Una de las compras del Comic Barcelona 2022 fue ROKU de Cullen Bunn y Ramón F. Bachs, comic de acción editado en España por Moztros que hoy quiero comentar.
PUNTUACIÓN: 7/10
¡El Universo Valiant se renueva y vuelve a publicarse en España!
Valiant Entertainment, la editorial creada a finales de los 80 por el mítico Jim Shooter, se encuentra en plena etapa de crecimiento y expansión tras su desembarco en la gran pantalla con la película de Bloodshot, protagonizada por Vin Diesel; y ha reestructurado su universo en el último año relanzando sus series más icónicas con equipos creativos conformados por los artistas más prestigiosos del momento y que son un verdadero lujo para todos los fans del noveno arte.
El autor best seller del New York Times, Cullen Bunn, en los guiones, y otro compatriota, Ramon F. Bachs, en los dibujos, nos traen una sangrienta miniserie dotada de espionaje e intriga internacional: Roku.
La antigua agente del MI-6 Angelina Alcott murió, y todo lo que queda ahora de ella es Roku. Perfeccionada para ser letal como una cuchilla afilada, y mejorada con artes oscuras y un atractivo fatal, Roku se ha convertido en la asesina definitiva del bajo mundo. Pero ahora, la mujer más peligrosa del planeta está a punto de enfrentarse a un objetivo que incluso ella no podrá forzarse a matar…
Este tomo incluye ROKU 1-4 USA, publicado originalmente 2020.
A veces pienso que Cullen Bunn no debe tener vida o es un escritor super prolífico nivel Stephen King o Brandon Sanderson (en cantidad, obviamente no en calidad). Lo digo porque en los últimos años sus comics inundan las estanterías, obras además editadas con todas las editoriales del mercado, como si optara por repartir sus manzanas en múltiples cestas, en lugar de confiarlo todo a una única editorial.
ROKU es una serie publicada en 2020 en Valiant y en la parte de Bunn destaca por su simplicidad y falta de pretensiones, al plantear el comic como un blockbuster palomitero de acción y artes marciales en la tradición de John Wick. El guion es super básico, al plantear en cada grapa una larga escena de acción para que el dibujante se luzca, a la que luego añade una voz en off que sirve de narrador desde cierto punto de vista de esta parte de la historia. La historia ofrece el contexto mínimo para entenderla y los personajes carecen de la más mínima complejidad y casi diría evolución, de forma que la inspiración en la película de John Wick o en general el cine de acción de los 80 y 90 es más que evidente. Hasta el punto que casi parece que el pitch sea «comic de acción pura con una protagonista femenina en la línea de John Wick». En este sentido, valorando la parte de historia diría que el comic es sólo correcto, un sin más de principio a fin.
Ramon F. Bachs al dibujo con color de Stéphane Paitreau es el principal valor de este comic, y aprovecha al máximo el poder plantear a su modo las numerosas escenas de acción, consiguiendo una estupenda fluidez en las diferentes escenas como se espera de una buena película de acción que tiene como obligatorio plantear buenas coreografías. Bachs nos comentó en el Comic Barcelona que estaba bastante satisfecho con este comic, dentro de su simplicidad, porque había podido trabajar en el comic de principio a fin, creando la identidad visual de todos los personajes y pudiendo dibujar el final de esta primera miniserie de ROKU. Esto Bachs lo agradecía mucho, ya que ha estado años trabajando en comics de DC o Marvel en los que hacía un fill-in en una serie para saltar a otro sin conseguir una estabilidad en ninguna.
Por ponerle un pero pequeñito, hay cierta falta de fondos en numerosas viñetas, pero globalmente creo que Bachs hace un trabajo estupendo que hace que el guion de Bunn luzca mucho mejor de lo que es, lo cual es lo máximo a lo que puede aspirar un dibujante en el mundo mainstream actual.
Como curiosidad, agradezco muchísimo a Bachs su amabilidad durante la Comic Barcelona, ya que aparte de una charla super amena que tuvimos con él, no tuvo inconveniente en dedicarme el comic y dibujarme a su protagonista. ¡Muchas gracias!!!
Comparto las primeras páginas del comic:
ROKU es un comic sin pretensiones que cumple en el objetivo de entretenimiento con una historia de acción muy básica aunque bien ejecutada, con el dibujo de Ramón F. Bachs de principal valor distintivo. Además, Ramón me firmó el comic en el Comic Barcelona y me hizo un boceto en el comic, lo cual no puede ser más chulo.
PUNTUACIÓN: 7/10
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Aprovechando la publicación en Estados Unidos la segunda serie de Arrowsmith de Kurt Busiek y Carlos Pacheco, me he animado a revisar la miniserie original de 2003-04 con maravilloso entintado de Jesús Merino y color de Alex Sinclair. Arrowsmith: Tan guapos de uniforme, el volumen de Norma de 2008, es un estupendo comic ambientado en la 1ª Guerra Mundial que merece mucho la pena.
PUNTUACIÓN: 8/10
Capítulo prólogo, bocetos y extras inéditos en España.
Kurt Busiek (Astro city, JLA/Vengadores) y Carlos Pacheco (Siempre vengadores, Superman) nos presentan cómo hubiera sido la I Guerra Mundial en un mundo de fantasía donde la magia funciona como la tecnología más moderna.
1914, la I Guerra Mundial acaba de estallar y está arrasando toda europa. Tropas de humanos, ogros, no muertos y demás seres se enfrentan en una de las más sangrientas guerras que ha visto el mundo. Mientras tanto, en los Estados Unidos de Columbia, el joven Arrowsmith conoce al cuerpo de los voladores y el valor de la libertad.
Tomo de 168 páginas editado por Norma Editorial en 2008,
Kurt Busiek (Boston 1960), es uno de los grandes guionistas de Marvel Comics. MARVELS en 1993 junto a Alex Ross revolucionó el mundo del comic, no solo por las páginas pintadas de Ross mediante la técnica del fotorealismo, sino porque el concepto de mirar a los superhéroes desde el punto de vista del hombre corriente de la calle nos devolvió un «sense-of-wonder» perdido durante años por la moda del «grim-n-gritty» que triunfaba en esa década.
Thunderbolts (1997) con Mark Bagley y su icónico giro al final del primer número o el relanzamiento de Los Vengadores (1998) con George Pérez tras el Heroes Reborn son clásicos absolutos de Marvel. Como por supuesto lo es también el mítico JLA / Vengadores de 2003. Tras abandonar Marvel, Busiek trabajó en DC comics como Superman: Secret Identity con Stuart Immonem, JLA o Superman con Carlos Pacheco.
El gusto por el clasicismo pudo verse también en su icónico Astro City junto al dibujante Brent Anderson, comic que empezó a publicarse en 1995 y que ha tenido recientemente un relanzamiento en Image. En 2004 escribió una maravillosa etapa de Conan en Dark Horse junto al artista Cary Nord, y más recientemente, también en Image destaca su comic The Autumnlands junto al dibujante Benjamin Dewey.
Carlos Pacheco (San Roque, Cádiz, 1962) lleva casi 30 años siendo uno de los mejores dibujantes españoles trabajando en el mercado mainstream USA. Colaborador de Comics Forum desde finales de los 80 realizando portadas para numeros comics de la editorial, en 1993 dio el salto a Marvel U.K. con una historia corte de Motormuth y Killpower primero y la miniserie Dark Guard, que supuso el primer trabajo completo de Pacheco para ellos. El primer trabajo para USA llegó en 1994 para DC en la serie de The Flash con guión de Mark Waid. Tras este comic, Pacheco ficha por Marvel en 1994, empezando a trabajar en comics como Bishop, Starjammers, Universe-X o Excalibur. En 1998-99 colabora con Kurt Busiek en Siempre Vengadores, uno de sus trabajos más redondos, trabajo al que siguió en 2000 una interesante etapa en los 4 Fantásticos en la que guionizaba el comc junto a Rafael Marín).
Tras 10 años en Marvel, Pacheco decidió cambiar de aires y en 2005 fichó por DC Comics, trabajando en Superman / Batman con Jeph Loeb, el relanzamiento de Green Lantern con Geoff Johns, o una interesante etapa en Superman junto a Kurt Busiek entre 2006-07. En 2009 Pacheco retornó a Marvel, donde ha trabajado en numerosos comics de la línea Ultimate o de la franquicia mutante, además de en Capitán América de Rick Remender. En los últimos años se ha visto relegado (o quizá él lo prefiera así) a realizar portadas y pequeñas etapas o números sueltos en multitud de series, siendo quizá su último gran trabajo completo la miniserie The Life of Captain Marvel con la guionista Margaret Stohl (2018-19).
Tras colaborar en Siempre Vengadores (Avengers Forever) entre 1998-99, Kurt Busiek y Carlos Pacheco consideraron su próxima colaboración, y tras múltiples conversaciones, optaron por publicar un comic un tanto contra corriente, al tratarse de una historia alejada de los superhéroes ambientada en una Primera Guerra Mundial de un mundo alternativo en el que la magia y los seres sobrenaturales existen.
Arrowsmith fue una miniserie de 6 número publicada entre 2003 y 2004 en el sello Cliffhanger de Wilstorm, donde Busiek publicaba Astro City. Aunque Pacheco y Busiek quedaron muy contentos de su colaboración y expresaban siempre que podían su intención de publicar nuevas historias de creación propia, algo que ha tardado 18 años en suceder en Image Comics, diría que en su momento el comic no debió ser demasiado rentable para ellos, ya que su siguiente colaboración fue para DC Comics en Superman.
En España, Planeta publicó inicialmente Arrowsmith en grapa en 2004, mientras que Norma Editorial se hizo con los derechos y publicó el primer tomo recopilatorio en 2008. Más recientemente ECC también ha publicado una nueva edición en 2015, y con la publicación de la nueva miniserie Arrowsmith: Behind enemy lines en Estados Unidos, es probable que en poco tiempo salga en España una nueva edición aprovechando la publicación del segundo volumen.
Entrando a valorar el comic en si, ¡Qué maravilla de dibujo!! Arrowsmith puede ser uno de los mejores trabajos de Carlos Pacheco, dentro de una carrera modélica. Pacheco da una master-class narrativa en Arrowsmith, lo cual en si mismo no es noticia, consiguiendo que la historia se entienda sin necesidad de leer los bocadillos, disfrutando enormemente el dibujo. Pero además realiza un extraordinario trabajo de creación de un mundo «realista» de 1915 con elementos arquitectónicos reconocibles junto a trajes, vehículos y un ambientación histórica perfecta, a la que añade elementos fantásticos como dragones, zombies, hombres lobo y vampiros, además de los propios magos. Puestos a crear mundos propios, hay artistas que van a lo fácil con una mínima ambientación o colores resultones que maquillan la falta de fondos (¿he oído Saga?), pero ese no es el caso de Pacheco, más bien al contrario. Se nota en las páginas que ha realizado un extenso y sobresaliente trabajo de documentación, y el resultado luce en cada página, con muchos momentos que son visualmente una locura.
El entintado de Jesús Merino y el color de Alex Sinclair son el perfecto complemento a los lápices de Pacheco. Pocos entintadores han entendido el trazo de Pacheco igual que Merino, que realza el lápiz sin taparlo en ningún momento, consiguiendo que la lectura del tomo sea un placer. También me ha parecido estupendo el color de Sinclair, con una paleta cromática con verdes y colores brillantes para resaltar el elemento mágico, y una gama que resalta el elemento histórico en las partes más calmadas. Hacía bastante años que no leía Arrowsmith, y la nueva lectura confirma que sólo por el apartado artístico de Pacheco, Merino y Sinclair merece la pena tener este comic.
En lo referido a la historia, lamentablemente la valoración no es igual de positiva. En lo positivo, Busiek pidió ayuda al historiador Lawrence Watt-Evans para la creación de la historia de este mundo fantástico que tuvo su punto de ruptura respecto al nuestro en el siglo IX, a partir de la denominada «Paz de Carlomagno». En este sentido, se nota que hay mucha reflexión a la hora de crear este mundo, con un worldbuilding muy interesante y complejo, que transmite que esta primera historia sólo ha rascado en la superficie del iceberg que hundió el Titanic.
La Primera Guerra Mundial fue la primera gran guerra en la que desapareció la imagen heroica y honorable de la guerra, con miles de jóvenes muertos en las trincheras al usarse por primera vez elementos de guerra bacteriológica o en general ametralladoras que barrían a los enemigos. Arrowsmith transmite perfectamente la idea que la guerra es un infierno en el que cualquiera puede morir en el momento menos pensado. Además, una vez empieza el combate ya no existen buenos y malos, solo personas que harán lo que sea necesario para sobrevivir. Pensando en los elementos de worldbuilding y de mostrar el horror de la guerra, el comic es un acierto total.
Sin embargo, en el guión de Arrowsmith hay varios elementos y decisiones creativas de Busiek que no acaban de funcionar, empezando por la decisión de contar la historia como si fuera una novela epistolar, mediante las cartas que el protagonista escribe a sus padres y allegados. Y se que el género epistolar estuvo muy de moda a final del siglo XIX y principio del XX, con Drácula de Bram Stocker como uno de sus máximos exponentes. En este sentido, no tengo claro si Busiek lo plantea a modo de homenaje a este género literario para que conectara con el elemento fantástico de su historia, pero lo cierto es que estas cartas no funcionan en ningún momento. Aparte de ser un engorro de leer, paran la acción y no aportan demasiado a la historia, hasta el punto que casi diría que la lectura mejoraría sin ellas, excepto en momentos puntuales como cuando Fletcher Arrowsmith está escribiendo una carta y tacha cosas porque no sabe como contar lo que tiene que expresar. Pero estos pequeños aciertos no ocultan que a nivel global esta narración no funciona.
Aparte de esto, el principal problema del comic es doble. Por un lado, comentaba que el worldbuilding a nivel general está bien, empezando por la premisa de un mundo en guerra en 1914 en el que existe la magia y lo sobrenatural. Sin embargo, una vez acabamos de leer la historia, me queda la sensación que lo que nos han contado en concreto dentro de este mundo no ha sido demasiado interesante, con muchos clichés andantes empezando por un protagonista que empieza siendo un chaval optimista y bonachón que recibirá unos golpes de realidad brutales cuando entre en combate, y los compañeros de escuadrón con los que compartirá la vida.
Hay otro elemento problemático dentro de esta sensación de historia poco interesante, y es que este volumen se siente como la introducción a la historia buena que de momento aún no nos han contado. Este comic está planteado para contar el origen del héroe, pero incluso en 2003 cuando se editó por primera vez el comic el mercado de las librerías especializadas obligaba a contar siempre lo mejor para enganchar al lector y hacer que la compra de la siguiente grapa fuera obligada. Este comic me hizo recordar al Robert Kirkman primerizo que planteaba el giro inicial de Invencible para el número 25 y le convencieron a adelantarlo y crear un golpe de efecto que impactara al lector lo antes posible, ya que si el comic no se vendía desde el comienzo habían muchas posibilidades que la serie no pasara del primer año. Algo que no veo en este primer volumen de Arrowsmith.
Entiendo que hay que construir la ambientación para enganchar luego con la historia y los personajes, pero en este caso tras leer el primer arco realmente no sabemos nada del enemigo, apenas se intuye el problema en el frente aliado con unos magos que parecen (son) igual de malos que sus oponentes (resaltando eso si el elemento que mientras los poderosos se benefician los jóvenes pagan el precio), y en general Arrowsmith ha sido un personaje secundario en su comic, viviendo situaciones sobre las que no puede influir. Es normal que no consiguiera empatizar con el comic mientras lo leía.
EPSON MFP image
Como digo, sólo por el dibujo merece la pena comprar este Arrowsmith, y a pesar de lo que acabo de exponer realmente la historia no está mal. Pero me sabe muy mal que el comic no fuera tan bueno como hubiera podido ser, más teniendo en cuenta que este volumen ha quedado como una historia de origen de algo que no ha tenido continuidad hasta muchos años después. Espero que tras estos 18 años de espera (realmente 14 desde que salió el tomo de Norma), la segunda miniserie Behind enemy lines nos ofrezca la gran historia que estoy seguro que este mundo puede ofrecernos.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Una de las sorpresas positivas del pasado Comic Barcelona 2022 fue conocer al artista Tirso Cons en el Artist´s Alley. Tras disfrutar de su arte durante el salón me animé a comprar La casa de los susurros en el stand de Yermo Ediciones, estupendo tomo integral realizado junto al escritor David Muñoz y el coloristaJavi Montes.
PUNTUACIÓN: 8/10
Sarah, una niña de apenas diez años, despierta en un extraño hospital de un bosque a las afueras de Praga, después de que toda su familia haya muerto a causa de un extraño virus propagado por los nazis. ¿Por qué ha sobrevivido ella? ¿Por qué la mantienen encerrada en el viejo hospital? ¿Y por qué las paredes de la casa susurran cuando cae la noche?
La casa de los susurros, escrita por David Muñoz (Tierra de vampiros) y dibujada por Tirso (Las crónicas de Legión), es un clásico instantáneo del noveno arte, una gran historia de terror con tintes góticos que reflexiona sobre la soledad, la diferencia y los límites de la identidad.
Esta edición integral de La casa de los susurros editada por Yermo Ediciones incluye los tres tomos editados por Humanoids en una fantástica edición en tapa dura de 184 páginas.
David Muñoz (Madrid, 1968) estudió Bellas Artes y, como tantos otros guionistas, es un dibujante de cómic frustrado. Aún hoy, sueña con publicar algún día un cómic dibujado por él mismo. Ha trabajado en películas como El espinazo del diablo o La posesión de Emma Evans; en series La valla o La embajada, en los cómics La casa de los susurros y Trackers (ambos en Yermo Ediciones con Tirso Cons), Miedo (Glénat), y, en el manual de escritura de guion de cómic, Escribir en viñetas, pensar en bocadillos (Es Pop ediciones). El desastroso estudiante que fue durante su adolescencia jamás habría pensado que fuera posible, pero además de guionista también es profesor de guion y da clases en la ECAM y en varios másteres universitarios. Junto con Rayco Pulido es autor de Sordo (De Ponent, 2008; Astiberri, 2018), también trasladada al cine. Sus últimas novelas gráficas son 15, con dibujos de Andrés G. Leiva, e Infectado, realizado junto con Manuel Meseguer, las dos publicadas en 2021 en Astiberri.
Tirso Cons es un dibujante de cómic español (Pontevedra, 1979), que trabaja sobre todo para el mercado francés. Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas en Madrid, trabajó luego en la agencia de publicidad Contrapunto BBDO, donde pasó de director de arte a ilustrador de agencia. Fue en el Expocomic de 2003 donde redescubrió el cómic, y pronto obtuvo sus primeros encargos en el mercado francés. Inició su carrera en el mercado del cómic francobelga en 2004 (Paquet, Humanoids, Glenat, Delcourt…) con obras como El ojo del diablo, Las crónicas de Legion, La casa de los susurros o Trackers. Ha compaginado su carrera de historietista con la de ilustrador y pintor, así como storyboarder publicitario, desarrollando sus facetas de arte digital y tradicional.
La casa de los susurros se editó hace más de 10 años en el mercado franco-belga, y no puedo más que reconocer mi ignorancia ante el mundo inabarcable que es el comic europeo. La edición de Yermo de los tres álbumes que formaron esta historia en un integral de tapa dura me parece fantástica, y aunque el precio no es barato, entiendo que está ajustado a la calidad del producto.
Y entrando a valorar el comic en si, lo primero que me ha sorprendido de este integral es la evolución tan tremenda que tiene la historia, de forma que el final en el tercer volumen es tremendamente diferente a lo que prometía la primera parte. Y es que la historia arranca en un hospital en mitad de la nada el que una niña tendrá que buscar respuestas al enigma de su presencia allí y al drama de su pasado, mientras conoce un mundo oscuro que no sabía que existía. Hay que aclarar que no estamos ante un terror puro de sustos o gore, sino que la ambientación crea un feeling a las historias barrocas con conexiones sobrenaturales que me funciona de maravilla. Sin embargo, a medida que Sarah va obteniendo respuestas y sabe quien o quienes amenazan su supervivencia, el comic acaba convertido desde cierto punto de vista en la típica historia de origen de un super héroe con su primera misión, pero en un ambientación sobrenatural. Esta evolución en la historia ha conseguido que no supiera nunca qué esperar del comic, lo cual es super positivo, consiguiéndome dejar con una sensación más que satisfactoria.
Dentro que pasan muchas cosas y te lees cada volumen en un suspiro, me tuve que obligar a leer cada parte en un día diferente, quizá ahora a posteriori veo que me ha faltado que el resto de niños del hospital que conoce Sarah estuvieran un poco mejor caracterizados, dado que no he conseguido empatizar con ninguno, y por tanto no me afectaron los destinos de algunos. No es que estén mal construidos, sino que diría que el guion está planteado a partir de la acción y no tanto desde la caracterización, Lo cual tampoco es algo malo, la verdad. De hecho, uno pensaría que La Casa de los Susurros además de ser un gran comic puede verse como un perfecto storyboard en caso que algún productor se interesara por ella.
El gran hallazgo de La Casa de los Susurros es obviamente el dibujo de Tirso Cons con color de Javi Montes. Para ser un comic europeo, me ha encantado la narrativa de este integral. Y enlazando con el guion, me ha parecido que Tirso aplica una narrativa super cinematográfica, colocando siempre el punto de vista de la viñeta en el lugar perfecto para contar la historia y amplificar el elemento dramático, ofreciendo además algunos planos super imaginativos. Junto al dibujo de Tirso, el color de Javi Montes lo veo super adecuado para transmitir la atmósfera barroca y lúgubre que necesitaba la historia sobre todo en el primer volumen. A medida que la historia muta hacia una aventura sobrenatural más que un cuento de terror, el apartado artístico refleja también esta nueva sensibilidad.
Los diseños de Tirso Cons consiguen que todos los personajes sean super reconocibles, y me sorprende la habilidad en presentar diferentes seres sobrenaturales de forma super orgánica en la historia, consiguiendo que la unión de las diferentes mitologías sobrenaturales encajen son problemas en la historia general. Por indicar algo menos bueno, quizá algunas figuras a lo largo de la historia parece que no están igual de perfectamente terminados que Sarah la protagonista, pero este es un elemento muy menos que no me ha impedido disfrutar de la lectura de este tomo.
La Casa de los Susurros me ha parecido una lectura super redonda. De hecho, como me han dejado con ganas de más, creo que tendré que comprar Trackers, la siguiente obra de la pareja Muñoz – Tirso, una historia de piratas con Kaijus ambientada en el siglo XVII. ¡Vendida!
Comparto varias páginas del comic:
La casa de los susurros me ha parecido un comic estupendo con una historia adictiva y llena de personalidad. Super recomendable.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Tras los múltiples retrasos provocados por el COVID, es una pasada poder ver por fin Top Gun Maverick, la película de Tom Cruise dirigida por Joseph Kosinski (Oblivion, Tron Legacy). Y más si me fui a Valencia a verla en el espectacular formato 4DX.
PUNTUACIÓN: 9/10
Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar, superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando se encuentra entrenando a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se encuentra allí con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo «Goose»… Secuela de ‘Top Gun’.
Joseph Kosinski (Iowa, 1974) es un director estadounidense principalmente conocido por su trabajo en películas con una elevada carga de efectos especiales e imágenes CGI. Debutó como director en la gran pantalla con Tron: Legacy (2010), secuela de la película del clásico de Disney Tron de 1982. Tras esto trabajó por primera vez con Tom Cruise en Oblivion (2013), película que a pesar de la tibia acogida comercial debió dejarle una buena experiencia a Cruise, ya que contó con él para este secuela / remake encubierto de Top Gun, película que tendría que haberse estrenado en 2020 y que sufrió numerosos retrasos en cascada que llevaron el estreno hasta este mayo de 2022.
Para está continuación de Top Gun, Cruise como productor ha contado con Ehren Kruger, Eric Singer y Christopher McQuarrie (guionista y director de las últimas entregas de Misión Imposible) para escribir el guion. La película cuenta con fotografía de Claudio Miranda y montaje de Eddie Hamilton, a lo que hay que sumar la música de Harold Faltermeyer (autor de la música de la película original) y Hans Zimmer, con Lady Gaga cantando el tema principal de la película Hold my hand.
La película se rodó en formato IMAX utilizando cámaras Sony Venice 6K Full Screen con certificación IMAX. Kosinski explicó que el equipo pasó más de un año con las fuerzas de la Marina para utilizar las cámaras IMAX en el interior de la cabina, con cuatro cámaras orientadas hacia los actores y mirando hacia delante, además de las cámaras montadas por todo el exterior del avión. Explicó que «el público debe sentir la autenticidad, el esfuerzo, la velocidad y las fuerzas gravitacionales, algo que no se puede conseguir con efectos de sonido o visuales, que necesitaron una enorme cantidad de esfuerzo y trabajo». Añadió que se han rodado más de 800 horas de metraje para la película, lo que supera el metraje combinado rodado para las películas de la trilogía de El Señor de los Anillos.
La producción de la película comenzó oficialmente el 30 de mayo de 2018 en San Diego, California. Hasta finales de agosto, un equipo de filmación de 15 personas de Paramount y Bruckheimer Films estuvo a bordo del portaaviones USS Abraham Lincoln, con sede en Norfolk, para rodar las operaciones de la cubierta de vuelo. A mediados de febrero de 2019, Cruise y el equipo de producción fueron vistos a bordo del USS Theodore Roosevelt en NAS North Island. En marzo, el rodaje se completó en la Estación Aérea Naval Whidbey Island en Oak Harbor, Washington. A pesar de la espectacularidad de la película, los datos «oficiales» indican que Top Gun Maverick ha costado entre 150-175 millones de dólares, coste inferior al de una película de Star Wars, por ponerlo en contexto. Y la jugada le ha salido bien a Cruise, ya que sólo en los Estados Unidos ha recaudado más de 125 millones en su fin de semana de estreno (250 millones en todo el mundo), lo cual significa el mayor éxito comercial para Cruise y que la película va aser un gran éxito de taquilla para sus productores Skydance y Paramount.
Tom Cruise vuelve a interpretar al capitán Pete «Maverick» Mitchell, un piloto de combate condecorado reconvertido a su pesar en instructor de vuelo de jóvenes pilotos. Miles Teller es Bradley «Rooster» Bradshaw, un piloto aprendiz y el hijo del fallecido compañero de Maverick, Nick «Goose» Bradshaw. Val Kilmer retoma su papel de Tom «Iceman» Kazansky, Comandante de la Flota del Pacífico. Jennifer Connelly es el interés romántico de Maverick, una madre soltera y dueña de un bar. Jon Hamm y Ed Harris completarían el reparto en sus papeles principales.
Ha sido muy publicitado que Cruise diseñó un de entrenamiento único para los actores, que pasaron por tres meses de formación como si fueran aspirantes a pilotos de la fuerza aérea. Con ejercicios subacuáticos y de aviación aérea, el entrenamiento previo también estaba orientado para que los actores adquirieran conciencia espacial dentro de la cabina del avión, ya que en palabras del productor Jerry Bruckheimer «los actores también tuvieron que aprender a manejar las cámaras porque cuando están arriba en el jet tienen que dirigirse a sí mismos esencialmente. También tenían que aprender sobre la iluminación, la cinematografía y el montaje, ya que es una experiencia única en la vida.»
Empezando a valorar la película, no se puede hacer mejor. Tom Cruise ha creado la perfecta película de entretenimiento de aventuras para toda la familia con el corazón en el sitio correcto y unas escenas aéreas antológicas. Aquí hay que hacer un disclaimer, ya que estamos hablando de TOP GUN, si eres de los que odias las películas comerciales en general, y consideras americanadas cualquier cosa que muestra al ejército americano como los buenos, obviamente esta película no es para ti. En ese caso mejor no pierdas el tiempo en algo que ya sabes de antemano que no te va a gustar.
Pero para el 99% del público restante, Top Gun Maverick es un maravilloso milagro. Empezando por la forma en que vemos aviones de combate reales como nunca los habiamos visto en cine comercial. Y dentro del avión tenemos a un omnipresente Tom Cruise dentro de la cabina de los cazas de combate americanos (con un piloto en la cabina). Ese es el principal valor de esta nueva Top Gun, saber que los actores realizan las escenas y que los aviones que realizan estas acrobacias eran reales. Y es esta sensación de realidad, con aspectos como la presión en las caras de los pilotos o los tirones al despegar los aviones, lo que le da el plus de verosimilitud a la película que hará que siempre sea mejor que cualquier otra película construida a partir de efectos digitales y CGI.
Las escenas aéreas son una maravilla, hasta el punto que dudo mucho que pueda volver a hacerse una película similar en muchos años, ya que en la comparación todo va a salir perdiendo. De hecho, aunque sea un poco off-topic, Top Gun Maverick acaba de convertir en obsoleta la propuesta de Lucasfilm de realizar una película inspirada en X-Wing: Rogue Squadron. Porque nunca nada que hagan con CGI va a quedar mejor que lo visto hoy, por lo que ¿para qué ver una copia del original que no va a ser mejor?
Junto a unas escenas aéreas sobresalientes, como comentaba antes el gran éxito de la película es que tiene el corazón en el sitio adecuado. Pete Maverick (Cruise) sigue siendo un piloto super capaz pagado de si mismo, pero en el fondo nunca llegó a superar la muerte de su amigo Goose, lo que le llevó a cometer un gran error que provocó la enemistad del hijo de Goose Bradley «Rooster» Bradshaw (Miles Teller) que es uno de los pilotos de Top Gun. Las dudas sobre cómo proceder y si podrá salvar su relación añaden un dilema en el hasta ahora perfecto Maverick que resulta muy importante en la resolución de la historia.
El reencuentro entre Pete y «Penny» Benjamin, una relación de su pasado interpretada por una fantástica Jennifer Connelly que saca oro a un personaje que podría parecer plano. Penny se convierte más que en un interés romántico -que también- en una amiga y la voz de la razón que le ayude en los momentos en los que Maverick piensa en abandonar. La forma en que se construyen la historia alrededor del triángulo Maverick – Rooster – Penny es muy inteligente y crean un vínculo emocional con el que conecté inmediatamente.
Junto a esto, tener la música original y canciones como Great Ball of Fire o Danger Zone significó un subidón de adrenalina total, consiguiendo además que la aparición de Val Kilmer o el recuerdo de la muerte de Goose sean momentos realmente emocionantes. Hay que reconocer que Top Gun Maverick busca aprovechar el efecto nostalgia, pero también que la Top Gun original en ciertos aspectos ha envejecido bastante mal y esta continuación hace que la película quede mejor de lo que es, aparte de mejorarla prácticamente bajo todos los puntos de vista.
Otro aspecto muy importante es que Cruise y todo el equipo sabe exactamente lo que es Top Gun y qué queremos ver los espectadores, de forma que la película se mueve exactamente por los tropos esperables del género sin necesitar desviarse de él ya que todo lo que plantean lo hacen excepcionalmente bien. En este mundo actual del entretenimiento en el que parece obligado que hayan arcos complejos para los secundarios o giros loquísimos en el tercer arco que muestren que todo lo que sabías hasta ese momento era mentira, Top Gun no necesita de estos artificios narrativos porque saben que es lo que quieren contar. Top Gun Maverick nos demuestra con hechos que un concepto sencillo no es peor que otro en apariencia complejo, sobre todo cuando tantas películas del segundo grupo acaban resultando fallidas precisamente por culpa de ese giro.
A todo esto tengo que sumarle la experiencia de ver Top Gun Maverick en 4DX en Kinépolis Valencia, que no ha podido ser más satisfactoria. En este caso, el 4DX no incluía el 3D (como si sucedió cuando vi Mission Imposible: Fallout o Aquaman), pero el movimiento del asiento en las escenas aéreas así como los efectos de viento, agua, vibración, luces e incluso nieve han conseguido aumentar la sensación de velocidad y peligro a la que se enfrentan los pilotos de cazas de combate durante lo combates aéreos. Obviamente el 4DX no es para todas las películas de la cartelera, pero una vez parece que hemos vuelto a la normalidad, creo que puede ser un formato maravilloso para ver uno o dos blockbusters al año.
En este sentido, la película comentaba que se mueve todo el rato por aspectos esperables de Top Gun. Sin embargo, el climax final con la misión de combate una vez terminado el entrenamiento es una maravilla, con una tensión y una sensación de amenaza bestial, y varias sorpresas que nos hicieron temernos lo peor en varios momentos. Una ejecución a mi entender sobresaliente que lució aún mejor gracias al 4DX, convirtiendo la experiencia en una pasada alucinante.
Hay algún elemento menos bueno en la historia que dejas pasar porque todo es super entretenido. Por ejemplo, que la misión sea imposible y nadie consiga llevarla a cabo durante los entrenamientos, pero luego se lanzan a ello justo a continuación, aceptando las elipsis inevitables de este tipo de historias. Pero como comentaba, estos aspectos forman parte de los tópicos del género y realmente no molestan.
Como entretenimiento de primer nivel, veo difícil que ninguna película de este año supere a este Top Gun Maverick. De hecho, estamos ante un caso de hype imposiblemente alto que la película ha superado de principio a fin.
Comparto el trailer de la película:
Top Gun Maverick ofrece un tremendo espectáculo y un entretenimiento alucinante. Sinceramente no se puede hacer mejor, y recomiendo completamente ver la película en la pantalla más grande posible.
PUNTUACIÓN: 9/10
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Uno de las series más esperadas de 2022 era sin duda Obi-Wan Kenobi. Lucasfilm ha planteado su estreno en Disney+ mostrando los dos primeros episodios, una decisión novedosa sin duda planteada para competir con Stranger Things, que nos ha permitido disfrutar el doble y conocer la sorprendente premisa de esta serie.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Miniserie de TV (6 episodios) basada en la figura de Obi-Wan Kenobi cuya historia comienza 10 años después de los dramáticos eventos de ‘La venganza de los Sith’. (FILMAFFINITY)
La idea de una película protagonizada por Obi Wan Kenobi llevaba comentándose desde 2013, aunque tras el fracaso de la por otro lado excelente Solo provocó que Disney modificara la idea original y planteara la realización de una serie de 6 episodios para Disney+. Tras trabajar en The Mandalorian, Deborah Chow fue elegida como directora de la serie. Chow es una directora canadiense Deborah Chow es una cineasta, directora de televisión y guionista canadiense. Consiguió cierto reconocimiento con sus primeros cortometrajes, Daypass (2002) y The Hill (2004), premiados en diversos festivales internacionales. Eso le permitió escribir y dirigir su opera primera cinematográfica The High Cost of Living (2010) Antes de The mandalorian, Chow ha dirigido episodios de series como Copper, Murdoch Mysteries, Reign, Beauty and the Beast y Mr. Robot.
El guión pasó por múltiples cambios, empezando porque la idea original de Obi Wan defendiendo a un joven Luke Skywalker sin que él se diera cuenta fue desechado al tener demasiadas similitudes con la historia The Mandalorian. Finalmente Joby Harold fue contratado como guionista y showrunner de la serie, aunque los créditos mantienen a Hossein Amini escritor del guion original, y a Stuart Beattie como creadores del argumento original, con Hannah Friedman y Andrew Stanton (Wall-E, John carter) también realizando labores de guionista.
McGregor confirmó que el rodaje había comenzado el 4 de mayo de 2021, Día de la Star Wars. Chung-hoon Chung es el director de fotografía de la serie, que utiliza la tecnología StageCraft que ya se utilizó en The Mandalorian. Junto a la música original de John Williams, Natalie Holt fue contratada para componer la banda sonora de la serie, lo que la convierte en la primera mujer que compone la banda sonora de un proyecto de Star Wars de acción real.
En el reparto, tenemos el regreso de Ewan McGregor como Obi-Wan «Ben» Kenobi y Hayden Christensen as Anakin Skywalker / Darth Vader. Además, retoman sus papeles en los Episodios II y III y Bonnie Piesse como Owen Lars y Beru Whitesun Lars, los tíos de Luke Skywalker.
En el lado del imperio tenemos a Moses Ingram como Reva Sevander / la Tercera Hermana, una inquisidora despiadada y ambiciosa que comparte un objetivo común con el Gran Inquisidor (Rupert Friend) y Darth Vader. Sung Kang interpreta al Quinto Hermano, otro Inquisidor, e Indira Varma interpreta a una oficial imperial.
Empezando a comentar mis impresiones de estos dos episodios, Ewan McGregor da una lección de carisma y personalidad en su regreso al papel de Obi-Wan. Su interpretación minimalista transmite de maravilla todo el dolor que el personaje vivió tras ver que los jedis fueron casi destruidos y tener que matar a su amigo y discípulo Anakin Skywalker (bajo su punto de vista en ese momento, porque él no sabe que Anakin fue salvao por el Emperador y convertido en Darth Vader). No soy nada fan de los episodios II y III, pero sólo por ver a McGregor merece la pena ver esta serie, al mostrarnos a una persona perdida que tras 10 años ocultándose ha olvidado quien es en realidad y tendrá que volver a encontrarse para una penúltima misión. Y aunque esto que voy a decir es un tanto injusto, viendo la calidad actoral de McGregor se entiende aún más que el flojísimo Temuera Morrison no consiguiera dar a Boba Fett el carisma que el guion proponía para el personaje en su serie El Libro de Boba Fett.
También me gusta mucho todo el reparto, creo que Lucasfilm ha acertado totalmente. Joel Egerton como el tío Owen está genial, y la inquisidora Reva Sevander (Moses Ingram) trasmite una sensación de amenaza alucinante. Descubrir a Flea de los Red Hot Chili Peppers en un papel secundario me alegró el día, al igual que la sorpresa de la aparición del personaje del episodio III que pone en marcha la acción.
Debo reconocer que la idea de un Obi-Wan en Tatooine protegiendo a Luke no me encajaba nada, y de hecho podría provocar incongruencias con el comienzo de Star Wars. Es por esto que Lucasfilm haya optado por mostrar otra cosa me ha sorprendido mientras veíamos la serie, con ese otro personaje infantil que es oro puro. El entretenimiento se construye también con la sorpresa, y creo que Lucasfilm ha acertado además alejando la acción de Tatooine, un planeta demasiado trillado dentro del universo Star Wars.
Visualmente estos dos primeros episodios están repletos de momentazos en Tatooine y en el planeta Daiyu, con un Domo que hace lucir las localizaciones a las que nos lleva la serie.
Si tengo que comentar algo menos bueno, la verdad es que las interpretaciones me gustan mucho y la historia me ha sorprendido para bien, pero la ejecución de algunas escenas no ha sido todo lo buena que a mi me hubiera gustado. En concreto, el secuestro del primer episodio, la huida por el mercado o el final del episodio con unos inquisidores andando que literalmente dejan escapar a Owi-Wan han sido un poco lamentables.
Tampoco he conectado nada con el personaje de Haja Estree, interpratado por Kumail Nanjiani (Eternals). La idea de mostrar a los estafadores que se aprovechaban de las familias de los jedis que intentaban escapar del imperio como concepto me gusta mucho. Pero de nuevo la ejecución de lo que hace me parece que deja bastante que desear, aparte de plantear unos intentos de humor en situaciones en los que no resulta correcto.
Visualmente Obi-Wan está genial. Pero a la vez encontré en varios momentos en Daiyu una sensación televisiva y no cinematográfica en varios momentos, por ejemplo en el marcado en el que se ven 20 personas y no cuadra con lo que debería ser un mercado abarrotado de gente.
Dicho esto, a veces pedimos al entretenimiento que sea de 10 o si no es un fracaso, y no es el caso para mi. Puedo reconocer estos momentos menos buenos, o directamente mal ejecutados, y la vez haber disfrutado del arranque de la serie y comentar que me vale tener una serie que sea un 7.5 y no un sobresaliente.
Por cierto, destacar también que en estos dos episodios hemos visto prácticamente todas las escenas mostradas en los trailers de la serie, por lo que todo lo que veamos a partir de ahora va a ser sorpresa absoluta, lo cual me parece apasionante.
Spoilers a continuación.
La gran sorpresa de la serie es tener a LEIA ORGANA y no a Luke como el personaje que obliga a Owi-Wan a abandonar su retiro autoimpuesto. Poder ver a Leia como una niña de 10 años realmente bien interpretada por Vivien Lyra Blair ha sido una pasada, porque transmite de maravilla la sensación de ser una niña encerrada en una cárcel de oro cuando el cuerpo la pide vivir aventuras. También el hecho que sea en varios momentos una niñata engreída en el fondo encaja con alguien que se sabe una princesa importante. He leído algunas críticas sobre esto, pero yo no creo que sea un problema, más bien al contrario.
En este sentido, ver a Jimmi Smits repitiendo en su papel del Senador Bail Organa me dió una alegría tremenda que no esperaba para nada, teniendo en cuenta lo poco que me gustó el Episodio III. En este sentido, ver a Alderaan en imagen real fue también otro motivo de alegría de una serie que igual falla en la ejecución de algunos momentos, pero acierta de pleno en la construcción del mundo de Stars Wars post Episodio III.
En resumen, buen arranque de Obi-Wan Kenobi, a pesar de los elementos menos buenos en la ejecución espero que tengamos un montón de emoción en los cuatro episodios que restan por estrenarse. Tengo ganas de ver a Darth Vader pero a la vez temo la forma en que lo metan en la historia, espero no caigan en contradicciones groseras que no se sostengan, reconociendo que dichas contradicciones existen ya en las películas.
Comparto el trailer de la serie:
Obi Wan Kenobi ha empezado muy bien y nos ha dejado con ganas de más. No se puede pedir más a un producto de entretenimiento. Los próximos cuatro viernes tengo una cita obligada, independientemente del resto de estrenos de una potente parrilla del mes de junio.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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