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Crítica de Tales of the Jedi temporada 1 (Disney+)

Dave Filloni vuelve al periodo temporal que más le gusta de Star Wars con Tales of the Jedi, colección de seis cortometrajes de animación que ha estrenado recientemente Disney+ y que hará las delicias a los fans de la franquicia galáctica.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Una serie de 6 episodios que presenta varias historias en torno a los jedi de las precuelas. Adéntrate en la historia de dos jedi muy distintos: Ahsoka Tano y el Conde Dooku. Ambos serán puestos a prueba y tendrán que tomar decisiones que marcarán su destino.

Reconozco que nunca conecté con la trilogía precuela de Star Wars. Pero no es el caso de Dave Filloni, que encuentra en ese periodo de la franquicia galáctica el terreno donde cimentó su fama gracias, entre otros, a The Clone Wars. Durante el rodaje de The Mandalorian, empezó a escribir historias cortas de diferentes personajes, lo que acabó convirtiéndose en esta serie de animación.

Filoni describió la serie como una exploración de «dos caminos y dos opciones», al estar centrados en los personajes de Ahsoka Tano y el Conde Dooku. Cada personaje es explorado en tres épocas diferentes de su vida y ofrece un contexto a sus motivaciones y al sentido de sus acciones durante las películas (Dooku) y las series de animación (Ahsoka)

La serie consta de seis episodios, cinco de los cuales están escritos por Filoni y el otro por el escritor de The Clone Wars Charles Murray junto con Élan Murray. Cada episodio dura aproximadamente 15 minutos y tuvieron como directores a Saul Ruiz, que dirigió cuatro, y a Nathaniel Villanueva y Charles Murray. Filoni es el creador, director supervisor y productor ejecutivo de la serie.

Al tratarse de una antología de cortos de animación con historias autoconclusivas, voy a hacer un comentario sobre cada uno de los episodios. Pero a nivel general ya anticipo que me ha gustado bastante esta serie. De hecho, si algo malo le veo a esta serie es que hayan sido tan sólo 6 episodios, que se visionan en un suspiro y han sabido a super poco. Dentro de esto, entiendo que Filloni es muy listo, al centrarlos en dos personajes tan dispares como Dooku y Ahsoka, de forma que ayudan a crear un contexto que sobre todo Dooku no tuvo en las películas de George Lucas. Tales of the Jedi me parece una gran idea y un éxito total, y me gustaría que ampliaran el concepto a nuevos / viejos personajes en (espero) las próximas temporadas.

Paso a comentar cada uno de los episodios:

EPISODIO 1 – VIDA Y MUERTE

Una niña pasa un ritual de iniciación con resultados inesperados.

Dirigido por Nathaniel Villanueva y con guion de Dave Filloni, en este corto inaugural asistiremos al primer viaje de caza de una bebé Ahsoka Tano con su madre, Pav-ti Tano, con tan sólo un año. Y curiosamente estamos ante el corto más flojo de esta tanda de episodios, con el principal interés de conocer que fue su madre la que la invitó a vivir su vida sin miedo, algo que será más evidente en The Clone Wars y en adelante.

EPISODIO 2 -JUSTICIA

Dos Jedi tienen la misión de liberar a unos rehenes en un planeta remoto.

El arco del Conde Dooku en esta antología de cortos me ha parecido super interesante, al conocer el nivel de corrupción e inmovilismo que acosa a la República pero también de unos Jedi atrapados por la burocracia y más interesados en las normas internas que en ayudar a la gente que lo necesita. En este corto con guion de Filloni y dirigido por Saul Ruiz, a partir de una misión en la que el Maestro Jedi Dooku y su Padawan, Qui-Gon Jinn son enviados a un planeta para recuperar al hijo secuestrado de un senador, descubrirán que en realidad el senador está abusando de su pueblo mientras todos los poderes de la galaxia miran hacia otro lado. Esto ofrece una dura lección para Dooku, que a punto está de caer en el lado oscuro para castigar a este senador. Además de la sorpresa de tener a un joven Qui-Gon Jinn, el episodio nos da una clave de la evolución de Dooku al lado oscuro, que es la búsqueda de la lucha contra la corrupción de los poderes públicos.

EPISODIO 3 -DECISIONES

Unos caballeros Jedi investigan la misteriosa muerte de uno de los suyos.

Episodio dirigido por Charles Murray con guion suyo y de Élan Murray, en el que Los Maestros Jedi Conde Dooku y Mace Windu investigan la misteriosa muerte de uno de los suyos que resulta estar provocada por un nuevo caso de corrupción que los Jedi anclados en sus normas parecían no querer resolver. El contraste entre Dooku que busca hacer lo correcto sin importar la forma y un Mace Windu obsesionado con las normas por encima de todo lo demás, es el ejemplo perfecto del cáncer que se extendía por las instituciones de la galaxia y permitieron el ascenso de Palpatine. Otro buen episodio.

EPISODIO 4 -EL LORD SITH

Un maestro Jedi descubre algo que lo perturba.

Dirigido por Saúl Ruiz y con guion de Filloni, el episodio tiene un montón de apariciones estelares, empezando por Yaddle, la maestra Jedi que comparte raza con Yoda. Este episodio muestra, además de varias conexiones con La Amenaza Fantasma y El ataque de los Clones, la caída de Dooku al lado oscuro, no sin antes resaltar de nuevo a un Consejo Jedi atado por su propio inmovilismo que sin duda ayudó al triunfo de Palpatine, al no enterarse de lo que estaba pasando debajo de sus narices. Con este corto se cierra el arco de Dooku, y me ha parecido super interesante la forma en que han añadido detalles que si bien no amplían el lore, ayudan a dar contexto a las decisiones que tomó este Jedi caído, haciendo que sea mucho más interesante de lo que fue en su triste aparición en las películas de George Lucas.

EPISODIO 5 -LA PRÁCTICA HACE A LA MAESTRA

Una padawan se somete a un ejercicio en apariencia imposible de superar.

Saúl Ruiz y Filloni vuelven a reunirse en un corto de apariencia sencillo que aporta un montón de información sobre el carácter de Ahsoka y cómo el que nunca se rinda tiene mucho que ver con su maestro Anakin Skywalker. La historia sirve de buenísima explicación de por qué Ahsoka fue prácticamente la única Jedi que sobrevivió a la Orden 66 que provocó que los soldados clones traicionaran a sus amigos Jedi y acabaran con ellos. Episodio super importante para el lore de Star Wars, en el que se nota que Filloni busca rellenar los huecos para hacer que la franquicia sea aún más cohesionada y apasionante.

EPISODIO 6 -RESOLUCIÓN

Una antigua Jedi se encuentra con la certeza de los Jedi no pueden ser lo que no son.

Con dirección de Saul Ruiz y guion de Filloni, el último episodio del arco de Ahsoka en esta antología comienza en el funeral de Padmé Amidala y la caída de la República (vista en Star Wars Episodio III: La venganza de los Sith y en la séptima temporada de Star Wars: The Clone Wars). Tras contactar con el Senador Bail Organa, Ahsoka se esconde y se convierte en granjera, pero una traición la convencerá que no debe seguir escondida y ha llegado la hora de volver a la lucha. La aparición del Sexto Hermano Inquisidor ofrece un momento super potente que ayuda a que el episodio se sienta como el climax de esta primera tanda de Tales of the Jedi y nos deje a los espectadores con buen sabor de boca.

En resumen, a pesar de su brevedad creo que Dave Filloni ha encontrado oro con este formato de cortometrajes. Espero que Disney y Lucasfilm no lo duden y podamos tener pronto una segunda tanda de Tales of the Jedi de nuevo con Filloni a los mandos que amplíe el lore de otros personajes, o incluso pueda servir de presentación de algunos nuevos.

Comparto el trailer de esta serie:

Tales of the Jedi es café para los muy cafeteros, pero el buen hacer de Filloni y su han conseguido que me enganchara.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de La noche del fin de los tiempos de Morgan Galen King y Philip Gelatt (Prime Video)

Vi hace tiempo el trailer de La noche del fin de los tiempos (The Spine of night), película de animación englobada en el género de la Espada y Brujería que busca recrear el feeling de las películas clásicas de Ralph Bakshi de los 70 y 80, y me llamó muchísimo la atención. Me quedé con ganas de ver esta película, y gracias a Prime Video mis deseos se han hecho realidad. Y para bien y para mal la película nos da justo lo que parecía.

PUNTUACIÓN: 6/10

Una fantasía épica y ultraviolenta que sigue los códices de la Espada y la Brujería más clásica y cuenta con las irrepetibles voces de Lucy Lawless y Richard E. Grant. «La noche del fin de los tiempos» es, ante todo, una clase magistral de animación profundamente ochentera que recupera el buen gusto visual de autores como Ralph Bakshi («El Señor de los Anillos») y la despiadada bestialidad de obras como «Heavy Metal» o «Primal».

Cuando una antigua y poderosa magia caiga en las manos equivocadas, un grupo de héroes de distintas culturas y procedencias deberán reunirse para derrotar al mal. A cualquier precio.

La noche del fin de los tiempos ha sido dirigida por Philip Gelatt y Morgan Galen King, que también escribieron el guion. Gelatt realizó la película de terror en imagen real They Remain (2918) y escribió el guion del drama de ciencia ficción y misterio Europa Report. También escribió 15 episodios de la antología Love, Death & Robots en Netflix. King es un animador que ya había colaborado anteriormente con Gelatt.

Los autores querían contar una historia adulta dentro del género fantástico. La estética que encontraron adecuada para ello fue la animación rotoscópica dibujada a mano, que era la preferida a finales de los 70 y principios de los 80. Los dibujos se crearon en el ordenador, pero a 12 fotogramas por segundo, como era habitual en la animación por rotoscopio. En esta técnica de animación, los artistas dibujan a mano sobre secuencias de acción real, fotograma a fotograma. Gelatt y King se inspiraron en las ilustraciones de fantasía y ciencia ficción de Frank Frazetta y en la obra de Ralph Bakshi, autor entre otras de la película de animación de El Señor de los Anillos (1978) y de Fire and Ice (1983), que claramente han inspirado a esta película.

En las voces originales tenemos a Richard E. Grant como El Guardián, Lucy Lawless como Tzod, bruja del pantano, Patton Oswalt como Lord Pyrantin, Betty Gabriel como Phae-Agura, Joe Manganiello como Mongrel y Jordan Douglas Smith como Ghal-Sur

La noche del fin de los tiempos es una interesante historia de espada y brujería que nos presenta un mundo con reminiscencias Lovecraftianas en la que Dioses primigenios dejaron a su progenie en un mundo desolado en el que el más fuerte se queda con todo y el débil muere. Un mundo en el que los restos de esos semidioses poseen poderes mágicos que permiten a quien los domine doblegar a todos los pueblos y destruir a quien no se rinda ante su poder. La forma en que se utilizan a varios narradores para conocer la historia en toda su extensión me parece muy chula, formando un crisol de pequeñas historias que forman un lienzo completo cuando lo ves en su conjunto. Al igual que el propio concepto de un mundo desolador y sombrío en el que el mal vence, un mundo sucio en el que la vida humana no vale nada, lo cual cuadra con lo que se supone que es la vida en un mundo fantástico como este.

Sin embargo, una vez vista la película, me doy cuenta que el argumento de la película genera mucha desinformación, porque realmente la película no va de «… un grupo de héroes de distintas culturas y procedencias deberán reunirse para derrotar al mal». Y es que durante el 90% del tiempo veremos el origen del mundo, como este mago se hace con el control de este poder y la forma en que lo usa para destruir durante años a todo aquel que se le opone. La parte de héroes luchando contra el mal es algo que vemos únicamente muy muy al final, y ni siquiera llegamos a conocer las identidades de estos personajes. No tengo claro los datos de producción, pero la sensación que me da es que aunque pudiera ser que hubieron detalles de la historia que no llegaron al montaje final, diría que estamos ante un caso de que ante una historia complicada de vender, los productores han optado por presentar un argumento bastante normal de lucha del bien contra el mal para promocionarla.

Quizá el principal problema que le veo a la película es su animación. Y está claro que desde su concepción La noche del fin de los tiempos nace como homenaje a la animación de los años 70 y 80 utilizando las mismas herramientas de esa época. Y si se valorara sólo la intención, la verdad es que lo habrían cuadrado y el resultado sería de 10. Lamentablemente, más allá del homenaje, todo luce terriblemente cutre, en parte por el número de fotogramas por segundo y por una animación de mínimos con un uso de la rotoscopia que provoca unos personajes feístas a más no poder. Como decía, no encontré casi datos de la producción y supongo que habrán tenido que trabajar con un presupuesto bajísimo que ha marcado el resultado final. Pero incluso aceptando esto, como espectador que invierto 100 minutos de mi tiempo, no me vale que digan que algo es cutre a propósito, pudiendo haber hecho «bien» una película con feeling ochentero pero con una animación más acorde a los tiempos que estamos. Y por supuesto no buscaba en esta película una perfección tipo Pixar, pero puestos a copiar a Bakshi, podían haber mirado El Señor de los Anillos, no la animación de Heavy Metal. Esto es un problema importante que me impidió disfrutar de la película. Si os fijáis en el poster de la película, pocas veces una imagen es menos representativa de lo que vemos a ver en su interior.

Otro tema es el referido a la violencia explícita y a los desnudos. Los directores plantean desde su concepción una historia para adultos, y supongo que para resaltar el elemento mitológico toman una decisión creativa bastante cuestionable, que es mostrar a la protagonista la Bruja Tzod completamente desnuda durante toda la película. A ella y a numerosas personas hombres y mujeres durante el metraje. Y lo cierto es que pensaba que no era pudoroso, pero estar viendo todo el rato los pechos o el culo de la protagonista me ha distraído completamente y me sacaba del visionado. En lo referido a la ultra violencia, hay numerosas muertes y desmembramientos super explícitos, pero por la limitación de la animación, estos momentos quedan raros por la falta de sangre y gore. No diría que mal, pero si extraños.

Como veis, no he acabado de conectar con la propuesta de Philip Gelatt y Morgan Galen King, pero aplaudo que se hagan cosas diferentes dentro de la animación que nos saquen de nuestra zona de confort, incluso cuando no acaben de funcionarme.

Comparto el trailer de la película:

La noche del fin de los tiempos es una película curiosa que se siente casi como un anacronismo debido a una animación que no ha envejecido nada bien.

PUNTUACIÓN: 6/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Primal temporada 2 (HBO Max)

Los amantes de la animación para adultos estamos de enhorabuena, ya que junto al estreno de la tercera temporada de Harley Quinn, HBO Max ha simultaneado la brillante segunda (y posiblemente última) temporada de Primal, la serie creada por Genndy Tartakovsky sobre la amistad de un neandertal y un Tiranosaurio Rex.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Ambientada en un mundo prehistórico anacrónico y fantástico, la premisa es un vínculo entre un neandertal llamado Spear y un dinosaurio llamado Fang mientras luchan por sobrevivir.

Tras el final de la primera temporada en la que Spear y Fang descubrieron la existencia los humanos cromañón y en concreto de Myra, una joven que fue exclavizada por un grupo que la tatuó un símbolo de un escorpión en la cabeza, la pareja empezará un viaje para intentar rescatarla en el que conocerán otras tribus y razas humanas de la Edad de Hierro.

Primal es una serie de televisión de animación para adultos creada y dirigida por Genndy Tartakovsky para el bloque de programación nocturna de Cartoon Network, Adult Swim. Primal está ambientada en una visión deliberadamente anacrónica de la prehistoria, en la que los dinosaurios, los homínidos prehistóricos y los homo sapiens de la Edad de Hierro coexisten en el mismo período de tiempo bárbaro, e incorpora muchos elementos de fantasía, terror, acción y aventura. Primal ha recibido un amplio reconocimiento de la crítica, con muchos elogios por su animación, narración, música, profundidad emocional, elementos de terror y edición. La serie ha ganado tres premios Emmy Outstanding Individual Achievement in Animation Juried Awards al mejor artista de storyboards (Genndy Tartakovsky), al director artístico (Scott Wills) y al diseñador de personajes (Stephen DeStefano). Junto a Tartakovsky y su equipo, merece la pena destacar una brillante banda sonora realizada por Tyler Bates y Joanne Higginbottom.

La primera temporada de Primal estuvo dividida en dos partes de 5 episodios cada una que nos supieron a muy muy poco. Para esta segunda temporada por fin tenemos 10 episodios emitidos de forma semanal por HBO Max que han sido espectacularmente satisfactorios. Si la primera temporada estuvo ambientada en un mundo prehistórico y Fang y Spear tenían que enfrentarse a amenazas del mundo animal, la llegada de otros seres humanos parece hacer avanzar la historia decenas de miles de años, hasta una Edad de Hierro un tanto fantástica en la que encontramos vikingos, egipcios, romanos, reinos orientales y otras tribus diferentes.

Que hayan humanos no hace que los nivel de sangre y violencia disminuyan. Incluso diría que es al contrario, con episodios super hardcore como el combate contra la tribu de vikingos que me ha parecido una barbaridad. Pero no es sólo la ultra violencia, si algo tiene Primal que hace que nos enganche es la alucinante narrativa sin diálogos de la serie y como ello no impide que conectemos con los protagonistas, aunque uno sea una dinosaurio hembra. Una pareja protagonista a la que se les une Mira, una cromañón que lucha por escapar de la esclavitud. Fang y Spear son una pareja increíble y los dos van a tener su dosis de dolor y sufrimiento mientras intentan sobrevivir a un mundo aún más violento que el natural.

Un cambio interesante entre la primera temporada y esta es que la naturaleza es dura y se rige por el matar o morir, pero hablamos en la mayoría de los casos de luchas de poder o por el territorio de animales que buscaban su alimento para ese día. Sin embargo, en cuanto llega la humanidad, llega la maldad y tenemos un mundo de fuertes que esclavizan a débiles y que les usan a su antojo en la búsqueda de acumular más poder. En este sentido, me gusta que frente a la visión idílica y casi romántica de los vikingos que otras series han llevado a la televisión, Primal incida en el aspecto terrible de depredador esclavista que tenía su cultura. De igual forma, la gran villana de esta temporada es la cruel Ima, la reina de una raza egipcia que viaja para destruir toda civilización con que se encuentre y que utiliza la estrategia de rehenes para mantener controlados a sus guerreros más poderosos. En estos tiempos en que la corrección política y los identitarismos han colonizado el entretenimiento, ha resultado un soplo de aire fresco encontrarme con una mujer en una ficción que es una villana pura, el mal personificado. Alguien que merece la muerte y que te alegras cuando le llega su hora.

A medida que avanza la serie todo se vuelva más sangriento y exagerado. De hecho, si tengo un pero a la serie es la forma en que Fang y Spear reciben decenas y decenas de flechazos y otras heridas en sus campañas militares y siguen como si nada, algo que no pasaba al principio de la temporada cuando las heridas tenían algo más de consecuencias. Dicho esto, realmente Primal nunca fue una serie «realista» y en el contexto en que estas heridas se producen tiene su lógica. Realmente no es un problema importante ni desde luego me ha impedido disfrutar de una serie que he disfrutado una barbaridad.

Los episodios de 20 minutos la verdad es que han pasado en un suspiro y siempre me dejaban con ganas de más. En este sentido, creo que Primal no es una serie para ver semanalmente precisamente por esta duración tan reducida de los episodios. Dicho esto, me vi los 10 episodios durante el fin de semana y la experiencia no ha podido ser más satisfactoria.

Además, me gusta que Tartakovsky haya contado su historia en estas dos temporadas y nos deje con una sensación tan satisfactoria sin necesidad de alargar la serie más de la cuenta. El mundo de Primal es violento y la esperanza de vida no es muy alta, pero los protagonistas se aferran a su vida con uñas y dientes, consiguiendo un final que siendo casi inevitable, resulta perfecto.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

La segunda temporada de Primal ha resultado super satisfactoria y un gran final de la historia. Ojalá sea un éxito de audiencia y Tartakovsky pueda seguir creando muchas más historias de esta calidad.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Harley Quinn temporada 3 (HBO Max)

Aprovechando mi suscripción a HBO Max para ver La Casa del Dragón he aprovechado para ver la tercera temporada de Harley Quinn, la serie de animación para adultos protagonizada por la antigua novia del Joker. Y aunque la serie ha empezado bien, tengo graves problemas con el final de temporada.

PUNTUACIÓN: 6/10

El caos y la locura continúan en la tercera temporada de esta mordaz y desternillante serie de animación para adultos. Concluyendo su temporada «Come. ¡Bang! Matar. Tour», Harley Quinn y Hiedra Venenosa regresan a Gotham como la nueva pareja de villanos de DC. Junto con su equipo -King Shark, Clayface y Frank la Planta-, «Harlivy» se esfuerza por convertirse en la mejor versión de sí mismas, al tiempo que trabaja por el ansiado plan de Hiedra de transformar Gotham en un paraíso del Edén.

Desarrollada por Justin Halpern, Patrick Schumacker y Dean Lorey, la tercera temporada de Harley Quinn cuenta con Chrissy Pietrosh y Jessica Goldstein como co-showrunners junto a Schumacker y Justin Halpern.

En la versión original tenemos de nuevo a Kaley Cuoco como Harley Quinn, Lake Bell como Hiedra Venenosa, Alan Tudyk como The Joker, Clayface, Ocean Master, Ron Funches como King Shark, JB Smoove como Frank the Plant, Tony Hale como Dr. Psycho, Christopher Meloni como Commissioner Gordon, James Adomian como Bane y Clock King y Diedrich Bader como Batman / Thomas Wayne.

Disfruté muchísimo las dos primeras temporadas de Harley Quinn. Su humor bestia, el nivel de sangre y violencia y que pudieran ir a su aire sin tener que respetar ningún tipo de continuidad consiguieron que la serie fuera sin duda el éxito sorpresa más satisfactorio de la actual producción audiovisual de DC / Warner / HBO. Así que tenía muchas ganas de ver por donde irían los tiros en esta tercera temporada. Y la verdad es que excepto un GRAN PROBLEMA que luego comentaré, la serie me estaba dejando bastante satisfecho. Tras la confirmación del romance entre Harley e Ivy en la temporada anterior, esta temporada se centra en la forma en que ambas tienen que aceptar a su pareja cómo es, con lo bueno y lo malo. La locura que es Harley no debería encajar con el mundo tranquilo y ordenado que busca la doctora Pamela Isley, sobre todo ahora que ha recuperado su plan maligno de convertir Gotham en un jardín destruyendo la ciudad y sus habitantes. Pero sin embargo funciona, y su relación me parece una delicia de principio a fin, creando una relación que transmite empatía y cariño mutuo que es lo mejor de la serie.

Junto a la pareja protagonista, me encantan los secundarios. Escuchar a Bane en la versión original es una pasada divertidísima, y lo mismo para King Shark o Clayface. Junto a ellos, Batgirl aspira a convertirse en LA defensora de Gotham, recibiendo la ayuda de un Nightwing sobre el que los productores y guionistas dirigen su mirada para reírse abundantemente a su costa. Junto a ellos, Joker es un personaje demasiado goloso para dejarle correr, y volveremos a tenerle en la serie en su nuevo papel de padre y marido respetuoso que vive en los suburbios. De hecho, que la serie le dedique un episodio monográfico me ha gustado, resaltando el hecho que en esta serie todo es posible.

Es curioso que hace pocos meses The Boys incluyó el Herorgasm en su tercera temporada y Harley Quinn haga algo similar en esta. No tengo claro quien copió a quien si es que eso sucedió. De hecho, teniendo en cuenta los tiempos de producción de la animación, lo más probable es que fuera esta serie la que primero empezara a trabajar en el episodio en cuestión, aunque la orgía de héroes aparecía ya en el comic de Ennis y Robertson. Así que más que «¿quién copió a quien?» podemos estar en el caso que dos equipos creativos diferentes empleen el mismo argumento para uno de sus episodios sin saber de la existencia del otro. Dicho esto, me parece una casualidad increíble.

En cierto sentido me parece que los productores de Harley Quinn han sido bastante cobardes en esta temporada. Lo digo porque hasta la fecha Harley e Ivy eran sin duda alguna villanas cometiendo delitos y buscando cumplir sus objetivos egoístas. Lo cual realmente era un soplo de aire fresco dentro del actual panorama televisivo americano en el que toda historia debe tener un objetivo moralizante o de visibilización de colectivos oprimidos. Esto ya no se cumple en esta temporada. A pesar de la ultraviolencia que sigue presente, Harley hace su transición de villana a heroína. No a antiheroína, no. A heroína. Y al mismo tiempo mantiene su relación con una Ivy que no renuncia a sus fechorías y a sus planes de terraformación del planeta, pero un poco si. A pesar de todo lo punkies que dicen ser de boquilla, la evolución del personaje de Harley no puede ser más mainstream y esperable.

Harley Quinn es una exageración andante, tampoco es que haya que tomársela demasiado en serio, las cosas como son. Ofrece un entretenimiento over-the-top para los fans del universo DC (o simplemente a las fans de la antigua novia del Joker que tantos y tantos cosplays protagoniza en casi cualquier evento). Es una serie muy divertida y el 90% del tiempo me ha dado un entretenimiento estupendo.

Sin embargo, hay algo que me ha fastidiado mucho mucho en el final de la temporada, hasta el punto que me estoy planteando NO ver una posible continuación en caso que se realice. Pero es algo que no puedo comentar sin entrar en SPOILERS, así que sigue leyendo bajo tu responsabilidad.

Entrando en territorio de spoilers, si algo no me acabó nunca de gustar de la serie era el tratamiento del Comisario Gordon, convirtiéndole en un borracho amoral igual de malo que los villanos (las villanas) que dice querer detener. Como decía, acepto sin problemas que esta serie no abrace ninguna continuidad y pueda contar la historia que quiera sin problemas. El caso de Batman / Bruce Wayne era más complejo, ya que aceptaba precisamente este elemento de NO continuidad y la realidad que si Batman apareciera «normal», no habría serie de Harley porque estaría siempre detenida sin más. La forma en que se lo quitaron de en medio en gran parte de la segunda temporada me pareció un elemento necesario que funcionó bien en el contexto de la serie.

En esta tercera temporada han llevado todo un paso más allá al convertir a Bruce en un lamebotas ridículo que pierde la salud mental cuando Selina rompe con él. Y hasta eso lo acepté sin problemas porque esta serie merece contar su historia a su aire, etc, etc… Aparte que el episodio en que Harley entra en la mente de Bruce para descubrir información que necesita pero acaba ayudando a una mente rota me parecen estupendos. Hasta ese momento todo iba bien y no tenía problema con los cambios.

Sin embargo, el climax final en que el Alcalde Joker detiene a Bruce por fraude fiscal y él reconoce haber cometido el delito y acepta ir a la cárcel me parece penoso. Penoso por lo que supone para un personaje tan icónico como él, dentro que él no es el protagonista de esta serie. Pero penoso además porque pone encima de la mesa el actual pensamiento woke en el que todos los hombres blancos son (somos) culpables de algo, abrazando las teorías del «white privilege» tan extendidas en los Estados Unidos. En otro momento de la serie alguien le dice a Bruce específicamente que sería mejor si empleara su riqueza para ayudar a los pobres y dar becas de educación.

Esto por supuesto conecta con el sorprendente giro del Joker de hacerse alcalde porque quiere que su hijo adoptivo pueda recibir una beca, haciendo una crítica muy poco sutil a la cultura política maintream actual. Lo cual no tiene nada de malo si no fuera lo parecido que resulta con ese engendro que fue Joker de Todd Phillips, donde se abrazaban todas las teorías antisistemas mientras tiraba la piedra y escondía la mano. Esta serie está diciendo lo mismo que la película de Phillips, pero con una versión más friendly y cool. Y qué casualidad que dos obras mainstream de una gran corporacón como Warner repita estos elementos.

Cuando veo algo tan penoso como es mostrar a Bruce como un defraudador (un delincuente), me han roto la suspensión de credulidad metiéndome un panfleto político de la peor calaña. Y ha provocado que el castillo de naipes se me ha derrumbado de forma clamorosa. Hasta ahora he aguantado con humor que todos los hombres blancos sean villanos o personajes patéticos. El humor siempre es a costa de Bruce, Gordon o Nightwing, nunca de una mujer. Y no es un tema de reírse de los héroes, no hay bromas a costa de Batgirl ni desde luego su caracterización la hace parecer nada más que una heroína que busca hacer lo correcto. Por poner otro ejemplo, Selina (Catwoman) es mostrada como una elitista, pero el humor nunca es a su costa. Aceptaba el humor chungo a costa de los hombres porque de alguna manera ofrecía algo diferente y era entretenido, las cosas como son. Y porque no hay duda que hay diferencia entre Gordon y Batman. Pero en el momento en que veo el panfleto político y la soflama identitaria, me han tocado la moral de la peor forma posible. Tengo claro que Harley Quinn está siendo un éxito entre el fandom, a mi 9 de los 10 episodios me estaban gustando mucho. Pero una vez queda claro de qué va esto, creo que mejor conmigo no cuenten.

Comparto el trailer de esta tercera temporada:

Harley Quinn me parece una serie divertidísima, pero reconozco que los ramalazos woke in-your-face me han molestado bastante. En todo caso, el todo irreverente consiguen que el visionado sea mayoritariamente satisfactorio si no piensas en lo que realmente te están mostrando.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de El monstruo marino de Chris Williams (Netflix)

Llega el verano y además de su avalancha de estrenos semanales, Netflix ha preparado una interesante oferta familiar con El monstruo marino, película de animación dirigida por Chris Williams (Big Hero 6, Vaiana).

PUNTUACIÓN: 7/10

Una niña intrépida y un famoso cazador de monstruos marinos unen fuerzas para encontrar a una poderosa bestia.

Chris Williams (1968) es un animador, director de cine, guionista y actor de doblaje estadounidense que dirigió el cortometraje Glago’s Guest y codirigió Bolt, que fue nominado al Óscar a la mejor película de animación en 2009, Big Hero 6, que ganó el Óscar a la mejor película de animación en 2015 y Vaiana, que fue nominada a dos Óscar a la mejor película de animación y a la mejor canción original en 2016. Williams además de dirigir, siendo esta su primera película como director en solitario, produce y escribe el guion junto a Neil Benjamin.

El monstruo marino es una producción de Netflix Animation, y cuenta con una duración de 119 minutos, más de lo habitual para una película de animación. En su versión original cuenta con las voces de Karl Urban, Zaris-Angel Hator, Jared Harris y Marianne Jean-Baptiste. Para terminar con los aspectos de la ficha técnica, comentar que la música corre a cargo de Mark Mancina.

El monstruo marino es una buena película que recuerda las antiguas películas de aventuras que disfrutamos toda una generación los sábados por la tarde. Por un lado tenemos las historias de piratas tipo Piratas del Caribe, pero también el cine de aventuras marinas tipo Master and Commander, con el añadido de estar en un mundo donde poderosos monstruos marinos ponen en peligro la navegación del reino humano, según nos cuentan al principio de la película.

Dentro del mundo de la animación, se está librando una lucha fraticida por el dominio de la audiencia. A los clásicos Disney y Pixar ahora fusionado, tenemos en los últimos tiempos estamos disfrutando mucho películas de Illumination o Dreamworks. Y hay que decir que Netflix Animation no les va a la zaga. Si ya nos sorprendieron en 2019 con Klaus, en El monstruo marino me han maravillado con una animación alucinante, que aparte del diseño de los personajes tiene una perfección en las texturas brutal. Tengo claro que cuanto más oferta tengamos salimos ganando todos, y aparte de la ventaja y comodidad de verlas en casa, con este nivel no tengo duda que veré las próximas película de animación que produzcan.

Pero junto al elemento de aventura pura, la película incorpora un interesante giro que dota a una historia que ante todo está pensada para que los más pequeños la disfruten, de una profundidad bastante inesperada, planteando la necesidad de pensar y actuar por nosotros mismos y según lo que nos diga la tradición. Este elemento ha sido super inesperado, y ha conseguido que una película normal tenga algo más.

SPOILERS

La idea que los Reyes de este mundo se inventaron que los monstruos atacaron a la humanidad para tener una excusa para cazarles y ampliar así su poder, me parece una idea muy potente y una crítica a muchos elementos históricos coloniales. También de otros más recientes, como fue la mentira que los Estados Unidos utilizó a partir de la explosión en el acorazado Maine para justificar la Guerra de Cuba de 1898 que provocó la pérdida de la isla para el decadente reino de España que pasó a estar bajo control de Estados Unidos. No se si los guionistas pensaban en hechos históricos como el del Maine, porque lo más sencillo es que sea una crítica directa al capitalismo americano que lleva años (re)escribiendo la historia como más le interesa, pero la conexión a mi me surgió muy clara cuando vi la película.

Esto conecta con la idea esta si expresada repetidamente que siempre son los pobres y la gente humilde la que muere para que los ricos que hagan más ricos, que es lo que pasa en este mundo cuando los barcos zarpaban para cazar a estos monstruos gigantes. Esa idea anti-stablishment y anti-poderosos me gusta mucho en la parte de plantear que la gente tiene que pensar por si misma y no creer la propaganda que con la que todos los extremismos nos bombardean todos los días. También el mainstream y los partidos políticos tradicionales, claro.

Hay además una idea de respeto del medio ambiente que se desprende también de la idea que no hace falta cazar a los monstruos, dado que su ecosistema no choca con el de lo humanos, que me parece interesante sobre todo para los niños más pequeños.

Dentro que la animación como comentaba antes me ha gustado, tengo que reconocer que creo que no han acabado de acertar con el diseño de algunos monstruos, empezando por el co-protagonista Rojo. Y mira que el primer monstruo Verde y un cangrejo gigante me han gustado mucho y tenían un nivel increíble de detalle, pero Rojo, Azul y los bichos amarillos me parecen flojetes. De hecho, para mostrar que Rojo no es peligroso, habían formas más interesantes de diseñarle que podrían haber conseguido el mismo efecto.

También hay que reconocer que la historia no es especialmente profunda ni sorprendente porque el guion te lleva hacia la sorpresa casi desde el primer momento, pero hay que entender que ante todo es una película pensada para que sea vista y disfrutada por los más pequeños. Y en este sentido, para tener casi dos horas, la película en ningún momento se me hizo larga.

Con todo, tengo que alabar la forma en que Netflix Animation y el director Chris Williams plantean una historia que tiene aventura, sense-of-wonder y mensaje interesante que gusta a los niños y a sus padres. Justo lo que NO consiguió hacer Lightyear hace apenas unas semanas.

Comparto el trailer de la película:

El monstruo marino es una buena película para todas las edades que me ha gustado por el mensaje de pensar por uno mismo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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