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Crítica de Los Fabelman de Steven Spielberg

Tenía ganas de ver Los Fabelman, la última película de Steven Spielberg nominada a 8 Oscars que plantea una historia semiautobiográfica de Spielberg y un homenaje a la magia del cine.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Film semiautobiográfico de la propia infancia y juventud de Spielberg. Ambientada a finales de la década de 1950 y principios de los años 60, un niño de Arizona llamado Sammy Fabelman, influido por su excéntrica madre, artista (Michelle Williams), y su pragmático padre, ingeniero informático (Paul Dano), descubre un secreto familiar devastador y explora cómo el poder de las películas puede ayudarlo a contar historias y a forjar su propia identidad.

Spielberg escribe el guion de esta historia semiautobiográfica junto a Tony Kushner. La película de 151 minutos cuenta con fotografía de Janusz Kaminski, montaje de Michael Kahn y Sarah Broshar, y música del maestro John Williams.

El reparto está formado por Michelle Williams como Mitzi Schildkraut-Fabelman, la alentadora madre de Sammy y experta pianista. Está basada en la madre de Spielberg, Leah Adler. Paul Dano es Burt Fabelman, el padre de Sammy e ingeniero informático. Está basado en el padre de Spielberg, Arnold Spielberg. Gabriel LaBelle es Samuel «Sammy» Fabelman, el hijo de dieciséis años de la familia que aspira a convertirse en cineasta, con Mateo Zoryan Francis-DeFord interpretando a Sammy cuendo es un niño. Sammy sería Steven Spielberg.

Otros actores de la película son Seth Rogen como Bennie Loewy, compañero de trabajo y mejor amigo de Burt que se convierte en tío sustituto de Sammy, Julia Butters es Regina «Reggie» Fabelman, la primera hermana menor de Sammy (Birdie Borria la interpreta de niña) basada en la hermana de Spielberg. Judd Hirsch es Boris Podgorny, tío abuelo de Sammy y antiguo trabajador del cine y domador de leones de circo. Jeannie Berlin interpreta a Hadassah Fabelman, la madre de Burt y Robin Bartlett es Tina Schildkraut, la madre de Mitzi.

La película recibió numerosos premios y nominaciones como el Globo de Oro a Mejor Película, y ocho nominaciones a los Óscars. Además del premio a la mejor película, Los Fabelman también fue nominada al mejor director, a la mejor banda sonora original -John Williams-, al mejor maquillaje y peluquería, al mejor diseño de producción y al mejor guion original. Michelle Williams nominada a Mejor Actriz, y Judd Hirsch como Mejor Actor de Reparto completarían los nominados.

Steven Spielberg nació en 1946, tiene ahora mismo 76 años. Y me parece una maravilla la lucidez y la maestría que demuestra en esta película. Partiendo de los elementos técnicos, Spielberg nos muestra como la MAGIA del cine es mucho más que poner en una pantalla imágenes en movimiento, sino que su cámara parece captar siempre la imagen más icónica de las cosas respecto a como son en realidad. Hay un momento super potente en ese sentido en la película, cuando un personaje se da cuenta que nunca alcanzará en su vida real la fuerza y el poderío con que Sammy le muestra en una película de instituto, siendo una losa con la que tendrá que vivir.

La forma en que Spielberg nos cuenta su historia y cómo una vez su yo niño se ve iluminado por la pantalla de un cine ya no pudo parar hasta formar parte de la industria es sencillamente brillante. Estamos ante un maestro a la hora de contar la historia con imágenes, nadie consigue mover la cámara de formas tan sutiles y a la vez tan potentes, consiguiendo una colección de planos perfectos y escenas emocionantes que parecen creadas sin esfuerzo, como si fuera obvio y obligatorio que cada escena fuera rodada de esa manera. La elegancia y el flow que tiene esta película te coge en el primer fotograma y ya no te suelta hasta el final.

Una parte que he disfrutado muchísimo, y que estoy seguro que todos los que aman el cine lo harán también, es toda la parte de cine dentro de cine mientras vemos a Sammy rodar y montar sus películas caseras y como va mejorando con cada nuevo proyecto. En esta parte hay un momentón super emocionante que cambió a su familia para siempre, y que está rodado magistralmente. Ver las técnicas clásicas de montaje y los rudimentarios trucos para crear efectos especiales, algo sobre lo que ya le había leído en entrevistas suyas pero que visto en imágenes es obviamente triple más impactante. Hay muchísimas cosas que me han volado la cabeza de esta película.

Aparte del cine dentro del cine y de transmitir la magia y la fueza del cine, la película hace una interesante reflexión sobre la naturaleza de los artistas y como cuando amas algo con la fuerza que lo amaba Spielberg, eso va a tener prioridad frente a su familia. En este sentido, la escena de Judd Hirsch, que interpreta del tío abuelo de Sammy, es toda una declaración de intenciones, al hablarnos de la soledad del creador que pone su arte por encima de todo. Y es que ese es el conflicto emocional, Sammy tiene dos figuras paternas que le llevan en direcciones opuestas y que le obligarán a elegir. Su madre le anima a cultivar su vena artística mientras que su padre quiere que se centre en las cosas «de verdad», las que sirven para algo. Y aunque ama a su familia, descubrir que el cine lo es todo es el aprendizaje que marcará el camino de Sammy en la película.

No haría falta ni comentarlo, pero Los Fabelman técnicamente es una maravilla. La fotografía de Janusz Kaminski consigue no sólo crear la mejor iluminación posible, sino conseguir que todo tenga peso, presencia, se sienta real con nosotros paseando dentro. Y qué decir de John Williams, junto a Spielberg yo no entiendo el CINE sin ellos, mi afición cinéfila está marcado por sus obras y en Los Fabelman crea una partitura sencilla pero emocionante que transmite el amor de la familia.

Dentro que la película me ha gustado mucho, puestos a ponerle algún pero lo primero que se me ocurre es la duración. Iba a decir que no se me había hecho larga, pero la verdad es que la parte del instituto en California con Sammy ya post-adolescente sí me resultó un poco larga, aunque hay que reconocer que narrativamente todo está perfectamente planteado para conseguir el potente climax en el baile de graduación. Los Fabelman es otro ejemplo de la locura que asola a la industria del cine, con unas duraciones exageradas. De hecho una parte fundamental del cine es su capacidad de síntesis y ser capaces de contar una historia completa y satisfactoria en apenas dos horas. Teniendo en cuenta las métricas de medición de audiencias del streaming, parece que los estudios ahora mismo están pidiendo a los directores que hayan sus películas lo más largas posibles. Y como me ha pasado últimamente, creo que esta película hubiera sido aún mejor cortando 10 o 15 minutos.

Quizá un segundo tema es que el personaje de Sammy me ha resultado super frío. Spielberg dota a la película de emoción gracias a los actores adultos que hacen un trabajo espectacular y a unas gotas de sentimiento (no sensiblería) perfectamente colocadas, pero como protagonista Gabriel LaBelle debería haber transmitido algo más de lo que lo hace. Este detalle hace que globalmente me haya gustado mucho pero a la vez no me haya volado la cabeza la historia de Sammy tal y como la hemos visto.

hablando del reparto, la verdad es que Michelle Williams está espléndida. Es uno de esos papeles «caramelo» que quieren todas las actrices para lucirse, y ella lo aprovecha convirtiéndose en el corazón desquiciado de la familia. Paul Dano tiene un papel quizá un poco más desagradable, al ser el padre serio que no entiendo que el amor de Sammy por el cine es mucho más que un hobby. Sin embargo, Dano hace una interpretación también soberbia dentro de la contención. Además del nominado Judd Hirsch, me ha sorprendido también para bien Seth Rogen, siendo los niños de la familia correctos para lo que la película necesitaba de ellos.

Spielberg toca muchos elementos en esta historia, también el bullying que sufrió en el instituto provocado por el antisemitismo de muchos jóvenes. Pero todo está mostrado con una óptica positiva, sin intentar atacar a nadie en concreto, al ser cosas ya pasadas que no se pueden cambiar. En este sentido, podría pensarse que esta es una versión dulcificada de su vida, pero el conjunto transmite tanto amor en todos los aspectos, que es imposible no salir encantado del cine tras ver esta película.

Por cierto, la guinda de la película es una anécdota que Spielberg ha contado en multitud de ocasiones sobre el maestro John Ford, que sirve de broche de oro para la historia, dejándola en el momento perfecto para que adquiera categoría de mito. Porque como nos dice la película, lo que vemos no es real, y a la vez es mucho más real que el mundo que nos rodea.

Una vez vista Los Fabelman, entiendo que la imperfecta y operística Babylon de Damien Chazelle haya sido olvidada por los académicos a la hora de las nominaciones. Y es que puestos a elegir una película que muestre cine dentro de cine y que sea un canto de amor al medio, la película de Spielberg es mucho más brillante y redonda en todos los aspectos. Y dura media hora menos, no hay color. Bromas aparte, si te gusta el cine harás bien en buscarte un hueco para ver Los Fabelman en pantalla grande. Hazme caso, me lo agradecerás.

Comparto el trailer de la película:

Los Fabelman es CINE. Que Spielberg conserve la salud muchos años, menudo maestro.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Almas en pena en Inisherin de Martin McDonagh

Aunque reconozco que no conecté con Tres anuncios en las afueras, me he acercado a la siguiente película de su director Martin McDonagh, Almas en pena en Inisherin, con mentalidad abierta tras convertirse en una de las películas favoritas de para los Oscars 2023, al recibir 9 nominaciones.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Ambientada en una isla remota frente a la costa oeste de Irlanda, Almas en pena de Inisherin cuenta la historia de dos amigos de toda la vida, Pádraic y Colm, quienes se encuentran en un callejón sin salida cuando Colm pone fin a su amistad de un modo abrupto. Un Pádraic atónito, ayudado por su hermana Siobhán y por Dominic (un joven con problemas), se esfuerza por reconstruir la relación, negándose a aceptar las negativas de su amigo de siempre. Cuando Colm le plantea a Pádraic un ultimátum desesperado, los acontecimientos se precipitan y provocan consecuencias traumáticas. (FILMAFFINITY)

Martin Faranan McDonagh (Londres, 1970) es un dramaturgo y cineasta británico-irlandés. The Banshees of Inisherin (2022) es su cuarta película como director y guionista tras Vacaciones en Brujas (2008, donde trabajó por primera vez con Colin Farrel y Brendan Gleeson), Seven Psychopaths (2012), y la aclamada Tres carteles a las afueras (2017).

La película ambientada en una pequeña isla de Irlanda en 1923 fue rodada en localizaciones naturales de las islas de Inishmore y Achill de agosto a octubre de 2021. La película de 114 minutos tiene fotografía Ben Davis, montaje Mikkel E. G. Nielsen y música Carter Burwell.

Su estreno mundial fue en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia de 2022, donde Farrell ganó la Copa Volpi al Mejor Actor y McDonagh ganó la Osella de Oro al Mejor Guion. The Banshees of Inisherin recibió nueve nominaciones en la 95.ª edición de los Premios de la Academia, incluyendo Mejor película, Mejor director, Mejor actor (Farrell), Mejor actor de reparto (Gleeson y Keoghan), Mejor actriz de reparto (Condon), Mejor guion original, Mejor Montaje y Mejor Banda Sonora Original. En los Globos de Oro, logró tres victorias de ocho nominaciones: Mejor Película Comedia o Musical, Mejor Actor Comedia o Musical (Farrell) y Mejor guion.

En el reparto tenemos a Colin Farrell como Pádraic Súilleabháin y Brendan Gleeson como Colm Doherty, dos amigos cuya amistad termina sin motivo aparente de un día para otro. Kerry Condon es Siobhán Súilleabháin, la hermana de Pádraic y una joven inteligente que destaca del resto de habitantes del pueblo. Barry Keoghan es Dominic Kearney, un joven sin ocupación amigo de Pádraic, mientras que Gary Lydon es su padre Peadar Kearney, el policía de la isla. Por último Pat Shortt es el tabernero Jonjo Devine.

Empezando por los elementos positivos de la película, me ha gustado muchísimo la fotografía de la película, con unos espacios naturales bellísimos y una recreación perfecta del mundo de esta isla irlandesa imaginaria en la década de 1920. El diseño de producción incluyendo el vestuario me parece que está muy también, al igual que la estupenda música de la película. Pensando en la fotografía y todo el aspecto visual, la verdad es que es una película bonita de ver.

En general el reparto están todos bien. Entiendo los premios que ha conseguido hasta ahora Colin Farrell, porque él es el corazón de la película y su actuación es de 10. Reconozco que no pude ver la película en V.O. y por tanto seguro que algo se perdió en la traducción, pero encuentro que las nominaciones Barry Keoghan y Kerry Condon como mejores actor y actriz de reparto son algo exageradas, dentro que me gusta su trabajo. Y lo mismo podría decir de un Brendan Gleeson que no parece que actúe, simplemente está en pantalla con su presencia imponente, aunque no haga nada relevante.

Desde cierto punto de vista, la película puede verse como una crónica de un tipo de vida que posiblemente siga existiendo en pueblos pequeños o de difícil acceso. Unos pueblos en los que nunca pasa nada y todo es rutinario y monótono, poblado por gente gris que sabe que su vida va a ser siempre igual. En este contexto, un pequeño (gran) cambio en la vida de una persona acaba provocando un efecto bola de nieve de efectos inesperados, al alterar el orden establecido. La película también muestra los estragos que causa la soledad en el ser humano, y cómo va rompiendo nuestro espíritu día tras día.

Como véis, estoy intentando buscar las cosas positivas a una película que no me ha gustado. Empezando porque como ya pasó en Tres anuncios en las afueras, McDonagh plantea la historia con un tono casi de comedia negra, pero las situaciones no tienen ni pizca de gracia. Para ser sincero, sólo hay una situación que funcionaría como humor, cuando al principio de la película tras decirle Colm (Gleeson) a Pádraic (Farrell) que rompe su amistad, todo el mundo pregunta a Pádraic qué había hecho para provocar esa reacción. Eso que pasa en el tercer minuto de película es el único momento de humor que me funciona. El resto creo que son disparos de fogueo que rompen el drama que está viviendo el personaje de Farrell, y le hace un flaco favor a la historia.

Luego hay otro tema para mi clave. Comentaba la posible intención del director de mostrar la aburrida vida de la gente de estos pueblos pequeños, gente sencilla con una vida rutinaria, monótona y aburrida, trabajando por la mañana para luego ir al pub por la tarde, y el domingo a misa. Y eso como idea es más que correcta. Sin embargo, en la ejecución McDonagh se da un tiro en el pie, porque muestra a Pádraic (Farrell) prácticamente como si fue una retrasado mental. Perdón por la expresión. Y esto es un enorme problema a lo largo de toda la película que me sacaba completamente del visionado. De hecho, su inteligencia es puesta en duda varias veces a lo largo de la película, sosteniendo que «no es tonto, es bueno», lo cual puede ser un rasgo comúnmente asociado a este colectivo. Otros elementos como la relación con la burrita y como quiere que los animales entren con él en la casa, afianzarían esta idea. El hecho de ver como la vida ordenada de una persona se derrumba a partir de una pequeña divergencia como idea ya digo que está bien, pero pierde todo el interés cuando el que sufre este comportamiento no tiene pleno control de sus actos por su discapacidad. Se pierde por tanto la posibilidad de que sea una metáfora aplicable al drama de los habitantes del medio rural. En todo caso, la interpretación de Colin Farrell como alguien estoico que no puede entender que su mundo se derrumba cuando él sigue haciendo lo mismo que hizo toda la vida, me parece espectacular.

De hecho, diría que excepto a la hermana de Pádraic que si es realmente lista y por eso sueña por conseguir un trabajo fuera de la isla, este calificativo de «retrasado» sería aplicable a más personajes de la película. Por supuesto al joven Dominic, aunque él muestra elementos de depresión por una vida de sufrimiento a la que no ve una salida. Pero también al propio Colm (Gleeson), cuyos actos más allá del interés de «hacer algo que le permita pasar a la historia y ser recordado» son completamente inverosímiles y completamente enajenados.

A partir de estos elementos y de una historia que es igual de plana que las vidas de estas personas, y por tanto no plantea tensión o emoción alguna durante el metraje, es difícil conectar con nada de lo que nos cuenta McDonagh. Hay además una serie de diálogos que buscan ser reflexiones importantes que se me quedan en frases vacías de libro de autoayuda de Hacendado. De hecho la escalada en las hostilidades de estos dos antiguos amigos llega a unas cotas rayando el ridículo. Como lo es también el final, resaltando que en los pueblos nada cambia realmente y todo acaba volviendo a su cauce.

No cabe duda que no conecto con el cine que hace McDonagh. Y no pasa nada, ya se sabe que para gustos, colores. Pero si me genera una tremenda incredulidad ver que para mucha gente esta pueda ser la mejor película del año. Incluso viendo las cosas interesantes que tiene la película, no lo puedo entender.

Comparto el trailer de la película:

Almas en pena en Inisherin me ha parecido un WTF? alucinante. No me ha gustado, las cosas como son.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Reflexiones de Domingo 6/2023 – El nuevo estreno del MCU reaviva la monserga del «agotamiento del cine de superhéroes»

Esta semana Marvel Studios hizo el pre-estreno de Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, la tercera película de Ant-Man dirigida por Payton Reed, protagonizada por Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michelle Pfeiffer, Michael Douglas, Kathryn Newton y la presentación de Jonathan Majors como Kang el Conquistador.

Tras las fotos de la alfombra roja y las primeras valoraciones de los críticos que la vieron (que he intentado evitar para enterarme de lo menos posible antes de ir a verla) el hype entre los fans está a tope. Esto se suma a la puesta en marcha de la maquinaria publicitaria de Marvel. En mi caso, no diré que me muero de ganas de ver Quantumanía, pero tengo claro que la pienso ver con mi hijo en pantalla grande y espero que sea un buen entretenimiento.

Junto a un hype que también hay que reconocer que en algunos ámbitos puede ser desmedido (¿será el último ejemplo de gente anunciando que es la «mejor película del MCU hasta la fecha»?), llegaron a las redes sociales los cansinos que se veían en la obligación de compartir con el mundo lo poco que les apetece ver esta película de Marvel Studios, y cómo piensan que esta vez si se va a confirmar que existe un claro «agotamiento» entre los espectadores hacia las películas y series de Marvel. Y no sólo fueron personas individuales, varias webs de noticias y cotilleos «serias» se apuntaron a publicar artículos con este mismo razonamiento más o menos clickbaitero. Lo sencillo sería que si algo no te gusta, con no verlo se solucionarían todos los problemas. Pero claro, en este mundo de las redes sociales y la gente que busca que le hagan caso con sus comentarios polémicos, parece que esto no es una opción. Es necesario gritar a los cuatro vientos lo mucho que NO te interesa algo. (Inciso, es el mismo caso de Avatar y su supuesta falta que «relevancia cultural», que hables de Quantumanía indica que SI te interesa, porque si no no estarías hablando de ello).

Recordando el viejo dicho de «no dejes que la realidad arruine un buen titular», la realidad es que van a pasar más de tres meses entre el estreno de Black Panther Wakanda Forever el 11 de noviembre y el 17 de febrero en que se estrenará Quantumanía. ¿Puede el público agotarse por películas tan espaciadas en el tiempo protagonizadas además por personajes diferentes? Porque más allá de pertenecer al MCU, qué poco tienen en común Shuri como Black Panther con Scott Lang. Desde luego no temáticamente, al ser la primera película una exploración del duelo ante la muerte de un ser querido y la otra una mega aventura familiar a nivel cósmico multiversal.

Marvel Studios estrenó 3 películas durante los 52 fines de semana de 2022 (Doctor Strange en el multiverso de la locura, Thor Love & Thunder y Black Panther Wakanda Forever) películas todas super rentables en la taquilla de todo el mundo. En este 2023 también estrenará otras tres, Quantumanía en Febrero, Guardianes de la Galaxia Vol. 3 (Mayo) y The Marvels (Julio). Tres película en los 52 fines de semana del año. ¡Whoa, qué exageración! (Modo irónico On)

Si añadimos las series de televisión de Disney+, Hulka terminó de emitirse en octubre, y después sólo hemos tenido el divertidísimo Especial Navidad de Guardianes de la Galaxia, estrenado en Noviembre. Incluso pensando en el MCU en su conjunto, es realmente absurdo que un consumidor de Marvel va a tener «agotamiento» habiendo pasado dos y meses y medio del último contenido. A esto hay que sumar que Invasión Secreta, la próxima serie del MCU de momento no tiene fecha de estreno confirmada, aunque se especula que se estrenará en Marzo, después del estreno de Quantumanía. Por cierto, que NO haya agotamiento del público hacia las películas de Marvel es compatible con que haya muchos espectadores que se hayan saltado alguna de las serie de televisión de Marvel, porque por un motivo u otro no les interesó.

Por cierto, en el post de 12 películas para 2023 ya comenté que la gran prueba de fuego del MCU de este año va a ser el estreno de The Marvels, dado que habrán pasado tan sólo dos meses desde el estreno de GdlG Vol.3 y la película de Capitana Marvel es una de las peor valoradas del MCU. Pero si The Marvels no iguala el éxito de las otras dos (o se la pega), no será porque hay agotamiento del público hacia Marvel, sino porque la primera película de Carol Danvers no gustó y el público no paga dos veces para ver algo que no le gustó la primera vez.

Pensando en las películas de Marvel y el supuesto agotamiento que provocan entre el público, a final de año se va a dar la circunstancia que van a pasar 10 meses entre el estreno de The Marvels (Julio 2023) y el de Capitán América Brave New World (Mayo 2024). Algo provocado, creo, por el retraso de la película de Blade. Cuando se estrene esta película creo que se va a beneficiar del tiempo transcurrido, creándose la sensación de evento, aparte del hecho de ver a Sam Wilson como Capitán América en pantalla grande. De nuevo, va a ser lo contrario a la existencia de algún tipo de agotamiento de las películas de Marvel.

Dado que criticar a Marvel Studios es algo super mainstream en el ámbito gafapasta y entre la competencia de Disney, entiendo que en parte esto del «agotamiento» no se refiere a Marvel en concreto, sino que hablan en general del género de superhéroes. Y claro, a pesar que Warner estrenará en 2023 cuatro películas de superhéroes, una más que Marvel, para criticarlo se mete todo en el mismo saco «Marvel». No se dice que hay agotamiento de las películas de Warner, aunque Black Adam fracasara en la taquilla, sino que el agotamiento es de Marvel. Anda que no se les ve el plumero ni nada.

Y pensando en todas estas películas de 2023, será perfectamente posible que Shazam 2, Blue Beetle o Kraven fracasen en taquilla, porque es imposible que todo sea un éxito de taquilla. La norma indica que no todas las comedias o películas de terror funcionan aunque el género sea popular. Lo anómalo es el éxito de Marvel Studios habiendo estrenado 30 películas hasta ahora, consiguiendo unas cifras y un éxito que ningún otro estudio ha conseguido a esta escala antes. Por eso los otros estudios y sus medios afines le tienen tanto odio a Marvel Studios, igual que no soportan el éxito de James Cameron haciendo lo que él quiera alejado de las modas y las indicaciones de los estudios normales.

Los medio especializados americanos normalmente consideran que a partir de ingresar x2.5 el presupuesto una película empieza a dar beneficios para el estudio. Black Adam no lo consiguió, al recaudar 393 millones en todo el mundo a partir de un presupuesto superior a 190M. Sin embargo, las películas del MCU de 2022 si resultaron rentables usando la misma fórmula: Doctor Strange 2 (955M para un presupuesto de 200M, x4.75 presupuesto), Thor L&T (750M – 250M, x3) y BPWF (840M – 250M, x3.4). Hablamos que sólo con el estreno en cine ya dieron beneficios. A eso obviamente hay que sumar los ingresos posteriores por el streaming, la venta de blue-rays, etc… En este sentido, que Thor consiga menos taquilla que Doctor Strange no significa que tenga pérdidas, sino menos beneficio.

En el caso de Quantumanía, lo principal a tener en cuenta es si va a resultar rentable. Teniendo en cuenta que se estima un presupuesto de 200M, con recaudar +600M (x3 ppto.) ya estaría dando beneficios, no le hace falta conseguir las cifras de Wakanda Forever para ser rentable. Unido a esto, la comparación realmente no debería hacerse con Black Panther, sino con las películas previas del personaje. La primera Ant-Man (2015) recaudó 520M a partir de un presupuesto de 150M (x3.5), Ant-Man y la Avispa (2018), consiguió 620M a partir de 190M (x3.25). Ninguna fue un taquillazo, pero a Marvel le llegó para tener beneficios con ellas. Si Quantumanía supera los 700M de recaudación, sería un éxito bajo cualquier punto de vista.

Pensando en el ridículo que hicieron algunos de estos mismos comentaristas estas navidades anticipando que Avatar 2 no iba a interesar a nadie, creo que ahora deberían tener un poco más de pudor a la hora de hacer algunas afirmaciones. Aunque claro, hay gente que no tiene sentido del ridículo o vergüenza ninguna, y hará lo que sea para tener clicks en su web o canal.

Pero vuelvo al principio, han pasado tres meses desde el último estreno de cualquier película de superhéroes de cualquier estudio. La realidad es la que es, por mucho que esta gente no quiera verlo o se intente engañar a si mismo viendo problemas donde no los hay para la gente normal con tres dedos de frente. Quizá eso es parte del problema, al notarse lo mal que les sabe a estos supuestos «influencers» o generadores de opinión cuando el público generalista no hacemos caso.

Si una película de Marvel no me gusta lo diré, por ejemplo Thor Love & Thunder. Pero sigo con ganas de ver el próximo estreno, y creo que la gran mayoría de gente piensa igual que yo.

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Crítica de Llaman a la puerta de M. Night Shyamalan

Se ha estrenado el nuevo ejercicio de estilo de M. Night Shyamalan Llaman a la puerta, y lamento decir que me ha parecido una de las películas más flojas de la filmografía del director afincado en Pensilvania.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Durante unas vacaciones en una cabaña en un bosque alejada de todo, una niña y sus padres se convierten en rehenes de cuatro desconocidos armados que obligan a la familia a tomar una decisión imposible para evitar el apocalipsis. Con acceso limitado al mundo exterior, la familia deberá decidir qué creer antes de que todo esté perdido.

Llaman a la puerta es la segunda película de la colaboración entre la productora de Shyamalan Blinding Edge Pictures con Universal Pictures, siendo Old (2021) fue la primera película de ese acuerdo. Shyamalan produce, dirige y escribió el guion de la película, a partir de un borrador inicial de Steve Desmond y Michael Sherman, adaptando la novela de 2018 The cabin at the end of the world de Paul G. Tremblay.

Fruto del acuerdo de dos películas con Universal, la película ha contado con un presupuesto de 20 millones de dólares, siendo rodada en su mayoría en localizaciones en Burlington County, Nueva Jersey entre abril y junio de 2022. Los directores de fotografía son Jarin Blaschke y Lowell A. Meyer, y cuenta con montaje de Noemi Katharina Preiswerk y música de Herdís Stefánsdóttir. Llaman a la puerta tiene una ajustada duración de 100 minutos, perfecta para el tipo de historia que presenta.

En el reparto encontramos a Jonathan Groff y Ben Aldridge como Eric y Andrew, una pareja que se va de vacaciones a una cabaña apartada del mundo con su hija adoptiva Wen (Kristen Cui). Los cuatro intrusos son Dave Bautista como Leonard, Nikki Amuka-Bird como Sabrina, Abby Quinn como Adriane y Rupert Grint como Redmond.

M. Night Shyamalan realiza un estupendo ejercicio de estilo y de narrativa cinematográfica en Llaman a la puerta. Se trata de una película rodada en un ¿90%? dentro de la localización de la cabaña en el que hay un uso perfecto de cada plano y cada encuadre para contar su historia de la forma perfecta. Shyamalan acierta también en el ritmo de la película, intercalando flashbacks del pasado de Eric y Andrew que nos hace conocerles un poco más, de cara al drama que van a vivir a partir de la decisión imposible que se les pide que tomen. Hay metáforas muy interesantes, como cuando Wen al principio de la película mete en un tarro a unos saltamontes que no distinguen la diferencia entre su nueva realidad dentro del tarro con la naturaleza, algo que igual es aplicable a la raza humana.

En el caso de esta película, el giro viene de la propia premisa, que hace que lo que apuntaba a un home invasion se transforme en un drama sobrenatural casi desde el primer momento. La película NO es terror, pero consigue mantener al espectador super enganchado ante las extrañas situaciones que esta familia va a tener que vivir. Y a pesar de todo, estamos ante una historia que pone el foco en el amor, en el amor por tu familia, pero el amor desinteresado que está dispuesto a sacrificarse por el bien de la humanidad.

Al tratarse de una historia de premisa, los actores están todos correctos y funcionales, pero destacaría a Dave Bautista de entre todo el reparto. Los primerísimos primeros planos que usa Shyamalan en bastantes momentos enfatiza el drama psicológico que viven los personajes y la tensión de las situaciones, lo cual es otro elemento muy destacable de la película. Realmente, en lo relativo a la narrativa cinematográfica, no se le puede poner un pero a esta película.

El problema es la historia en si. Tenemos una historia sin sorpresas en el que todo es como parece a partir que se establece de qué va la película. A pesar de un ligero intento de generar dudas sobre si lo que está pasando es real o una complicada venganza, al final todo sigue el plan marcado desde el comienzo hasta el final inevitable que se intuye desde el minuto uno. Y aunque la premisa es potente y Shyamalan consigue mantener el interés, creo que globalmente al conjunto le falta punch por todos lados. Comentaba que no es terror, pero tampoco plantea momentos memorables de un tensión imposible dentro de la corrección de todo el conjunto.

Por cierto, dada la naturaleza de película de presupuesto super ajustado, hay algunos efectos especiales en varios momentos de la historia que quedan regulares, incluso a pesar de intentar disimularlos al estar viendo esos hechos a través de la televisión. En este sentido, por un lado agradezco la libertad creativa que tiene ahora mismo Shyamalan gracias entre otros aspectos, a los bajos presupuestos con los que trabaja. Y ojalá siga pudiendo hacer sus películas durante mucho tiempo. Pero en el caso de Llaman a su puerta, a pesar de su premisa de casi una única localización, hubiera agradecido que pudiera contar con más medios.

Me sabe mal decirlo, pero creo que Llaman a la puerta es la película más floja de los últimos años de Shyamalan, con una historia que falla en el climax debido a la inevitabilidad y la corrección de todo el conjunto. Y a todo esto, me sorprende la calificación por edades de la película +16 en España y R en USA, dado que aunque hay varias muertes en la historia, realmente nunca se ve nada de forma explícita. Otro elemento correcto que no llega a impactar.

Comparto el trailer de la película:

Llaman a la puerta es un pequeño tropezón para Shyamalan. A pesar de ser un estupendo ejercicio de estilo, al conjunto le falta punch, quedando bastante descafeinada.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de Vesper de Kristina Buožytė y Bruno Samper

Tras su paso por el Festival de Sitges, tenía ganas de ver Vesper, película de ciencia ficción de Kristina Buožytė y Bruno Samper. Y la verdad es que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 8/10

Ambientada en un futuro distópico después del colapso del ecosistema de la Tierra, Vesper, una niña de 13 años que lucha por sobrevivir con su padre paralizado, conoce a una misteriosa mujer con un secreto que obliga a Vesper a utilizar su ingenio, su fuerza y sus habilidades de bio-hackeo para luchar por la posibilidad de un futuro. (FILMAFFINITY)

Vesper es una coproducción entre productoras de Bélgica, Francia y Lituania. Kristina Buožytė y Bruno Samper, directores y guionistas de la película, necesitaron cerca de 6 años para sacar este proyecto adelante. Previamente a Vesper, los directores colaboraron en la película Vanishing Waves de 2012. A la hora de realizar la película, que fue rodada en localizaciones en Lituania cerca de la casa de Buožytė, decidieron hacerla en inglés para intentar alcanzar a un público más alto.

La película de 114 minutos de duración contó con un presupuesto de 5 millones. La fotografía es de Feliksas Abrukauskas, el montaje Suzanne Fenn y Justin MacKenzie Peers, y la música Dan Levy

La película está protagonizada por Raffiella Chapman como Vesper, una niña de 13 años que vive sola con su padre y demuestra una gran aptitud para el biohacking. Eddie Marsan es Jonas, el tío de Vesper y brutal líder de un grupo cercano de supervivientes. Richard Brake es Darius, el padre de Vesper y hermano de Jonas, paralizado pero siempre siguiéndola a través de un dron parlante. Por último, Rosy McEwen es Camellia, una ciudadana de la Ciudadela cuya nave se estrelló en el bosque antes de ser rescatada por Vesper.

Vesper ha sido descrita como un cuento de hadas de ciencia ficción, y cuenta con un punto de partida interesante, si bien no enteramente original: «La nueva Edad Oscura. La humanidad intentó evitar la inminente crisis ecológica invirtiendo masivamente en tecnología genética. Pero fracasó. Los virus y organismos modificados escaparon a la naturaleza. Acabaron con plantas comestibles, animales y grandes poblaciones humanas. Una oligarquía prospera ahora en ciudades cerradas llamadas «ciudadelas» mientras todos los demás luchan por sobrevivir. Para alimentarse, la gente depende de las semillas que comercian las ciudadelas. Sin embargo, éstas están codificadas para producir una sola cosecha.»

Y tengo que decir que Vesper me ha parecido fantástica. Hacía mucho tiempo que no veía una película de ciencia ficción que me resultara tan original y que no fuera derivativa de nada previo. Junto a su premisa que como acabáis de leer entraría dentro del género de futuro distópico, Vesper, los directores Kristina Buožytė y Bruno Samper añaden un toque de cuento de hadas oscuro que hace que la historia funcione de maravilla de principio a fin y adquiera una nueva dimensión.

A pesar de vivir en un mundo terrible que la ha golpeado duro, Vesper es una protagonista positiva que no ha perdido la fe y trabaja en hacer un mundo mejor. Esta cualidad es una anomalía si la comparamos con la mayoría de historias postapocalípticas actuales que muestran al individuo barrido por el desastre que bastante tiene con intentar no morir en un mundo donde el bien y el mal no existen, sólo el deseo de sobrevivir a cualquier precio. En ese sentido, parece que la sombra de The Walking Dead ha marcado muchísimo a la ciencia ficción, además de las paranoias actuales sobre un inevitable desastre medioambiental más o menos inminente.

Me encanta el diseño de producción de la película. Vesper nos muestra una ecología única en este mundo desolado, con unas plantas y semillas únicas que no me recordaban a nada visto anteriormente. Hay además unas prótesis faciales para mostrar algunas deformidades en los habitantes de este páramo casi desolado que me dieron un mal rollo bestial. El dron usado por el padre de Vesper para acompañarla mientras se encuentra postrado en una cama me parece una chulada, mezclando elementos tecnológicos y biológicos como si Buožytė y Samper fueran alumnos aventajados de Cronenberg. Aparte del mal rollo que da ver físicamente al padre de Vesper todo entubado y con algunos órganos fuera del cuerpo. El conjunto tiene un feel cercano a lo esperable en un cuento de los Hermanos Grimm con un toque biotecnológico que le pega completamente.

Otro elemento muy interesante a destacar es su uso de la narrativa sin diálogos, con largos silencios mientras Vesper atraviesa el bosque o realiza descubrimientos en su laboratorio. Esta elección funciona muy bien para imprimir a la película con un tono único que la aleja de los fundamentos esperables de la ciencia ficción americana y consigue que el conjunto tenga una enorme personalidad. Vesper no es una historia de acción, y por tanto podría decirse que tiene un ritmo pausado, aunque nunca aburrido, gracias a su worldbuilding super inmersivo que me atrapó y me dejó con ganas de conocer más de este mundo, y al giro de la película que añadió otra capa super interesante a un mundo que ya me había ganado.

Normalmente suelo comentar en mis reseñas aspectos positivos y negativos, y en este caso no se me ocurre nada menos bueno que comentar de una película estupenda super recomendable. Lo único, resaltar que debido a tratarse de una película Lituana Vesper ha tenido una distribución nula. Su diseño de producción me llamó la atención cuando se anunció en el pasado festival de Sitges, pero realmente ha sido imposible verla no ya en cines, sino en alguna plataforma. De hecho, tuve que comprar el Blu-ray en la edición francesa porque no existe en castellano, y es una pena que una película tan fascinante vaya a pasar completamente inadvertida.

Comparto el trailer de la película:

Vesper es una película imaginativa con mucho corazón, una de las propuestas de ciencia-ficción más redondas de los últimos tiempos que no puede ser más recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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