo, se pasan tres pueblos. Es por esto que recomendaría que todo el que pueda compre este comic en su edición americana. Tengo claro que no todo el mundo tiene acceso a una librería especializada con material USA, aparte que no todo el mundo sabe inglés. Pero ante escándalos de este tipo de ECC merecería que nadie comprara este comic al escandaloso precio que plantean. Es una pena que no vaya a pasar, porque tengo claro que la gente tiene ganas de este comic.

Esto me lleva a mi reflexión de este pasado domingo sobre que la industria del comic americano necesita de más comics como este crossover que generen interés en los aficionados. Yo compré en su momento los dos crossovers de los 90, pero hace ¿más de 25 años? que no compro nada de Spawn. Y sin embargo, en cuanto se anunció sabía que lo terminaría comprando. Batman / Spawn creo que es también ese tipo de comic y me alegra que haya tenido unas ventas importantes. Como pasa con los blockbusters palomiteros del cine, que Avatar triunfe entre el público significa que los cines están llenos y son rentables. Pues eso mismo necesitan ahora mismo las librerías de comics.

Dentro que este comic es una historia cerrada, McFarlane ha dejado elementos abiertos de cara que en algún momento se decidiera hacer una continuación. Dado el éxito de ventas, no me extrañaría que de cara a 2024 se publicara una segunda parte, en este caso publicado por Image.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Batman / Spawn de McFarlane y Capullo te da exactamente lo que esperas de un comic de este tipo, algo que para mi NO es un problema.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de ¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal de Jeff Smith (ECC Ediciones)

Tras la lectura de El poder de ¡Shazam! de Jerry Ordway, continúo mis lecturas del personaje con ¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal de Jeff Smith (Bone), un estupendo comic all-ages que se aleja de los tópicos de los superhéroes.

PUNTUACIÓN: 7/10

El aclamado guionista y dibujante Jeff Smith es el autor del laureado cómic Bone, convertido en clásico instantáneo. Ahora, el brillante creador pone al servicio de DC Comics todo su talento para confeccionar historias que combinan aventuras, humor y preciosas ilustraciones en esta reinterpretación de la historia de Shazam para una nueva generación.

Cuando el joven huérfano Billy Batson sigue a un misterioso desconocido hasta el metro, no imagina que está entrando en un extraño mundo de poderosos magos, tigres parlantes, monstruos devoradores de niños, robots gigantes, intrigas policiales y misteriosos villanos. ¡Pero Billy encuentra todo eso y mucho más cuando el mago le revela una palabra mágica que lo transforma en el mortal más poderoso del mundo!

Este comic fue publicado por DC Comics en 2007 como una miniserie prestigio de 4 números, que ECC publicó en 2018 en un tomo en tapa dura de 2018 páginas, aprovechando el inminente estreno de la primera película de Shazam! el año siguiente.

Jeff Smith nació en McKees Rocks (Pensilvania) y creció en Columbus (Ohio), donde vive en la actualidad. Es conocido principalmente por la serie Bone, que empezó a autoeditar en 1991 y que finalizaría en 2004. Bone, de Jeff Smith, se ha convertido en una de las novelas gráficas de mayor éxito gracias a haber sabido combinar el atractivo universal del humor con la narrativa épica, y se encuentra entre las diez mejores novelas gráficas de la historia según la revista Time. Bone ha sido traducida a más de 30 idiomas, lleva vendidos 10 millones de ejemplares en Estados Unidos, más de 150.000 en castellano y ha ganado 41 premios nacionales e internacionales, incluyendo 10 Eisner y 11 Harvey.  Su creación más reciente es RASL, una serie de ciencia ficción dura y descarnada sobre un ladrón de arte interdimensional.

Tras terminar Bone en 2004, imagino que DC le ofreció un dineral a Jeff Smith para que reimaginara a Shazam!, un personaje que dado su similitud con Superman DC nunca ha tenido muy claro qué hacer con él. En mi post sobre la novela gráfica El poder de ¡Shazam! de Jerry Orday ya expliqué la complicada historia editorial que vivió el personaje. Y tras la cancelación en 1999 de su serie regular, Shazam! pasó durante algunos años por el limbo editorial, con una participación bastante limitada en la continuidad DC. Es curioso que en los inicios del siglo XXI, Black Adam tuvo una mayor importancia en el universo DC que Shazam! debido a su aparición recurrente en la JSA de Geoff Johns y David S. Goyer.

En este momento en el que DC no sabía qué hacer con el personaje, la idea de dar rienda suelta a un autor super popular como era Jeff Smith tras terminar Bone parecía un WIN-WIN de libro. Smith recibía un cheque importante por hacer un personaje que entiendo le gustaba de inicio y DC conseguía un tomo que pudiera encajarle a las decenas de miles de lectores de Bone. Además, la historia de un niño que adquiere habilidades superheroicas encaja completamente con el tipo de historias all-ages en que Smith se ha especializado y que tanto gustan a su público.

Y empezando a comentar este comic, la verdad es que me ha encanta el dibujo de Jeff Smith. Hay una corriente de pensamiento que opina que un comic para niños puede tener un dibujo deficiente porque a los niños les da igual, algo con lo que no puedo estar más en desacuerdo. De hecho, también los niños se dan cuenta cuando un tebeo tiene un buen dibujo o uno malo, y cuando la narrativa fluye en las páginas y te invita a seguir leyendo, frente a otros comics «antipáticos» que no narran bien las acciones que viven los personajes y que cuesta leer. Jeff Smith es un maestro en narrativa, todo está contado de la forma más clara al lector sin restarle un ápice en la personalidad y el encanto que transmiten los personajes.

Y es que otra de las grandes virtudes de este comic es la caracterización Billy y Mary, que son mostrados como niños de verdad. Realmente transmiten la edad de tener menos de 10 años, unos niños a los que aún les falta mucho para alcanzar la pubertad. Las expresiones faciales son una delicia, pero casi mejor es todo lo relativo a la expresión corporal y la comunicación no verbal. Escenas como cuando Billy conoce al mago, el primer vuelo de Mary en el que acaba estrellándose contra el suelo al no saber frenar, acabando con el pelo delante del rostro, o la escena del muelle en el que Mary se mete dentro de la capucha de su chaqueta transmitiendo toda la tristeza que lleva dentro al ser una huérfana son momentos muy potentes que me llegaron.

Dentro de su faceta all-ages y que el comic está pensado para el disfrute de los más pequeños, la historia tiene guiños para los mayores, como es el convertir al clásico villano de Zhazam Doctor Sivana en el Fiscal General que aprovecha la amenaza para la ciudad para intentar controlar las cuentas bancarias de los ciudadanos «hasta ver si encontramos algo sospechoso», algo que sería un elemento recurrente en la narrativa americana post-11S, cuando se planteaba la dicotomía entre «libertad frente a seguridad».

El comic en USA fue publicado como 4 grapas de 50 páginas cada una. Esto hace que el ritmo de la historia sea muy diferente al de las típicas grapas americanas, pudiendo construir el mundo de Billy Batson de forma interesante y que nunca resulta aburrida. Sin embargo, hay que reconocer que la amenaza de la Sociedad del Mal que el título adelanta resulta un poco decepcionante, algo a lo que habría que sumar a un Sivana que tampoco llega a dar verdadera sensación de amenaza para la novata familia de superhéroes. Los monstruos como cocodrilos de tamaño humano o los gigantescos robots que tenemos en el comic enlazan con el tipo de personajes que se espera en un comic de Jeff Smith, y aunque como diseño molan, acaban estando un poco desaprovechados.

Esto me permite conectar con los elementos menos buenos de este comic, algo que me sugiere dos elementos. El primero pasa por el hecho que comentaba Smith clava todo lo relativo a los niños, algo que me parece super chulo, pero la parte superheroica de Shazam! además de quedar en un segundo plano, resulta un pelín decepcionante. Mientras que la representación gráfica de Billy o Mary es una maravilla, Smith no acaba de pillarle el tranquillo a Shazam, mostrándole como un fortachón muy estático con las mismas facciones casi todo el tiempo. Y aunque hay una doble splash-page fantástica en el climax de la historia protagonizada por Shazam, es significativo que Smith plantea una situación en el tramo final que obliga a Shazam a transformarse en Billy para encontrar a la secuestrada Mary. En este sentido, se nota que Smith no es un autor de superhéroes sino de fantasía, y para él el protagonista siempre fue Billy. Ojo que no lo digo como algo malo, de hecho el comic me gustó mucho, sino como la explicación del foco de la historia.

Hay otro elemento que podemos tomar como negativo, y es el hecho que si buscas en la FNAC comics de Shazam!, probablemente nos encontraremos el comic de Jerry Ordway sobre el que hablé la semana pasada, este de Jeff Smith y probablemente el relanzamiento que Geoff Johns y Gary Frank realizaron a partir de 2012 como complemento dentro de las grapas de Justice League. Y al final son todos historias de origen que no tienen nada que ver entre si. Ya hablé hace unos días en mi artículo Black Label vs el Universo DC cómo la popularización por parte de DC de comics como este de Jeff Smith situados fuera de continuidad que permiten al autor contar la historia que quiere puede provocar confusión en el lector ocasional, dado que tiene versiones diferentes de origen del mismo personaje sin saber a cual atenerse o cual es «la buena». Si es que el término es aplicable.

Y como comento en ese post sobre la línea Black Label, tango claro que a los lectores que se acercan a este comic por el autor y no tanto por el personaje les da completamente igual la idea de continuidad dentro de los comics de DC, sólo quieren ser entretenidos con este comic concreto, que no les obliga además a leer o comprar nada más y que resulta satisfactorio en si mismo. Pero a la larga, esta repetición de comics de origen, incluso para un lector «resabido» como yo, acaba siendo redundante y en cierto sentido aburrido, incluso aunque los comics individualmente estén bien y resulten una buena lectura.

Estos pequeños peros no empeñan el hecho que este comic haya sido todo un descubrimiento que recomiendo a todas las familias con niños pequeños. Shazam! gustará a los nenes, pero seguro que también a los padres.

Comparto las primeras imágenes del comic:

¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal es un comic delicioso, un all-ages en el sentido más positivo del término que podrá disfrutar toda la familia y que sirve de estupendo punto de entrada para lectores no familiarizados con el personaje y su mundo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de La Ballena (The Whale) de Darren Aronofsky

Tras el shock bíblico que supuso Mother!, la nueva película de Darren Aronofsky The Whale (La Ballena) es un brillante y complejo retrato que da a Brendan Fraser la oportunidad actoral soñada por todo actor.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Un solitario profesor de inglés con obesidad severa (Brendan Fraser) intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

The Whale es la octava película de Darren Aronofsky tras Pi (1998), Réquiem por un sueño (2000), La fuente (2006), El luchador (2008), Cisne negro (2010), Noé (2014) y ¡Madre! (2017). Aronosfky es uno de mis directores favoritos y en su nueva película no decepciona. La película de 117 minutos ha sido escrita por Samuel D. Hunter, basada en su novela de 2012. Para esta película, Aronofsky ha contado además con la colaboración de Matthew Libatique (fotografía), Andrew Weisblum (montaje) y Rob Simonsen (música).

El reducido reparto está formado por Brendan Fraser como Charlie, el obeso protagonista, un personaje lleno de matices super complejo y maravilloso. Sadie Sink interpreta a Ellie Sarsfield, la hija de Charlie que le odia por abandonarla a ella y a su madre cuando comprendió que era homosexual al conocer a su pareja. Hong Chau es Liz, una amiga enfermera de Charlie que cuida de él al negarse a ir al hospital. Ty Simpkins es Thomas, un misionero de la secta New Life que conoce a Charlie y pretende salvar su alma. Por último, Samantha Morton es Mary, la madre de Ellie y ex-esposa de Charlie, mientras que Sathya Sridharan es Dan, el pizzero que le lleva la comida a Charlie.

La película ha tenido una acogida crítica bastante variada, pero prácticamente todo el mundo normal alaba la brillante interpretación de Brendan Fraser, que ha ganado varios premios por esta película. Un grupúsculo de gente ha criticado a Aronosfky por no contratar a un homosexual o a una persona obesa mórbida para el papel de Charlie, al no ser Fraser ni una cosa ni la otra. El comentario se descalifica sólo. En lo relativo a los Oscars de este año, The Whale ha conseguido tres nominaciones: Mejor Actor (Fraser), Mejor Actriz Secundaria (Hong Chau) y Mejor Maquillaje y Peluquería. Y visto lo visto, es muy posible que los gane los tres.

Comentaba que Aronosfky es uno de mis directores favoritos, pero tengo que reconocer que a punto he estado de NO ver esta película, ya que me temía una sobredosis de pornografía emocional a costa de un personaje homosexual aquejado de obesidad severa. La sorpresa ha sido mayúscula al asistir a un drama, eso iba por descontado, pero planteado desde la visión positiva de la vida que intenta transmitir el protagonista. Whoah! La premisa y el tono de The Whale me parecen muy valientes por parte de Aronosfky, que realiza un retrato complejo lleno de facetas de una persona con depresión por la muerte de un ser querido que se encuentra en una ruta autodestructiva que él sabe que no tiene vuelta atrás.

Brendan Fraser es la película. Su interpretación está a otro nivel, ofreciendo un trabajo super contenido en muchos momentos, y a la vez super expresivo y empático. La forma en que intenta ver siempre la parte positiva de todas las personas, aún sabiendo su situación real, me parece una pasada. Pero Charlie no es un ser de luz, porque durante su vida tomó decisiones que hicieron daño a su familia. La forma en que muestra a una persona de carne y hueso con cosas positivas pero también con zonas grises me parece uno de los retratos más potentes y humanos que recuerdo en muchísimo tiempo. Y además, la historia toca temas sobre la soledad, la depresión y de conductas autodestructivas que nos infligimos a nosotros mismos. Y a la vez, que es posible intentar ver las cosas positivas de la vida y de las personas incluso en la peor de las circunstancias.

Frente a algún comentario negativo hacia las elecciones y el trabajo de Aranosfky, creo que su trabajo es brillante. De hecho, creo que el director respeta muchísimo al espectador y por eso no toma una actitud condescendiente hacia nosotros, no buscando que Charlie nos de pena de forma automática, sino que busca mostrarnos toda su complejidad, mostrada desde múltiples matices positivos y negativos. Hay que felicitar también a la película por resultar tan potente y emocionante a pesar de estar rodada el 99% en una única localización. Además, las prótesis usadas por Fraser para mostrar la obesidad mórbida que sufre su personaje me han parecido impresionantes, ofreciendo una figura de Charlie que no puede evitar que sintamos repulsión hacia él, pero que queda compensado con su tremenda humanidad.

Junto a Fraser, la verdad es que el reparto está genial. Pero destacaría a Hong Chau, la amiga enfermera de Charlie que intenta ayudar a alguien que no se deja ayudar y que intentar compensar la pérdida de un ser querido al que tampoco pudo salvar, siendo un personaje super trágico dentro del contexto de la película. Sadie Sink como Ellie, la hija de Charlie, está también muy bien como una adolescente gilipollas que trata mal a todo el mundo. Este personaje me parece también espectacular, porque muestra una cuestión interesante. ¿Cuánto tiempo se puede aceptar que una persona que sufrió un trauma de niña se comporte como una asquerosa? ¿Puede una víctima que sufre convertirse de alguna manera en un «verdugo» emocional que ataca a todo el mundo? No hay respuestas sencillas, y si personajes complejos que me han enamorado. Como esta hija que en el fondo quiere sentir que su padre la quiere y ella mostrarle su amor.

A parte de un trabajo actoral impresionante, la historia me parece que está super bien hilada, empezando por el ensayo que Charlie lee cuando está nervioso para tranquilizarse y evitar tener un ataque al corazón. La forma en que todo queda conectado al final de la película me parece sencillamente brillante. Ofreciendo además al espectador un final extrañamente positivo, dadas las circunstancias que vive Charlie en su día a día, que me parece espectacular.

Me alegro muchísimo de haber visto The Whale. Y entiendo que mucha gente igual no le apetece ver una película a priori «de sufrir» como me pasó a mi. Sin embargo, quiero recomendárosla y a invitaros que si podéis, no os la perdáis.

Comparto el trailer de la película:

The Whale es un peliculón que consigue a pesar del drama que nos cuenta mantener al espectador con una sensación positiva. Que grande es Darren Aronosjky.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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