Crítica de Pinocho de Guillermo del Toro (Netflix)

Tenía ganas de ver la versión que Guillermo del Toro ha preparado del clásico Pinocho, planteada como una película de animación stop-motion. Gracias a Netflix he podido satisfacer mi curiosidad.

PUNTUACIÓN: 6/10

Versión musical en animación stop motion de ‘Pinocho’, ambientada en Italia durante la década de 1930. Guillermo del Toro y Mark Gustafson dirigen esta película, que en la versión original cuenta con un reparto estelar de voces: Ewan McGregor (Pepito Grillo), David Bradley (Geppetto) y el debutante Gregory Mann (Pinocho). También participan Finn Wolfhard, Cate Blanchett (ganadora del Óscar), John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz (ganador del Óscar) y Tilda Swinton (ganadora del Óscar).

A partir de la mítica creación del italiano Carlo Collodi, Guillermo del Toro plantea la adaptación con una historia escrita junto a Matthew Robbins que fue convertida a guion cinematográfico por Del Toro y Patrick McHale. Del Toro es co-director de la película junto a  Mark Gustafson. La fotografía de la animación corre a cuenta de Frank Passingham, mientras que el montaje es de Ken Schretzmann. La música y las canciones corren a manos de Alexandre Desplat. La película estrenada en Netflix tiene una duración de 114 millones y tiene un presupuesto de 35 millones.

Pinocho está protagonizada por las voces de Gregory Mann, David Bradley, Ewan McGregor, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz y Tilda Swinton.

Siempre empiezo mis reseñas hablando de lo bueno de una obra para luego comentar los aspectos que no me han gustado. Y dentro del pequeño milagro que es que una película de animación stop-motion como ésta se haya convertido en realidad y esté disponible para espectadores de todo el mundo gracias a Netflix, la verdad es que no he conectado nada con la propuesta de Del Toro. Hasta el punto que no estoy muy seguro si no falla en la mayoría de cosas que plantea a la hora de crear su propia versión del clásico de Carlo Collodi. Y es una pena, porque el increíble trabajo que tantos creativos han invertido en hacer esta película stop-motion, que es una maravilla, queda diluido por todas las cosas que no me han encajado.

Empezando por lo principal, para lo bueno y lo malo la película transmite la personalidad de Del Toro. Y aunque la Espíritu de la Madera, la Diosa de la Muerte o la ballena monstruosa transmiten una sensibilidad 100% Del Toro, realmente todos los diseños de los personajes hacen que la película sea antipática, casi desagradable. Y es normal que la animación y los muñecos resalten la maldad de los malos de la película como el Conde Volpe (dueño del circo al que se une engañado Pinocho) o el fascista Podestà, pero realmente es que todos los personajes tienen unos diseños que no funcionan. No me gusta nada Pinocho, pero tampoco me funciona Geppetto o el grillo narrador Sebastian J. Cricket, que son los personajes positivos y sin embargo me transmiten un feeling perturbador casi de película de terror que no me ha gustado nada. Y esto es un gran problema para conectar con la película.

Otro gran problema para Pinocho es tener una película de casi dos horas de duración que resulta bastante aburrida a nivel general. La animación es una maravilla, unido a todo lo relativo al diseño de producción y los efectos digitales incorporados tras el rodaje en stop-motion, que como digo me parecen una maravillosa locura. Pero toda la perfección técnica y el cariño artesanal acaba yéndose al traste si lo que nos están contando no es interesante. Parte del problema aparte del problema de los diseños de los personajes, es que Pinocho en el 80% de la película es un protagonista antipático que se comporta de forma egoísta movido por su propio interés, haciendo lo contrario que su padre o la gente a su alrededor le pide que haga. Está claro que una parte fundamental de la película es conocer a un protagonista que no sabe nada del mundo y quiere no sólo que le digan qué es lo correcto, sino por qué. Pero al final entra en la categoría de «niño ostiable» que cae mal.

Otro gran problema son las canciones, que no funcionan nunca, quedan rarísimas y afectan terriblemente al ritmo de la película. Había leído que de alguna manera Del Toro planteaba la versión más adulta de Pinocho y la más aproximada al original italiano, pero eso no cuadra con las canciones, que son totalmente fallidas. Unido a esto, viendo en Netflix que la película tiene una calificación por edades +7 me hace preguntarme ¿qué espectador tiene en mente Del Toro como cliente de Pinocho? Ciertamente no los niños, no con estos diseños de personajes que echan muchísimo para atrás y pueden dar hasta miedo. (Aunque no es categoría de nada, mi hijo empezó a verla y se fue a la habitación porque lo le interesó lo que vió). Por otro lado, por muchos temas adultos que toque, para el público generalista al final Pinocho es un remake de una película de Disney que ofrece otra versión animada, además fea. Jamás empezarán a ver una película de este tipo. (Mi mujer se quedó dormida viéndola porque se aburrió a los 10 minutos y no consiguieron que la interesara). Entonces ¿Quién es el público de Pinocho, sólo el público friki? Esos desde luego no pagamos el chiringuito, creo yo.

Pinocho fue creado por Carlo Collodi a final del siglo XIX, en la década de 1880. Está genial ambientar la película en Italia para buscar esta conexión con la obra original, pero la ambientación en la época fascista antes y durante la 2ª Guerra Mundial no me encaja para nada con la idea de fidelidad al original. Pinocho entraba dentro de la tradición de cuentos moralizantes que contaban a los niños (y mayores) que tenían que portarse bien y ser buenos ciudadanos o serían robados, castigados y al final tendrían el peor de los destinos imaginables. Al final, como premio por las lecciones aprendidas y por cuidar a Geppetto, fue premiado convirtiéndose en un niño de carne y hueso, lo que él siempre había deseado. Esto último no sucede en la película.

Comentaba que hay temas adultos a lo largo del viaje de Pinocho, cosa que me parece muy interesante. Sobre todo hay una crítica muy evidente al egoísmo y la maldad de la gente que se aprovecha de los inocentes, representado en el malvado Volpi, el dueño de la feria. Pero también a la sociedad que busca eliminar al diferente, algo representado en el fascismo italiano de los años 30 que domina el pueblo de Geppetto y toda Italia. Mussolini incluso aparece en la película. En este sentido, hay también una crítica muy clara contra la guerra y la gente belicista que la busca como si fuera algo bueno. Estos elementos como aspecto temático son muy interesantes, incluso aunque como digo la forma en que lo muestren no acabe de ser tan interesante como el tema en si.

En estos momentos de dictadura de lo políticamente correcto y de promoción de valores LGTBI+, estaba descontado desde antes de empezar a ver la película que Pinocho no se iba a convertir en un niño de carne y hueso, ya que él ya es un niño real, aunque de madera e inmortal. La clave es que sólo tenía que convencerse de que ya es un niño independientemente de su apariencia. Y no tengo problema en que Del Toro tome la decisión creativa que quiera si no fuera que tengo claro que en otro momento histórico hubiera sido más fiel a la novela y ahora mismo la corriente woke crea un marco de pensamiento inconsciente, que marca este cambio antes de empezar a escribir el guion, ya sea por convencimiento o por miedo a que califiquen la película de ___ista. Me encanta la libertad creativa, pero cuando ves que las decisiones de todas las producciones mainstream van siempre en el mismo sentido, no hay duda que no es tanto un tema «creativo» sino de adscripción a la doctrina dominante. Curiosamente, esto es lo que aplicaba el fascismo en Italia en la década de 1930, uniformando todas las ideas y atacando al que alejara del discurso dominante. Aunque siendo sincero, mi problema con Pinocho no viene con el final de la historia, que realmente me parece muy bonito y la parte más emocionante del conjunto, ya que la película ya me había perdido mucho, mucho antes. Así que este canto a favor de los niños y niñas diferentes no me supone ningún problema, más allá de reflejar lo que son las doctrinas dominantes en el mainstream.

A pesar de no haber conectado con este Pinocho de Guillermo del Toro, realmente hay que darle las gracias a Netflix por producir la película. Y al mismo tiempo, deseo que signan haciéndose más películas de animación con esta técnica del stop-motion, que da un feeling super diferente a la perfección de la películas creada con animación digital.

Esto me sugiere algo que ya he expresado hace mucho tiempo, y es que no existe un fandom o un friki unitario, cada uno somos de un padre y una madre, y a los que les gusta a animación no tiene porqué gustarle Pinocho y a la vez que la última película de Del Toro El Callejón de las almas perdidas me gustara mucho, con la que Pinocho comparte elemento empezando por el circo de freaks, no es garantía que su siguiente propuesta me vaya a gustar. En todo caso, seguiré probando lo que el Toro nos ofrezca.

Comparto el trailer de esta película:

Pinocho me ha decepcionado. No he conectado nada con la propuesta de Del Toro que además me ha parecido muy aburrida. Una pena.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de King of spies de Mark Millar y Matteo Scalera (Image Comics)

King of spies de Mark Millar y Matteo Scalera, con color de Giovanna Niro y publicado por Por Image Comics, es uno de los comics más acertados de Millarworld de los últimos tiempos.

PUNTUACIÓN: 8/10

Al mejor agente secreto del mundo le quedan seis meses de vida. ¿Morirá tranquilamente en una cama de hospital o compensará toda una vida de malas decisiones? Lleva más de cuarenta años apuntalando un sistema injusto. Ahora sabe dónde están enterrados todos los cadáveres y no tiene nada que perder cuando apunte con sus armas a todos los que alguna vez han hecho dinero creando el lío en el que estamos ahora.

Este volumen recopila King of spies 1-4 USA, publicado por Image Comics.

Mark Millar es un maestro del high-concept, y el argumento de este King of spies no podía ser más potente, al plantear a un anciano James Bond realizando una última misión contra sus jefes, al reconocer que ellos eran los villanos todo este tiempo al ser los defensores del statu-quo. Y la verdad es que nos ofrece una de sus historias más acertadas de los últimos tiempos, un blockbuster palomitero con grandes momentos de acción, punkarradas marca de la casa, villanos freaks y un final perfecto satisfactorio. No acabé de conectar con los últimos volúmenes de Jupiter´s Legacy o The Magic Order, pero aquí si que creo que Millar acierta completamente.

Millar se nota que es un gran fan de las historias de 007 y disfruta jugando con todos sus tópicos y retorciéndolos cuando hace falta. Desde la escena de acción inicial antes de los créditos, el Bond puto-amo-amoral que se acuesta con quien sea, aunque sea la mujer de su mejor «amigo» y, en este caso, el planteamiento de su misión al descubrir que le quedan tan sólo seis meses de vida. Y frente a la M cabrona-tía-dura interpretada por Judy Dench, Millar nos presenta a un jefe de «Bond» que parece una bellísima persona (dentro del trabajo que tiene, claro). El comic se ha planteado como una historia en cuatro partes que para mi tiene la duración perfecta y es otro de los valores del comic.

La historia directa y al grano me parece uno de los principales aciertos de King of Spies, pero lo que realmente eleva el comic es el alucinante apartado artístico del dibujante Matteo Scalera y la colorista Giovanna Niro. Scalera me flipa desde que le conocí en Black Science junto a Rick Remender, y es un maestro cuando se trata de plantear escenas de acción con grandes coreografías y persecuciones. Y en King of spies realmente se luce con un guion que claramente está pensado para él, resaltando sus virtudes, demostrando lo listo que es Millar a la hora de elegir a sus colaboradores. Scalera se nota que también ha debido disfrutar con este encargo, aparte de que seguro ha agradecido el potente cheque que habrá cobrado, ofreciendo un comic con la caracterización perfecta del protagonista y unas escenas de acción que quitan el hipo. Pensando en Space Bandits, la primera colaboración de Millar con Scalera, creo que ha sido en este King of spies donde Millar ha sabido sacar todo el partido a Scalera, ofreciendo un comic realmente destacado y destacable.

King of spies entra totalmente de comic que merece la pena comprar sólo por el dibujo, y si además le sumamos una historia super potente y acertada de Millar, tenemos una combinación ganadora que no puedo más que recomendar.

Comparto las primeras páginas del comic:

King of spies es justo lo que se espera de él, y con el increíble dibujo de Matteo Scalera la verdad es que luce alucinante y resulta una lectura super satisfactoria.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Consciencia Cósmica de Enrique Machuca, Sergio Aguirre, Íñigo Rodríguez y Pedro Monje

Tras el disfrute que supuso la lectura de Los Cuatro Fantásticos: 60 años explorando el Universo Marvel, tenía muchas ganas de leer el nuevo ensayo de Sala de Peligro Consciencia Cósmica escrito por Enrique Machuca, Sergio Aguirre, Íñigo Rodríguez y Pedro Monje editado por Editorial Base.

PUNTUACIÓN: 8/10

“La saga del Infinito” de Marvel Studios es ya un hito de la cultura popular, con ese inolvidable despliegue de portales y gemas que levantó a generaciones de espectadores de sus butacas al grito de “Vengadores…, ¡reuníos!”. Sin embargo, muchos años antes de este éxtasis del celuloide, las viñetas de los cómics Marvel ya regalaron a los aficionados incontables aventuras en la parcela cósmica de la Casa de las Ideas. Este libro devuelve la mirada a ese escenario infinito, analizando los acercamientos primigenios de la editorial a la inmensidad del universo, profundizando en la vida, obra e imaginación de Jim Starlin (artífice de La Muerte del Capitán Marvel, creador de Thanos, Gamora, Drax… y del chasquido más famoso de la historia) y explorando la popularidad de esta franquicia durante el siglo XXI. Vida, muerte y resurrección en una gran aventura de dioses, alienígenas, heraldos, guardianes… y Titanes.

Enrique Machuca nació en un pálido punto azul llamado Antequera el año en el Stan Lee y Jack Kirby hicieron su último número de Los 4 Fantásticos. Ha leído, dibujado, escrito, editado y divulgado sobre comics desde su más tierna infancia en tebeos, fanzines, revistas, blogs y podcasts, dando fe de su superpoder de estar en el sitio correcto en el momento oportuno. Sergio Aguirre lleva sobre esta bola de barrodesde que Jim Starlin dejó de guionizar y dibujar la serie del Capitán Marvel (¿coincidencia?) y, desde hace unos años, escribe y habla sobre comics en los lugares más selectos de toda la galaxia.

Íñigo Rodríguez nació hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana (Bilbao, 1978). Dice que su pasión son los comics, pero lo que de verdad ama son los tebeos de superhéroes y hablar sobre ellos. No podría dejar de grabar podcasts y hacer directos como no podría dejar de respirar. Pedro Monje nació en Bilbao el mismo año que acabaron las Secret Wars y empezaban las Crisis en Tierras Infinitas. Desde entonces y tras caerse en una marmita de comics cuando era pequeño, la pasión por los comics y su divulgación le ha llevado a invertir machas horas frente al teclado, la cámara o el micrófono para difundir la palabra comiquera. Demasiadas horas, aparentemente, porque ahora le ha dado por hablar de si mismo en tercera persona… Y eso, quien haya leído muchos comics, sabe que no es bueno…

Consciencia Cósmica es un ensayo que puede ser entendido y disfrutado por lectores que no sean fans de los comics Marvel y se acerquen a los comics a partir de las películas. Esto creo que es una de las principales virtudes de este libro. Dicho esto, creo que al mismo tiempo estamos ante café para los muy cafeteros, y lo disfrutarás muchísimo más si conoces a personajes como Adam Warlock o Mar-Vell. El ensayo está dividido en 4 capítulos escritos cada uno por uno de los autores. Marvel Comics: El asombro cósmico de Enrique Machuca, La infinita lucha contra uno mismo de Sergio Aguirre, Viaje a la Eternidad de Pedro Monje y A mi me gustaban cuando tocaban en garitos pequeño de Íñigo Rodríguez. Como lector de toda la vida, creo que da gusto encontrarse con un libro como este en el que cuatro personas que claramente saben de lo que hablan transmiten sus conocimientos de forma tan interesante y didáctica.

Una de las cosas que más me ha gustado de este libro es lo bien estructurado que está para hacer más entendible la vertiente cósmica del Universo Marvel y lo amena que es su lectura. El libro empieza en el nacimiento de los comics Marvel, planteando en el primer capítulo escrito por Enrique Machuca la creación del universo Marvel desde lo más pequeño, en plena lucha entre los Estados Unidos y la URSS por ganar la carrera espacial que explica la creación de los 4 Fantásticos, para ir creciendo en escala a medida que fueron apareciendo más y más seres cósmicos sobrenaturales. Desde la aparición de los primeros villanos como el Topo y otros que conectaban con el miedo nuclear, a alienígenas como los Skrulls o Uatu el Vigilante hasta la llegada de Galactus a las páginas de los 4 Fantásticos. Junto a esto se analiza la aparición de dioses como Thor y el panteón de dioses nórdicos de Asgard, y la llegada de seres sobrenaturales como Eternidad, el Tribunal Viviente. Esta primera parte me parece fundamental para entender y dar contexto a todo lo que vino después, y me ha gustado mucho la forma en que Enrique nos lo cuenta, demostrando que se puede ser super didáctico y entretenido a la vez.

Sergio Aguirre ha comentado en numerosos podcasts de Sala de Peligro su amor por Jim Starlin, siendo su autor de comics favorito. Y eso es algo que se nota leyendo el segundo capítulo en el que se centra en la vida y obra del autor nacido en Detroit. La narración de cómo los sucesos que vivió (fue soldado en Vietnam entre otros aspectos de una biografía apasionante) influyeron en su obra me parece fantástica. Sin Starlin no se explica la vertiente cósmica del Universo Marvel, al construir su carrera a partir de personajes como Capitán Marvel, Warlock, Thanos, Pip, Gamora o Drax. En este sentido, los fans de los comics Marvel tenemos una deuda de gratitud impagable con Starlin y Sergio de encarga de recordárnoslo de forma modélica.

Hablando de Jim Starlin, la lectura de los capítulos dos y tres me parecen maravillosos, no sólo por los comics en si creados por Starlin, sino como crónica de la forma en que se creaban los comics Marvel en los años setenta y ochenta. Unos años en los que los autores estaban en lucha constante con los editores, lo que provocaba constantes cambios y abandonos de series. Y cómo un autor que abandonaba Capitán Marvel podía luego cambiar a Warlock llevándose los argumentos y personajes principales para seguir contando allí la historia que quería contar, creando una línea temporal evidente contada a lo largo de varios años en varias colecciones.

Pedro Monje se encarga de contarnos en el tercer capítulo del libro la creación de la Novela Gráfica La Muerte del Capitán Marvel, que puede ser la obra cumbre de la carrera de Starlin y una de los comics más importantes de toda la historia de Marvel. Y no se puede explicar el comic sin el contexto de los años 80 en los que las editoriales buscaban experimentar con nuevos formatos que permitieran captar a nuevos lectores, que fue lo que propició que la Marvel de Jim Shooter apostara por el en ese momento novedoso formato de novelas gráficas. Es muy curioso como bien indica Pedro que la muerte de Mar-Vell dio al personaje una notoriedad y una relevancia que no tuvo en vida, al ser un personaje de segunda o tercera fila que fue creado para conseguir el Copyright del nombre y cuyas aventuras nunca tuvieron el favor del público. Tras esta muerte, el capítulo se extiende hasta la miniserie El Guantelete del Infinito que tanto influyó en las películas del MCU, las series de Estela Plateada y Warlock escritas por Starlin y los eventos La Guerra del Infinito y La Cruzada del Infinito, así como las últimas novelas gráficas de Starlin con Thanos de protagonista. Un capítulo super completo que hace un estupendo resumen de lo que fue la Marvel cósmica de esos años.

El último capítulo escrito por Íñigo Rodríguez plantea la creación en este siglo XXI de la exitosa Marvel Galáctica gracias de Keith Giffen, Andy Lanning y Dan Abnett a partir de los eventos Aniquilación y Aniquilación: Conquista. Unos eventos construidos de forma atípica a lo que estábamos acostumbrados los lectores, al estar planteados como un especial que presentaba el evento seguido de varias miniseries de personajes individuales que ampliaban la escala del conflicto, para terminar con una última miniserie que cerraba la historia. Estos eventos consiguieron que durante unos años personajes como Nova o los recién creados Guardianes de la Galaxia tuvieran una relevancia que no han conseguido mantener en la actualidad. Ofreciendo a los lectores una serie de historias maravillosas que son pura acción-más-grande-que-la vida Marvel y que creó y actualizó a unos personajes que años más tarde fueron trasladados al cine de forma super exitosa por James Gunn. De este capítulo final escrito por Íñigo me gusta aparte de la narración que hace de lo bueno de estos comics, que se moje para dejar claro que los comics de los últimos años no consiguieron estar a la altura del standard de calidad de estos primeros comics.

Al igual que me pasó con el libro de Sala de Peligro dedicado al 60 aniversario de los 4 Fantásticos, muchas de las anécdotas de este libro ya las conocía, aunque otras no. Y de igual forma, al tener la mayoría de estos comics no necesito que me resuman los sucesos de unos comics que ya he leído. Sin embargo, me gusta mucho tener en un único libro todo lo relativo a la creación de este nicho del Universo Marvel. La principal virtud de este ensayo es su narración amena e instructiva sobre la creación de estos comics y la importancia de Jim Starlin, sin el cual no hubieran existido.

Dentro que como digo me ha gustado mucho este ensayo, debo expresar mi insatisfacción al llegarme el ejemplar y comprobar que un libro que estaba anunciado como de 144 páginas (en Amazon pero también en la web de Editorial Base) realmente tiene 96 páginas. Comenté por twitter cuando me llegó el libro que me lo iba a leer de una sentada, pero con una extensión tan limitada, obviamente cuando lo empecé y me quise dar cuenta ya lo había terminado. Que no es que me falte nada, seguro siempre se puede contar más cosas de algo pero la información contenida en el libro creo que es ajustada al tema en cuestión, pero que una editorial de una información tan inexacta no me parece correcto. Porque yo he comprado el libro por ser los autores miembros de Sala de Peligro y me daba igual la extensión del libro o si costaba 14, 12 o 16 €uros, lo iba a comprar igual. Y estoy seguro que mucha más gente será de la misma opinión y se acerca al libro con la misma intención de compra independientemente de la extensión, luego no entiendo que mientan en una información tan relevante. En ese sentido, un punto negativo muy grande a Editorial Base.

Por otro lado, en lo que si tenía la información correcta era en las medidas del libro de 14×20.5cm. Y dentro que estas medidas son las que son, no se porqué esperaba que tendría un formato similar al libro de los 4F, siendo realmente bastante más pequeño, de forma que no quedarán igualados en mi biblioteca. Esto último obviamente es una chorrada y desde luego lo menos importante, pero dado que expreso lo bueno y lo menos bueno, pues tengo que comentar estos elementos porque así es como lo sentí cuando me llegó el libro.

Hechas estas matizaciones, la verdad es que es un libro que me ha gustado mucho. Y tengo claro que si los amigos de Sala de Peligro se animan a publicar nuevos ensayos sobre otros aspectos del Universo Marvel (o de DC, que queda claro), yo lo compraré encantado. Si eres un fan de los comics Marvel y te gusta conocer la intrahistoria de su creación, este libro es para ti. 100% recomendado.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Motorista Fantasma 1-4 de Benjamin Percy y Cory Smith (Marvel Comics – Panini)

Termina el primer arco argumental de la nueva colección de Motorista Fantasma de Benjamin Percy y Cory Smith, por lo que es un buen momento para valorar lo visto en las primeras seis grapas de la serie.

PUNTUACIÓN: 7/10

Johnny Blaze tiene la vida perfecta: una mujer, dos hijos y un negocio de reparaciones en una comunidad que le apoya… pero a Johnny no le va bien. Tiene pesadillas cuando duerme y visiones sangrientas cuando despierta. Su vida empieza a parecerse a una prisión. ¡Un espíritu en su interior clama por escapar! Una vuelta a los orígenes para el Motorista Fantasma de la mano del guionista de Lobezno y el dibujante de Conan. 

Estos cuatro primeros números de Panini publicados con periodicidad bimensual incluyen Ghost Rider 1-6 USA.

Parece que Benjamin Percy está creciendo como guionista dentro de Marvel, porque a su contribución en la franquicia mutante con comics como Lobezno y X-Force hay que sumarle esta colección que Panini está publicando con un inadecuado formato bimensual. Una colección que Marvel ha estrenado con Johnny Blaze de protagonista al ser 2022 el 50 aniversario del personaje. El comic la verdad es que no brilla por su originalidad, como habréis podido comprobar leyendo la sinopsis, pero Percy acierta en la ejecución de esta premisa de «estar viviendo una mentira», aplicado a un Johnny Blaze al que la última vez que le vi en los comics de Vengadores era el Señor del Infierno, aunque eso pasó a la historia al haber alguien que claramente ha usurpado su poder.

Este comic está planteado con una premisa totalmente reader-friendly que permita subirse a la serie a todo tipo de lectores, ya sean veteranos como yo o nuevos fans de los comics Marvel. Además, dentro que hay una narrativa mayor centrada en la identidad del demonio que ha mantenido prisionero a Blaze, realmente cada una de las grapas ofrece una aventura autoconclusiva más o menos satisfactoria que te permite subirte al carro sin problemas. En positivo, junto al arranque de la colección tenemos varios números estupendos mientras Blaze viaja por los pueblos perdidos del centro de los Estados Unidos enfrentándose a seres de pesadilla. La versión infernal del clásico Circo del Mal del número 4 o el motel de carretera que recuerda a Malos tiempos en El Royale de Drew Goddard en la segunda grapa son un buen ejemplo de esta narrativa demoniaca que nos acompaña en esta colección, que veo bastante acertada. Sin embargo, junto a unos números realmente buenos, tenemos un 5º número USA que es un poco de vergüenza ajena al tener una carrera infernal con personajes tan variados y poco correctos de ver en esta historia como el Doctor Muerte, el Rino, Caballero Luna o la Viuda Negra, cada uno con una moto ¿que representa su identidad? Este número es de largo el más flojo de este arco y un poco lamentable, la verdad.

Fruto de lo mal que funcionan las colecciones en el mercado USA, aparte del extraño y fallido cameo múltiple del número 5, Lobezno es el invitado especial del número 6 que cierra este primer arco. Supongo que los editores pensaron que un invitado especial de ese calibra le podría ir bien a la colección de cara a las ventas. Y por suerte, Percy le guarda una función importante y poco habitual en Logan, al tener que actuar de exorcista del infierno con garras en lugar de crucifijos. El comic sirve de correcto final del arco al reconciliarse las dos facetas de Johnny Blaze y el Motorista Fantasma, tras liberarse del demonio que poseía a Blaze, lo que entiendo que lanzará a la serie hacia el segundo arco de la serie.

El dibujo de Cory Smith con color de Bryan Valenza aciertan a la hora de plantear una atmósfera de pesadilla mientras Blaze viaja por los Estados Unidos. Smith plantea una buena narrativa sin alardes que transmite la atmósfera malsana de la historia de Percy, y consigue que los momentos del Motorista Fantasma sean todo lo potentes que se espera. Smith no es un primer espada a nivel gráfico dentro de Marvel, pero le veo como un dibujante más que correcto que puede sacar el encargo con profesionalidad aunque no llegue nunca a emocionarme con su dibujo. Dicho esto, los paisajes de pesadilla y las muertas sangrientas provocadas por demonios aterradores entran en sus puntos fuertes como artista, y se le ve muy a gusto con el gore y el body horror que nos acompaña en estas páginas.

Quizá lo malo dentro de un apartado gráfico realmente correcto es que como viene siendo habitual en Marvel, Smith no dibuja los seis números de la serie, siendo reemplazado por un flojo Brent Peeples en algunas páginas de los números dos y tres, y en la totalidad del seis. Aunque Smith se entinta en el primer número, el mejor gráficamente de toda la serie, en el resto de números necesita el trabajo de entintadores como Roberto Poggi y Oren Junior, además de contar con Bryan Valenza como colorista de toda la colección.

Por cierto, entiendo que probablemente Motorista Fastasma no es un personaje super ventas, pero la decisión de Panini de publicar este comic en formato bimensual no me parece la mejor idea, la verdad. Empezando porque cada mes me tenía que acordar si había comic ese mes o no, y tenía que recordar qué había pasado previamente. Creo que para estos personajes menos comerciales el formato de tomo es mucho más adecuado, como podemos disfrutar con el Caballero Luna. Comentaba antes lo complicado que está el mercado USA, y me da que esta colección va a durar alrededor de 12 grapas, por lo que hubiera sido perfecto para su publicación en tomo. Dicho esto, prefiero quedarme con lo positivo, y es poder leer una nueva grapa de este personaje.

Comparto las primeras páginas del comic:

Motorista Fantasma es un estupendo comic que nos devuelve la vertiente sobrenatural del Universo Marvel y que me está gustando bastante. Tanto si no conocías al personaje previamente o eres fan clásico del Motorista Fantasma, creo que puedes disfrutar mucho de esta colección.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de El país de los sueños de Francis Lawrence (Netflix)

Había leído cosas buenas de El país de los sueños, la última película de Francis Lawrence (Red Sparrow, Constantine, Soy Leyenda) con Jason Momoa de principal reclamo, que se ha estrenado en Netflix. Y me encontrado con una película con el corazón en el sitio correcto, pero muy normalita a nivel general.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Una niña busca a su padre, desaparecido en un místico país de los sueños, con la ayuda de una gran criatura mitad hombre y mitad monstruo.

Francis Lawrence es una director de amplia trayectoria, entra las que encontramos Contantine (2005), Soy leyenda (2007), Agua para elefantes (2011), Red Sparrow (2018) y la serie de Los juegos del hambre: en llamas (2013), Sinsajo – Parte 1 (2014) y Parte 2 (2015).

A partir del célebre comic de Little Nemo in Slumberland de Winsor McCay, el guion de la película fue escrito por David Guion y Michael Handelman. La película de 117 minutos de duración cuenta con Fotografía Jo Willems, montaje de Mark Yoshikawa y música de Pinar Toprak. Por cierto, aunque luego lo comentaré, me quedo muerto al comprobar que esta película estrenada en Netflix ha contado con un presupuesto de 150 millones de dólares.

El principal reclamo de la película es ver a Jason Momoa como Flip, un estafador con orejas y cuernos de cabra que vive en el País de los Sueños y se convierte en compañero de aventuras de Nemo (Marlow Barkley), una joven que sueña con ir al País de los Sueños, un personaje que en el cómic de 1900 era un niño. Kyle Chandler interpreta a Peter, el padre de Nemo y antiguo farero que se pierde en el mar. Chris O’Dowd es Philip, el tío de Nemo que trabaja como vendedor de pomos, mientras que Weruche Opia es la agente Green, un agente de la Oficina de Actividades del Subconsciente.

Empiezo reconociendo que NO he leído Little Nemo, así que la primera parte de comparación con un clásico del comic con el que seguro no va a estar a la altura me la he ahorrado. Y la verdad es que valorando la película como lo que es y lo que nos muestra, creo que es una más que correcta película familiar que puede gustar a los niños y a los padres.

La película tiene a la joven Nemo en el centro de todo, y me alegra poder decir que me ha gustado la interpretación de Marlow Barkley, siendo una niña que es todo corazón. Hay tantas películas supuestamente infantiles que tienen a un protagonista «ostiable» que me alegro que esta no sea una de ellas. Junto a Barkley, Jason Momoa se muestra desatado en esta película. Aparte de tener una buena química con la protagonista, se le ve muy a gusto con esta vena cómica haciendo chorradas en pantalla al tratarse de un ser del reino de los sueños. En general, creo que El reino de los sueños tiene un buen reparto, con Kyle Chandler y Chris O’Dowd en roles secundarios que aportan su carisma y buen hacer en los pocos minutos que aparecen.

La historia se mueve por muchos de los tópicos de la fantasía, con una protagonista infantil que tiene que realizar un viaje (una aventura) a partir de sufrir una pérdida terrible. Creo que todo se mueve por lo correcto y esperable, sin giros ni situaciones extrañas a lo largo del metraje. Y aunque por un lado parece una historia escrita de manual, en este caso creo que la película sufre un poco debido a que hay muchas películas con esta misma estructura básica que hemos visto antes de ver esta, lo que provoca la sensación de situaciones moderadamente originales. En este sentido, que realmente no haya un antagonista más allá de una pesadilla indefinida tampoco ayuda a que haya sensación de amenaza hacia Nemo.

Por suerte, el dolor por la pérdida del padre de Nemo se siente real, lo que consigue que aunque no brille por su originalidad, al menos si te atrape el aspecto emocional. En ese sentido, hay un algún momento sobre todo al principio y con la aparición de la pesadilla que creo que visualmente están muy bien y transmiten un feeling onírico y casi terrorífico que me sorprendió al ser una película infantil.

Comentaba antes que me he quedado muerto al descubrir que la película ha costado 150 millones de dólares. Está claro que todos tienen un caché y seguro Momoa ha exigido cobrar lo que se merece, aparte que igual da la sensación que Netflix aún se encuentra en fase de buscar (y pagar) por contenidos potentes. Pero aunque hay alguna escena acertada, sobre todo al principio, en general algunos pasajes del sueño como es todo lo referido a la ciudad me han parecido bastante montoneros siendo generosos. Y entiendo que quizá se han planteado NO ir por el naturalismo en las imágenes del mundo de los sueños, cosa entendible, pero eso es una cosa y otra que parezca que les da igual que el resulta final luzca cutre porque al fin y al cabo es una película para niños.

En este sentido, dentro que me ha gustado la película y ha cubierto de sobra el objetivo de entretenimiento un lunes por la noche, la verdad es que hay muy pocas destacables de la película o que hagan que la vaya a recodar dentro de seis meses. La química y el corazón de Momoa y Nemo y poco más, la verdad. En líneas generales, entra en la categoría de película funcional de Netflix.

Comparto el trailer de la película:

El país de los sueños es una correcta película familiar que cumple de sobre su función de entretenimiento, pero que queda lejos de ser una película memorable. De hecho, ya me estoy olvidando de ella.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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