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Crítica de Eden de Ron Howard

Aunque el éxito comercial le ha abandonado, Ron Howard me parece un director maravilloso. Eden, su última película con un reparto estelar, es el ejemplo más reciente de una película estupenda que no ha podido encontrar ni siquiera distribución en España.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1932, un grupo de europeos busca una nueva vida en una isla deshabitada del archipiélago de las Galápagos. Ellos y quienes les siguen creen haber encontrado el paraíso, pero descubren que el infierno son los demás.

Ron Howard (Oklahoma, 1954) es uno de los grandes nombres del cine comercial de los últimos 40 años. Niño actor en sus inicios, y aunque trabajó en películas como American Grafitti (George Lucas, 1973), en seguida dirigió sus pasos hacia la dirección, donde ha dirigido clásicos como Willow (1982), Llamaradas (1991), Apollo 13 (1995), ganando el Óscar al mejor director y el Óscar a la mejor película por Una mente maravillosa (2001), volviendo a ser nominado a los mismos premios por el drama histórico Frost/Nixon (2008).

Entre sus películas se encuentran las comedias Night Shift (1982), Splash (1984) y Cocoon (1985), el dram sobre el mundo periodístico The Paper (1994). Howard ha dirigido además Cinderella Man (2005), Rush (2013), En el corazón del mar (2015) y Thirteen Lives (2022). La película fantástica infantil El Grinch (2000), la comedia The Dilemma (2011), el drama espacial Solo: Una historia de Star Wars (2018), así como la serie de películas de Robert Langdon: El código Da Vinci (2006), Ángeles y demonios (2009) e Inferno (2016).

Eden está basada en la historia real de unos colonos europeos que llegaron a la isla Floreana, en las Islas Galápagos, Ecuador. A partir de una historia de Howard junto a Noah Pink, Pink escribió el guion de esta película de 129 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares. La película se rodó en localizaciones en Australia, con un pequeño equipo rodando localizaciones en el archipiélago de las Galápagos. Eden cuenta con fotografía de Mathias Herndl, montaje de Matt Villa y música de Hans Zimmer. Destacar a modo negativo que la película se estrenó en el Festival de Toronto de 2024, no encontrando distribución en los Estados Unidos hasta este mes de agosto. Aunque en Alemania SI se estrenó, debido a la procedencia de los protagonistas reales de la historia, en España de momento, no tiene prevista su estreno en cines en España. Posiblemente porque Prime Video adquirió los derechos de la película para varios países.

Pocas veces puede encontrarse en una película el reparto que tiene Eden. Jude Law interpreta al Dr. Friedrich Ritter, un «loco» que abandonó la civilización para vivir en soledad junto a su compañera Dora Strauch (Vanessa Kirby), Daniel Brühl es Heinz Wittmer, un pobre traumatizado por la 1ª Guerra Mundial que abandona Alemania para unirse al doctor, llevando a su joven mujer Margret Wittmer (Sydney Sweeney). Por último Ana de Armas es la baronesa Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn, que también llega a la isla con la intención de construir un resort de lujo para millonarios.

Jonathan Tittel como Harry Wittmer, hijo de Heinz y Margret; Richard Roxburgh como Allan Hancock; Toby Wallace como Robert Phillipson, y Felix Kammerer como Rudolph Lorenz completan el reparto.

Eden es una historia inspirada en hechos reales que cuenta la pesadilla en que se convirtió la vida de varias personas que llegaron a la isla de Floreana en las Galápagos, esperando encontrarse con un paraíso y que sufrieron un desastre provocado por las duras condiciones de vida y la imposible convivencia que tuvo lugar entre ellos. El drama acabó con la muerte de varias personas, y se generaron dos versiones diferentes de estos hechos, en los que se culpaba a personas diferentes de los crímenes. Esta película toma partido, al contar la película desde el punto de vista de una de esas versiones, aunque indica al final que existen dos versiones de estos hechos, para que cada uno elija lo que prefiere creer.

Ron Howard es un director magistral. Me sabe fatal que de alguna manera haya perdido el favor del público. O más bien diría de las distribuidoras, hasta el punto que esta película no se vaya a estrenar en salas comerciales. De hecho, si no recuerdo mal, la excelente Trece vidas ya se estreno directamente en Prime Video.

Entrando en Eden, esta película explica lo que hace que ame el cine y su capacidad de contar una historia que no conocía de forma sintética con principio y final satisfactorios. Con un reparto estelar que hace que el visionado sea un placer y una narrativa espectacular que hace que la película nunca se haga larga o los temas repetitivos. El primer éxito de la película sin duda gira en la capacidad de Howard de contar una historia de forma atractiva y interesante. En ese sentido, siento que hay que celebrar que Howard se encuentra en un momento de plenitud creativa como este.

Luego tenemos a un reparto espectacular con Jude Law, Vanessa Kirby, Sydney Sweene, Ana de Armas y Daniel Brühl. En mi opinión Eden podía plantear para estos actores y actrices un desafío actoral que les saque se su zona de confort, dándoles un vehículo dramático para la temporada de premios. Y aunque fueron completamente olvidados, creo que todos están geniales con lo que sus personajes demandaban. (Por cierto, si Eden se ha estrenado en USA este me de agosto, no se si eso la convierte en elegible para los premios de este año).

Jude Law es Dr. Friedrich Ritter, un profesor que se alejó del mundo contemporáneo y se fue a crear una nueva sociedad MEJOR, en el confín del mundo y en total soledad. Ritter se ha convertido en una celebridad en la Alemania pre-Nazi, al publicar los periódicos sus diarios, que muestran una versión edulcorada y auto indulgente de lo que supone la dura vida en la naturaleza, donde todo es un desafío. Empezando por encontrar agua. A Ritter le acompaña su compañera Dora Strauch (Vanessa Kirby), una fría mujer para lo único importante es que Ritter termine de escribir su manifiesto que cambiará la vida de la sociedad. O eso creen ellos. Strauch sufre de esclerosis múltiple y esperaba que el clima de las Galápagos la ayudara (no lo hace), y a pesar de esto ella hace muchas de las tareas de la casa en medio de la nada.

La feliz vida de Ritter y Strauch será alterada por la llegada de una pareja con un niño pequeño. Heinz Wittmer (Daniel Brühl), un veterano de la 1ª Guerra Mundial que bordeando la pobreza decidió venderlo todo para comprar un pasaje para Floreana con su familia para acompañar al Doctor Ritter, del que es un fiel seguidor. Con Wittmer viaja su joven mujer Margret (Sydney Sweeney), que está embarazada, y Harry, su hijo de un matrimonio anterior. Wittmer esperaba encontrar un paraíso para su familia, aunque le espera un terrible choque de realidad.

Ritter es una persona amoral y nada empático, mientras que Strauch es super altiva, y en lugar de ayudarles a establecerles les engañan para que se establezcan en el que creen es el peor lugar de la isla, con la esperanza que en unos meses el hambre les obligará a marcharse, dejándoles de nuevo la isla para ellos solos. Lo que no esperaban es que el trabajo duro y la necesidad al no tener otro lugar donde ir hace que los Wittmer tengan éxito. Más éxito encontrando agua y cultivando que el que tuvo Ritter, lo que provoca que el doctor se vaya amargando aún más de lo que ya estaba, al darse cuenta que igual él no lo sabe todo ni es el mejor en lo que hace.

El siguiente conflicto se produce con la llegada de la baronesa Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn (Ana de Armas), una supuesta rica que es realidad es una buscavidas, que llega a la isla con dos amantes y la intención de construir un hotel de lujo para super millonarios. Lo malo es que la baronesa no está acostumbrada a trabajar, sino que busca aprovecharse de todo el mundo, lo que convertirá a la isla en un polvorín.

La película muestra momentos muy chungos, como que los amantes de la baronesa roben a la familia Wittmer mientras Margret está de parto y es atacada en la granja por unos perros salvajes. Para luego tener la cara dura de preparar una cena especial a sus vecinos con las latas robadas. A sabiendas que ellos saben que lo son.

Eden triunfa gracias a que el reparto triunfa transmitiendo lo que los personajes experimentan. La principal ganadora es Sydney Sweeney como Margret. La película en realidad nos muestra su punto de vista, y es tremendo ver lo que sufre con su marido para crear un hogar, para ver cómo una mujer amoral intenta robárselo todo. Margret refleja la historia de muchas mujeres de su época, que no amaban a sus maridos y simplemente se casaron con el primero que llegó y las sacó de su hogar familiar. Que vivió una historia de penurias en la que el «amor» no fue nunca un factor y las obligaciones eran el pan de cada día. Pero que supo salir adelante a pesar de todos los problemas.

Jude Law está genial en el viaje a la locura de su personaje, que ve que su ordenada vida se desmorona y desafía todas sus creencias, como ser vegetariano cuando tu cosecha se echa a perder y empiezas a pasar hambre. Ana de Armas es la sensualidad y la amoralidad hecha mujer, alguien que tiene claro que hará lo que sea y pisará a quien sea con tan de salirse con la suya. Daniel Brühl tiene un papel más gris (como en otras películas en general), haciendo del hombre que es un poco simple y sólo sabe trabajar, pero que llegará un momento en que no se dejará pisotear y defenderá lo que es suyo. Del quinteto protagonista quizá la que brilla menos es Vanessa Kirby, pero diría que es porque es el personaje con menos chica del grupo. Dentro de todo, Kirby transmite muy bien esa altivez y esa sensación de creerse mejor que los demás, aunque los demás tengan comida y tu no.

Aunque Eden puede verse como una historia de supervivencia sin más, mientras la veía me sugirió en varios momentos como una alegoría de la lucha de clases y como en un ambiente hostil, mientras una familia trabajadora busca sobrevivir gracias a su trabajo y esfuerzo, deben enfrentarse primero al rechazo de la familia de un estrato cultural superior, que no deja de mirarles por encima del hombro como si ellos fueran mejores simplemente por ser profesores y haber llegado antes.

La parte de lucha de clases se acentúa aún más con la llegada de la baronesa, una «rica» que no hace más que aprovecharse del trabajo de los demás y que con tal de no trabajar es capaz de todo, por supuesto de robar las pertenencias de los Wittmer. El mensaje final es que la clase proletaria NO necesita ni a los «profesores» ni a los «nobles» para sobrevivir, mientras que los otros dos SI necesitan de su esfuerzo para no morirse de hambre. Este mensaje me parece muy interesante.

Desde la perspectiva americana guiada por el individualismo, los Wittmer son una familia hecha a si misma, el ideal soñado. Que tiene que enfrentarse con estratos sociales superiores al suyo que no les van a dejar prosperar. Y mirando desde Europa, esta historia puede verse como anticapitalista, dentro que aparte de las etiquetas yo como espectador estaba pidiendo que los Wittmer se levantaran y no se dejaran pisotear. En todo caso, el final estaba marcado de antemano, al tratarse de hechos reales. Lo que no esperaba es la forma en que se plantea, resultando un climax final super potente que me gustó mucho.

Eden me ha gustado mucho. Y aunque todo el reparto está muy bien, creo que la película sirve para reivindicar a Sydney Sweeney, que claramente no es sólo una cara bonita (y dos cosas más), sino que es una pedazo de actriz espectacular. Aparte del casting, creo que la película supone un nuevo éxito para la carrera de un Ron Howard que está componiendo una carrera super ecléctica con una idea principal: Siempre entretener al espectador. Algo que Eden consigue de principio a fin.

Comparto el trailer de la película:

Eden me ha gustado mucho. Una historia super potente con el extra de estar inspirado en hechos reales, unas interpretaciones espectaculares y un director en modo top. No le pido más al cine comercial.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Nadie 2 de Timo Tjahjanto

En su momento no vi en el cine Nadie (Ilya Naishuller, 2021), pero dentro del montón de estrenos veraniegos he encontrado tiempo para escaparme a ver Nadie 2, de nuevo protagonizada por Bob Odenkirk y dirigida por Timo Tjahjanto (The night comes for us, The Shadow strays).

PUNTUACIÓN: 7/10

Cuatro años después de enfrentarse involuntariamente a la mafia rusa, Hutch sigue manteniendo con la organización criminal una deuda de 30 millones de dólares que trata de saldar poco a poco con una serie interminable de golpes contra matones internacionales. Pese a disfrutar como siempre de la faceta más trepidante y física de su «trabajo», Hutch y su esposa Becca se sienten agotados y distanciados. Para intentar remediarlo, deciden llevarse a sus hijos de escapada al mismo lugar al que Hutch iba de vacaciones con su hermano Harry cuando eran pequeños.

Timothy Tjahjanto (Indonesia, 1980) es un cineasta indonesio conocido por sus películas de terror y acción. Además de dirigir, producir y escribir el guion de sus propias películas, Tjahjanto también es conocido por formar parte del dúo The Mo Brothers junto con su amigo y compañero cineasta Kimo Stamboel. El dúo recibió una nominación al premio Citra al mejor director en 2016 por Headshot, mientras que el propio Tjahjanto ganó el premio Maya al mejor director en 2019 por May the Devil Take You. Otras películas dirigidas por él son The night comes for us (2018). May the devil take you too (2020), Perempuan Bergaun Merah y The Big 4 (2022), y The Shadow strays (2024).

Nadie 2 cuenta con guion de Derek Kolstad (John Wick) y Aaron Rabin a partir de una historia de Kolstad. La película de 89 minutos de duración y un presupuesto de 25 millones de dólares ha contado con fotografía de Callan Green, el montaje es de Elísabet Ronaldsdóttir y la música es de Dominic Lewis.

En el reparto tenemos a Bob Odenkirk como Hutch Mansell, un antiguo asesino a sueldo del gobierno. Connie Nielsen es Becca Mansell, la esposa de Hutch. John Ortiz interpreta a Wyatt Martin, el dueño de un parque temático que es el representante de la mafia en la localidad. Colin Hanks es Abel, un sheriff corrupto, RZA hace de Harry Mansell, el hermano menor adoptivo de Hutch, Christopher Lloyd es David Mansell, el padre de Hutch y agente retirado del FBI. Sharon Stone como Lendina, la mente maestra del crimen organizado, y Colin Salmon como «el Barber», el antiguo supervisor gubernamental de Hutch, completan el reparto.

Nadie partía de la premisa de tener a un protagonista con imagen de oficinista que es en realidad un peligroso asesino en la tradición de John Wick. De hecho, tener a Derek Kolstad (creador de la franquicia protagonizada por Keanu Reeves) ya era un indicativo claro de por donde iban los tiros. No vi la película en el cine pero cuando finalmente la vi en plataformas me encantó. Por eso cuando se estrenó Nadie 2 he hecho por ir a verla en el cine.

Y tengo que reconocer que me lo he pasado genial viendo Nadie 2, dentro de que la premisa de irse de vacaciones para escapar del trabajo para encontrarse con los problemas allí no puede estar más telegrafiada. Todo se mueve por territorios esperables dentro del género, pero gracias a la potente dirección de Timo Tjahjanto la película es un éxito absoluto. Tjahjanto ofrece unas novedosas coreografías de acción sacando el máximo partido posible a cada una de las localizaciones, y sabe añadir un tono humorístico genial, dentro de las barbaridades violentas que vemos en los diferentes sets de acción.

Como en la primera película, Bob Odenkirk retomando su papel de Hutch Mansell, es lo mejor de la película. Odenkirk aporte el toque de humor perfecto y da el feeling de hombre normal en situaciones excepcionales, aunque en realidad sea el puto amo. Parte de la gracia es verle encajar golpes que notas que podría esquivar porque no quiere ponerse en modo serial-killer y arruinar las vacaciones a su familia. Como decía antes, nada en Nadie 2 es realmente original, pero Odenkirk entiende la broma desde el primer momento y es el que mejor la transmite.

El resto del reparto cumplen con lo que la historia pide de ellos. Connie Nielsen como la amante esposa de Hutch a pesar de todo es un poco increíble, pero entra en la locura general, de forma que no desentona. Christopher Lloyd y RZA tienen pequeños papeles y simplemente aparecen.

Dentro que la película es lo que es y me da el entretenimiento que buscaba, tengo que decir que me ha dado un poco de pena ver a Sharon Stone en este trabajo alimenticio como la mala de la película. Dentro que por supuesto es normal que todos el mundo tiene que trabajar para ganarse la vida. Stone tiene una aparición breve como la jefa criminal que controla los negocios locales y está super over-the-top. Aunque en realidad está en el tono loco que la película pedía de ella, así que tampoco es que lo haga mal.

Nadie 2 tiene además la virtud de su ajustada duración de 90 minutos. Todo el equipo tiene claro el tipo de película que es, y no tiene sentido alargarla más de la cuenta. De forma que la película va al grano y te cuenta lo que quiere contarte de la forma más directa posible.

En muchas ocasiones veo que se usa la expresión «hamburguesa con queso» como algo negativo para desmerecer una película. Pero en el caso de Nadie 2 veo que es una película que sabe qué tipo de entretenimiento es y cumple de sobra gracias a sus divertidas y exageradas escenas de acción. Me encanta comer hamburguesas de vez en cuando, sobre todo si está bien hecha como es el caso de esta película. Nadie 2 no inventa nada ni falta que le hace. Me lo pasé genial viéndola.

Comparto el trailer de la película:

Nadie 2 es una película esperable pero que me ha parecido super divertida y con unas imaginativas escenas de acción. Todo bien.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Agárralo como puedas, de Akiva Schaffer

Tenía ganas de hacerme unas risas sin más pretensiones que pasar un buen rato. Y lo he conseguido con la nueva versión de  Agárralo como puedas de Akiva Schaffer, protagonizada por Liam Neeson y Pamela Anderson.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

El torpe teniente Frank Drebin Jr. intenta resolver un asesinato vinculado a un magnate tecnológico. Mientras investiga, su unidad policial corre peligro de ser cerrada. Con la ayuda de una escritora de crímenes, Frank se verá envuelto en situaciones tan absurdas como explosivas. Reboot de la popular franquicia de comedia «Agárralo como puedas» y la serie de televisión «Police Squad!».

Akiva Daniel Shebar Schaffer (Berkeley, 1977) es un escritor, productor, director, comediante, actor y rapero estadounidense. Es miembro del grupo musical cómico The Lonely Island, junto con sus amigos de la infancia Andy Samberg y Jorma Taccone. En 2005, Saturday Night Live contrató al trío, y Schaffer se incorporó como guionista. Después de SNL, Schaffer pasó a dirigir películas como Hot Rod, The Watch, Popstar: Never Stop Never Stopping y Chip ‘n Dale: Rescue Rangers.

Además de dirigir, Schaffer escribe el guion junto a Doug Mand y Dan Gregor. La película de 85 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares cuenta con fotografía de Brandon Trost, montaje de Brian Scott Olds y música de Lorne Balfe.

En el reparto tenemos a Liam Neeson como el teniente Frank Drebin Jr., Pamela Anderson como Beth Davenport, Paul Walter Hauser como el capitán Ed Hocken Jr., Danny Huston como Richard Cane, CCH Pounder como el jefe Davis y Kevin Durand como Sig Gustafson.

Agárralo como puedas es un intento de recuperar la popularidad de las comedias parodias de otras películas y series que triunfaron en los años 80 y 90: Aterriza como puedas, Top Secret, Hot Shots! 1 y 2 y, por supuesto, la serie de Agárralo como puedas protagonizada por Leslie Nielsen. Y en muchos aspectos, esta nueva película de Agárralo como puedas se siente como una película anacrónica, al plantear un humor que no es habitual ver en la actualidad. Un humor planteado con unos gags visuales super tontos que me hacían sonreír todo el tiempo y unos diálogos absurdos que lanzan un montón de bromas por minuto a ver si alguna alcanza el objetivo.

Este tipo de comedias super locas exigen que el espectador entre en el juego para disfrutarla. Y tengo que decir que dentro que me ha hecho pasar un buen rato, no diría que esta comedia es mejor que las clásicas antes mencionadas. Pero probablemente no sea culpa de la película, sino que yo he cambiado y soy 30 años más viejo. Y eso afecta a la forma como disfruto de la película. Excepto dos gags muy bestias que si me hicieron reír a carcajadas, la mayoría del tiempo el humor me tenía con la sonrisa en la cara. Algo que fue compartido por las pocas personas con las que compartí sesión. La sensación anacrónica también está con el tipo de humor de la película. Por ejemplo me gustó mucho un gag repetido a lo largo de la película, ver como a Frank le dan un café cuando entra en una habitación, sobre todo cerca de la comisaría. Algo que provoca situaciones super absurdas.

En el reparto tenemos a unos acertados Liam Neeson y Pamela Anderson como los protagonistas. Unos protagonistas de 73 y 58 años respectivamente, lo cual es otro elemento anacrónico de la película. Neeson comenta que el mayor desafío es actuar friamente como si los diálogos tuvieran sentido, confiando que el gag va a funcionar sin necesidad de histrionismos por su parte. Algo que al final es seguir la tradición que Leslie Nielsen popularizó en las películas clásicas. Y la vena cómica de Anderson también supone una sorpresa muy chula, con un tema musical super divertido.

Tenía ganas de reírme y pasar un buen rato. Agárralo como puedas me ha dado eso. Incluso sin haber llegado a morirme de risa, considero un dinero bien invertido. A veces no hace falta más. Objetivo cumplido.

Comparto el trailer de la película:

Agárralo como puedas me…

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Materialistas de Celine Song

No conecté con Vidas pasadas, la opera prima de la directora Celine Song que recibió varias nominaciones a los Oscars de 2024. Pero tengo que decir que Materialistas, su nueva película, me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 8/10

Lucy es una joven casamentera de Nueva York que se encarga de unir solteros para encontrar la pareja perfecta. Sin embargo, su mundo se desestabiliza al encontrarse atrapada en un triángulo amoroso con Harry, un apuesto financiero multimillonario, y su exnovio John, un actor de poco éxito.

Celine Song (nacida Song Ha-yeong, 1988) es una directora, dramaturga y guionista coreano-canadiense afincada en Estados Unidos. Song nació en Corea del Sur. Sus padres, ambos artistas, trasladaron a la familia a Markham (Ontario, Canadá) cuando ella tenía 12 años. Song cursó sus estudios universitarios en la Queen’s University de Ontario y estudió psicología, antes de obtener un máster en dramaturgia por la Universidad de Columbia de Nueva York en 2014. Entre sus obras destacan Endlings y La gaviota de Los Sims 4. Vidas pasadas fue su opera prima y recibió un montón de premios por todo el mundo, además de ls nominaciones a Mejor Película y Mejor Guion Original en los Oscars 2024.

Celine Son escribe y dirige esta película de 117 minutos de duración, que cuenta con fotografía de Shabier Kirchner, montaje de Keith Fraase y música de Daniel Pemberton. La película producida por A24 contó con un presupuesto de 20 millones de dólares, que la película ya ha amortizado de sobra, y se ha rodado en localizaciones de Nueva York.

En el reparto tenemos a tres grandes estrellas: Dakota Johnson interpreta a Lucy Mason, una actriz que se ha convertido en casamentera en Adore; Chris Evans interpreta a John, el exnovio de Lucy, que es actor de teatro y camarero; y Pedro Pascal interpreta a Harry Castillo, un hombre rico que se interesa por Lucy. Otros actores son Zoë Winters, que interpreta a Sophie, una clienta de Lucy de 39 años, y Marin Ireland, que interpreta a Violet, la jefa de Lucy en Adore.

Para hablar de Materialistas, tengo que echar la vista atrás y pensar en Vidas pasadas. En la primera película como directora de Celine Song me dio todo el rato la impresión que estábamos ante una historia romántica sobre el primer amor perdido creada por una persona que no cree en el amor romántico. De hecho, me frustré bastante cuando no dejaba de escuchar y leer a gente expresar lo mucho que les había gustado la película precisamente por lo romántico que le pareció todo.

Así que cuando acompañé a mi madre de 82 años a ver la película, la apetecía ver a Dakota Johnson, lo primero que pasó es que me puse alerta ante la supuesta premisa romántica de la directora. Y lo cierto, es que la primera mitad de la película es justo todo lo que esperaba sobre la idea mercantilizada del amor y las relaciones de pareja. Lucy (Dakota Johnson) es una matchmaker, una casamentera de una empresa de Nueva York que se encarga de reunir a hombres y mujeres que buscan pareja. Para analizar qué hombre y mujer ofrecer a cada cliente, se valoran las preferencias de los clientes (quiero que se guapo/a, rico/a, alto o delgada, que tenga una profesión importante que asegure los ingresos), convirtiendo todo en una transacción que mide el valor de cada persona. Para convencer a una clienta para que se case, debido a unas dudas de última hora, Lucy afirma que el novio la hace sentir que es valiosa, lo que es la clave para casarse. Nadie habla de amor ni de sentimientos, todo es transaccional. Y esto me parece que es bastante correcto pensando en los círculos en los que se mueven estas personas de poder adquisitivo alto de Nueva York.

El hermano del novio es Harry (Pedro Pascal), que es literalmente lo que se conoce en el mundillo como un UNICORNIO: alguien que reúne todas las cualidades que las mujeres desean: Es alto, por encima de 1.80m., es guapo super atractivo, es educado y tiene una cultura excelente, y es rico. MUY RICO. Es el novio perfecto. Harry por supuesto se fija en Lucy, pero ella no lo tiene claro porque duda de su propio valor. De nuevo, la concepción materialista de la vida. Pero como negarte una alegría cuando alguien que la va a convertir en la envidia de la ciudad se ha fijado en ti. Así que la relación surge de forma natural.

La clave que hace que la película no sea un telefilm de domingo por la tarde de Antena 3 gira en torno a John (Chris Evans), el antiguo novio de Lucy que es un actor fracasado que malvive trabajando de camarero mientras sigue esperando el gran papel que probablemente nunca vaya a llegar. John comparte piso con dos compañeros porque no tiene dinero para mantener un piso por sí sólo, y sufre el trauma de haber encontrado el amor de su vida y no poder mantenerlo por ser pobre y no poder dar a Lucy las cosas que ella deseaba.

John me ha impactado muchísimo y me ha recordado al personaje de  Hae Sung (tremenda la interpretación de Teo Yoo) en Vidas pasadas. El hombre que debería haberse casado con su novia de Corea y no lo hace porque no tiene una profesión lo bastante buena para su novia (a sus ojos). Y que aunque viaja a Nueva York para ver Nora una última vez ni siquiera la pregunta si se iría con él porque sabe que no es digno de ella desde esta perspectiva económica de la vida. La historia de Hae Sung era tristísima en Vidas pasadas, y desde luego rompía con toda pretensión de romanticismo en la historia de Celine Song.

Y en Materialistas John representa la parte del pobre que aparentemente queda atrás cuando la mujer busca algo mejor para su futuro. El drama surge porque tras años sin verse, Lucy y John se encuentran en la misma boda en la que el ella conoce a Harry, ya que John está trabajando de camarero en el convite. Esto provocará que Lucy se debata entre el unicornio que hará que todos sus deseos se hagan realidad, y un antiguo novio que lo único que puede ofrecer es amor. Amor a pesar de saber que desde el punto de vista económico y práctico que domina la vida y el trabajo de Lucy, él no sería jamás la mejor opción para nadie.

No voy a desvelar el final de la película, pero si que en este caso SI estamos ante una historia contada desde un punto de vista romántico en el que Lucy aprende que hay en la vida más cosas que el mero poder económico de las personas.

Celine Song me parece una directora estupenda. Eso ya lo descubrí en Vidas pasadas, aunque no conectara con su historia. Song coloca siempre la cámara en el sitio perfecto y consigue que el visionado sea siempre interesante. De alguna manera estamos ante una «película para chicas», dado que seguimos siempre a Lucy y sus vicisitudes y su punto de vista son el corazón de la película. En ese sentido, Dakota Johnson aparece siempre guapísima y siempre vistiendo super a la moda, lo que la convierte en el ideal de mujer al que cualquier mujer querría aspirar.

Dentro que la película me ha gustado, creo que la historia es un pelín larga y el ritmo sufre un bache importante en la parte central de la película, en la que se tienen que inventar un trauma a Lucy dado que una cita organizada por ella terminó en agresión sexual. Esto hace que dude de sus habilidades y de su papel en el mundo mientras parece que se va a casar con Harry. Esta parte me parece bastante forzada y nos aleja del drama emocional, lo cual es lo menos bueno de la película.

Otro tema interesante de Materialistas es que en realidad ninguno de los 3 protagonistas, Lucy, John o Harry son malas personas. Todos buscan encontrar el amor y, en este caso, John y Harry esperan que Lucy comparta los sentimientos que ambos tienen hacia ella. En este sentido, hay que destacar el carisma de los tres protagonistas. Dakota Johnson sale guapísima, y Chris Evans y Pedro Pascal saben transmitir todo su carisma a la película, consiguiendo que se note que estamos ante grandes estrellas. En el caso de Pedro Pascal, que es una persona empático que sabe perder con elegancia si entiendde que eso es lo mejor para la otra persona. Y Chris Evans sabe poner esa cara de perrito apaleado que hace que quieras abrazarle. Como digo, dentro que todo está contado desde el punto de vista de Dakota Johnson, los tres lo hacen estupendamente bien, y hace que merezca la pena ver la película sólo por ellos.

Sin embargo, a pesar que el final de la película destaca que sí hay lugar para el amor, en realidad esto se presenta en un mundo muy frío en el que lo principal es si puedes vender la idea que eres «valioso» de cara a una posible relación. Fruto de este materialismo, descubrimos que los mujeres se operan los pechos y la nariz, pero los hombres se hacen más altos, consiguiendo que mujeres que nunca les miraron inicien ahora la conversación. Un mundo frío y muy chungo en mi opinión. Un mundo Materialista. Y que no dudo que es el mundo al otro lado de mi ventana.

Comparto el trailer de la película.

Materialistas me ha gustado mucho, sobre todo por todo lo referido a John, y la recomiendo completamente.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Karate Kid: Legends de Jonathan Entwistle

Debido a la cantidad de estrenos veraniegos de me había quedado colgada Karate Kid: Legends, la nueva película de la saga Karate Kid que reúne a los míticos Jackie Chan y Ralph Macchio, que ha sido dirigida por Jonathan Entwistle.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Tras una tragedia familiar, una joven promesa del kung fu, Li Fong, se ve obligado a abandonar su hogar en Pekín y trasladarse a Nueva York con su madre. Li lucha por dejar atrás su pasado mientras intenta encajar con sus nuevos compañeros de clase y, aunque no quiere pelear, los problemas parecen encontrarle en todas partes. Cuando un nuevo amigo necesita su ayuda, Li se presenta a una competición de kárate, pero sus habilidades no son suficientes. El profesor de kung fu de Li, el Sr. Han, pide ayuda al «Karate Kid» original, Daniel LaRusso, y Li aprende una nueva forma de luchar, fusionando sus dos estilos en uno solo para el enfrentamiento definitivo de artes marciales. Nueva película de la saga «Karate Kid», conectada al universo de «Cobra Kai».

Jonathan Entwistle (The end of the F***ing Word) es el director de Karate Kid: Legends, que es la sexta película de la franquicia. La película cuenta con un guion de Rob Lieber que sabe ir al grano y presentar acertadamente los hitos principales de la franquicia para conseguir una película que hará las delicias de los fans. La película de 93 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares ha contado con fotografía de Justin Brown, montaje de Dana E. Glauberman y música de Dominic Lewis.

En el reparto tenemos a Jackie Chan como el Sr. Han, un venerado maestro de un wuguan en Pekín y Ralph Macchio como Daniel LaRusso, un sensei de Miyagi-Do Karate en California. El gran descubrimiento de la película es Ben Wang como Li Fong, un joven chino que tiene como mentor a su tío abuelo, el Sr. Han, y viaja a Nueva York para empezar una nueva vida.

Joshua Jackson es Victor Lipani, padre de Mia y antiguo campeón local de boxeo, Sadie Stanley interpreta a Mia Lipani, hija de Victor y amiga de Li Fong, Ming-Na Wen es la Dra. Fong, madre de Li y sobrina del Sr. Han, Aramis Knight hace de Conor Day, el rival de Li, y Wyatt Oleff interpeta a Alan, tutor y amigo de Li.

El principal éxito de Karate Kid: Legends es que NO hace que la película gire alrededor de Mr. Han (Jackie Chan) o Daniel LaRusso (Ralph Macchio), sino que consigue que Li Fong (Ben Wang) sea un protagonista estupendo que nos importe. Li tiene un trauma en su pasado, al no poder ayudar a su hermano, que fue asesinado tras ganar un torneó de Kung-Fu en China por un rival enfurecido. Esta muerte le hizo prometer a su madre que no volvería a practicar Kung-Fu, siendo su viaje a Nueva York la oportunidad de un nuevo comienzo.

Y me gusta mucho que una parte sustancial de la película sea ver a Li respetar esa promesa, intentando no luchar, aunque los líos le busquen, e intentando ayudar al padre de su amiga Mia, Victor, que se ve obligado a volver a boxear debido a unas deudas que tiene que devolver. Que Li no quiera luchar hasta que no tenga más remedio de hacerlo, es un cambio interesante que hace que la película no sea todo escenas esperables de principio a fin. Y lo he agradecido.

Cuando el boxeo no sale bien y Victor acaba herido, Li decidirá ayudar a sus amigos compitiendo en la competición de Karate Torneo de los Cinco Distritos para pagar la deuda de Victor. Para ello su tío Mr. Han acude a ayudarle desde China, y a su vez, Han pide ayuda a Daniel LaRusso, dado que tienen 10 días para transformar los conocimientos de kung-fu de Li en karate.

«Dos ramas. Un sólo árbol». Esa es la idea clave de la aparición de Jackie Chan y Ralph Macchio. Y me gusta que lleguen cuando y llevamos una hora de película. La química de ambos es genial y las escenas en las que cada uno quiere enseñar a Li una cosa son divertidas y cumplen su función más que sobradamente. Pero me parece estupendo que la película acepte y tenga claro que son secundarios en la historia de Li.

En cierto sentido, Karate Kid: Legends puede ser considerada una «hamburguesa con queso», porque en realidad no se desvía demasiado de otras películas de la franquicia. Teniendo todos claro que tras el entrenamiento toca competir en el torneo de Karate. Otra cosa que me gusta es que el torneo en si se despache en 5 minutos, dado que todos tenemos claro que lo que queremos ver es el combate final entre Li y el malo para la ocasión, Conor. Y el combate es genial. De hecho, además del combate final, hay otra pelea en el callejón detrás de la pizzería de Victor, en la que Li le defiende de 3 matones, que me parece una pasada también.

Las películas de Karate Kid tienen un «golpe maestro». Y en Karate Kid: Legends hacen una cosa muy muy chula que refuerza la idea de legado, el del hermano fallecido de Li, pero también de pasar página y construir su propio legado. Como digo el combate final está genial, acertando en la preparación del momento clave. Y sobre el comentario de la «hamburguesa con queso», dentro de lo esperable de muchas situaciones, creo que los creadores consiguen imprimir el corazón justo que la película necesita, con el plus de la habilidad de Ben Wang en artes marciales, y del carisma de las dos veteranos estrellas. Por supuesto, Jackie Chan supera por mucho (muchísimo, son ligas, planetas diferentes) a Ralph Macchio, pero la película sabe mantener un buen equilibrio entre ambos, lo que en cierta forma también es lo que esperamos ver en la película.

Me ha gustado mucho Karate Kid: Legends. Y me sabe mal que una película casi pensada para mi estuviera a punto de no verla por la sensación esperable que tenía. Pues mientras el corazón esté en el sitio adecuado, como es el caso, la película tiene todas las papeletas para que me vaya a gustar.

Comparto el trailer de la película:

Karate Kid: Legends es un éxito absoluto. Y eso es compatible con que siga todos los hitos esperables en una película de la franquicia de Karate Kid. Me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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