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Comics

Crítica de Superman 38 de Joshua Williamson y Dan Mora (DC Comics)

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El tercer número de la nueva etapa de Superman protagonizada por Superboy Prime va a enfrentarle a la amenaza de la magia. Un comic cortesía de Joshua WIlliamson, Dan Mora y el color de Alejandro Sánchez.

PUNTUACIÓN: 9/10

¡SUPERBOY-PRIME SE ENFRENTA A LA MAGIA! Superboy-Prime descubre un aquelarre secreto de brujas en Metrópolis liderado por la infernal Witchfire. Prime está tan empeñado en demostrar que puede ser mejor que Superman que se enfrenta a una de sus vulnerabilidades… ¡la magia! Pero el problema es que ahora Prime se ve atraído por los mortíferos encantos de Witchfire en más de un sentido… ¡mientras uno de los enemigos más letales de Superman espía al aspirante a Hombre de Acero y espera el momento oportuno para atacar!

La actual etapa de Williamson y Mora en Superman es un ejemplo de lo que tendrían que ser los comics de superhéroes. La primera clave es que el comic es super entretenido y te deja con la sonrisa en la cara de principio a fin. No estamos ante un manual de filosofía, los comics son ante todo un entretenimiento escapista, y en eso Superman, Joshua Williamson y Dan Mora son unos maestros. Si algo queda claro leyendo este comic, es que sus autores tienen claro el elemento de entretenimiento y que tienen que dejar a los lectores con ganas de volver el mes que viene. El éxito es monumental.

Estamos en el tercer número de la actual etapa de Superboy Prime en la colección, y el protagonista casi parece como de la familia. Williamson plantea en este número un elemento novedoso, al tener que enfrentarse Prime por primera vez en la colección contra magia y la amenaza de los demonios del infierno Lady Blaze y Lord Satanus. Teniendo en cuenta que estamos ante una historia en 20 páginas, Williamson plantea un prodigio de síntesis para poner en marcha la acción y llevarnos hacia el giro del último tercio.

La parte aventurera está super chula, a lo que hay que sumar una parte de romance entre Rebecca (Witchfire), la joven que intentó ligar con Prime en la tienda de comics, y Prime. Esta parte es la que consigue los momentos más divertidos, como cuando la pareja se mete en una discoteca gótica y Prime pregunta por qué se han vestido como personajes de un comic Vertigo. Luego, el comic da un giro absoluto cuando Prime es sacado del universo por el villano en la sombra al que vimos al final del primer número de la etapa. La forma en que nos han contado todo me alucina, sobre todo porque han sucedido un montón de cosas en este grapa, todas ellas interesantes.

Dan Mora es un super estrella, y su dibujo es el principal causante de esa sonrisa permanente en la cara del lector. Sus expresiones adoptan narrativas de manga para enfatizar los momentos divertidos, y la verdad es que consiguen momentos super divertidos. Junto al color de Alejandro Sánchez, cuando toca ponerse espectacular, no hay otro comic como este, con una splash-pages increíbles. Otro de los enormes puntos fuertes del comic es la forma en que Mora plantea la ruptura de la realidad, cuando Mora es sacado de esta continuidad como si atravesara las páginas del comic. Mora plantea soluciones que son puro comic y lo hace de forma magistral.

Otra de las claves del éxito de este comic de Superman es que Williamson y Mora conocen y celebran la continuidad de los personajes, por muy loca o compleja que sea. La identidad del villano, que como Prime está fuera del universo DC tradicional, es otra prueba de ello. Y es que aunque gente que no sabe lo que dice nos intenta convencer que la continuidad es un lastre y que no es importante, si leemos comics de forma continuada es precisamente porque están contando una historia lineal de estos personajes. Si todo fueran historias inconexas, ¿Qué sentido tendría comprar comics mensualmente? La conexión final con un evento clave de DC de hace unos años es otro elemento que resalta la celebración que plantea este comic de la historia de DC, y es precisamente otro de los detalles que provocan que termine de leer el comic y me mantenga con la sonrisa en la cara.

Williamson lleva ya 38 números en la colección, y la sensación es que no va a levantar el pie del acelerador. Si a eso sumamos el magistral dibujo de Mora, tenemos una combinación ganadora absoluta.

Comparto las primeras páginas del comic:

La colección de Superman protagonizada por Superboy Prime está siendo pura diversión. Disfrute absoluto con este comic.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Comics

Crítica de Biblioteca Marvel La Patrulla-X vol. 11 de Roy Thomas y Neal Adams (Marvel Comics – Panini)

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Por fin llegamos a la parte buena de la Biblioteca Marvel de La Patrulla-X, gracias a la llegada de Neal Adams a la colección. Un Adams que con Roy Thomas realizó una de las etapas más recordadas de la colección, que sin embargo no impidió la cancelación de la colección.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO AHORA SI DISFRUTABLE

Es más que un cómic: es una máquina del tiempo. La alucinante etapa de Neal Adams se despliega ante tus ojos, con Kaos y El Monolito Viviente. ¡Los Centinelas viven de nuevo! Contempla el poder de Saurón y el regreso a La Tierra Salvaje. ¡Biblioteca Marvel, como siempre y mejor que nunca! ¡No puedes perderte esta edición histórica!

Esre volumen incluye The X-Men 56-61 USA, publicados originalmente en 1969.

Leer la Biblioteca Marvel de La Patrulla-X ha sido un suplicio debido a unas historias deficientes de Roy Thomas con muy poco interés, pero sobre todo por el mediocre dibujo de Don Heck, Werner Roth y compañía. En el volumen anterior tuvimos el oasis en el desierto que fueron los dos números dibujados por Jim Steranko. Y casi a continuación llega Neal Adams, que realizó algunos de los comics más recordados de la primera era de la Patrulla-X con el grupo original.

Adams llegó a Marvel mostrando un gran interés de trabajar con el método Marvel, que permite una gran libertad al dibujante para crear la historia de Thomas como mejor le pareciera. Además, el dibujante preguntó cual era la colección con peores ventas antes de aceptar trabajar en La Patrulla-X. Imagino que para tener una mayor libertad creativa en una serie que ya empezaba a estar en los planes para su cancelación. También imagino que Adams buscaría un poco el prestigio que le daría salvar una serie de una cancelación que estaba anunciada. (Bueno, en realidad no se canceló la serie, pero durante unos años dejó de publicar material original ofreciendo reprints de números clásico). Incluso no consiguiendo su objetivo, Adams se salió con la suya al final, dado que estos comics son historia viva de la Patrulla-X.

La llegada de Adams tiene lugar en el número 56 USA, que cierra la historia en 3 partes en la que se presentó a Alex Summer y al Faraón Viviente. Comparar el número 55 dibujado por Don Heck y Werner Roth con este comic de Neal Adams es como la noche y el día, como ver un partido de la NBA y otro de solteros contra casados. Adams no es que esté en otra liga diferencia, es que hay galaxias de diferencia entre su calidad y los dibujantes previos. Lo que antes era un comic anodino y sin chispa, Adams lo convierte en un espectáculo visual. Cada encuadre de Adams plantea una solución visual super dinámica que rompía el aburrimiento visual que habiamos sufrido más de 30 números. Con permiso de Steranko.

Adams plantea expresiones faciales de gran dramatismo, mientras que las poses de los personajes nunca son estáticas, siempre transmiten movimiento. Las expresiones corporales de todos los personajes son hiper realistas pero también planteadas desde la espectacularidad. Hay un factor WHOA! que Adams consigue casi en cada página, mostrando siempre hitos visuales en todas las páginas. Sólo por el dibujo de Adams, independientemente de la historia de Thomas, ya merece la pena comprar este comic de la Biblioteca Marvel de Panini.

Aunque son comics que se publicaron antes que yo naciera, por el lado visual me han vuelto a flipar como la primera vez que los leí. Porque tengo que reconocer que estos comics ya los compré en su momento en la primera edición de Clásicos Marvel de Comics Forum. En todo caso, ya que he aguantado el suplicio de llegar hasta aquí para poder tener en casa todos los comics clásicos de La Patrulla-X, pues que menos que poder tenerlos todos en la misma edición, en el mismo formato.

Y lo cierto es que Adams salvó creativamente la colección, porque los guiones de Roy Thomas siguen dejando mucho que desear. Es Adams el que añade la dosis de emoción y dramatismo que el comic nunca tuvo con el mismo guionista y dibujantes menos dotados.

Tengo que reconocer que la idea fallida de publicar comics con 15 páginas de historia y 5 páginas con un complemento con los orígenes de los diferentes miembros del grupo, limitaban mucho las opciones de los guionistas, que tenían que aún más al grano que en otros comics Marvel. El final del arco del Faraón Viviente acaba siendo una gran locura. El Faraón afirma que tanto como Álex como él obtienen sus poderes de la absorción de los rayos cósmico (ejem!). Cuando el villano bloquea la conexión de Álex de la energía cósmica quedándosela toda para él, se transforma en un gigante Monolito Viviente. La batalla resultante es super espectacular gracias al dibujo de Adams, pero el final es decepcionante dado que Álex consigue quitarle al Faraón su conexión con los rayos cósmicos, absorbiendo él todo el poder. El climax final es un anti-climax.

La sensación es que Thomas va planteando cosas que pueden estar bien a priori, pero no sabe cómo terminarlas. También es posible que Adams se quede sin espacio para plantear un climax final espectacular a las historias de Thomas. No se el motivo, pero Thomas no acaba de saber sacar todo el partido a los personajes o las situaciones. Por ejemplo, los 3 números siguientes forman un arco con el retorno de los Centinelas, reconstruidos por Larry Trask, el hijo de Bolivar Trask,

El comic usa dos de los tres números de este arco para presentar a los nuevos Centinelas, a su creados Larry Trask y al juez Chalmers, amigo de Bolivar Trast y miembro del recién formado Consejo Federal de Actividades Mutes. En el número 57 los Centinelas capturan a mutantes como Lorna Dane y Alex Summer, y a Hombre de Hielo, Ángel, el Farón Viviente y los mutantes de de Hermandad de Mutantes Diabólicos en el número 58.

Cuando llega el momento del gran combate entre la Patrulla-X y los Centinelas, este es casi inexistente, dado que Thomas se concentra en la sorpresa que ofreció como cliffhanger del número anterior, y es que Trask era un mutante al que su padre puso un medallón para que no recordara su pasado y sus poderes, además de hacer que no aparezca en los sensores de detección de mutantes. Una locura, vamos. La idea de bombero torero de hacer que los Centinelas se lancen contra el sol porque es el creador de las radiaciones que crean a los mutantes, es otra idea ridícula, que sin embargo forma parte de la historia mutante. La imagen de Adams en la que vemos a los Centinelas dirigirse hacia el Sol es super icónica, pero la historia en realidad no hay por donde cogerla.

Hay que decir que para el número 59 Marvel había suprimido ya las historias de orígenes de complemento. En el número 56 tuvimos el final del origen de Ángel, con dibujo de Werner Roth y tinta de Sam Grainier. Una historia que es tan gris y sin interés como todas las anteriores.

En el número 57, Jean Grey nos cuenta a los lectores cómo funcionan sus poderes, en una de las primeras historias de Marvel que yo recuerdo en el que se rompe la cuarta pared. Aunque el dibujo es de Roth y Grainier, la historia es de Linda Fite, asistente editorial que sólo escribió unos pocos comics en la Casa de las Ideas antes de casarse con Herb Trimpe. Fite pone ejemplos de usos de los poderes de Jean en situaciones un poco de vergüenza ajena, como cuando indica que levantar telequinéticamente una butaca le permite limpiar la casa más rápido. Sin embargo, aunque el comic ha envejecido mal, quiero encontrarle un toque de ironía y humor negro hacia el machismo que implicaba la historia que le permitían escribir. No se si esto es así o veo cosas que el comic no era en 1969, pero me gustaría quedarme con lo positivo.

De esta forma, el número 58 con la segunda parte del arco de los Centinelas es la primera historia en más de un año en que Thomas puede contar con 20 páginas para contar su historia. Como comentaba antes, el resultado no es demasiado satisfactorio. Aunque en estos comics la brillantez visual de Adams tapa todo lo demás.

Los números 60 y 61 sirven de presentación de Carl Lykos, Saurón. El motivo por el que Thomas decide utilizar el nombre del villano de El Señor de los Anillos es un poco bochornoso, pero este detalle no me impidió que disfrutara de estos comics. Lykos fue herido cuando era niño en una expedición por el Antártico, mientras luchaba contra unos extraños pteranodontes que habían raptado a su amiga Tanya y se la habían llevado a unas cuevas. Fruto de estas heridas, Lykos adquirió el poder de absorber la fuerza vital de los seres vivos que tocaba.

La casualidad hace que los X-Men le lleven a Alex para que le cure, tras terminar herido en la aventura contra los Centinelas. Absorber las energías mutantes de Álex provoca que Lykos se convierta en Saurón, un ser alado como aquellos que le hirieron. Además de volar y absorber la fuerza vital, Saurón puede hipnotizar a cualquiera con el que cruce apenas una mirada, siendo Ángel su primera víctima. Tras varios combates entre X-Men y Saurón, Tanya y su padre descubren junto a los héroes que Lykos es Saurón. En un momento de lucidez, Lykos decide irse antes de matar al padre de Tanya, lo que mostraría a su amada que es un monstruo.

Lykos vuelve a casa de su padre en Tierra de Fuego. Allí malvive esperando encontrar la muerte, cuando Tanya aparece, al recordar la cabaña de su infancia. Cuando Tanya lleva deseando abrazarle, Lykos se suicida cayendo por un acantilado, para evitar que el toque de sus manos matara a Tanya. El final de este villano fue dramático, aunque mostrando que al final, la parte buena de Lykos venció a su lado malvado. Dentro de las cosas que no han envejecido demasiado bien, tengo que decir que el menos este arco de Saurón me ha gustado mucho más que el de los Centinelas. Casi parece que la calidad de Adams sirvió de acicate para que Thomas se pusiera las pilas con sus historias.

Tras estos 6 números históricos de La Patrulla-X dibujados por Neal Adams, ya sólo falta un último volumen de la Biblioteca Marvel. El número 66 fue el último que ofreció material original. De esos 5 números restantes, sólo 3 estuvieron dibujados por Adams. En los dos primeros los mutantes volverán a la Tierra Salvaje para reencontrarse con Ka-Zar, enfrentándose al malvado Magneto. El volumen 12 cerrará la colección, pero tras meses de chascos y decepciones leyendo estos comics, me alegra que gracias a Neal Adams haya podido disfrutar de Neal Adams como quería.

Comparto las primeras páginas del comic del X-Men 56:

Por fin leo un comic de la Biblioteca Marvel La Patrulla-X que me gusta. ¡Ya era hora!! y qué bueno es Neal Adams.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO AHORA SI DISFRUTABLE

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Crítica de The Savage Sword of Conan 14 de Jim Zub e Ivá Gil (Titan Comics)

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Nuevo número de The Savage Sword of Conan (La espada Salvaje de Conan) en su nueva casa de Titan Comics. Una revista que me da todo lo que quiero y deseo de una historia de Conan.

PUNTUACIÓN: 8/10

Con una brutal historia de CONAN llena de sangre y arena a cargo del guionista Jim Zub y el dibujante Iván Gil, una misteriosa historia de BÊLIT del guionista Joe Pruett y el dibujante Goran Sudžuka, un relato en prosa de Conan sobre la crueldad del azar escrito por Matthew John, impactantes portadas de Alex Horley y Doug Braithwaite, además de láminas y mucho más, ¡SAVAGE SWORD OF CONAN n.º 14 ofrece una acción trepidante que no te puedes perder!

Jim Zub se ha convertido en el alumno aventajado de Robert E. Howard. Si algo tienen buena, es que Zub consigue que sus historias tengan el ADN de lo que se espera de una historia de Conan.

Conan y su grupo de forajidos sigue a una caravana y la encuentra desierta. Todos los camellos y las mercancías han sido abandonados, y hay un rastro claro por donde todos los miembros de la caravana se adentraron en el desierto. Conan sigue el rastro y se hunde en la arena hasta llegar a un oasis subterráneo. ¿Qué les pasó a los hombres de esa caravana? ¿Por qué se adentraron en el desierto? ¿Se hundieron en el oasis por voluntad propia? ¿O fueron obligados por arte de magia a adentrarse en esa trampa de arena? Los que onan y su equipo descubrirán será una aventura típica de Conan, pero que funciona de principio a fin.

Junto a la super acertada historia de zub tenemos a Iván Gil dibujando esta historias. Que este sea su siguiente encargo tras dibujar la miniserie Conan Scourge of the Serpent me indica que los editores quedaron contentos con Gil. Y Gil corresponde a esta confianza con un trabajo increíble. El palacio subterráneo tiene el toque perfecto de magia y peligro y su Conan recuerda a los comics clásicos del personaje. Tiene ese aire clásico de «Savage Sword» sin limitarse a ser una mera copia nostálgica. Las figuras tienen un peso real y las sombras transmiten oscuridad y peso. Su trabajo me parece excepcional.

Solo dos autores que dominan a la perfección su oficio como Zub y Gil podrían coger algo tan sencillo y casi hasta trillado dentro de los mitos de Conan, y convertirlo en una historia misteriosa y emocionante que te mantiene en vilo. Estamos ante una maravillosa obra pulp contemporánea que explica la popularidad atemporal de Conan para varias generaciones de lectores.

Además de la historia principal, Joe Pruett y el ilustrador Goran Sudžuka nos llevan de viaje a una isla inexplorada junto a la reina pirata Belit. La isla parece deshabitada, aunque el único explorador que regresa habla de un peligro invisible en un templo que se cobró la vida de sus compañeros. Aunque la historia es muy breve, plantean con acierto una amenaza que sólo Belit podría derrotar. Junto a esta historia, la guinda al pastel de este número de La espada salvaje de Conan es un relato en prosa de Conan de Matthew John en el que la suerte va a jugar un papel fundamental.

The Savage Sword of Conan nos está ofreciendo unas historias super guapas que tienen el ADN de lo que se espera de una historia de Conan. Esta propuesta no puede gustarme más.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Nemesis forever TP de Mark Millar y Matteo Scalera (Dark Horse)

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Mark Millar termina su trilogía de Némesis con Nemesis forever. Y para alegría de los lectores, se ha traído al maravilloso Matteo Scalera (Deadly Class) para dibujar esta última historia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

La tercera parte de la trilogía de cómics «Nemesis», de Mark Millar, llega a su fin.

Nemesis se vengó en «Reloaded», se convirtió en el hombre más rico del mundo en «Rogues’ Gallery» y ahora ha vuelto para llevar a cabo lo que ha estado planeando desde el principio.

Nemesis es el hombre más peligroso del mundo, y ahora se ha convertido en uno de los más ricos. Ya no se conforma con aterrorizar a las fuerzas del orden, su nuevo plan es sembrar el caos entre sus enemigos, hacerse con el control del mundo y esclavizar a la humanidad mediante la supertecnología.

Némesis hizo un pacto de sangre con una antigua secta para que le ayudara a gobernar el mundo y ahora su plan está dando sus frutos, ya que utiliza las empresas tecnológicas de las que es propietario bajo su identidad secreta para esclavizar a la humanidad con su agenda de microchips. ¿Nuestra única esperanza? Los agentes federales que se han infiltrado en su equipo de secuaces en un intento por acabar con él.

Para público adulto.

Este volumen recopila Nemesis Forever números 1-5 USA.

Mark Millar es uno de los grandes nombres del comic mainstream americano, con más de 30 años de experiencia en primer nivel. Tras comics en DC como el segundo volumen de The Authority o Superman: Red Son, se mudó a Marvel en los que han sido uno de los mejores años de la historia de la editorial, en los que realizó algunos de sus comics más populares como son The Ultimates con Bryan Hitch y Civil War y Old Man Logan con Steve McNiven. Durante sus años en Marvel Millar entendió que el futuro del comic mainstream (y el dinero) estaba en los comics de creación propia, iniciando su sello Millarworld en el que ha publicado sobre todo en Image Comics algunos comics super exitosos que tuvieron además adaptación cinematográfica: Wanted, Kick-ass y Kingsman, Tras la compra de Netflix del Millarworld, llegaron Jupiter´s Legacy y Super Crooks con diferente éxito, pero esto no puede ocultar el hecho que Millar se ha juntado en los últimos 20 años con los mejores dibujantes del medio para realizar unos comics siempre super entretenidos: Chrononauts, Starlight, Empress, Reborn The Magic Orden, Nemesis y Nemesis Reloaded, Prodigy, Ambassadors… Big Game fue el gran evento que unió estos 20 años de historias, siendo un final de fiesta del Millarworld espectacular.

Tras Big Game, la sensación es que Netflix cerró el grifo de la financiación a Millarworld, lo que provocó que sus últimas series ya no sean las mejor dibujadas del mercado. Además, tras años de asociación con Image Comics, Millar abandonó la editorial y eligió Dark Horse como editorial donde editar sus últimos comics, lo que en mi opinión ha restado interés mediático a sus últimos comics. Por suerte, este bajón evidente de sus comics se ve compensado con su nueva colaboración con Matteo Scalera para esta miniserie.

Matteo Scalera nació en Parma (Italia) en 1982. Su carrera como dibujante de cómics comenzó en 2008 con HYPERKINETIC, una miniserie escrita por Howard Shum y publicada por Image Comics. Desde entonces, ¡he hecho un montón de cosas! Ha trabajado como dibujante en SECRET AVENGERS, INDESTRUCTIBLE HULK y DEADPOOL de Marvel, BATMAN (DC Comics), BATMAN WHITE KNIGHT PRESENTS: HARLEY QUINN y BATMAN ONE BAD DAY: MR. FREEZE (DC Comics). Ha trabajado también en VALEN THE OUTCAST (Boom! Studios) y DEAD BODY ROAD (Skybound).

En 2013, creó junto a Rick Remender BLACK SCIENCE, probablemente su trabajo más recordado y destacado. Más recientemente, trabajó con Mark Millar en las series SPACE BANDITS, KING OF SPIES, THE AMBASSADORS (Netflix/Image Comics). Su proyecto más personal es THE FOURTH FATHER, una miniserie que publicará gracias a un Kickstarter.

Tengo que reconocer que Nemesis NO es un personaje que me guste especialmente. La idea de un Batman psicótico convertido en un asesino de masas es una idea super punki que entiendo que un escritor tan listo como Millar convirtiera en uno de los primeros comics del Millarworld en 2010.

Años más tarde Millar planteó un reboot en 2023 para acoplar a un nuevo Nemesis en la continuidad que nos dirigió al comic-evento que Millar creó para celebrar el 20 aniversario del Millarworld, Big Game. Tras Big game, Millar publicó una segunda miniserie, Nemesis: Rogue´s Gallery en la que el nivel bajó considerablemente sobre todo en el apartado artístico, al ver como al super estrella Jorge Jiménez le sustituyó el muy inferior Valerio Giangiordano.

Ahora nos llega la tercera miniserie, Nemesis forever, en la que el apartado artístico pega un subidón alucinante gracias al también italiano Matteo Scalera, con color de Giovanna Niro. Y tengo que decir que sin tener en cuenta la historia, estamos ante un comic en el que sólo por el dibujo merece la pena comprar y leer este comic.

Frente a la moda de los dibujantes fotorrealistas a partir de programas de dibujo, Scalera destaca por ser un dibujante a mano que sabe añadir un toque cartoon para los momentos más over-the-top, y herramientas narrativas típicamente comiqueras que nada tienen de realistas, que hacen que el dibujo sea espectacular. Por ejemplo, hay unas viñetas en las que Nemesis mata con un giro de espada a tres policías, mostrando todas las muertes en la misma viñeta. Todo lo que hace Scalera en este comic ´lo hace bien. Y mola muchísimo.

En lo referido a la historia de Millar, Nemesis planea su plan maestro de dominación del planeta, con masacres super bestias en todo el planeta. Aunque Nemesis parece imparable, su final puede llegar de la agente de policía encubierta Kitty Tepper, que se ha infiltrado en una de las bandas de Nemesis. Porque Nemesis tiene varias bandas, una para cada golpe que prepara por todo el planeta. Siendo Millar como es, Tepper tendrá que quitarse un ojo para poder copiar la apariencia de la criminal a la que va a suplantar. Porque para Millar todo es con este nivel de macarrería.

Millar es muy listo, porque siendo Nemesis el asesino desalmado que es, el comic no puede terminar con él ganando. De hecho, al final de Big Game, Nemesis acabó paralitic. Pero pudo recuperarse en Rogue´s Gallery. El giro con el que termina este comic conecta con esta curación y resulta correcto dentro de la lógica de esta franquicia. Además que justifica el título de comic y la apelación a «forever – para siempre». Y al mismo tiempo, permite a Millar la posibilidad de poder rebootear al personaje dentro de 10/15 años si le apetece.

Dentro de que Nemesis forever es lo que es, me molesta un poco ver al Millar de la plantilla narrativa, el escritor cómodo que bajo la destrucción a escala planetaria oculta que está fusilando trama de Die Hard, aunque le aplique un baño de ácido. Nemesis siempre fue un comic de acción sin segundas lecturas ni elementos profundos. Así que en realidad no se le puede pedir aquello que nunca fue. Pero me sabe mal que Millar no se haya esforzado un poco más en este final.

Por suerte, como comentaba al principio, en realidad sólo por el dibujo de Scalera merece la pena leer este comic. Scalera no se arruga con las escenas de acción y ofrece un nivel de destrucción poco habitual de ver en un comic mainstream americano. En ese sentido, se nota que Millar y Scalera ya habían colaborado previamente, porque también es un éxito que el escritor tenga la capacidad de echarse a un lado para el lucimiento del dibujante. Y cuando tienes a alguien tan bueno como es Scalera, eso es siempre una buena idea.

Comparto las primeras imágenes del comic:

Nemesis forever te da lo que esperabas, para bien y para mal. Pero esta tercera miniseries no puede evitar transmitir la sensación que la fórmula de la macarrada está agotada. Menos mal que el dibujo de Scalera me parece alucinante.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Comics,Películas

Reflexiones de Domingo 10/2026: Avengers #1, Mandalorian y Grogu y #DCBlackOut

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¡Feliz domingo! Hoy tengo un variado de noticias en el nuevo artículo de Reflexiones de Domingo. Entre los temas que voy a comentar: La nueva serie Avengers de Chip Dzarsky y Marco Checchetto, el fracaso de taquilla de The Mandalorian and Grogu y Masters of the Universe, y la última polémica comiquera ridícula de USA, el intento de boycott a DC Comics por la falta de colecciones protagonizadas por personajes afroamericanos, que nació con el hashtag #DCBlackOut.

ANUNCIADA AVENGERS 1 DE CHIP DZARSKY Y MARCO CHECCHETTO

¡LOS SUPERVIVIENTES MÁS PODEROSOS DE LA TIERRA!

Con el orden mundial completamente transformado tras los acontecimientos de «Vengadores: Armagedón», llega un día sin precedentes en el que un nuevo grupo de los héroes más poderosos de la Tierra se une para vengar el Universo Marvel: Spider-Man, Lobezno, Capitana Marvel, Daredevil, Luke Cage y un héroe totalmente nuevo que está a punto de hacer su explosivo debut.

Al tomar las riendas del equipo de superhéroes insignia de Marvel, Zdarsky dijo: «¡Es obviamente un gran honor poder escribir sobre el mejor equipo de superhéroes del mundo! Y después de lo que ocurre en Vengadores: Armagedón, este equipo está furioso y listo para vengarse».
«Vengadores es una serie que debe liderar el Universo Marvel, donde suceden grandes cosas y las sorpresas no dejan de llegar», explicó. «Eso es lo que Marco y yo estamos haciendo en cada número y estoy deseando que la gente se enamore de estas magníficas páginas».

Sobre su reencuentro con Zdarsky, Checchetto dijo: «Aquí vamos otra vez. Chip y yo, reunidos. Nos lo pasamos genial en Daredevil (2019), y desde que terminaó Ultimate Spider-Man (2024), estoy encantado que haya surgido la oportunidad de hacer algo nuevo con él. Es en momentos como estos cuando sale a relucir la locura absoluta de Chip, y el resultado está ante vuestros ojos. » «Me encanta este equipo», continuó. «Va a ser genial ver cómo interactúan estos personajes entre sí y cómo se las arreglan para salir airosos de las situaciones en las que los vamos a meter».

Chip Zdarsky me parece un guionista mediocre al que aún no le he encontrado una idea original, construyendo sus arcos «homenajeando» historias clásicas que, para sorpresa de nadie, siempre son mejores que lo que hace el guionista canadiense.

La Marvel de C.B. Cebulski se encuentra en una espiral de gimmicks sacacuartos y de nostalgia mal entendida terrible. Tras dos etapas de Los Vengadores de Jason Aaron y Jed MacKay en las que los escritores plantearon a los Vengadores viviendo las aventuras cósmicas y multiversales más grandes imaginables, Marvel Comics decide dar un volantazo y plantear la copia (homenaje) al infame Avengers Disassemble y la llegada de Brian Michael Bendis a la colección. Han pasado más de 20 años de la etapa de Bendis, así que Marvel cree que los lectores vamos a abrazar esta reutilización de una etapa que tuvo sentido en 2004/2005 pero posiblemente no sea lo más adecuado en 2026.

Si Marvel quería hacer un comic más urbano a pie de calle, tenía muchas formas de hacerlo. Pero hacer un comic con Lobezno, Spider-Man y Luke Cage lo único que hace es provocar que los lectores nos demos cuenta que el comic no es novedoso, sino que simplemente está copiando (reutilizando) ideas viejas, en lugar de crear las tuyas propias. Aparte que una vez se pasó la sorpresa inicial de la etapa de Bendis, creo que con el paso de los años era un clamor absoluto entre el fandom comiquero que fue un error hacer vengadores a Lobezno y a Spider-Man. Son personajes que no pegan como Vengadores, pero como Marvel cree que la nostalgia vende, pues aquí los tenemos de nuevo. De igual forma, tampoco creo que sea buena idea que Daredevil vaya a formar parte del grupo.

No pienso comprar este comic, a pesar que tengo claro que el dibujo de Marco Chacchetto va a ser increíble. Sin embargo, no me compensa gastar mi dinero en algo que los propios autores y la editorial saben que no es original. Es que ni siquiera intentan serlo. Y para ver a un mediocre copiar a Bendis, ya tengo los comics originales en casa. Igual me los releo de nuevo. En lo relativo a esta nueva etapa, NO COMPRO.

SOBRE EL FRACASO DE TAQUILLA DE THE MANDALORIAN AND GROGU Y EL DAÑO A LA MARCA STAR WARS

The Mandalorian and Grogu de Jon Favreau me gustó mucho. Me pareció una celebración pura del cine de aventuras. Pero aunque me duela decirlo, la película va a ser un fracaso absoluto en taquilla. Tras dos semanas en pantalla, la película sólo ha recaudado 257 millones en todo el mundo: 148 millones en USA y 109 en el resto del mundo. Hay muchas posibilidades que la película acabe como la película de Star Wars de mejor recaudación, por debajo incluso de Solo: Una historia de Star Wars.

Hay un primer elemento que para mi contribuye a explicar este fracaso. Y es que en este mundo de los EVENTOS cinematográficos, que en parte Disney ha ayudado a crear, la idea de plantear una película con una aventura autoconclusiva no ha llamado la atención del gran público. Siempre digo que el que el público vaya a una película, o no lo haga, es una decisión provocada por múltiples factores que no tienen nada que ver con la calidad de la película en si. Otro tema importante es que The Mandalorian es una de las series más exitosas de Disney+. Sin embargo, la sensación es que los suscriptores asumen que el personaje es televisivo y se van a esperar a verla cuando se estrene dentro de unos meses. Para Disney+ vale, pero no para pagar por verla en el cine.

Sin embargo, aunque todo lo anterior son factores que explican el fracaso, no son el motivo principal. Y es el daño que Disney ha provocado en la marca Star Wars, hasta el punto de haberla herido de muerte. Tras los desastres de los Episodios VII, VIII y IX y la idea de enterrar a los protagonistas originales de forma vergonzosa, el público ha decidido dar la espalda a Star Wars. Luego series desastrosas como Kenobi o The Acolyte han añadido más leña al fuego, claro. Mientras que los ejecutivos han intentado convencernos que Star Wars no tiene nada que ver con los Skywalker, los fans que leímos decenas de libros del Universo Expandido sabemos que la tercera trilogía ha sido un fracaso creativo monumental de difícil solución.

No es culpa de Jon Favreau que tras 7 años sin que Disney estrenara ninguna película de Star Wars, Disney y Lucasfilm decidieran estrenar The Mandalorian and Grogu porque algo había que estrenar. El qué daba un poco igual. Ese problema, esa decisión, es totalmente responsabilidad de Disney. Tras este fracaso, los ejecutivos de Lucasfilm deben estar temblando ante el estreno en 2027 de Star Wars: Starfighter, que puede correr el mismo destino. Los mismos ejecutivos que niegan la evidencia que lo que los espectadores queremos ver es una nueva aventura de Luke Skywalker y los personajes clásicos en la que los muestren de forma heroica, no lo que hizo el fallido Rian Johnson.

Los mismos fans que convirtieron la aparición de Luke Skywalker al final de la segunda temporada de The Mandalorian en el acontecimiento mainstream de 2020 hubiéramos vuelto en masa al cine a ver una nueva película de Star Wars si los protagonistas fueran ellos. Pero pasados estos años y viendo como en lugar de apostar por lo que los fans queremos Lucasfilm se tiró por la turra identitaria y por los contenidos woke, me parece que una parte del público ha abandonado el barco por completo. Y ante eso no hay una solución sencilla.

Como digo, los ejecutivos de Lucasfilm y los de Disney deben estar temblando. Y no sólo por las pocas entradas vendidas, sino porque esta debacle acaba afectando a todas las líneas de negocio de Disney, como la venta de muñecos y merchandising, o la asistencia a los parques de atracciones. Y tengo claro que los mismos que han hundido a Star Wars no van a pedir perdón y seguirán buscando respuestas simplistas «de pancarta» en lugar de analizar de verdad todas las decisiones erróneas que han tomado todos estos años que han herido de muerta a la marca Star Wars.

MASTERS OF THE UNIVERSE TAMBIÉN NAUFRAGA EN LA TAQUILLA

Este fin de semana se ha estrenado la nueva versión de Masters of the Universe dirigida por Travis Knight (Kubo y las dos cuerdas mágicas, Bumblebee). Aunque me gusta el director reconozco que no me considero público objetivo de estos muñecos de Mattel. Así que no tenía ningún interés en ver esta película.

Antes de su estreno, la sensación que tenía era que no existe un grupo de fans lo bastante grande como para hacer la película rentable en su paso por los cines. Hay gente muy apasionada en redes sociales, pero ellos 4 no pagan una película. Y viendo los resultados del jueves y viernes de estreno, en los que sólo ha recaudado 11 millones en USA, se confirma que la película va a ser un fracaso de taquilla porque esta franquicia no interesa a (casi) nadie. Y esto no prejuzga la calidad de la película, sobre la que no puedo comentar nada porque no la he visto. Sin embargo, que en USA le hayan puesto un B significa que los pocos espectadores que fueron no han salido satisfecho, lo que hará que el boca a boca tampoco vaya a ser bueno.

Si se confirman las cifra, Masters recaudará apenas 25/30 millones en USA en su fin de semana de estreno, lo que la aboca a recaudar menos de 100 millones en Estados Unidos. Teniendo en cuenta un presupuesto que puede rondar los 180-200 millones, el desastre financiero puede ser importante.

E incluso si pensamos que Mattel plantee la película como un anuncio grande de sus muñecos, que tan poca genta vaya a ver la película significa que tampoco querrán comprar su merchandising o sus muñecos. A otra escala, es exactamente lo mismo que le pasó a Lucasfilm con Star Wars tras el horripilante Episodio IX que daño irremediablemente la marca. (Sobre lo que hablé antes).

Me sabe mal por los fans, pero creo que todo el mundo parecía tener claro que estábamos ante una película destinada a fracasar en la taquilla de los cines. Veremos si en el streaming adquiere una segunda vida.

SOBRE EL INTENTO DE BOYCOTT A DC COMICS #DCBlackOut

La polémica ridícula de esta semana en el mundo del comic americano vino con la sorpresa de conocer que un grupo llamado Black Comics Alliance intentó iniciar un boicott contra DC Comics bajo el hashtag #DCBlackout, pidiendo a los lectores no comprar cómics de DC hasta que publiquen más series con personajes negros y equipos creativos diversos.

La fracasada iniciativa «DC Blackout» surgió como continuación del movimiento #DCSoWhite. En ella, varios supuestos «activistas» lamentaban el hecho de que DC Comics no hubiera publicado ninguna serie regular protagonizada por personajes negros (las miniseries y los números únicos no cuentan) en los últimos 1200 días. El número exacto de días es objeto de debate, y la crítica se limitaba sólo al universo DC tradicional, porque en el Universo Absolute, Absolute Green Lantern está protagonizada por una mujer afroamericana. Que John Stewart sea coprotagonista de Green Lantern Corps tampoco valía para esta gente. Para que veáis el absurdo de estas críticas que cogen cifras de forma torticera, planteando críticas en términos de blanco y negro absolutos.

Estas personas creían que la falta de títulos protagonizados por personajes negros se debía a una falta de atención y esfuerzo por parte de DC Comics en materia de representación. A pesar que DC Comics ha implementado programas educativos para minorías sociales para que puedan convertirse en profesionales del mundo del comic. Algo que Marvel ni ha hecho ni se lo plantea. Tras creerse que DC tiene que responder ante ellos de alguna manera, este grupo decidió iniciar este hashtag al creer que la editorial no les había hecho suficiente caso.

La protesta fracasó en apenas 4 días.

El primer motivo del fracaso me atrevería a decir que viene por una evidencia. Para hacer un boycott, primero ELLOS tendrían que dejar de comprar los comics de DC. Y me atrevería a decir que estamos ante el último caso de «activistas» que intentan influir en un medio que no consumen.

Además de esta primera consideración, parece claro que cuando se plantea un problema complejo que puede ser debatible en términos simplistas, puro redes sociales, pues pasan estas cosas. Porque podrían ser debatible si el número de afroamericanos que trabajan en la industria es alto o bajo, dentro que lo que importa es la CALIDAD individual de cada persona, no si pertenecen a un colectivo identitario. Cosa que no planteaban estas personas, claro.

El fracaso se precipitó tan pronto como se anunció el boicot, cuando comenzaron las críticas desde dentro del propio grupo de activistas. «Si boicoteas todo DC, dejas de apoyar a los creadores negros que ttrabajan en DC». «Estás iniciando el boicot al comienzo del mes del Orgullo, lo que significa que los cómics del Orgullo se verán también afectados». «Los títulos en curso que contienen personajes negros destacados (aunque sean secundarios) también se verían perjudicados con este boycott». Justo lo contrario de lo que se supone que demandaba esta gente. Lo que explica que lo importante no son los personajes afroamericanos.

Aparte que si justo ahora no hay comics protagonizados por afroamericanos no es porque no se haya intentado. Black Lighting o Steel han tenido varias series en el pasado. Se ha intentado relanzar el Universo Milestone varias veces, y siempre ha acabado cancelado. Si no se publican ahora es porque NO SE VENDEN. Y el que no se vendan tiene mucho que ver con la compleja situación de la industria y cómo los personajes fuera de los iconos tienen muy difícil mantenerse. Algo que no tiene nada que ver con que sean afroamericanos. O que se lo pregunten a Shazam, cuya colección cerró hace unos meses.

Hay docenas y docenas de personajes negros, blancos, asiáticos y de todo tipo en Marvel y DC Comics que no tienen series en curso. Calificar este «problema» específicamente como una cuestión racial no solo es tóxico, sino que es claramente falso. Tiene muy poco que ver con la representación y más con la desconexión entre lo que producen las editoriales y lo que compran los lectores.

DC Comics no va a sacar un título que considere que no se va a vender. Eso es pedirle a una empresa que malgaste su dinero, y dada la situación actual del cómic, es una absurdez. Pero claro, esta gente no quiere que DC publique buenos comics, sino que apostaría que al final todo se reduce porque buscan que les contraten a ELLOS. Y me da mucha rabia que gente que no merece el protagonismo que han tenido se crean que pueden exigir a una empresa como DC que hagan lo que ellos quieren.

Si hubieran planteado una campaña en redes sociales para promover comics realizados por autores afroamericanos, que existen, me hubiera parecido una campaña interesante. Pero no, interesa más atacar a DC. Y por supuesto DC y todas las grandes empresas editoriales no son hermanitas de la caridad y han hecho cosas cuestionables en el pasado. Pero justo en el tema de promoción de colectivos diversos, DC históricamente ha realizado muchísimas más acciones que Marvel. Y sin embargo, el boycott se lo hacen a DC. ¡Qué injusto!

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