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Crítica de Once and Future vol. 5 de Kieron Gillen y Dan Mora (Boom Studios)

Once & Future, el comic de Kieron Gillen y Dan Mora con colores de Tamra Bonvillain, publicado por Boom Studios e inspirado en las leyendas artúricas llega a su conclusión en su quinto volumen.

PUNTUACIÓN: 8/10

Vol. 5: La tierra baldía

Cuando Excalibur, la mítica espada en la piedra, aparece en las afueras de Londres en Nochebuena, todos los reyes se apresuran a reclamarla mientras nuestros héroes defienden la espada. Pero, cuando Leir es liberada, reina el caos. Con Rose y Duncan en peligro mortal, y todo en juego con viajes al infierno, al Otro Mundo, y más allá, ¿podrán finalmente arreglarse las cosas? El escritor superventas del New York Times Kieron Gillen (The Wicked + The Divine, Star Wars), el artista ganador del premio Russ Manning Dan Mora (Klaus) y la colorista Tamra Bonvillain (The Red Mother) llevan su serie favorita de los fans y aclamada por la crítica a su impresionante conclusión.

Este quinto y último volumen de Once & Future recopila los números 25-30 USA.

Qué genial es leer un comic que ofrece una lectura tan satisfactoria como ha sido este Once and Future. Reconozco que no siempre he conectado con las historias de Kieron Gillen, pero en este caso el éxito es total. Me gusta mucho la capacidad de Kieron Gillen de seguir sorprendiendo al lector utilizando a todo tipo de seres mitológicos más o menos conectados con las leyendas artúricas o, en este volumen, británicas. Aparte de estupendas escenas de acción, las sorpresas y las apariciones especiales abundan en este comic que es todo diversión y entretenimiento. Pero también hay que resaltar como Gillen usa el comic para lanzar numerosos elementos de crítica social, por ejemplo a partir que los poderosos reescriben la historia según les interesa tergiversando el origen de algunos de estos personajes míticos, o como ante la lucha por empuñar Excalibur, igual ningún Rey es digno del título de señor de Inglaterra.

Once and future tiene claro el tipo de entretenimiento sin complejo que ofrece y página a página nos deja siempre con el mejor sabor de boca posible, gracias a un ritmo que nunca llega a levantar el pie del acelerador. Y si encima Gillen cuadra el final ofreciendo una conclusión super satisfactoria, la verdad es que no se puede pedir más.

Desde Klaus, Dan Mora se ha convertido en uno de mis dibujantes favoritos y este quinto volumen sólo termina de confirmar esta realidad, dejando al lector con el mejor sabor de boca posible. Aparte de transmitir una alucinante fluidez narrativa en cada página, una cosa que me indica lo bien que se lo ha pasado dibujando este comic con sus aterradores diseños de personajes, sin ir más lejos en este volumen con su reimaginación de Robin Hood y sus alegres hombres de Sherwood. En cierto sentido este comic me recuerda a Deadly Class y como igual que en el comic de Remender + Craig, Mora consigue que la acción sea lo que cuente la historia. La historia de Gillen en Once and future es genial, llena de momentos over-the-top aprovechando los mitos artúricos y algún que otro comentario social, pero es sin duda la extraordinaria calidad artística de Mora lo que marca la diferencia y convierte un buen comic en uno notable. Ahora mismo Mora mira de tu a tu a cualquier dibujante super estrella de Marvel o DC, rompiendo la norma no escrita que indica que comics de editoriales indy suelen tener un dibujo malillo.

Además de Mora, me gustan mucho también los colores de Tamra Bonvillain, que ayudan a diferenciar los espacios terrenales y sobrenaturales mientras resaltan la narrativa del comic amplificando los momentos más espectaculares y sangrientos.

Once and future nos ha dado un tipo de diversión over-the-top imposible de ver en un comic de Marvel o DC. De hecho, este comic ha sido mucho mejor que muchos comics mainstream de estas editoriales. Aparte de todo esto, destacar de nuevo el hecho que los 30 números de esta colección hayan sido creados por el mismo equipo creativo de Gillen, Mora y Bonvillain, algo que me encanta y que da a la obra una consistencia artística maravillosa. Normalmente busco cosas buenas y malas para cada obra que reseño. En este caso, no encontré nada menos bueno, incluso la pena de ver el final de la serie se compensa ante tener una conclusión tan lógica y satisfactoria.

Comparto las primeras páginas de este último volumen:

Once and Future ha sido un comic de acción lleno de imaginación que me ha encantado y ha saciado mi sed de mitos artúricos por una temporada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Blue y Gold de Dan Jurgens y Ryan Sook (DC Comics – ECC Ediciones)

Tras anunciar James Gunn la producción de una serie de televisión protagonizada por Booster Gold, me he animado a recuperar Blue y Gold de Dan Jurgen y Ryan Sook, comic que ECC Ediciones publicó en un tomo unitario con toda la colección USA.

PUNTUACIÓN: 7/10

Siempre ávido de fama y fortuna (y de la aprobación de sus semejantes), Booster Gold vuelve a la carga en plena era de las redes sociales. Y para conseguir su objetivo, recluta a su viejo amigo Ted Kord, alias Blue Beetle. ¿Y qué puede salir mal? Pues básicamente todo, porque acaba de llegar a la Tierra una princesa alienígena que afirma que nuestro planeta es propiedad de su imperio. ¿Conseguirá liberarnos el dúo de héroes más divertido e impresentable de la historia?

Décadas después de brillar en Liga de la Justicia Internacional, Blue y Gold regresan en este volumen escrito por Dan Jurgens y dibujado por Ryan Sook con la participación de Cully HamnerPhil Hester y Paul Pelletier.

Blue y Gold es un tomo de 200 páginas que recopila la serie completa Blue & Gold núms. 1-8 USA, que ECC Ediciones publicó el pasado mes de Septiembre de 2022.

Comics como Blue y Gold ponen de relevancia como la experiencia en un grado. En concreto, se nota que Dan Jurgens es el creador de Booster Gold y tiene completamente cogida la medida del personaje y sobre todo, de su dinámica con su amigo del alma Blue Beetle. Como estoy fuera de la continuidad de la DC Comics actual, no tengo claro como se las han apañado para resucitar a Ted Kord tras ser asesinado por Maxwell Lord durante Countdown to Infinite Crisis en 2005. Ni falta que hace la verdad, porque la alegría que supone ver a esta pareja juntos de nuevo compensa cualquier posible glitch de continuidad.

Blue y Gold ofrece una aventura ligera centrada en mostrar a estos dos perdedores y como a pesar de todo siguen intentando hacer lo correcto, aunque para ello tengan que abrir campañas de micromecenazgo para mantener su actividad. El contraste del Booster super pagado de si mismo con el depresivo Beetle tras ser despedido de su empresa genera una dinámica super chula durante toda la serie. En este sentido, usar los comentarios de redes sociales a los videos de Booster añade un toque super divertido que ayuda a construir el tono ligero de la historia.

Estos ocho números me han parecido modélicos, pero de entre todos ellos destacaría el número 4 en el que veremos el punto de vista de Booster y Beetle ante un mismo suceso, lo que nos permite disfrutar del dibujo de Kevin Maguire para el punto de vista de Beetle y el propio Jurgens con Norm Rapmund, para la parte de Booster, ofreciendo un comic super divertido con un invitado sorpresa final que significa la guinda del pastel.

Ryan Sook me parece un estupendo dibujante y se encarga del apartado gráfico de casi toda la serie, excepto el número cuatro antes mencionado (aunque él se encarga de las secciones del presente de esa historia), y los números tres y ocho, que cuentan con dibujo de Cully Hamner el primero y Phil Hester y Paul Pelletier el último. Sook tiene un estilo de lápiz centrado en ofrecer la historia de la forma más clara posible y transmitiendo un feeling positivo que encaja con el tono divertido de la historia de Jurgens. Quizá no es mega espectacular y mega épico como un Ivan Reis, pero es uno de esos estupendos narradores que son imprescindibles en todo editorial que se precie de querer contar las historias de la forma más clara posible. Me declaro muy fan del dibujante, la verdad, incluso a pesar que igual no tiene una vena cómica tan acertada como por ejemplo Maguire.

Si tengo que ponerle un pero a este comic sería al hecho que la colección tuviera que cerrar tras tan sólo 8 números. O que planteen una miniserie de ocho números al dudar de la viabilidad comercial de este comic. Que una pareja tan querida desde los tiempos de la Justice League como Blue Beetle y Booster Gold no den para mantener una colección regular indica la situación de derribo en el que se encuentra la DC Comics actual. Dicho esto, al menos Jurgens plantea la historia de forma que transmite la sensación de tener una historia completa con un final satisfactorio, aunque realmente tenemos un arco realizado en los 6 primeros números y nos números finales aprovechados por Jurgens para cerrar las tramas abiertas.

En cualquier caso, si DC se animara a darles una nueva colección, yo volvería encantado para disfrutar de estos dos maravillosos losers. Ojalá no tarden mucho.

Comparto las primeras páginas del comic:

Blue y Gold me ha parecido un comic super entretenido que hará las delicias de los fans veteranos del universo DC, pero también a las nuevas generaciones. Super divertido y recomendable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Ice Cream Man vol. 8 de W. Maxwell Prince, Martín Morazzo y Chris O´Halloran (Image Comics)

Octava recopilación de Ice Cream Man, la inclasificable antología de historias desesperazadoras y nihilistas obra de W. Maxwell Prince y Martín Morazzo, con color de Chris O´Halloran, que está publicando Image comics.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Volumen 8: Sujetos y objetos

Ábrete de par en par para recibir cuatro dosis más del cómic de psico-horror más vendido y aclamado por la crítica, ICE CREAM MAN. Aquí, encuadernados con cola de papel de calidad media, hay cuatro relatos de subjetividad objetiva: se cumplen los últimos deseos de un hombre; un experimento controlado pierde todo el control; se equilibra una balanza cósmica (¡en verso!); Doug hace todo lo posible por desintoxicarse. Es otro conjunto de angustia y hastío para el apreciador del arte antológico.

Este octavo volumen recopila los números 29 a 32 USA.

W. Maxwell Prince escribe en Brooklyn y vive con su esposa, su hija y dos gatos. Es autor de ICE CREAM MAN, KING OF NOWHERE, ONE WEEK IN THE LIBRARY, and THE ELECTRIC SUBLIME.

El artista argentino Martín Morazzo hizo su gran debut en los cómics estadounidenses con la saga de ciencia ficción ambiental de 2012, Great Pacific, la primera serie de Image Comics que co-creó con Joe Harris. Desde entonces, Martín ha co-creado Snowfall, una epopeya de ciencia ficción, nuevamente con Joe Harris e Image Comics, y la elegante serie de aventuras criminales, The Electric Sublime, con el escritor W. Maxwell Prince en IDW Publishing. Ice Cream Man, su nueva colaboración con W. Maxwell Prince, está siendo publicada por Image Comics. She Could Fly, una miniserie con el escritor Christopher Cantwell, co-creador y showrunner de Halt and Catch Fire de AMC, y la editora Karen Berger, también está siendo publicada por Berger Books, una editorial de Dark Horse Comics.

Debo tener cierta vena masoquista, porque se a lo que vengo cuando compro un nuevo volumen de Ice Cream Man, y sin embargo el equipo creativo formado por W. Maxwell Prince en el guion, Martín Morazzo en el dibujo y Chris O´Halloran en el color consiguen romperme el alma y dejarme con ganas de abrirme las venas de una manera diferente con cada historia. Tengo claro que el escritor Maxwell Prince debe ser una bellísima persona, pero las cosas que saca de su cabeza me parecen una barbaridad. Desperación, nihilismo y la futilidad de una vida que vamos a vivir solos en soledad que no tiene sentido son temas recurrentes de esta antología de historias que no deja de reinventarse grapa a grapa.

Curiosamente, el primer número de esta antología (nº 29 USA) me parece el menos bueno de los cuatro, al mostrarnos las últimas voluntades de un recién fallecido que tuvo que convivir con una depresión crónica que está dentro de los bienes que va a dar a sus seres queridos. Sin embargo, el siguiente número, el 30, con un ensayo clínico de una nueva droga en la que un paciente cree estar recibiendo un placebo, me parece espectacular. Dentro de lo deprimente y nihilista, claro.

Otro comic brillante es el nº31 USA, en el que Maxwell Prince arruina la alegría de la paternidad al mostrar la forma en que un padre y una hija van creciendo ella y envejeciendo él, planteando un relato triste que se recrea en la soledad de los personajes y las vidas sin sentido. esta historia me ha roto mientras lo leía.

Antes de la terapia de desintoxicación de Doug que veremos en el nº32, un nuevo prodigio de narrativa en la que cada página representa un día de Doug en el centro, tenemos un brillante preludio de 8 páginas en los que Prince y Morazzo parecen transformarse en Scott McCloud para darnos una lección de narrativa gráfica mientras nos explican la teoría de la semiótica mientras vemos la caída de Doug y su conversión en un alcohólico. Cada historia, casi cada página tiene una sorpresa o un hallazgo, ya sea en cuanto a la historia o la narrativa del comic.

El dibujo de Martín Morazzo y Chris O´Halloran me parece que está tan acertados como siempre. Nadie como ellos transmiten el drama existencial de estas historias y a unos personajes perdidos, sin esperanza y desamparados ante unos elementos que parece que juegan con ellos. Las expresiones faciales y corporales adquieren una cualidad casi kafkianas en estas páginas, complementando perfectamente a las historias de Prince. Y por si fuera poco, Morazzo se sale en cada uno de los desafíos narrativos que le sugiera el guionista, o tal vez es él el que le sugiere ideas visuales que luego desarrollan hasta tener clara la historia, lo veo como una posibilidad. Pero ya sea una u otra opción, la verdad es que acaban formando una dupla perfecta para el tipo de historias que se plantean en esta antología.

El caso es que no estamos ante un comic de terror al uso, más bien sería un drama existencial ante el descubrimiento que estamos solos en el universo, nadie cuida de nosotros, y nada bueno nos espera aparte del vacío y la nada. Me gusta esta sensación de no intentar vendernos nada y no ofrecer un mensaje moralizante, sólo romperte un poco por dentro al ir cayendo por la madriguera de conejo hacia este deprimente y depresivo mundo en el que se encuentran los protagonistas de las diferentes historias.

Hay que ir con cuidado con Ice Cream Man y dejar varios meses entre un volumen y el siguiente. O de lo contrario, la sobredosis de desesperanza puede provocarnos una crisis nerviosa o algo peor. Hecha ya la broma, la verdad es que este comic me da algo que no leo en ningún otro sitio, justificando de sobra su compra. Si buscas comics con historias diferentes, Ice Cream Man sin duda lo es.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Jane Foster y el Poderoso Thor de Torunn Grønbekk y Michael Dowling (Marvel Comics – Panini)

Panini ha finalizado este mes de febrero la publicación de la miniserie Jane Foster y el Poderoso Thor de Torunn Grønbekk, Michael Dowling y color de Jesús Aburtov, que Marvel preparó para hacerla coincidir con el estreno el pasado verano de la película Thor: Love and Thunder, y que sugería el retorno de Jane Foster al papel de Thor. Es por tanto un buen momento para revisarla.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Mjolnir ha acudido una vez más a las manos de Jane Foster. Ella teme que le haya pasado lo peor a Odinson, mientras los mayores enemigos de Asgard, como HelaUlik La Encantadora, organizan un asalto al Reino DoradoJane debe encontrar al Hijo de Odín… ¡Incluso si ello implica convertirse de nuevo en Thor

Esta miniserie Jane Foster & The Mighty Thor fue publicada en USA como una miniseries de 5 números, el standard actual de Marvel según Tom Brevoort, que Panini ha publicado en 3 grapas bimensuales, la primera sencilla y las otras dos dobles..

Torunn Grønbekk es una escritora noruega que empezó a trabajar en Marvel en 2019 en la colección de Valquiria, sustituyendo a Jason Aaron y a Al Ewing como guionista de la colección antes de su cancelación. También en la órbita de Aaron se ha encargado de guionizar algunos especiales de Castigador, publicados entre medias de la serie regular para dar margen a los artistas. Tras esta miniserie, va a escribir el próximo arco de Thor, El legado de Thanos, que empezará a publicarse en España en abril.

Michael Dowling es un dibujante británico que empezó trabajando en Marvel en una miniserie de Gata Negra (que diría que no he leído). Fuera de Marvel, es el creador junto a Rob Williams del comic Unfollow, además de trabajar para series británicas como Titan o 2000 AD.

Marvel preparó esta miniserie con el teórico retorno de Jane Foster como Thor para que coincidiera con la película de Taika Waititi, para intentar que se beneficiara del interés que genera el MCU y la posibilidad de que algún espectador pudiera acercarse a una librería buscando comics de Jame Foster. Y la verdad es que esta miniserie a nivel básico cumple con la función de entretenimiento gracias a una aventura en la que Jane tiene que encontrar al desaparecido Thor Odinson mientras los dioses de Asgard se enfrentan a una guerra abierta contra numerosos enemigos clásicos y novedosos.

Además del interés de ver a Jane empuñar a Mjolnir, la miniserie vuelve a utilizar a Rüna, la nueva Vaquiria del Universo Marvel aparecida por primera vez en el evento Rey de Negro, que es la versión comiquera del personaje interpretado por Tessa Thompson en las películas del MCU. También destaca el uso de personajes poco habituales en el mundo de Thor como es el demonio del limbo S´ym (de infausto recuerdo para Illyana Rasputin en su miniserie de origen que años más tarde cobró todo el protagonismo gracias a Inferno), además de otros más habituales como la Encantadora, Tyr, el elfo oscuro Algrim o Ulik el troll. Aparte de la sorpresa de los villanos detrás de toda esta guerra, que prefiero no spoilear para los que no hayáis leído el comic. En general, Grønbekk transmite que tiene un gran conocimiento de la historia de Thor, y en general del universo Marvel, dado el uso que hace de algunos personajes poco conocidos en esta historia.

La verdad es que por premisa, a priori esta miniserie lo tenía todo a favor para triunfar. Sin embargo, lamentablemente el comic no acaba de despegar, quedándose en una historia anodina que en su ejecución resulta todo lo contrario a épico o interesante. Grønbekk plantea numerosos textos de apoyo que hacen que cada grapa cueste de leer y no sea un comic que te terminas en 2 minutos. Pero esto que debería ser algo positivo, con el añadido de la intención literaria al plantear ideas con intención de profundidad, queda diluido con un comic que en general resulta aburrido porque las cosas concretas que pasan no acaban de ser interesantes en la ejecución, y los textos de apoyo no parecen alineados del todo bien con la acción de la viñeta.

Grønbekk me recuerda a esos actores que siendo correctos en su interpretación notas que NO tienen el carisma o la personalidad de una estrella, no llegando a transmitir lo que deberían en pantalla. De igual forma, la ÉPICA no se puede explicar, se tiene o no se tiene, es algo que se nota en cuanto se ve. Recordando el «hazlo o no lo hagas, pero no lo intentes» de Yoda, no dejo de pensar que Grønbekk lo intenta todo el rato. Y por eso falla. Y es una pena, porque la historia en cinco partes de la escritora noruega es correcta en todos sus episodios, pero le falta chispa.

Si el guion de Grønbekk se me ha quedado muy plano, mucho peor ha resultado el dibujo de Michael Dowling. A pesar del estupendo color de Jesús Aburtov, el dibujo resulta tremendamente estático y hasta aburrido, mostrándome a un dibujante que NO sabe dibujar escenas de acción. Lo cual no puede ser más problemático cuando hablamos de un pijameo mainstream como este. No se qué tal lo hizo Dowling en Judge Dredd, pero en esta miniserie la verdad es que no me deja con ganas de volver a leer ningún comic dibujado por él. El guion de Grønbekk estaba lleno de escenas con «Sif/Runa/Bill Rayos Beta combatiendo a villano genérico», pero un mejor dibujante hubiera conseguido crear páginas espectaculares, cosa que no vemos aquí.

Por no ponerlo todo negativo, me gusta la profundidad que el color de Aburtov imprime en algunas escenas, y Dowling si crea algunas splash-pages visualmente potentes, como la reunión de Jane y Thor Odinson, o el descubrimiento del villano en la sombra. Pero globalmente el apartado gráfico me ha parecido bastante deficiente. Es por esto que no sorprende que las portadas de la miniserie no sean suyas, sino que estén dibujadas por Ryan «Veneno» Stegman, con tinta de J.P. Mayer y color de Marte Gracia, que están mucho más chulas que el contenido interior del comic.

Por cierto, intentando no spoilear, hay varios elementos de la historia de Grønbekk que me han llamado la atención, como es el hecho que la miniserie vende la idea de «Jane Foster de nuevo como Thor», pero lo cierto es que es algo que prácticamente no llega a suceder en apenas un par de viñetas, al preferir Jane mantener su actual identidad de Valquiria para investigar la desaparición de Thor. Aunque eso si, blandiendo a Mjolnir. Lo digo porque en cierto sentido el desarrollo de la historia puede resultar decepcionante para los que buscaran una última aventura de Jane Foster como Thor. Dado que en los comics Jane ya ha pasado página y se encuentra cómoda en su actual identidad de Valquiria, resulta raro intentar conectar de alguna manera los comics con la película de Marvel Studios.

Otro elemento a comentar es que teniendo en cuenta la conexión de Grønbekk con Jason Aaron, no sólo en esta colección de Valquiria sino escribiendo los especiales de El Castigador (sin más lejos este mes de febrero Panini ha publicado uno), la elección del villano me causa cierta extrañeza. Que no es un error del comic en si como obra autónoma, pero resulta un pequeño glitch en la continuidad general que tendrá que ser explicado en algún momento. Igual el propio Aaron hace mención a esto en su próxima grapa.

Aparte del dibujo deficiente, la verdad es que tampoco el guion ha sido todo lo interesante que pintaba en su arranque. Globalmente, me queda cierta decepción, porque aunque el comic ha sido entretenidillo sin más, tenía los mimbres para haber sido un gran comic de Jane Foster y de Thor Odinson. Ah! Por cierto, acabo de darme cuenta que al menos este Odinson no es un imbécil total como en la actual etapa de Donny Cates, al menos en esto si puedo encontrar otro elemento positivo que comentar del comic. Dado que Grønbekk va a guionizar el próximo arco de Thor (dado que los problemas de Cates parece que se alargan), espero que lo haga un poco más empático, al mismo tiempo que confío que sepa crear una narración que sea más interesante de lo que ha sido esta miniserie. Desde luego, tener a Nic Klein dibujando va a ser un salto cualitativo importante respecto a este comic.

Comparto las primeras páginas de esta miniserie:

Jane Foster y el Poderoso Thor ha sido una miniserie que estado correcta sin más, pero que me deja la sensación que con autores más capaces podría haber sido una pasada. Una pena.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de El poder de ¡SHAZAM! de Jerry Ordway (ECC Ediciones)

En menos de dos meses se va a estrenar la segunda película de ¡Shazam! La furia de los dioses, por lo que me he animado a leer algunos comics del personaje que por unas cosas o por otras no leí en su momento. Empiezo por la novela gráfica El Poder de ¡Shazam! escrita y dibujada por Jerry Ordway y publicada por ECC Ediciones.

PUNTUACIÓN: 7/10

Salomón.
Hércules.
Atlas.
Zeus.
Aquiles.
Mercurio.

Tras pronunciar una palabra… ¡cae un rayo! Para el joven Billy Batson comienza la aventura de su vida… y entonces nace el Capitán Marvel, el mortal más poderoso del mundo. ¡Shazam! Pronuncia la palabra… ¡y siente su poder!

The Power of Shazam! fue una novela gráfica escrita y dibujada por Jerry Ordway publicada por DC Comics en 1994. ECC publicó esta obra en España en 2019, coincidiendo con el estreno de la primera película de Shazam!

Antes de empezar a comentar mis impresiones de este comic, quiero detenerme a recordar la compleja historia de. personaje. Shazam! nació con el nombre de Capitán Marvel en 1939, creado el artista artista C. C. Beck y el escritor Bill Parker en la editorial Fawcett Comics. Aunque fue creado después que Superman, el personaje durante los años 40 fue mucho más popular y tenía ventas mucho mayores que las del Hombre de Acero, significando la mayor competencia a la que enfrentaba National Comics (editorial que años más tarde cambió su nombre y pasó a denominarse DC Comics). Lamentablemente Fawcett dejó de publicar al personaje en los años 50 tras un largo litigio que National inició en los años 40 en el que acusaba de plagio a esta editorial, lo que sumado a la disminución en las ventas hizo que el editor perdiera el interés en el personaje.

En 1972 lo que quedaba de Fawcett vendió a DC Comics el personaje de Capitán Marvel, aunque se encontraron con la sorpresa que Fawcett había perdido los derechos del nombre «Capitán Marvel», que había sido adquiridos por Marvel Comics al estar el personaje más de 10 años sin publicarse. Debido a este problema de derechos, el personaje a partir de este momento pasó a denominarse como Zhazam! Sin embargo, algunos problemas legales derivados de estos cambios de nombre y el hecho de ocupar el mismo mundo que Superman, sobre todo tras las Crisis en Tierras Infinitas de 1985-86, provocaron cierta sensación de redundancia y repetición, por lo que DC realmente ha publicado muy pocos comics protagonizados por ¡Shazam! Sobre todo si lo comparamos con los cabeza de cartel de DC.

La miniserie Legends de John Byrne de 1986-87 sirvió para introducir al personaje en la nueva continuidad de DC tras las Crisis, aunque el personaje no llegó nunca a despegar. En 1991, Jerry Ordway recibió el encargo de relanzar Shazam! Y en lugar de hacer lo habitual en estos casos, empezar su colección de grapas mensuales, planteó iniciar su etapa con una novela gráfica que conduciría a su serie regular. El éxito de esta novela gráfica llevó a la publicación de una colección regular, The Power of SHAZAM!, que se publicó entre 1995 y 1999 y que sigue siendo la serie más longeva de los últimos 50 años desde que DC empezó a publicar comics con el personaje.

Jerry Ordway es uno de los grandes nombres de DC Comics. Empezó a trabajar en los años 70 en DC y aún sigue al pie del cañón hoy en día, transmitiendo en cada trabajo un estupendo feeling atemporal. En los años 90 ya era uno de los autores más veteranos de la editorial y uno de los que mayor conocimiento tenía del fondo editorial de DC. En ¡El poder de Shazam! buscaba relanzar al personaje revisando su origen acercándolo al de los comics originales de Fawcett, actualizando algún elemento pero siendo bastante fiel en lo fundamental. Una de las grandes virtudes de Ordway es el feeling clásico que imprime a todos sus comics, y en este comic plantea una historia atemporal que bien podría estar situada en los años 40 donde originalmente se desarrollaron las aventuras del Capitán Marvel. Toda la ambientación de vehículos, ropa, edificios remite a una época pasada, por no hablar de un Billy dedicado a vender periódicos por la ciudad, algo que no puede ser más años 40. Además, su vertiente aventurera me devolvió al disfrute de las películas de Indiana Jones. En este sentido, me ha sorprendido para bien la forma en que Ordway plantea este origen, con los padres de Billy Batson convertidos en arqueólogos que son asesinados por su socio Theo Adam mientras están trabajando en Egipto, excavando la tumba de Ramsés II. De esta forma, Theo Adam, que posteriormente se convirtió en Black Adam, se convertirá en el archienemigo de Shazam! junto al magnate Doctor Sivana, el otro gran villano del personaje.

Ordway es un gran narrador y un estupendo artista, y me ha gustado su versión tanto del niño Billy Batson como del superhéroe Shazam! en que se convierte. Y es curioso que de alguna manera esta novela gráfica casi podría haberse utilizado como storyboard en caso de haberse planteado la posibilidad de hacer una versión cinematográfica, algo que no se hizo realidad hasta 25 años después con otros referentes. La forma en que el joven Billy tiene que aprender a usar sus nuevas habilidades manteniendo la bondad de su corazón (con algún berrinche incluido) a pesar de enfrentarse a los asesinos de sus padres es otra de las claves de esta historia que hace que el comic se sienta 100% superheróico.

El feeling de clásico atemporal de Ordway hace que estemos ante una buena lectura a la que los casi 30 años desde su publicación no le han pasado factura, se sigue leyendo de maravilla sin transmitir una sensación «viejuna». Además, el comic ofrece una sensación satisfactoria gracias a que el formato de 96 páginas es perfecto para la extensión de esta historia, y la vez deja numerosos elementos abiertos de cara a su desarrollo en la serie regular posterior, empezando por la desaparición de la hermana de Billy Mary al principio del comic, algo que no vuelve a mencionarse y que entiendo que sería uno de los primeros argumentos que Ordway tocaría en la serie regular.

Por ponerle un pero, que no lo es tanto, diría que estamos ante un buen comic realizado con oficio y hasta cariño por el personaje y su mundo, que sin embargo no consigue enamorarme en ningún aspecto. Por un lado tengo que reconocer que el estilo de Ordway nunca me ha flipado. Para mi es uno de los artesanos clásicos de DC, y aunque sabes que no te va a dar nunca un mal comic, para mi tampoco uno sobresaliente. Y esto misma sensación es la que tuve leyendo este comic. Todo está bien, todo está perfectamente contado, consigues empatizar con el huérfano Billy, y sin embargo no me ha maravillado. Creo sin embargo que como historia de origen este volumen funciona de maravilla, siendo un estupendo punto de acceso para el personaje.

Por otro lado, aunque esto que voy a decir fue una sensación personal que igual no se ajusta a la intención de Ordway, recordando lo que comentaba sobre que en algunos aspectos este comic me parecía un storyboard para una posible película, todo lo que vemos en este comic se ve muy «realista» sin llegar a ser todo lo loco y widescreen que el medio comiquero permite para crear una historia más grande que la vida super espectacular sin preocuparse por el presupuesto como si sucede en el cine. Como comento, todo es correcto, pero le falta factor WHOA!! a un comic que lo tenía todo a favor para conseguirlo. Y entiendo que este comic se publicó en 1994 años antes de The Authority o The Ultimates, y en cierto en eso sí es hijo de su tiempo. Pero quizá por ser demasiado respetuoso a los comics originales y al tipo de historias que se hacían en los años 40, esta novela gráfica en el lado de espectacularidad se me queda muy muy corta. De nuevo, correcto como todo lo que hace Ordway.

Comparto las primeras páginas de este comic:

¡El poder de Shazam! de Jerry Ordway es una buena lectura por la que no han pasado los años.

PUNTUACIÓN: 7/10

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