Crítica de Guerra de Veneno 3 de Al Ewing e Iban Coello (Marvel Comics – Panini)

Llegamos al ecuador de la miniserie evento Guerra de Veneno, realizado por Al Ewing, Iban Coello, Carlos Nieto y color de Frank D´Armata.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¡Una guerra a tres bandas por el simbionte! Eddie Brock. Dylan Brock. Peter Parker. ¿Quién será el anfitrión definitivo del simbionte? Si gana la opción equivocada, sería un desastre para el mundo. ¿Quién puede salvarnos a todos? ¡La dirección de la guerra cambia, después de que uno de ellos sea eliminado de la ecuación!

Este número contiene Venom War 3 USA.

La etapa actual de Veneno de Al Ewing ha sido una historia río super compleja. Y este episodio es un ejemplo perfecto, al confluir al mismo tiempo varias de las tramas abiertas de la colección, como son la intervención de Doctor Muerte y de Kang. De momento la historia se ha centrado en los tres héroes que deben dirimir sus diferencias antes de que lleguen los villanos Matanza y Meridius. Por un lado tenemos a Spiderman llevando de nuevo al simbionte Veneno. Luego tenemos a Eddie Brock con su versión futura de Locura, y su hijo Dylan con Durmiente y Flexo. El comic tiene varios momentazos que consiguen que la lectura sea satisfactoria. Dejándome además en todo lo alto de cara al cuarto número de este evento.

Hablo de EVENTO, pero en realidad la publicación de Panini nos está robando esta sensación al no publicarse al mismo tiempo que estas grapas ninguno de los tie-ins. Sin ir más lejos, tras plantear la lucha de un Flexon controlado or Doctor Muerte contra el simbionte del Duende Rojo controlado por Kang va a dilucidarse en un tie-in que no se podrá leer hasta dentro de unos meses. Y lo mismo podemos decir del comic central de Veneno y del resto de especiales. No es que eso hace que este comic sea más o menos disfrutable, pero si es reseñable que Marvel en realidad vive del efecto en las ventas que provocan los eventos.

Junto a una buena historia de Ewing hay que reconocer que tener a Iban Coella dibujando este comic hace que todo luzca de maravilla y la lectura sea un placer. El comic es ante todo un medio visual, y Coello es un seguro de vida ahora mismo. Por la parte del dibujo, todo está muy bien.

No se si es algo malo, pero si es interesante comentar la extrañeza ante el hecho de tener un evento de Veneno en el que los teóricos villanos Matanza y Meridius apenas han hecho acto de presencia. Además, se supone que una parte importante del evento es asistir al plan de Meridius de liberar una horda de seres medio zombis medio simbiontes sobre la ciudad de Nueva York y amenazando con transformar a héroes, villanos e inocentes en sus sirvientes sedientos de sangre. En realidad eso es algo que no hemos visto tampoco apenas en la serie principal y entiendo que se queda para los tie-ins del evento sobre los que comentaba antes que NO estamos pudiendo leer al mismo tiempo. Pensando que quedan apenas dos números de esta miniserie, va a ser difícil que pueda ser un factor decisivo de cara al final. De hecho, tener un montón de gente «zombificada» por Meridius en el cuarto número para que sean liberados en el quinto creo que puede ser demasiado poco, demasiado tarde. Pero esto será un problema para el mes que viene, porque reconozco que este número de Guerra de Veneno me ha gustado.

Comparto las primeras páginas del comic:

Guerra de Veneno 3 me ha gustado mucho más que el número anterior, aunque aún estamos huérfanos de los que se supone son los villanos de este evento. Entiendo que las cosas se activarán en el próximo número .

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Mickey 17 de Bong Joon-ho

Tenía muchas ganas de ver Mickey 17, la nueva película de Bong Joon-ho (Parásitos, The host) protagonizada por Robert Pattison. Y no ha decepcionado para nada.

PUNTUACIÓN: 8/10

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. Adaptación del libro original de Edward Ashton. (FILMAFFINITY)

Bong Joon-ho (Daegu, Corea del Sur, 1969) es un cineasta surcoreano. Ganador de tres Oscar, su obra se caracteriza por el énfasis en temas sociales y de clase, la mezcla de géneros, la comedia negra y los cambios bruscos de tono. Bong se dio a conocer al público y ganó seguidores de culto con su debut como director de largometrajes, la comedia negra Barking Dogs Never Bite (2000). Posteriormente logró un gran éxito de crítica con sus siguientes películas: el thriller policíaco Memories of Murder (2003), la película de monstruos The Host (2006), la película de acción y ciencia ficción Snowpiercer (2013), que supuso el debut de Bong en lengua inglesa, y Parasitos (2019), gran ganadora de los Oscars. Todas las películas de Bong han sido producciones surcoreanas, aunque Snowpiercer, Okja (2017) y Mickey 17 (2025) son coproducciones de Hollywood.

Mickey 17 es una película escrita y dirigida por Bong Joon-ho, adaptando la novela Mickey 7 de Edward Ashton. La película de 137 minutos de duración ha contado con un presupuesto de casi 120 millones. La película se rodó en los estudios de Warner Bros en Inglaterra, y ha contado con fotografía de Darius Khondji, montaje de Yang Jin-mo y música de Jung Jae-il.

En el reparto tenemos a Robert Pattinson como Mickey Barnes / Mickey 17 , un empleado prescindible en Niflheim en su decimoséptima iteración. Naomi Ackie es Nasha Barridge, una agente de seguridad e interés amoroso de Mickey, Steven Yeun es Timo, un piloto y amigo de la infancia de Mickey que siempre se ha aprovechado de él. Mark Ruffalo como Kenneth Marshall, un político ególatra con siniestros designios para Niflheim y Toni Collette como Ylfa Marshall, la enrevesada y controladora esposa de Kenneth Marshall completan el raparto en sus papeles principales.

Da gusto ver una película tan diferente, tan inesperada, tan divertida, tan inteligente. Mickey 17 me ha encantado. Es una ciancia ficción estupenda con una estupenda crítica social y hacia los extremismos religiosos. La película arranca desde la comedia negra negrísima cuando aprendemos cómo Mickey es un prescindible, una persona que ha firmado para que le clonen con una tecnología prohibida en la Tierra, de forma que los mandos de la expedición al planeta Niflheim le usan como cobaya y para realizar los trabajos más penosos y peligrosos. Cada vez que muere, es clonado con una nueva versión, de ahí el nombre de la película Mickey 17. Esta película es la típica que cuanto menos sepas de la película, mejor. Y no es que esta sea una película de «sorpresa», pero si creo que cuando hay una historia tan imaginativa, se disfruta mucho más cuando descubres todo al ritmo que el director ha planteado.

Hay que quitarse el sombrero con la carrera de Robert Pattinson. Da la sensación que busca tan claramente alejarse de la imagen de galán / actor atractivo, que busca papeles que me muestren de formas menos favorecedoras. Y es que este Mickey es un chaval con bastantes pocas luces que no se da cuenta que su «amigo» en realidad es un egoista que se aprovecha de él todo lo que puede. La película le permite a Pattinson hacer un despliegue interpretativo gracias a las diferentes versiones que veremos a lo largo de la película.

La única alegría de Mickey viene de su novia, la agente de seguridad Nasha Barridge. Junto a Pattinson, tenemos a unos Mark Ruffalo y Toni Collette lanzados con unos papales pensados para criticar a los líderes mesiánicos cuasi-religiosos, planteando un over-the-top en la creación de unos villanos penosos. Algo que está por supuesto es la idea de Bong Joon-ho

La llegada al planeta Niflheim plantea una situación típica de ciencia ficción al encontrarnos que el planeta está habitado por unos seres muy diferentes de los humanos. El crossover de géneros es constante y ayuda a que el visionado fuera super satisfactorio. La sensación de no saber qué va a suceder es uno de los grandes éxitos de una película. De hecho, la película tiene un claro elemento woke al hacer que los «malos» extremistas religiosos sean blancos, mientras que las soluciones las den personajes diversos. Sin embargo, en realidad es algo que no molesta al ser una historia tan entretenida e inesperada.

Me encanta que las películas no me lo den todo mascado, y creo que Mickey 17 es una película perfecta para los espectadores que queremos que nos entretengan, pero también que sea una historia interesante que contenga un mensaje inteligente que no me lo restrieguen por la cara como los muchos panfletos que también pueblas la cartelera y las cadenas de streaming. Si queréis pasar un gran rato en el cine, os la recomiendo.

Comparto el trailer de la película:

Me encanta ver una película tan inesperada, sorprendente e inteligente como ha sido esta Mickey 17. Ojalá muchas más películas así.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Invencible 3×07 (Prime Video)

La tercera temporada de Invencible estaba siendo buena, pero el séptimo episodio emitido esta semana marcará la serie a partir de ahora. Ha sido increíble.

PUNTUACIÓN: 9/10

Episodio 7. ¿Qué he hecho?

Los héroes más poderosos de la Tierra unen sus fuerzas para luchas contra una amenaza inimaginable.

Episodio de 51 minutos dirigido por Haylee Herrick con guion del mismísimo Robert Kirkman, con Simon Racioppa como showrunner.  La serie de animación adapta el exitosos comic creado por Robert Kirkman, Ryan Ottley y Cory Walker.

En las voces tenemos como siempre a Steven Yeun (Mark Grayson/Invencible), J.K. Simmons (Nolan Grayson/Omni-Man), Sandra Oh (Debbie Grayson), Zazie Beetz (Amber Bennett), Gillian Jacobs (Atom Eve), Walton Goggins (Cecil Stedman ), Andrew Rannells (William Clockwell), Jason Mantzoukas (Rex Splode), Mark Hamill (Art Rosenbaum), Khary Payton (Black Samson), Malese Jow (Dupli-Kate), Kevin Michael Richardson (The Mauler Twins), Seth Rogen (Allen the Alien), Mahershala Ali (Titan), Chris Diamantopoulos (Doc Seismic) y Sterling K. Brown (Angstrom Levy).

Tras todos los momentazos que hemos disfrutado esta temporada, llegamos a este séptimo episodio y de forma increíble consigue que lo que estaba siendo notable se convierta en sobresaliente. En los comics Robert Kirkman planteó la Guerra de Invencible como uno de esos experimentos que de vez en cuando lanzaba en su colección, planteando lo que sería un evento alucinante en cualquier colección una historia contada en un único número especial. Un número en el que además contó con múltiples invitados especiales de Image comics.

Cuando ha llegado esta historia a la serie de televisión descubrimos que Armstrong Levy, al que Mark realmente no asesinó la temporada anterior. La venganza de Levy pasa por buscar a versiones alternativas malvadas de Marc de otras realidades y lanzarles a la Tierra de Marc para destruirla. Lo que significaría la venganza definitiva contra él. Y el ataque de estos Invencibles malvados es devastador.

Durante las reseñas de los diferentes capítulos he ido comentando que la serie de televisión está superando al comic en lo fundamental, que es en dar espacio a que los sucesos impacten de la forma que las limitadas páginas del comic nunca pudo. Y este episodio es un gran ejemplo. Los ataques de los Invencibles malvados son tremendos, y lo que en el comic veíamos en apenas una viñeta en este episodio podemos verlo en toda su escala y todo su dramatismo. Los combates de los héroes de la Tierra son super desiguales y en su mayoría están condenados, incluso a pesar de que estos Invencibles malvados no son tan fuertes como nuestro Marc. Y el episodio nos da momentos super dramáticos. La escena en la que varias versiones malvadas permanecen sobre las ruinas de varias capitales del mundo es terrorífica. Lo que fue una idea simpática del comic se convierte en uno de los momentos más dramáticos gracias al espacio que el formato televisivo permite a cada uno de los episodios. Un episodio que además vuelve a contar una historia completa.

Otro de los puntos fuertes de la serie de televisión es el buen uso de los personajes secundarios. Por supuesto Atom Eve es un amor y tiene la escala de poder para mirar de tu a tu a su novio Marc. Verla herida de gravedad es un momento super doloroso, pero nada nos preparó para el final de Rex Explode. Me encantaba su caracterización en la serie y cómo a pesar de ser un sobrado, tenía el corazón en el sitio correcto porque todo lo que quería era ser un héroe. Su relación con Shrinking Rae fue un encanto y verle sacrificarse para que sus amigos sobrevivan va a ser uno de los momentazos de una serie en la que todo son momentazos. Qué final. Y qué seriaza es Invencible.

El final del episodio nos deja otro de los grandes momentos del comic, con la llegada a la Tierra de Conquest, uno de los Viltrumitas más poderosos que llega al planeta para disciplinar a Marc en el momento en el que más bajo se encuentra. Si este episodio ha sido bestial, tengo claro que el climax de la temporada va a ser monumental. Todo lo bueno que era el comic, la serie de televisión la está superando en cada episodio.

Comparto el trailer de la tercera temporada:

Invencible está haciendo historia televisiva. Y este séptimo episodio va a quedar como uno de los mejores momentos.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Conan The Barbarian 17-18 de Jim Zub y Danica Brine (Titan Comics)

Tras el evento Conan: Battle of the Black Stone, la colección Conan The Barbarian nos trae un arco de dos números en los números 17 y 18 en el que Jim Zub viene acompañado por la dibujante invitada Danica Brine, con Joao Canola en el color. Una historia que sirve de preludio de la siguiente gran amenaza para el cimmerio.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

¡COMIENZA EL NUEVO ARCO ARGUMENTAL DE CONAN EL BÁRBARO!

Conan el Cimmerio y Bêlit, Reina Pirata de la Costa Negra, están en la flor de la vida, disfrutando de una vida de decadencia y libertinaje, pero un flagrante destello de riqueza atrae la atención de ladrones con gusto por el peligro y agentes de Estigia en una oscura misión para su dios serpiente.

Jim Zub continúa en esta historia en dos números con las claves que hemos tenido durante el año y medio previo como guionista de Conan The Barbarian. Sus historias pueden leerse de forma independiente, ofreciendo historias con principios y finales más o menos satisfactorios (a nivel general, luego entro a este arco concreto), que sirve además para construir la que entiendo va a ser la gran historia del segundo / tercer año de la colección. Si en el primer año los tres primeros arcos de alguna manera construyeron la narrativa que culminaría en el evento Conan: Battle of The Black Stone, en este arco tenemos una primera aventura enfrentando a Conan y a Bêlit contra guerreros estigios adoradores del dios Serpiente. Estoy seguro que el próximo arco estará ambientado en otro momento temporal de Conan y le volverá a enfrentarle con otro servidor de la Serpiente, pero que no será el sumo Sacerdote o el mago ¿Toth Amon? al que no veremos hasta el arco final de esta historia-río. Y tengo que reconocer que me gusta la planificación de Zub y sus planes a medio y largo plazo.

En lo relativo a esta historia, tengo que reconocer que NO he conectado con algunas cosas, empezando por el inadecuado dibujo de Dánica Brine, del que luego comentaré. Volviendo a la historia, Conan no es especialmente protagonista en este arco, siendo herido en el combate final y teniendo que ser salvado por Bêlit. Y acepto que con ella en el comic el protagonismo debe ser compartido, pero no hasta el punto de desnaturalizar al Cimmerio. De hecho, que Conan sea herido de bastante gravedad con un arma mágica y que no tenga relevancia a continuación me parece un recurso un poco tramposo que ayuda a una sensación poco satisfactoria. De hecho, incluso pensando que la ladrona Tarnasha que les acompaña en este arco volverá a aparecer en el futuro, su no final es otro de los elementos que explican la sensación un poco negativa que me ha dejado este comic.

La historia de Jim Zub está así así, pero creo que tengo un problema muy grande con el estilo de la dibujante invitada Danica Brine. Y es que su estilo «bonito» es totalmente INADECUADO para un comic de Conan The Barbarian. Hasta el punto que creo que es el primer gran fallo de los editores de Titan Comics. No había leído nada de Brine antes de estas grapas y no creo que compre nada suyo en el futuro. La sensación que tengo es que los editores han buscado una dibujante de comics de romance o de temática femenina para intentar captar a un posible público femenino aprovechando el gancho de tener una historia de amor de Conan y Bêlit. Pero la realidad es que ¡Una chica no va a comprar un comic de Conan aunque lo dibuje una mujer!! Y para captar a alguien que no existe han dado el dibujo de este arco a una dibujante que no está al nivel que los lectores compradores fans de Conan demandamos en esta colección.

Brine tiene un dibujo «cuqui» que dibuja muy guapos y atractivos a Conan y Bêlit, esmerándose en detalles de vestuario que no son necesarios, y fallando terriblemente en las escenas de acción, en crear un ritmo que haga atractiva la lectura, y en general a la hora de plantear personalidades a los personajes femeninos. Por ejemplo, la ladrona Tarnasha aparte del pelo corto podría ser la hermana gemela de Bêlit, porque Brine las dibuja igual. Además, cuando llegue el momento sobrenatural con los servidores de la serpiente, Brine fracasa estrepitosamente planteando un villano que parezca que puede ser un rival físico para Conan, incluso a pesar que la historia de Zub hace que lo sea. El dibujo de estos dos números me parece muy flojo, y lo que es peor totalmente inadecuado con lo que se espera que tiene que ser un comic de Conan.

Dibujos como el de Brine es lo que hace que deje de comprar colecciones. Esto resulta doblemente sangrante si pensamos que está colección de Conan se supone que ya tenía dos dibujantes talentosos dibujando arcos alternos, el alumno aventajado de John Buscema Rob de la Torre y el formalmente impecable pero menos brillante Doug Braithwaite. De hecho, compruebo que las siguientes grapas las dibuja Braithwaite, lo que me hace temer por si De la Torre podría haber abandonado la colección. Esto sería una gran pérdida, la verdad. Ojalá sea una situación puntual y el siguiente arco ya tengamos al español. De momento estoy muy ilusionado con Conan The Barbarian, pero como encadenen varios arcos con dibujos malillos, pueden provocar que abandone esta colección. Por supuesto eso es adelantarme mucho, pero todas estas cosas se me pasan por la cabeza tras dos números con un mal dibujo. Comentaba que también tuve algún reparo con la historia de Zub, pero tengo claro que sí este arco lo hubiera dibujado De la Torre y hubiera contado lo mismo pero con su fuerza y su personalidad, estas cosas no me hubieran supuesto un problema. O al menos, no uno grande como si ha pasado con estos comics.

Decepción importante con estas dos ultimas grapas de Conan por el deficiente dibujo, un pecado en el que un comic de Conan nunca debería caer.

Comparto las primeras páginas del número 17 USA:

No he disfrutado como me hubiera gustado este arco de Conan The Barbarian debido al inadecuado dibujo de Danica Brine. Espero que la cosa mejore en el siguiente arco con el retorno de Doug Braithwaite al dibujo.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de G.I. Joe 3 de Joshua Williamson y Tom Reilly (Image Comics)

Con algo de retraso por cosas de las distribuidoras, me llega el estupendo tercer número de la nueva colección de G.I. Joe de Joshua Williamson, Tom Reilly y Jordie Bellaire.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡EL MAYOR LANZAMIENTO DE CÓMICS DE LA DÉCADA SE VUELVE MORTAL!

Mientras las tensiones aumentan en el seno de G.I. Joe -y se lanzan puñetazos-, Cobra da caza a un venenoso nuevo aliado…

El problema de comprar grapas USA es que de vez en cuando la distribuidora se retrasa y eso complica las cosas a las librerías. Eso mismo es lo que ha pasado con los comics de Enero que tenía pedidos a través del Previews, lo que ha acabado provocando que haya leído este comic un mes más tarde de lo que debería. Y que el número 4 no haya llegado tampoco. Este es un problema que entra dentro de los gajes del oficio y es algo que tengo asumido.

Entrando a valorar el comic, la historia de Joshua Williamson sigue desarrollándose a bien ritmo, planteando buenos conflictos entre los personajes y ofreciendo unas sorpresas geniales que hacen que la lectura siempre se sienta satisfactoria. En esta grapa en concreto me gusta la forma en que introduce elementos y personajes que leímos en las miniseries Cobra Commander y Destro, que se publicaron antes de la salida de esta colección. La forma en que Skybound ha planteado el Universo Energon y las relaciones entre héroes y villanos me parece súper atractiva, de forma que la revelación final de esta grapa y la llegada de ESOS personajes es un momentazo super chulo que hace que la lectura del número siguiente sea una obligación. Reconozco que no había leído demasiados comics de Williamson, pero lo que he leído en Skybound me parece estupendo. No solo eso, transmite la idea de plan a largo plazo y de que quiere dar espacio para que cada nuevo personaje nos flipe y tenga su oportunidad de brillar. Todo bien.

Dibujo de Tom Reilly me parece excepcional. Los personajes tienen su propia personalidad y me atrevo a decir que su propia expresión corporal. Las escenas de acción son estupendas, aunque aquí tenemos el arranque de la que será gran persecución del próximo número, y tanto uniformes como vehículos lucen también estupendos. Tengo claro que Reilly va a dibujar de un tirón todo el primer arco, pero me gustaría que Williamson le esté dando los guiones con bastante antelación como para poder disfrutarlo no 5/6 números seguidos, sino a largo plazo. Como disfrutamos a Lorenzo de Felici en Void Rivals, por ejemplo.

Lo que me está provocando sentimientos enfrentados es el color de Jordie Bellaire. Como ha comentado en los números anteriores, tengo claro que el color forma parte de una decisión creativa que busca transmitir una idea de modernidad en historia y lápices, con un toque retro a partir del color de grandes manchas de colores planos. Eso lo entiendo y lo veo clarísimo. Pero ya llevamos tres números y empiezo a no tener claro si es una buena idea. En todo caso, es evidente que Bellaire está cumpliendo con lo que Skybound la ha pedido.

Estos tres primeros números de G.I. Joe me han flipado. No veo el momento de leer el cuarto, que ya salió en USA. Esperemos que la regularidad de salidas se normalice en mi librería y me pueda llegar está semana o la siguiente. O se juntará con el quinto. En todo caso, es un momento muy guay para hacerse fan de Transformers y de G.I. Joe. Me veo comprando está colección a largo plazo. Y lo haré encantado.

Comparto las primeras páginas del comic:

G.I. Joe sigue a un nivel sobresaliente que hace que está colección se haya convertido con apenas 3 números en uno de mis comics favoritos. Espero que el cuarto número, que ya salió en USA, no me tarde mucho en llegar.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros