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Crítica de Air de Ben Affleck

Aprovechando su estreno en Prime Video he visto Air, la película de Ben affleck sobre la historia de como Nike fichó a Michael Jordan como emblema de su división de zapatillas. Y me he encontrado una película muy bien hecha con un reparto estelar.

PUNTUACIÓN: 7/10

Narra la increíble y revolucionaria asociación entre Michael Jordan -un novato en ese momento- y la incipiente sección de baloncesto de Nike, que revolucionó el mundo del deporte y la cultura contemporánea con la marca Air Jordan. Cuenta la atrevida apuesta que definió la carrera de un equipo poco convencional, la visión implacable de una madre que conoce el valor del inmenso talento potencial de su hijo, el fenómeno del baloncesto que se convertiría en el más grande de todos los tiempos.

Ben Affleck y Matt Damon son amigos de toda la vida y han colaborado en multitud de ocasiones. Affleck y Damon fundaron juntos la productora Market Equities, y esta película es su primera gran apuesta en la que han puesto toda la carne en el asador, al dirigir Affleck y ser Damon el principal protagonista, aunque rodeado de un gran reparto.

El guion fue escrito por Alex Convery, que tuvo la idea de la película mientras veía el mítico documental The Last Dance que narraba la vida de Jordan. Tras ver la parte del contrato con Nike, Convery sintió que ahí había material para una buena película, por lo que se pudo a investigar a fondo. Para la película Affleck se reencuentra con sus colaboradores habituales: el director de fotografía Robert Richardson y el montador William Goldenberg.

Matt Damon es Sonny Vaccaro, ejecutivo de Nike en el área de baloncesto que convenció a la familia Jordan para que fichara por ellos. Ben Affleck es Phil Knight, el fundador de Nike. Jason Bateman es Rob Strasser ejecutivo de Nike jefe directo de Sonny. Viola Davis interpreta a Deloris Jordan, madre de Michael, mientras que Julius Tennon interpreta a su padre, James R. Jordan Sr.

Ya en papeles secundarios tenemos a Chris Tucker como Howard White, Marlon Wayans como George Raveling, Chris Messina interpreta a David Falk, agente de Jordan, y Matthew Maher hace de Peter Moore, el director creativo de Nike que creó las míticas Air Jordan y el logo de la silueta de Jordan saltando.

La película producida por Amazon Prime Video ha contado con un presupuesto de alrededor de 80 minutos. Debido al interés sobre todo en los USA por todo lo que tenga que ver con Jordan, Amazon decidió estrenar esta películas en los cines un mes antes del estreno en streaming, recaudando 50 millones de dólares es USA y otros 40 en el resto del mundo.

Si hay un tipo de historias que gustan a los americanos, son las historias de éxito de gente que rompió las normas y consiguió hacerse rico. Y aunque parezca mentira, es curioso recordar que Nike hasta la llegada de Jordan no era nadie en el mundo del baloncesto, al centrarse en el running y el atletismo. Pensar que Nike estaba a la sombra de Adidas y Converse (empresa que años más tarde fue absorbida por Nike) nos ofrece el marco para la perfecta historia de éxito empresarial creado a partir de un directivo que rompió las reglas de lo que se suponía que eran las relaciones entre las marcas y los jugadores.

Me parece curioso que Air tiene muchas conexiones con Tetris, la estupenda película de Apple TV sobre la compra de los derechos del videojuego ruso para su explotación en el resto del mundo. Lo digo porque hasta ahora se hacían biopics de gente de éxito, por ejemplo La red social de Fincher sobre la polémica figura de Mark Zuckerberg, o Steve Jobs, ambas con guion de Aaron Sorkin. Pero parece que la tendencia que estas películas indican son películas sobre marcas famosas, porque ¿Quién no se ha comprado nunca unas Nike? En este mundo del entretenimiento dominado por la búsqueda de propiedades intelectuales que generen ingresos, parece que hablar sobre la creación de nuestras marcas favoritas puede ser una forma fácil de conseguir la atención del público.

Entrando en la película en si, la verdad es que Air es una película super entretenida. El pobre Ben Affleck se ha visto envuelto en varias polémicas a lo largo de los años, empezando con su mala experiencia rodando Justice League. A lo que hay que añadir en los últimos años que haya retomado su relación sentimental con Jennifer López, lo que le ha convertido en carne de cañón para los paparazzis. Sin embargo, cuando nos alejamos de estos elementos superfluos, lo cierto es que Affleck es un gran dirección que sabe imprimir ritmo a una película que se resume en gente hablando todo el rato, contándolo de una forma ágil que mantiene interesado al espectador durante sus casi dos horas de duración.

También hay que reconocer que el guion de Alex Convery me parece super bueno. A partir de unos hechos conocidos Convery nos muestra una historia con personajes de carne y hueso que son todo corazón. Las dudas de los ejecutivos de Nike los humaniza, y sus brillantes diálogos mantienen el interés y la tensión. Si a esto le sumamos el toque de nostalgia ante las imágenes de hechos reales de 1984 y la banda sonora de hits de la época, tenemos una combinación ganadora.

Y si a todo lo anterior sumamos el tener a un reparto de actorazos, el resultado sólo puede ser notable. Matt Damon sigue siendo uno de los pocos actores con categoría de ESTRELLA que sólo por él merece la pena ver una película. Su presencia y carisma es tremenda en pantalla, a lo que hay que sumar su química con su amigo Ben, con una super intensa Viola Davis que interpreta a la madre de Jordan, o con Jason Bateman y Chris Tucker. El casting de la película me parece perfecto para lo que la historia necesitaba, la verdad. Y en ese sentido, me gusta la decisión de no mostrar nunca a un actor interpretando a Jordan, dado que es tan icónico reconocible que nuestra suspensión de credulidad saltaría por los aires.

Creo que la gente que vea Air ya sabe a lo que viene, pero incluso con el elemento de falta de sorpresa ante un resultado final conocido, las Air Jordan son posiblemente las zapatillas más populares y conocidas de la historia, el buen hacer de todos los profesionales implicados convierten a esta película en un éxito total.

En todo caso, está muy chulo conocer datos como que Jordan estuvo cobrando durante muchos años 400 millones de dólares al años de Nike gracias al revolucionario contrato que firmaron mediante el que se garantizaba un porcentaje de la venta de cada zapatilla. O que Nike antes de Jordan tenía una previsión de ventas de 3 millones de dólares con su división de baloncesto, pasando a vender 192 millones el primer año de Jordan en la NBA. Hablando de historias de éxito…

Comparto el trailer de la película:

Air es una película estupenda con un reparto estelar, unos diálogos con chispa y una gran dirección de Affleck. No se le puede pedir más.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Renfield de Chris McKay

Con algo de retraso he visto Renfield, la película de Chris McKay con Nicholas Hoult y Nicolas Cage con una versión divertidísima y over-the-top de la relación entre Drácula y su sirviente.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Renfield es el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia: Drácula. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

Christopher McKay (1973), es un cineasta y animador estadounidense conocido por dirigir y editar tres temporadas de Robot Chicken y dos temporadas de Moral Orel. Debutó como director de largometrajes con The Lego Batman Movie (2017), y ya en imagen real ha dirigido The Tomorrow War (2021). Renfield es su tercera película como director.

Renfield nace como un argumento de Robert Kirkman, el brillante guionista de comics como The Walking Dead e Invincible, que es además productor de la película. El guion definitivo fue escrito por Ryan Ridley. La película de 93 minutos de duración cuenta con fotografía de Mitchell Amundsen, montaje de Ryan Folsey, Giancarlo Ganziano y Zene Baker y música de Marco Beltrami. Lamentablemente, la película ha sido un fracaso de taquilla, al recaudar apenas 25 millones para un presupuesto de 65 millones.

En el reparto tenemos a Nicholas Hoult como Renfield, el sufrido sirviente de Drácula, interpretado por un loquísimo y perfecto Nicolas Cage. Awkwafina es Rebecca, una agresiva policía de tráfico que trabaja para el Departamento de Policía de Nueva Orleans y vive traumatizada por el asesinato de su padre por la familia criminal Lobo que domina la ciudad. Ben Schwartz es Tedward Lobo, el hijo de Bellafrancesca (Shohreh Aghdashloo) la matriarca de la familia Lobo.

Me ha pasado algo curioso con Renfield, por llamarlo de alguna manera. Hace meses me enteré que Kirkman era el creador de la historia y productor de la película, lo que animó a verla. Sin embargo, cuando finalmente se estrenó no recordaba la relación de Kirkman con la película, y la verdad es que la patochada que se intuía en las imágenes promocionales teniendo a Nicholas Cage de protagonista no me hizo que quisiera verla. O por decirlo bien, otras películas estrenadas en las mismas fechas como Posesión Infernal: El despertar me apetecieron más a la hora de entrar en el cine. Esta semana volví a leer el dato de Kirkman preparando una reseña del blog, lo que me hizo ver el trailer que a su vez provocó que tuviera que ver la película. Y la verdad es que Renfield me ha encantado.

La película tiene el centro en el conflicto de un joven (congelado en el tiempo) Renfield para escapar de años de abusos que sufre a manos de Drácula. Como concepto es una idea que conecta completamente con la comedia Lo que hacemos en las sombras, aunque luego ambas historias sean totalmente diferentes. Esta similitud tampoco jugó a favor de la película, la verdad. El depresivo Renfield asiste a reuniones de terapia de grupo y recibe el empujón necesario para abandonar a Drácula cuando ve cómo la policía Rebecca no se arruga ante un mafioso de la familia Lobo cuando la encañona en un ataque a un restaurante.

Hoult, Cage y Awkwafina me parece que están super bien en la película. El elemento histriónico y exagerado de Cage funciona perfectamente con el tono de comedia over-the-top, y escucharle en la V.O. es una delicia de principio a fin. Y esto lo digo cuando no suelo conectar con el Cage más desatado de las películas de serie Z que protagoniza en los últimos años. Hoult borda el papel de freak fuera de su zona de confort que se sabe víctima de abusos pero no sabe cómo salir de la rutina en la que está inmerso. Por su parte, Awkwafina no tendría que funcionar como una dura policía, pero en este contexto humorístico lo hace, añadiendo una ligera capa de persona marcada por la muerte de su padre. La química de Hoult con sus compañeros me parece que funciona de forma estupenda.

La película va al grano desde el primer minuto resaltando el tono de comedia. Empezar la película recreando la película de Drácula de Bela Lugosi pero sustituyendo a los actores clásicos por Cage y Hoult me ha parecido una genialidad. Aparte de varios gags visuales buenísimos hay un montón de situaciones super divertidas gracias a unos diálogos con chispa, por ejemplo en las sesiones de terapia de grupo de Renfield. Además, la duración de 93 minutos me parece perfecta, porque también hay que reconocer que la historia no da más de si, al repetirse en algunos momentos la misma situación de abuso de Drácula a Renfield.

Pero lo mejor de Renfield es cuando la película se transforma de una teórica historia de terror con toques de humor a una película de superhéroes con seres con super poderes que cortan cabezas y arrancan brazos que usan para golpear a otros oponentes hasta su muerte. La hiper-violencia tiene un tono cómico que me parece una genialidad, y sólo por estos momentos de gores merece la pena ver la película. En estos momentos fue cuando vi el toque de Hickman y su conexión a Invencible, y me ha flipado.

Buscando algún elemento menos bueno a una película que me ha gustado, hay que reconocer que en el fondo esta película es una historia de un único chiste que no da más de si cuando giramos varias veces sobre lo mismo. Pero la duración super ajustada y la violencia over-the-top me han ganado completamente. Creo que todos los fans de la serie Ash vs Evil Dead y por supuesto el comic de Invencible de Kirkman, por poner dos ejemplos, van a disfrutar un montón esta película,

Da la sensación que los productores dejan la película con un elemento lo suficientemente abierto para que pudiera haber una continuación en caso que la película hubiera tenido éxito en taquilla. No ha sido así. yo soy la prueba de espectador público objetivo que me costó verla porque no sabía si la mezcla de tantos elementos contrapuestos funcionaría todo lo bien que lo hace. Y es una pena que una película que innova presentando una historia que no sea terror trillado o comedia al uso no consiga llamar la atención del gran público precisamente por esta originalidad y esta cualidad de crossover de géneros.

En todo caso, decir también que el problema de este fracaso viene a partir de la fecha de estreno, al tener un montón de películas similares que no cabe duda han llamado mejor la atención de los espectadores. A la antes mencionada Posesión Infernal habría que sumarle Oso visioso, El exorcista del Papa o la última película de Scream.

Comparto el trailer de la película:

Renfield es una comedia super sangrienta y divertida que me ha gustado mucho más de lo que esperaba gracias a su tono irreverente y over-the-top. Una película super recomendable cuya apreciación creo que aumentará cuando se estrene en plataformas y pueda verla el gran público que se abstuvo de verla en los cines.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Sisu de Jalmari Helander

Tras su paso por el festival de Sitges y un potentísimo trailer, no pude evitar ver Sisu, película de acción finlandesa en la que un veterano soldado se dedicará a matar nazis durante la 2ª Guerra Mundial. ¿Quién puede resistirse a esta premisa?

PUNTUACIÓN: 6/10

Durante los últimos y desesperados días de la Segunda Guerra Mundial, un solitario buscador de oro (Jorma Tommila) se cruza con los nazis en una retirada al norte de Finlandia. Cuando los nazis le roban el oro, descubren rápidamente que no se han metido con un minero cualquiera. Aunque no existe una traducción directa de la palabra finlandesa «sisu», este legendario ex-comando encarnará lo que significa sisu: una forma de coraje y determinación inimaginables frente a probabilidades abrumadoras. Y no importa lo que los nazis le echen encima, el escuadrón de la muerte de un solo hombre hará todo lo posible por recuperar su oro, aunque eso signifique matar a todos los nazis que se crucen en su camino. (FILMAFFINITY)

Jalmari Helander (1976) es un guionista y director de cine finlandés. Antes de poder dirigir sus películas, Helander realizó varios cortometrajes y anuncios de televisión premiados. Es conocido por la película de 2010 Rare Exports: Un cuento de Navidad, la aventura de acción Big Game, de 2014, protagonizada por Samuel L. Jackson, y la película de acción sobre la Segunda Guerra Mundial Sisu, cuto guión también realiza él.

La película de 91 minutos de duración está rodada en localizaciones de Laponia contó con 6 millones de presupuesto. La película cuenta con fotografía de Kjell Lagerroos, montaje de Juho Virolainen y música de Juri Seppä y Tuomas Wäinölä. En el pasado festival de Sitges cosechó una gran acogida por parte del público, y consiguió 4 nominaciones a Mejor Película, Actor, Fotografía y Banda Sonora.

En el reparto, aparte de mucha carne de cañón que será masacrada, tenemos a Jorma Tommila como el veterano soldado Aatami Korpi reconvertido en buscador de oro en los planos helados de Finlandia. Aksel Hennie como Bruno Helldorf, el jefe del destacamento nazi que se encontrará con Korpi e intentará quitarle su oro. Jack Doolan es Wolf, segundo al mando y tirador experto, mientras que Onni Tommila interpreta a Schütze, el conductor del tanque. Por último, Mimosa Willamo interpreta a Aino, una joven raptada junto a otras chicas por los nazis.

Según el director de Sisu, Acorralado de Sylvester Stallone (la primera película de Rambo de 1982) y la vida del francotirador finlandés Simo Häyhä, considerado el más letal de la historia con casi 500 muertes, sirvieron de principal inspiración para la película. Y aunque no dudo que sea así, la verdad es que la sombra de John Wick resulta muy alargada, al tener un hombre del saco para las tropas rusas y alemanas que no se detendrá ante nada y que no dejará que nadie le quite el oro que excavó de la tierra.

Una virtud que tiene Sisu es que va al grano y su duración de 91 minutos (contando los títulos de créditos, por lo que de historia no llega a la hora y media), es super ajustada. Porque tampoco da más de si, las cosas como son. El veterano Korpi más que un soldado parece Terminator, porque no es que sea inmortal, es que rechaza morir hasta haber terminado su misión. Esto como idea a priori era potente, pero la exageración lleva a la película a momentos ridículos que rompen completamente la idea que esto pudiera ser más o menos realista. El momento Aquaman o la idea de sobrevivir a un ahorcamiento clavándose un clavo que de alguna manera ¿le sujete? son algunos de los WTF?! más grandes y ridículos que he visto este año en una película. Dicho esto para mal, claro.

Y el caso es que todos queremos ver matar a nazis de las formas más exageradas e imaginativas posibles, pero otro de los problemas es que los momentazos más bestial de la película, esos que hacen que el público vitoree en festivales tipo Sitges, ya nos los muestra el trailer. De hecho, fuera de esos momentos más salvajes y over-the-top, el resto de muertes resultan bastante normalitas. De forma que lo bueno ya lo había visto antes de ver la película y el resto es más bien montonero. La combinación no puede ser peor.

El veterano actor Jorma Tommila cumple en su papel de un soldado que es una fuerza de la naturaleza que no necesita hablar para dejar claro que es alguien muy peligroso y que es preferible NO tenerle de enemigo. El resto del reparto cumple con lo que la historia necesita. Todos los nazis son asquerosos y deseas su muerte y también anticipas el momento en que las chicas secuestradas obtengan su venganza. De esta forma, todo funciona de forma correcta.

Sin embargo, globalmente Sisu no me ha dejado con la sensación satisfactoria que yo esperaba, al ser todo demasiado exagerado hasta alcanzar momentos ridículos que hacen que no te creas nada de lo que nos están contando. Y es algo que me parece una pena, porque venía con muchas ganas de ver salvajismo y muertes sangrientas de nazis, pero la ejecución no me ha acabado de funcionar. Hablaba de momentos WTF?!, pero el climax final marca un nuevo standard de momentos ridículos en una película de acción estrenada en 2023.

Comparto el trailer de la película:

Sisu me ha decepcionado, aunque esperaba un over-the-top con la muerte y destrucción de todos los nazis, las peripecias de este soldado veterano rozan el ridículo en varios momentos, algo que no me ha gustado.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Guardianes de la Galaxia vol. 3 de James Gunn

Tenía muchas ganas de ver Guardianes de la Galaxia vol. 3, la última película de James Gunn en Marvel Studios antes de su marcha a presidir DC Studios. Y la verdad es que no ha decepcionado, ofreciendo un final super emocionante al viaje de estos personajes.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

La querida banda de los Guardianes se instala en Knowhere. Pero sus vidas no tardan en verse alteradas por los ecos del turbulento pasado de Rocket. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo en una peligrosa misión para salvar la vida de Rocket, una misión que, si no se completa con éxito, podría muy posiblemente conducir al final de los Guardianes tal y como los conocemos.

James Gunn escribe y dirige la tercera y última película de los Guardianes de la Galaxia, que se estrena 6 años después del estreno de su volumen 2. La película de 150 minutos de duración ha tenido una larga y complicada producción provocada por el despido de Gunn por parte de Disney en julio de 2018 y su posterior readmisión meses más tarde, cuando ya se había comprometido con Warner para hacer The Suicide Squad. Tras los problemas y retrasos derivados del COVID, por fin podemos disfrutar del final del camino para Gunn en Marvel Studios, al hacer aceptado el puesto de CEO de DC Studios.

En el reparto tenemos el retorno de un montón de caras conocidas: Chris Pratt como Peter Quill / Star-Lord, Zoe Saldaña como Gamora, Dave Bautista como Drax el Destructor, Karen Gillan como Nébula, Pom Klementieff como Mantis, Bradley Cooper y Vin Diesel como las voces de Rocket y Groot, Sean Gunn como Kraglin Obfonteri y Elizabeth Debicki como Ayesha, Suma Sacerdotisa y líder del pueblo Soberano al que conocimos en el volumen 2. Las nuevas incorporaciones son Chukwudi Iwuji como el Alto Evolucionador, Will Poulter como Adam Warlock, y Maria Bakalova como la voz de Cosmo, el perro cosmonauta ruso.

La película ha contado con un enorme presupuesto de 250 millones de dólares. Haciendo la cuenta del x2.5 sobre el presupuesto, necesita recaudar 625 millones en todo el mundo para cubrir los costes de producción. Recordar que la primera película recaudó 773 millones, mientras que el volumen 2 consiguió 869 millones. Para terminar con datos de producción, comentar que la película tiene fotografía de Henry Braham, edición de Fred Raskin y Greg D’Auria, y música de John Murphy.

Para James Gunn, lo importante en Guardianes de la Galaxia siempre han sido los personajes. Es normal por tanto que en este volumen 3 de sus aventuras tengamos una historia que no va tanto del mcguffin de turno, sino de los héroes y sus interacciones, de como se comportan para llegar hasta llegar a su objetivo y cómo este viaje les cambia y afianza su sentimiento de familia disfuncional. Una de las cosas que me han volado la cabeza es que el corazón de esta película se construye alrededor de Rocket, al conocer su terrorífico origen y como fue creado por el villano de la película, el Alto Evolucionador. Un personaje creado totalmente por CGI es el corazón, el centro emocional de todo, y consigue que las lágrimas broten de nuestros ojos en varios momentos claves de la película. Esto confirma la realidad que tantos y tantos gafapastas, espectadores pero también profesionales del mundo del cine, no entienden. Que el problema no son los efectos especiales o las pantallas verdes, sino el uso que se hace de ellas. Y James Gunn pone tanto corazón y tanta emotividad, en el buen sentido del término, que sólo queda levantarse y aplaudir por el viaje que hemos vivido con ellos.

El Alto Evolucionador me ha parecido un gran villano que aporta un elemento super perturbador a la historia, sobre todo en la parte del flashback en la que conocemos el origen de Rocket. Su experimentación y cómo transforma adorables animales es grotescos cyborgs con implantes metálicos ofrece unas escenas de body-horror que no esperaba en un blockbuster familiar de estas características, dándonos unos momentos dolorosos de ver. Y, de nuevo, que esto se haga con personajes CGI que nos transiten tanto me parece una pasada. El elemento clave de un villano que cree estar mejorando a la humanidad mediante experimentación genética pero en realidad no lo hace por motivos altruistas sino porque odia como son las cosas en realidad, me parece un elemento muy interesante que puede servir además de metáfora sobre personas y actitudes muy actuales en nuestra sociedad. En este sentido, que la Contra-Tierra sea una especie de mundo idealizado sacado de los años 80, también sería un comentario sobre la idealización de un pasado que igual nunca fue tan perfecto cómo se quiere recordar ahora.

Como decía, el centro de todo son los personajes, y cuando unos héroes consiguen hacernos reir y llorar casi en la misma escena, es que algo ha hecho muy muy bien James Gunn. Dentro que todos están bestiales, me tengo que quitar el sombrero ante Chris Pratt, que consigue sacar adelante brillantemente un viaje super doloroso mientras Peter Quill aprende que la Gamora que amó se fue y no va a volver, y que en lugar de perder una amante igual puede ganar una amiga. Pratt tiene momentos de patetismo, momentos de mucho dolor, otros graciosos y sobre todo, la clave de levantarse a pesar de todo para ayudar a su amigo Rocket cueste lo que cueste. Y todos los saca adelante de forma brillante. En los últimos tiempos hemos asistido a una campaña de descrédito contra él vergonzosa, pero Pratt muestra en pantalla que ES una gran estrella con un carisma y una presencia que se sale de la escala. Muy bien por él.

Pero no sólo es Pratt, claro, porque el resto del grupo es increíble. Dentro de esta familia disfuncional, las mejor paradas son Karen Gillan y Pom Klementieff, que como comentaba nos dan siempre una risa y un momento que resalta que siguen teniendo dolor en su corazón. Nébula está empezando a aprender a ser feliz, algo que jamás pensó que conocería, y Mantis dentro de su superficialidad aparente resulta que sabe leer el dolor que se esconde debajo de cada uno de sus compañeros. Empezando por supuesto por un Drax, que como todos alterna unos diálogos super buenos marca de la casa Gunn con un momento dramático de los que tocan el corazón de los espectadores.

En este sentido, quizá la peor parada de este volumen 3 es Gamora y Zoe Saldaña, al ser este personaje el que está más desconectado de los demás y que no consigue emocionarnos como sí lo hacen todos. En parte, esto reafirma el hecho que esta Gamora NO es la que conocimos en las películas anteriores, pero me parece el eslabón débil de un tapiz de relaciones entre los personajes que me parece brillante. Y si nos ponemos puntillosos, podría criticarse la versión de Warlock que nos presenta Gunn, interpretado por Will Poulter. Sin embargo, este ser evolucionado recién nacido de una crisálida evolutiva que tiene el cuerpo super poderoso de un adulto pero ninguna experiencia con el mundo real no se alejaría demasiado de la primera versión del personaje que vimos en la páginas de Thor, que era un ser con la mente de un niño que no sabe interactuar con el mundo a su alrededor. Creo que este Warlock cumple bien con lo que la historia de Gunn pedía de él, aunque tengo que reconocer que el que desaparezca casi completamente de la segunda mitad de la película es una pena. En todo caso, el momento en que le explican que todo el mundo merece una segunda oportunidad me parece una escena super emocionante y un gran resumen a lo que significa esta familia disfuncional que se ha ganado mi corazón.

Había intentado llegar a la película lo más libre de spoilers posible, pero fue inevitable leer algún comentario sobre que la duración de la película era excesiva y que se hacía un poco larga. Nada más lejos de la realidad. Soy el primero que me he quejado de la moda actual de alargar muchas películas por encima de las dos horas y media, pero al final si se conecta con lo que nos cuentan y con el sufrimiento y evolución de los personajes, las duración no solo no es un problema sino que es imprescindible para tejer las relaciones y construir el climax. Volviendo a los personajes, que incluso Kraglin y Cosmo tengan momentazos emotivos y con el uso de sus poderes como el resto, me parece una pasada que habla muy bien de Gunn como creador de personajes con corazón. No, no me ha parecido nada larga la película.

Guardianes de la Galaxia tiene una selección de canciones abrumadora. El momentazo con Beastie Boys me ha parecido increíble, pero los hay a patadas. Por ejemplo, el comienzo con Rocket tarareando Creep de Radiohead, que nos marca desde el primer fotograma el tono de dolor pero también de alegría que se abre para los personajes. Otra cosa que me vuela la cabeza de esta película es que puede decirse que hay poca acción, pero nunca la echas de menos porque el centro emocional como digo son los personajes. Que esto suceda en un blockbuster palomitero como es esta película es otro detalle que me parece alucinante, y es todo gracias a un Gunn que me parece brillante. Y ojo, que puede haber poca acción, pero la que tenemos está rodada de forma alucinante. El primer combate contra Warlock tiene una fuerza y una sensación de amenaza bestial, mientras que la huida de Orgoscopio, sede de la compañía Orgocorp del Alto Evolucionador, está llena de momentos super imaginativos. Además, el climax final con el combate del grupo en un largo plano secuencia en el que vemos como todos pelean y se ayudan entre sí para eliminar a sus enemigos me parece una genialidad visualmente apabullante.

Otro elemento a destacar es la creación de mundos super imaginativos por parte de Gunn. El planeta Orgoscopio es diferente a todo lo visto en la ciencia-ficción reciente (o no), lo que añade el plus de sensación de maravilla que debería tener la ciencia ficción y que a menudo se olvida, planteando por falta de originalidad o presupuesto mundos genéricos con tecnología startrekizada. El brillante diseño de producción sirve para añadir el plus de personalidad a una película que ya se siente única de principio a fin. Gunn ha comentado en varias ocasiones que cuando Marvel Studios le pidió su idea de película para los primeros Guardianes, él no quería crear una película que pareciera Star Wars, sino una que hiciera sentir a los espectadores lo que la primera Star Wars nos hizo sentir, con personajes estrambóticos con corazón que vivían en una galaxia extraña pero cercana que el público querría conocer. El éxito es total.

Buscando algún elemento menos bueno a una película que como veis me ha gustado mucho, como decía por un lado tendriamos a Gamora, no estando mal, ojo. A esto añadiría que las partes más aterradoras del Alto Evolucionador están en el flashback del origen de Rocket, no teniendo demasiado que hacer en la parte del presente. Sin embargo, esto conecta con la parte que comentaba sobre que lo importante para Gunn no es la aventura o la pelea con el villano sino el crecimiento de los personajes, y por eso es un elemento que no supone ningún problema. Por cierto, que no lo he comentado, pero Chukwudi Iwuji me parece que está muy bien en su papel de villano que cree que está haciendo lo correcto, aunque lo correcto para él sea destruir un planeta lleno de seres vivos porque no son «perfectos». El toque de villano perturbado salido de La isla del doctor Moreau queda super bien en la película.

Aparte de todo, obviamente James Gunn plantea la película sabiendo que es el final de su trilogía dentro de Marvel Studios. La forma en que conecta las tres películas a lo largo de los 150 minutos de duración me parece genial, consiguiendo la sensación de haber vivido una larga historia río en la que todos han cambiado, mejorado y aprendido a ser felices como una gran familia disfuncional. Como final de trilogía nos regala un final perfecto, porque estos personajes merecían un final feliz. Aunque eso no incluya el típico «consigue a la chica». Siendo un momento a lo mejor agridulce para Quill, para los personajes igual lo que tenemos es mejor.

Este final super satisfactorio nos muestra que el cambio ha sido una constante en el grupo, que empezó con Nébula como villana y termina siendo uno de los puntales emocionales. Además, los detallitos sacados de los comics me alegraron también el corazón, como ese Warlock ahora ya si en modo héroe o la presentación de Phylla-Vell (aunque sea diferente al comic) me dejan con la mejor de las sensaciones. No se que nos deparará el futuro para estos Guardianes de la Galaxia, pero me daría pena que Marvel no los aprovechara, porque el potencial es infinito. Hay actrices como Zoe Saldaña que han comentado que para ella esta es la última película en Marvel. Y respetando esto, Gunn igual ha planteado un final para Gamora que encajaría con estos deseos. Sin embargo, yo quiero ver más Nébula, más Rocket y Groot, y desde luego, más de Adam Warlock. Esperemos que su historia no termine aquí.

La película recaudó 120 millones el primer día de estreno (incluyendo el preestreno del jueves), y parece que el boca a boca es bueno, algo que no sucedió con Quantumanía. Está por ver si Guardianes de la Galaxia vol. 3 conseguirá igualar la taquilla de la segunda parte (870M), pero mientras sea rentable para Marvel el éxito será más que suficiente. Para ello sería suficiente conseguir 700 millones de taquilla, cifra incluso inferior a la de la primera primera película. Hay muchas webs que viven de estas estadísticas y las comparaciones de unas películas con otras, pero teniendo un final tan satisfactorio para la historia de estos personajes (espero que por el momento), con que Marvel obtenga beneficios con esta película, aunque no igualen los de las anteriores, yo contento.

Por cierto, mientras despedimos a James Gunn de Marvel Studios, esta película y el corazón y el cariño que ha mostrado para estos personajes me confirma que es la persona indicada para escribir y dirigir la próxima película de Superman. Un Gunn que no lo he comentado pero consigue un equilibrio perfecto entre momentos super dramáticos, con Rocket pero no sólo, con un humor que me funciona prácticamente siempre construido a partir de unos diálogos brillantes jugando con la personalidad de cada personaje. Reconozco que el hecho que en El Escuadrón Suicida a veces se riera DE algunos personajes y no «con» ellos hizo que no estuviera del todo convencido, pero tras ver esta película, las dudas han desaparecido. Up, up and away!!

Comparto el trailer de la película:

Cuando un final es tan emocionante, no queda más que levantarse a aplaudir lo que James Gunn ha regalado a los fans. Guardianes de la Galaxia vol. 3 ya es historia de Marvel Studios, y ¡qué viaje!

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de El exorcista del Papa de Julius Avery

Con algo de retraso vi El exorcista del Papa, película de Julius Avery (Overlord, Samaritan) con Russell Crowe de gran protagonista, entretenida película aunque algo formulaica dentro del sub-género de terror de exorcismos.

PUNTUACIÓN: 7/10

Película sobre Gabriele Amorth, un sacerdote que ejerció como exorcista principal del Vaticano, realizando más de cien mil exorcismos a lo largo de su vida. Amorth escribió dos libros de memorias donde detalló sus experiencias luchando contra Satanás.

Julius Avery es un guionista y director de cine australiano. Escribió y dirigió varios cortometrajes premiados, incluido el corto Jerrycan, ganador del premio del jurado de Cannes en 2008. En 2014, escribió y dirigió su primer largometraje, el thriller australiano Son of a Gun, protagonizado por Brenton Thwaites, Ewan McGregor y Alicia Vikander. En 2018 dirigió la super entretenida película de terror bélico Overlord para Bad Robot Productions y Paramount Pictures, tras la que rodó Samaritan, su tercera película como director con Sylvester Stallone, estrenada en Prime el año pasado.

La película cuenta con un guion de guion Michael Petroni y Evan Spiliotopoulos, basado en las memorias del padre Gabriele Amorth An Exorcist Tells His Story y An Exorcist: More Stories. La película de 104 minutos de duración cuenta con fotografía de Khalid Mohtaseb, montaje de Matt Evans y música de Jed Kurzel. Con un presupuesto de 18 millones de dólares, fue rodada en 2022 en localizaciones en Roma y en Dublín y Limerick (Irlanda), a pesar que la parte del exorcismo está situada en España en la película.

La película está protagonizada por Russell Crowe como Amorth, el omnipresente protagonista que aguanta la película con su carisma. Junto a Crowe tenemos a Daniel Zovatto como el Padre Esquivel, Alex Essoe como Julia y Franco Nero como el Papa. Además, Laurel Marsden como Amy, Peter DeSouza-Feighoney como Henry, Cornell John como el obispo Lumumba y Ryan O’Grady como el cardenal Sulliva.

El exorcista del Papa es la típica película de serie B que sería carne de videoclub (ahora sería directa al streaming y no precisamente como un estreno potente), si no fuera por un Russel Crowe tremendo que eleva la película con su carisma y con su presencia la pantalla. Crowe me flipa y en esta película se transforma (en la V.O.) en un sacerdote italiano divertido, carismático e inteligente que habla inglés con un fuerte acento italiano. Gracias a él la película merece ser vista en pantalla grande, su personalidad es bestial.

La verdad es que la película ambientada en 1986 se mueve por territorios bastante esperables dentro del género de terror religioso en su subgénero de exorcismos. Pero también me ha gustado que se verbalice que el 98% de las situaciones en la que se llamaba a un exorcismo no eran un problema demoníaco sino mental. El éxito en la historia viene por el añadido de un hecho del pasado que enlaza con la Inquisición durante el siglo XV que tiene una importancia clave en la identidad del demonio que ha poseído al niño y que representa una amenaza que trasciende el drama concreto de esa familia, amenazando a toda la Iglesia y, por tanto, a toda la humanidad.

La dirección de Julius Avery me parece funcional y correcta, ofreciendo una buena narrativa que va al grano en todo momento. Quizá le falta a todo el conjunto algún momento realmente potente, realmente bueno. En este sentido, aunque hay algún sustito aceptable, se me hace complicado calificar a esta película de «terror». Entiendo que en parte el problema puede ser mío al haber visto muchísimas películas dentro de este género, pero lo cierto es que Avery no consigue darla a la historia la una atmósfera realmente terrorífica. La película nos ofrece algunos momentos visualmente interesantes, pero dentro que como digo no veo que haya nada especialmente mal, tampoco hay nada brillante. El comentario anterior sobre la serie B enlaza con el trabajo de Avery. Dicho esto, los efectos visuales, el maquillaje del niño poseído, la música, todo cumplen su función.

Me hace gracia que la película se venda como «inspirada en hechos reales», porque en su tramo final optan por un over-the-top que funciona como aventura cinematográfica pero no puede ser más irreal e imposible. El Padre Gabriele Amorth existió realmente y es cierto que escribió numerosos libros, «algunos muy buenos» como dicen en la propia película. Pero esto acaba convertido en un reclamo un tanto vacío.

Otro elemento curioso es que al plantear que 200 demonios escaparon del Infierno, la película está planteada como el inicio de una franquicia de películas de exorcismos, ya que han vencido a uno, quedan 199. He leído que ya se ha dado luz verde a una secuela de esta película, así que mientras el público siga acudiendo a los cines, y Russell Crowe tenga ganas de continuar, pueden alargarlo todo lo que les apetezca.

El exorcista del Papa me ha gustado. Me ha dado lo que esperaba, y esto para mi no es malo. Dicho esto, la última escena en la que Russell Crowe descubre que el Vaticano tiene una organización secreta tipo MI5 para combatir a los demonios enlaza en esta pretensión de creación de una franquicia, pero resulta realmente tonta. Que el exorcista principal del Vaticano que responde sólo ante el Papa haya estado trabajando casi en solitario rebuscando sólo información en bibliotecas durante décadas existiendo esta organización a sus espaldas es realmente ridículo. Y entiendo que algunos productores pudieran pensar que era una buena idea darle al género de exorcismos un giro a lo película de Bond o Misión Imposible, pero la ejecución al menos para mi ha sido un poco lamentable. Sobre todo pensando en el principio de la película cuando un Cardenal americano importante en el Vaticano quiere despedir a Amorth porque los exorcismos no son populares y dañan la imagen de la Iglesia. Ver ese escena sabiendo lo visto en el final resulta absurda completamente.

En cualquier caso, a pesar de este pero de última hora, la sensación que me dejó la película es buena. El exorcismo del Papa sabe en qué liga juega y ofrece un entretenimiento más que digno.

Comparto el trailer de la película:

Si te gusta el terror religioso, El exorcista del Papa ofrece un entretenimiento más que aceptable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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