Crítica de El Método Williams de Reinaldo Marcus Green

El método Williams del directo Reinaldo Marcus Green con Will Smith de protagonista es una de las sorpresas de los Oscars de este año al recibir 6 nominaciones entre las que se encuentran Mejor Películas y Mejor Actor. Tras animarme a verla, comparto mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 7/10

Biopic sobre Richard Williams, un padre inasequible que ayudó a formar a dos de las deportistas más extraordinarias de todos los tiempos, dos atletas que acabarían marcando época en el deporte del tenis. Richard tenía una visión muy clara del futuro de sus hijas, y sirviéndose de métodos arriesgados y poco convencionales, elaboró un plan que llevaría a Venus y Serena Williams de las calles de Compton, California, al olimpo del deporte, convirtiéndolas en iconos del tenis.

Reinaldo Marcus Green es un director, productor y escritor estadounidense conocido por su película de 2018 Monsters and Men, que ganó el premio especial del jurado a la primera película destacada en el Festival de Cine de Sundance. Su siguiente proyecto fue Joe Bell, producido por Jake Gyllenhaal y Cary Joji Fukunaga, y protagonizado por Mark Wahlberg, Connie Britton y Maxwell Jenkins. Green también dirigió los primeros tres episodios de la tercera temporada del drama de la televisión británica, Top Boy.

El método Williams en una larga película de 138 minutos que cuenta con guión de Zach Baylin, fotografía de Robert Elswit, montaje de Pamela Martin y música de Kris Bowers. A destacar además que Venus y Serena Williams son productoras ejecutivas de la película, que ha recibido 6 nominaciones a los Oscars: Mejor Película, Mejor Actor Will Smith, Mejor Actriz de Reparto Aunjanue Ellis, Mejor Guión Original, Mejor Montaje y Mejor Canción (Dixson y Beyoncé Knowles-Carter por «Be Alive»). Con un presupuesto de 50 millnes de dólares, de momento tan sólo ha recaudado 36, siendo uno más de los damnificados por el virus COVID.

Además del archiconocido Will Smith interpretando a Richard Williams, el reparto cuenta con Aunjanue Ellis como Oracene «Brandy» Price, la esposa de Richard y madre de Venus y Serena Williams (Saniya Sidney y Demi Singleton, respectivamente). Junto a los miembros de la familia Williams, encontramos también a Jon Bernthal como Rick Macci y Tony Goldwyn como Paul Cohen, los entrenadoras de las niñas.

Si tengo que hablar de El Método Williams es inevitable plantearlo desde dos puntos de vista, por un lado el meramente cinematográfico, y por el otro las conexiones antes unos hechos y unas personas que se han convertido en iconos del deporte, al estar esta película inspirada en hechos reales.

Para la cultura anglosajona, el ideal de hombre hecho a si mismo, de triunfador que consigue el éxito luchando contra todo lo que se le pone por delante es lo máximo a lo que aspira toda persona. El individualismo, el “Do it yourself” y la idea que un hombre sólo con su esfuerzo puede llegar a ser millonario está grabada en el ADN del norteamericano medio. Y en ese sentido, El método Williams parece casi un publirreportaje para ensalzar la figura de Richard Williams (con alguna sombra) y su mujer Brandi, que criaron 5 hijas y consiguieron con trabajo y esfuerzo que dos de sus hijas fueran las mejores tenistas del mundo.

Normalmente la historia la cuentan los vencedores, y mientras veía la película no podía evitar pensar que si esta película es una realidad es precisamente porque las hermanas Williams han llegado a la cima, por lo que estamos viendo esa historia de triunfo. Sin embargo, Richard Williams es un desequilibrado, o esa impresión me dio a mi la historia, y aunque Venus y Serena triunfaron, no podía dejar de pensar en las decenas, cientos o miles de padres que machacan a sus hijos e hijas pensando en que pueden llegar a ser deportistas de élite que les saquen de la pobreza, cuando la realidad es que sólo una minoría lo van a conseguir y el 99% restante no van a llegar por motivos que no tienen nada que ver con “voy a esforzarme al máximo”, sino por la propia genética y condiciones físicas de cada persona, aparte de la fortaleza mental.

Hay una parte de la historia que es el típico “persigue tus sueño” o “lucha por lo que quieres” que hemos visto decenas o cientos de veces en cine y televisión. Pero como padre de un niño que ha jugado a fútbol infantil y he visto de primera mano el ambiente tóxico de algunos padres en las gradas, me aterra que alguien pueda ver esta película y quedarse con la idea que si exige más a sus hijos y les hace vivir sólo para el deporte van a conseguir el éxito, cuando lo normal es que eso no va a pasar.

Pensando en ello, me doy cuenta que los deportistas de élite tienen unas necesidades de entrenamiento físico y mental, aparte de los viajes por todo el mundo que les obligan a estar semanas y meses lejos de casa, que les hace ser diferentes a las personas que tenemos una vida “normal”. Lo difícil precisamente es la forma en que un joven da el salto del deporte amateur al profesional, un muro infranqueable en la mayoría de los casos. Precisamente estar dispuesto a hacer ese plus para que sus hijas lo consiguieran puede ser el único elemento positivo que puedo encontrarle a la historia de Richard Williams.

Sin embargo, la idea de un padre que al nacer sus hijas escribió en una libreta un plan para llevarlas al éxito en el deporte y lo llevó a cabo punto por punto, cosa que parece ser cierta y que han repetido hasta la saciedad en entrevistas y en la propia autobiografía que Richard Williams publicó hace unos años, es una de las cosas más locas y desquiciadas que he conocido jamás. Y el hecho que a él le saliera bien es un milagro imposible que no debería quedar más que en una historia personal irrepetible. Espero que sea este el caso.

Y ahora, pensando en la película en si, la verdad es que estamos ante una historia de superación bien realizada que a pesar de ser más de dos horas no se hace larga en ningún momento. Will Smith hace una muy buena interpretación, con una voz en la versión original que me gustó mucho y consigue que no veamos a la mega estrella que es. Si no fuera porque Benedict Cumberbatch creo que va a ganar el Oscar con su interpretación de vaquero gay reprimido, creo que Smith sería un claro aspirante a ganar el premio este año.

Junto a Smith, creo que el casting del resto de la familia Williams está muy elegido y transmiten una química muy buena, consiguiendo la película transmitir la complicidad que tenían las 5 hermanas entre si y con sus padres y, a pesar de algún que otro sobresalto, el amor de unos padres que harían lo que fuera por sus hijas.

Dicho esto, este biopic con elementos de drama es el típico ejemplo de película “agarra Oscars”, empezando por el elemento racial de una familia afroamericana que luchó contra el racismo en un deporte que no tenía deportistas negros y frente a la pobreza y la violencia de un barrio como Compton en Los Angeles. De hecho, la película se hace eco y recuerda el apaleamiento de Rodney King en 1991, añadiendo la coletilla de “al menos esta vez alguien lo ha grabado” como muestra del racismo sistémico de la policía. En este momento de activismo en el que se valora la visibilidad por encima de la calidad cinematográfica, dentro que todo en la película me parece correcto y no le pongo un pero, tampoco ningún sobresaliente, no tengo duda que la película va a ganar seguro algún Oscar este año.

Comparto el trailer de la película:

El Método Williams es una buena película de superación de esas que tanto gustan al público americano, con una buena interpretación de todo el reparto, lástima que las sensaciones que me transmitieron no fueron lo positivas que supongo buscaban los produtores.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de The Boys: Diabolical (Prime Video)

El éxito de The Boys ha provocado que Prime Video haya autorizado la producción de una serie de cortos de animación ambientados en el mundo creado por Garth Ennis y Darick Robertson. The Boys: Diabolical es un divertido entretenimiento over-the-top que sacia nuestra sed mientras esperamos el estreno de la tercera temporada en algún momento de este 2022.

PUNTUACIÓN: 7/10

Sumérgete a fondo en el universo de The Boys con DIABOLICAL, una serie animada antologica de ocho episodios. Cada uno de ellos exprimidos de algunas de las mentes más desquiciadas, confusas y maníacas que, de alguna forma, aún siguen trabajando en el mundo del entretenimiento.

Eric Kripke, showrunner de The Boys, declaró que la idea de crear Diabolical surgió durante la pandemia de COVID-19, cuando los productores querían lanzar algo durante la espera de la tercera temporada de The Boys. Debido a las restricciones de la mayoría de las producciones de acción real, decidieron intentar hacer una antología animada utilizando diferentes formas y estilos. Diabolical se compone de ocho historias completamente nuevas creadas por Awkwafina, Garth Ennis, Eliot Glazer e Ilana Glazer, Evan Goldberg y Seth Rogen, Simon Racioppa, Justin Roiland y Ben Bayouth, Andy Samberg y Aisha Tyler, y los y los productores ejecutivos Seth Rogen y Evan Goldberg la comparan con The Animatrix como fuente de inspiración de cortos planteados para ambiente el worldbuilding de este universo de ficción.

Voy a compartir a continuación la información de cada uno de los ocho episodios que componen este antología, todos de una duración de entre 13 a 15 minutos, así como una rápida impresión del capítulo, siempre libre de spoilers:

Episodio 1. Día de salida de la bebé láser.

Una bebé entrañable más unos ojos láser esigual a una máquina de evisceración que te derretirá el corazón.

Corto dirigido por Crystal Chesney-Thompson y Derek Thompson a partir de una historia de Seth Rogen y Evan Goldberg, inspirada en los clásicos cortos de animación americanos.

Este primer episodio es para mi uno de los mejores de toda la serie, partiendo de la narrativa sin diálogos y el feel infantil que contrasta con la hiper violencia de la historia. Divertido, gore y sin complejos, me ha gustado mucho.

Episodio 2. Un corto animado donde súpers cabreados matan a sus padres.

El título lo dice todo y revela el final. Digamos solo que es catártico y un auténtico follón.

Dirigido por Parker Simmons con un guión de Justin Roiland y Ben Bayouth.

Un tema recurrente en The Boys es que frente al tópico de los comics de superhéroes que alguien se toma algo o tiene un accidente X, adquiere poderes super guays, mientras que en la realidad, si se realizaran experimentos para dotar con poderes a niños la mayoría de casos produciría seres deformes con habilidades inservibles. Este es precisamente el tema de este episodio, que dentro que está correcto, me ha parecido una situación de un único chiste repetido un pelín de más y que no da más de si que lo que vemos. En todo caso, entretenido.

Episodio 3. Soy tu camello.

Extraido de las páginas de los comics originales de The Boys. Billy Butcher, junto a Terror, aterroriza a proveedor de drogas para que le de una dosis especial a cierto súper.

Dirigido por Giancarlo Volpe a partir de una historia de Garth Ennis, creador del comic de The Boys.

Tener a Gerth Ennis y volver a ver a Billy Butcher es siempre un placer, y Ennis transmite de cine toda su mala leche y humor negro para una historia que se ve venir pero que tiene un puntazo super gore muy chulo.

Episodio 4. Bod, el del 3-D.

Las redes sociales son una lente dismórfica que distorsiona la forma en que nos vemos a nosotros mismos y a los demás, y nos adormece ante lo que es realmente importante en la vida. Este va de eso.

Dirigido por Naz Ghodrati-Azadi a partir de una historia de Eliot Glazer y Ilana Glazer, inspirado en los comics y la animación francesa.

Otro episodio interesante que va más allá de la broma de un único chiste para plantear una historia de adicción y obsesión con un final muy heavy, dicho en positivo.

Episodio 5. Las superamiguis.

Inyéctate el Compuesto V y obtén super poderes. Bébete el compuesto V y… pasa esto.

Dirigido por Madeleine Flores y con guión de Awkwafina, está inspirado en los cartoons de Sábado por la mañana.

Aunque el episodio tiene un concepto similar al del segundo episodio de una chica que adquiere unas habilidades ridículas, la historia Awkwafina va por otros derroteros que me han hecho mucha gracia, y la animación cuqui hace que todo parezca aún más divertido.

Episodio 6. Nubio contra Nubia.

Divorciarse es complicado. Divorciarse con una hijo, aún más. ¿Superhéroes divorciándose con una hija que está decidida a que eso NO ocurra? Habrá sangre…

Dirigido por Matthew Bordenave, con un guión de Aisha Tyler con una animación inspirada en el anime.

El episodio está bien en la parte que vemos como realmente no existen los superhéroes o los super villanos en este mundo, sino que es Voight quien se inventa las historias para tener aborregada a la sociedad con historias de heroísmo. Este corto intenta darle un tono de drama al tener el punto de vista de la niña, lo que contrasta con el humor bestia de otros episodios. Y dentro que está bien, también es verdad que lo situaría en la segunda mitad de la tabla.

Episodio 7, John y Sun-Hee

Prepárate para llorar mientras un anciano lo arriesga todo para curar el cáncer inoperable de su mujer.

Dirigido por Steve Ahn con un guión de Andy Samberg, cuenta con una animación inspirada en el cine coreano.

Uno de los tres mejores episodios. De nuevo, a pesar de tener a una persona adquiriendo habilidades extrañas, el corto huye del tono de humor cínico al plantear una historia en la que prima el dolor y la desesperación de un marido que busca salvar a su mujer, aunque no sabe que igual el remedio es peor que la enfermedad, nunca mejor dicho.

Episodio 8. Uno más uno igual a dos.

Incluso un gran superhéroe como Homelander tuvo que empezar en algún sitio…

Dirigido por Jae Kim y Giancarlo Volpe, con guión de Simon Racioppa, con una visión más oscura de la animación de superhéroes americana.

Junto a los episodios uno y siete, este es el episodio que más me ha gustado. Aparte del plus que supone conocer una historia nueva de Homelander posiblemente con su primera misión, me gusta lo bien conectado que está con la serie de imagen real en lo relativo al desequilibrio mental que sufre Homelander, y cómo la realidad siempre hace saltar por los aires los mejores planes, con unos momentos super gores.

En resumen, aunque todos los cortos están bastante bien, con un par más chorras pero que sirven de contraste tanto por la animación como por los absurdos protagonistas, el visionado de estos ocho episodios me ha sabido a poco y me ha dejado con ganas de más. Entiendo que habiendo surgido la idea en tiempo de pandemia tampoco ha habido tiempo o recursos para más, y no me importaría que Prime aprobara la producción de nuevos episodios, la verdad.

En todo caso, espero que el estreno de la tercera temporada de The Boys no se demore y podamos disfrutar de su gore over-the-top en imagen real más pronto que tarde.

Comparto el trailer de esta serie:

Diabolical nos ofrece justo el tipo de entretenimiento salvaje que estábamos esperando, así que si eres fan de The Boys vas a disfrutar esta antología, en caso contrario, mejor abstenerse.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Coda: Los sonidos del silencio de Sian Heder

Dentro del repaso de las películas que han recibido una nominación al Oscar a Mejor Película, hoy toca hablar de Coda: Los sonidos del silencio, remake americano de una película francesa que ha dirigido Sian Heder que da visibilidad al mundo de las personas sordas.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

Ruby (Emilia Jones) es el único miembro oyente de una familia de sordos. A sus 17 años, trabaja por la mañana con sus padres y su hermano en Gloucester, Massachusetts, antes de ir a clase, tratando de mantener a flote el negocio pesquero familiar. Ávida de encontrar nuevas aficiones, Ruby decide probar suerte en el coro de su instituto, donde no sólo descubre una latente pasión por el canto, sino también una fuerte atracción física por el chico con el que debe realizar un dueto. Su entusiasta profesor (Eugenio Derbez) ve algo especial en ella y la anima a que piense en la posibilidad de entrar en la escuela de música, algo que la obligaría a tener que tomar una decisión de cara a su futuro: o sus estudios, o su familia. (FILMAFFINITY)

Sian Heder (Massachusetts, 1977) es una guionista y directora norteamericana. En 2005, Mother, el primer cortometraje de Heder como directora y guionista, ganó el Gran Premio del Jurado al «Mejor Cortometraje Narrativo» en el Festival de Cine de Florida. En 2010, Heder ganó un premio Peabody, junto al resto de guionistas de la serie de televisión estadounidense Men of a Certain Age. En 2011, escribió y dirigió una comedia corta, Dog Eat Dog (A Short Tale) protagonizada por Zachary Quinto. Además, trabajó de guionista en el tres primeras temporadas de Orange Is the New Black, y en 2015 dirigió Tallulah protagonizada por Elliot Page y Allison Janney.

Coda es un remake en inglés de la película francesa de 2014 La familia Bélier, dirigida por Éric Lartigau. La película de 111 minutos con fotografía de Paula Huidobro, montaje de y música de Marius De Vries. La película se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2021, con una acogida super positiva que hizo que Apple adquiriera los derechos de distribución por una cifra récord en el festival de 25 millones de dólares. Ha sido nombrada una de las 10 mejores películas de 2021 por el American Film Institute. Recibió tres nominaciones en la 94.ª edición de los Premios Óscar, incluida la de Mejor película, Mejor Guión adaptado (Sian Heder) y Mejor Actor Secundario (Troy Kotsur), además de recibir numerosas nominaciones para los Premios Globos de Oro.

La película está interpretada por Emilia Jones (Locke and Key, Utopia, Doctor Who) como Ruby Rossi, una chica adolescente que ama la música y ayuda a su familia, todos sordos, en su barco pesquero además de asistir al instituto local. La familia de Ruby está formada por tres actores sordos: Troy Kotsur como su padre Frank. Daniel Durant como su hermano mayor Leo y la ganadora de un Oscars Marlee Matlin como Jackie, su madre. Se da la circunstancia que Matlin, Kotsur y Durant ya se conocían por su colaboración en el musical de Broadway de 2006 Spring Awakening. Eugenio Derbez interpreta al profesor de canto de Ruby, Bernardo Villalobos / Mr.V, mientras que Amy Forsyth interpreta a Gertie, una amiga de Ruby, y Ferdia Walsh-Peelo interpreta a Miles, un amigo del coro de Ruby.

Empezando por los elementos positivos, lo más destacado de la película es la complicidad y empatía que genera la familia protagonista formada por tres personas sordas y una que no sufre esta discapacidad. Emilia Jones es una estupenda protagonista interpretando a la joven Ruby cuyo sueño es dedicarse a la música. Además de tener una voz super bonita y reconocer que me encantan sus canciones en la película, ha aprendido perfectamente el lenguaje de signos y tiene una química perfecta con el resto del reparto, vendiéndome que es una persona con audición que ha vivido toda su vida con personas sordas y les cuesta socializar con el resto del mundo.

La película tiene dos escenas con la sordera de protagonista que están bien muy bien resueltas y son super emocionantes. La primera es cuando el padre de Ruby Frank (Troy Kotsur) está en el concierto del instituto en el participa su hija y aunque no puede escuchar a su hija, descubre el efecto que la voz de su hija tiene entre el público. La segunda es la audición de Ruby en la que además de cantar como los ángeles, canta la canción en lenguaje de signos para su familia. Estas dos escenas son super chulas y de largo lo mejor de la película.

La decisión de elegir a actores sordos me parece un acierto total, y en general me gustan todos los elementos de producción. La fotografía es super correcta, y las escenas tanto en el barco cuando salen a faenar como las localizaciones alrededor de Gloucester, Massachusetts donde se rodó la película transmiten realismo. Para ser una película de casi dos horas no se me hizo larga y la verdad es que se ve con agrado.

Sin embargo, dentro que todo es correcto, la historia es una sucesión de tópicos que sería intercambiable con cientos de historias de jóvenes que luchan por alcanzar su sueño, con el único añadido en esta película de las personas sordas. Tampoco existe un drama real en todo lo que nos cuentan y todo sucede dentro de los convencionalismos de este tipo de historias de forma que no hay ni un sola sorpresa durante todo el visionado.

Justo el año pasado cuando Sound of Metal (Darius Marder) me voló la cabeza por su genial representación del mundo de la sordera y cómo afecta a los que lo sufren, con un increíble Riz Ahmed. Dentro que entiendo que toda película que muestra el mundo de la sordera es positivo en lo relativo a la representación y visibilización de este colectivo, en la comparación con esa película, el minidrama de Coda queda como lo que es, un melodrama de domingo por la tarde de Antena 3. Y ni siquiera uno de los mejores.

Y esto es quizá lo peor de todo, la sensación de película correcta sin más que es inflada no por sus valores cinematográficos sino por aspectos de representatividad y visibilización de colectivos con problemas. En todo caso, dado que seguro no hubiera visto Coda de no ser por su nominación, entiendo que el objetivo de visibilización lo han conseguido.

Comparto el trailer de la película:

Dentro de la corrección general, reconozco que no entiendo la nominación a Mejor Película en los Oscars de Coda, ni en general todos los premios y nominaciones que ha recibido. Está genial lo de dar visibilidad a colectivos que no suelen tenerla, como son las personas sordas, pero como película es super montonera y olvidable.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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Crítica de Harley Quinn temporada 1 (HBO Max)

Tras ver Peacemaker, me quedé con ganar ver algo que me resultara realmente gracioso, y la serie de Harley Quinn me ha parecido maravillosa en ese aspecto. Hoy quiero recomendar la primera temporada disponible en HBO Max.

PUNTUACIÓN: 8/10

Sigue las aventuras de Harley Quinn después de separarse del Joker, y de cómo recibió la ayuda de Poison Ivy y de otros villanos para finalmente unirse a la Legión del Mal. (FILMAFFINITY)

Paul Dini y Bruce Timm crearon a Harley Quinn en la serie Batman: The Animated Series en 1992, y en muy poco tiempo se ha convertido en uno de los personajes más populares de DC Comics. Fruto de ello es su aparición en las película Escuadrón Suicida (David Ayer, 2016), El Escuadrón Suicida (James Gunn, 2021) y Aver de Presa y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn (Cathy Yan, 2020). En paralelo, aparte de tener su propio comic de DC durante largos periodos de tiempo, ha aparecido en numerosas películas y series de animación de Warner.

La actual serie de animación de Harley Quinn disponible en HBO Max está escrita y producida por Justin Halpern, Patrick Schumacker y Dean Lorey, y sigue las desventuras de Harley Quinn y su mejor amiga/compañera en el crimen Hiedra Venenosa después de haber dejado a su exnovio el Joker. Esta primera temporada estrenada en Estados Unidos en 2019 contó con 13 divertidísimos episodios de 23 minutos cada uno, a los que siguieron otros 13 episodios en la segunda temporada. La serie ha contado conun gran éxito de crítica y público y ha sido renovada para una tercera temporada que se supone se va a estrenar durante 2022.

En la versión original Harley Quinn tiene un reparto de voces maravilloso, empezando por Kaley Cuoco como Harley, Lake Bell como Hiedra Venenosa, Ron Funches como King Shark, Tony Hale como Doctor Psycho, Jason Alexander como Sy Borgman, J. B. Smoove como Frank la Planta y el estupendo Alan Tudyk como Joker, además de interpretar a otros personajes como Clayface, Calendar Man, Doctor Trap o Condiment King.

Entrando en materia, ¡qué bien me lo he pasado con Harley Quinn!! La serie clava al personaje de Harley empezando por su relación tóxica con Joker y cómo aunque intelectualmente sabe que es malo para ella, no puede evitar sentirse atraído por él. Una gran parte del atractivo de Harley no es sólo su evolución en la serie, que ya de por sí está muy bien, sino tener a una protagonista que no deja de equivocarse y meter la pata, aparte de ser una delincuente sin ningún respeto por las normas establecidas para vivir en sociedad.

El humor bestia que Harley plantea a partir de su amoralidad y la hiper violencia me encanta, y me flipa que se hagan este tipo de series de animación para adultos con estas dosis de gore y ultraviolencia enclavada en el universo DC. O al menos, UN universo DC, no EL universo DC. Harley sirve además para poder de relevancia el machismo existente en la sociedad, que aquí está visibilizado por unos super villanos hombres que no aceptan que una mujer puede ser igual de buena que ellos o incluso mejor. La forma en que nos lo muestran a partir del humor me parece muy acertado y mucho mejor que los sermones que intentan colarnos en otras series de entretenimiento.

Además de Harley, la serie cuenta con unos secundarios maravillosos que ofrecen un contraste super divertido entre ellos. Empezando por Poison Ivy (Dra. Pamela Isley), una super villana super lógica y cabal que intenta ayudar a Harley ofreciendo un poco de sentido común, que Harley no suele aplicar muy a su pesar. La relación entre estas dos villanas me parece un acierto y nos da momentos gloriosos.

Buenísimos me han parecido también King Shark hecho genio informático, un Clayface convertido en actor Shapespeariano, Frank la Planta o un Doctor Psyco machista que odia a las mujeres en un grupo dirigido por una. Este grupo disfuncional nos regala una colección de momentos super divertidos que no dejan a ir a más de lo exagerado y over-the-top que es todo. Mucha parte del éxito de la serie la tiene el casting de voces en la versión original, que consiguen que me parta de risa en la mayoría de los gags.

Junto a estos personajes que forman la banda de Harley, la serie saca el máximo partido al universo DC en su vertiente de Gotham, con un montón de apariciones aparte de Joker, siendo la serie un auténtico «quién es quién» de personajes. En ese sentido, la caracterización de Bane no es nada fiel al comic pero hace que me parta de risa cada vez que aparece. Sin embargo, el humor a costa de Aquaman nunca me ha hecho gracia y tampoco lo hizo aquí, y puede ser uno de los pocos gags que no me han gustado.

Una serie ambientada en Gotham no puede dejar de mostrar a Batman, y en esta primera temporada el Caballero Oscuro luce más que correcto en su papel de &%$o amo que puede detener a Harley en cuanto se lo propone. En este sentido, hay que entrar en el juego de una serie mostrada desde el punto de vista de la villana, de forma que si realmente Batman apareciera más de la cuenta a) la serie no tendría sentido porque Harley acabaría detenida al final de cada episodio, o b) si no lo hiciera Batman quedaría como un patán y eso tampoco nos gustaría. Esta primera temporada está siempre en el filo de la navaja, pero creo que globamente consigue salir airoso del desafío narrativo, siempre que el espectador entendamos que estamos ante una serie de humor que tampoco hay que tomarse demasiado en serio.

Si tengo que ponerle un pero, sería la forma en que fuerzan el humor alrededor del Comisario Gordon, convirtiéndole en un alcohólico desequilibrado. Como digo, entiendo que fuercen el humor en todo momento pero ese elemento, unido a que la Legion of Doom de supervillanos tenga una base a la vista de todo el mundo en Gotham resultan los aspectos más cuestionables de una serie que ya digo que me ha flipado y que me ha regalado algunos momentos super divertidos.

Empezaba el post comentando que vi esta serie tras ver la de Peacemaker y debido a los numerosos comentarios positivos que leí de ella en Twitter. Y la verdad es que tras ver esta primera temporada, en lo relativo al humor y al disfrute total que me ha dado, creo que me quedo sin duda con esta serie por delante de la de James Gunn.

Comparto el trailer de esta primera temporada:

Si eres fan de DC y estás suscrito a HBO Max, no te puedes perder la serie de animación de Harley Quinn, la diversión está asegurada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Inferno 3 de Jonathan Hickman, R.B. Silva, David Curiel y vv. aa. (Marvel Comics – Panini)

Tercer número de Inferno de Jonathan Hickman, con dibujo de R.B. Silva, Stefano Caselli y Valerio Schiti, entintado de Adriano De Benedetto y color de David Curiel, en el que por fin la historia se pone en marcha mientras conocemos varias sorpresas sobre las creación del paraíso mutante de Krakoa y la identidad de los villanos de Orchis.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡El ataque de Nimrod! Los problemas nunca llegan a Krakoa de uno en uno. Jonathan Hickman se reúne con R.B. Silva, su colaborador de Potencias de X, para el penúltimo capítulo de su canto del cisne en la Franquicia Mutante.

Este tercer número de Inferno es una grapa de 56 páginas (39 de historia sin contar los gráficos de Hickman) en el que por fin empiezan a pasar cosas interesantes. Aunque estén contadas con el habitual ritmo pausado de Hickman y su gusto por volver a contar de forma ampliada momentos que ya vivimos en comics previos, las cosas como son. Y hay que reconocer que su capacidad de crear historias complejas que va desplegando a su propio ritmo es probablemente el principal hecho distintivo de Hickman, dicho esto en positivo. La sensación que Hickman ya tenía escritas desde el principio de HoX / PoX la trama de Cifra y Warlock en Krakoa o las revelaciones sobre el origen de Karima Shapandar (la Centinela Omega) y su cambio de bando para apoyar a Orchis es una pasada, la verdad. Como también lo es que este origen sorpresa de Karima conecte con una de las más clásicas historias y en general con los mitos de la Patrulla X.

El problema, dentro que creo que este es un buen comic, es hasta las últimas páginas tenemos otro número de worldbuilding de Hickman en el que nos explica cosas interesantes que hasta ahora no conociamos de su reinicio, pero en las que literalmente no pasa nada que avance la trama. De nuevo, y ya son tres de tres en Inferno, tenemos un comic de Hickman que nos promete que el próximo comic va a ser lo más pero que se ha olvidado de serlo en este. Y la decepción empieza desde la propia portada del comic, que nos muestra algo que ¡NO llega a suceder en este comic! ¿Cómo es posible? Obviamente, dado que el próximo número ya es el final de Inferno, espero que el climax sea impactante y nos de la acción, giros y momentos dramáticos que llevamos esperando desde el principio del comic.

En el apartado artístico, ya no es noticia que Marvel vuelva a producir un comic que da vergüenza ajena por el baile de dibujantes. R.B. Silva está acompañado por Stefano Caselli y Valerio Schiti al dibujo, contando además con entintado de Adriano De Benedetto y colores de David Curiel. Julián Clemente vende como positivo en el Spot-On que Silva dibuje la escena del flashback con Cifra y Warlock en Krakoa que amplía lo visto en Potencias de X (cosa que por otro lado claro que es positivo), pero obvia lo penoso que es que en el principal comic de la franquicia mutante los editores no hayan sido capaces de planificar que Silva dibuje toda esta grapa. Y está claro que Silva, Caselli y Schiti son los tres artistas de primera línea y no se les puede poner un pero a su narrativa, pero que prácticamente haya un salto de estilo en cada escena me toca mucho la moral, la verdad, porque de hecho Schiti y Caselli sólo dibujan 7 páginas cada uno de este comic. Si precisamente se recuerda tanto a HoX/PoX además de la historia de Hickman fue por la unidad artística de unos comics dibujados todos por Larraz y Silva. Parece que esto no es una prioridad para la Marvel actual, claro.

Hay además un elemento alrededor de Moira McTaggert en la historia de Hickman que es totalmente ridículo, pero que resulta imprescindible para que la trama avance, hasta el punto que sin eso no hay historia. Me refiero a que si Charles y Magneto saben que si Moira muere la realidad se va reiniciar, pensar que aparte del localizador Moira no puede pedir ayuda mentalmente a Charles en caso de necesidad es realmente absurdo, y rompe con la imprescindible suspensión de credulidad. Y se que esto es como La visita de Shaymalan, cuya premisa ya incluye una ridiculez absurda que hay que aceptar porque sin ella no hay película. Pues algo así me pasa con la trama de Moira en general en la miniserie de Inferno. Y no importa si el worldbuilding es super complejo, si al final Hickman tiene que emplear «chorradas» para hacer avanzar la historia, igual es que la historia no es tan buena para empezar.

Comparto las primera páginas del comic:

Inferno acaba de empezar como quien dice y ya estamos a punto de conocer el final el mes que viene. Y por lo visto en esta grapa, el climax de esta serie si puede convertirse en un verdadero game-changer para la franquicia mutante. Aparte de la propia marcha de Hickman, claro. A pesar de todo lo expuesto anteriormente, reconozco que tengo ganas de ver cómo termina la historia, la verdad.

PUNTUACIÓN: 7/10

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