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Black Science volume 9; No authority but yourself, de Rick Remender y Matteo Scalera #Reseñoviembre día 26

Los comics de superhéroes nos han mal acostumbrado a años de historias sin fin. Por eso, aún hay veces que se me hace raro pensar que un comic termina porque alcanzó el final previsto por sus autores.Y en este caso, debo reconocer que el final de Black Science me ha resultado triste, inesperado y un poco deprimente. Quizá por eso mismo sea perfecto.

#Reseñoviembre día 26 Black Science volume 9; No authority but yourself, de Rick Remender y Matteo Scalera

Guión: Rick Remender

Dibujo: Matteo Scalera

Color: Moreno Dinisio

Fecha publicación USA: Image Comics (Noviembre 2019)

Resumen: A veces nuestras vidas se reducen a un momento, una elección. Llega el momento de la verdad para Grant McKay. La Liga Anarquista de Científicos se lanza para una aventura final al llevar Rick Remender y Matteo Scalera su épica obra magma de ciencia ficción a un final alucinante. Este noveno y último tomo recopila los números 39 a 43 de la serie regular.

Rick Remender es uno de mis autores favoritos del mundo independiente, con obras geniales como Fear Agent o Last days of american crime, aunque reconozco que le conocí gracias a sus excelentes etapas en Marvel Comics en series como Uncanny X-Force, Capitán América o Uncanny Avengers.

Tras unos años en Marvel, Remender decidió centrarse únicamente en los comics de creación propia, abandonando el “work-for-hire”. Fruto de esta decisión nacieron comics como Deadly Class, Low, Seven to Eternity, Tokyo Ghost o la obra que nos ocupa, Black Science. Algunas de sus señas de identidad como escritor en sus obras de creación propia pasan por crear historias planteadas siempre desde una acción non-stop pero con un centro moral construido alrededor de unos protagonistas rotos que deben dejar atrás su dolor y sus errores del pasado para evolucionar y mejorar como seres humanos.

Esto es una constante en la mayoría de las series antes mencionadas y en el caso de Black Science, la serie se plantea alrededor de una gran pregunta: “¿Podemos aprender de nuestros errores y cambiar o estamos destinados a seguir repitiéndolos una y otra vez?”. Y, al menos en esta obra, para Remender nosotros y nuestro orgullo somos nuestros peores enemigos.

Remender ha reconocido haber sufrido etapas de depresión que se han reflejado en muchas de estas obras, que transmiten un punto de vita cínico y negativo hacia el ser humano. Esto llegó a un punto que leer a la vez sus comics mensuales (esta Black Science, Deadly Class, Low y Tokyo Ghost se solaparon durante meses) me dejaba super tocado. Y aunque el final de esta serie me ha parecido perfecto y visto lo visto, casi el único posible, nos ha devuelto al Remender más negativo y nihilista.

En el apartado artístico, Matteo Scalera junto a Moreno Dinisio son unos narradores excepcionales que han triunfado en las escenas de acción y en la creación de mundos y seres alienígenas. Para este cierre centrado en la psicología del protagonista Grant McKay, consiguen que nos emocionemos en muchos momentos. Hubieron momentos durante estos 43 números que su estilo cartoon y sus facciones exageradas (esas narices…) restaban algo de dramatismo, pero no es el caso en este último tomo, que ofrece la aventura y emoción justa para que el final estuviera a la altura de las expectativas.

Black Science ha sido una montaña rusa de aventuras y emociones, y ha tenido un final perfecto y satisfactorio, que convierten este comic en lectura obligada para todos los amantes de la ciencia ficción centrada en los personajes.

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Oblivion Song volume 3, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici #Reseñoviembre día 25

Robert Kirkman es uno de los grandes nombres del panorama comiquero americano. Aunque el final de sus sobresalientes series The Walking Dead e Invencible nos dejó un poco huérfanos, su nueva serie Oblivion Song ofrece una nueva vuelta de tuerca al género de la ciencia ficción en su vertiente «survival» y de exploración de mundos alienígenas.

#Reseñoviembre día 25 Oblivion Song volume 3 de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

Guión: Robert Kirkman 

Dibujo: Lorenzo de Felici

Color: Annalisa Leoni

Primera Publicación: Image Comics (octubre 2019)

Resumen: Hace una década, 300.000 personas de Filadelfia fueron transportados repentinamente a Oblivion. Nathan Cole arriesgó su vida y su libertad para salvarlos. Ahora, tras ser liberado de prisión, Nathan descubrirá que una nueva organización ha continuado su trabajo en Oblivion con gran éxito. Cuando los Hombres Sin Rostro salgan a la luz y empiecen a tomar prisioneros, Nathan y su hermano Ed deberán reunirse para luchar por el futuro de dos mundos. Este tomo recopila los números 13 a 18 de la serie regular publicada por Image Comics.

Oblivion es un estupendo comic de ciencia ficción que plantea como cambia la humanidad a partir de un evento que cambia irremediablemente el mundo. La apertura accidental de un portal dimensional hasta Oblivion trasladó a miles de personas a un ecosistema alienígena poblado por seres aterradores. Robert Kirkman plantea esta historia como una montaña rusa de aventuras, emociones y sorpresas, partiendo por el misterio de lo que realmente sucedió para que el portal a Oblivion pudiera abrirse. Sin embargo, una parte fundamental del éxito de este comic radica en mostrar cómo afrontan los supervivientes de Filadelfia el haber sobrevivido cuando muchos seres querido no lo hicieron. Y por otro lado, ver como incluso en los mundos más peligrosos, la raza humana es capaz de salir adelante.

Kirkman es un escritor bestial que entiende perfectamente el medio en el que trabaja. Una de las cosas geniales de Kirkman es que esta Oblivion Song tiene algún detalle que te recuerda a otras obras suyas o clásicas de la ciencia ficción, pero el resultado final siempre es original y jamás te da la sensación de “esto ya lo he leído antes, ya se por donde va a tirar”. Lo cual, en este mundo actual en el que parece que ya lo hemos visto y leído todo, es un gran punto a su favor y a favor de este comic.

Tras los dos primeros tomos en los que presentó la premisa principal y a sus protagonistas (puedes leer mis reseñas aquí y aquí), en este tercero vuelve a agitar el avispero y hace que todo cambie y se haga aún más peligroso e interesante. Cada número es importante, pasan un montón de cosas y dejan al lector con unos cliffhangers excelentes. Y leído el tomo de un tirón, ves que la historia ha evolucionado hacia terrenos inexplorados que la convierten en lectura obligada.

En el apartado artístico, me encanta Lorenzo de Felici con colores de Annalisa Leoni. De Felici es genial dibujando los momentos íntimos de los personajes y transmitiendo todo su sufrimiento interior, pero triunfa aún más en la construcción del mundo alienígena de Oblivion, un mundo con un ecosistema diferente a cualquier cosa terráqueo con unos seres también terroríficos y diferentes. Además, sus lápices son super claros y permiten que siempre esté claro lo que está pasando en cada vieta. Los colores de Leoni ayudan a que la transición de la Tierra a Oblivion sea aún mas acusado y realiza también muy buen trabajo estableciendo el feeling alienígena.

Oblivion Song continúa ofreciendo un estupendo entretenimiento y es un comic imprescindible para los amantes de la ciencia ficción.

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Ascender Volume 1, de Jeff Lemire y Dustin Nguyen #Reseñoviembre día 19

Jeff Lemire y Dustin Nguyen terminaron Descender, su serie de ciencia ficción centrada en una galaxia en la que los robots y los seres vivos se encuentran al borde de una guerra total, con un bang que prometía un cambio total para su segunda temporada. Ascender es la continuación y consigue ofrecernos algo muy diferente con el mismo corazón y personalidad.

#Reseñoviembre día 19 Ascender Volume 1, de Jeff Lemire y Dustin Nguyen

Guión: Jeff Lemire

Dibujo: Dustin Nguyen

Publicación USA: Image Comics (octubre 2019)

RESUMEN: 10 años después de la conclusión de Descender, la magia ha tomado el lugar de la maquinaria, y las reglas son muy diferentes. Mila, hija de Andy y Effie, pasa sus días explorando las tierras salvajes solitarias del planeta Sampson y tratando de mantenerse fuera de las garras de los malvados discípulos de la poderosa bruja vampiro conocida solo como Madre. Pero, al igual que a sus padres, a Mila no le gusta jugar según las reglas, y cuando aparece un cierto amigo robot de su padre, ¡nada volverá a ser lo mismo! ¡Con todo el alcance y el corazón del clásico de ciencia ficción, Descender, el poderoso equipo creativo JEFF LEMIRE y DUSTIN NGUYEN se reúnen para llevar a los lectores a una aventura de fantasía inolvidable! Este tomo recopila los números 1 a 5 de la serie regular.

Jeff Lemire y Dustin Nguyen firmaron con Descender uno de los comics de ciencia ficción con más personalidad de los últimos años centrado en TIM-21, un robot de compañía con forma de niño que enconde la clave para evitar la guerra entre humanos y robots que amenaza toda la galaxia. Mientras que Descender era ciencia-ficción pura, su continuación Ascender pone el foco en elementos de la fantasía como la magia, en una galaxia casi sin tecnología habitada por seres de cuento como enanos o ¿vampiros? Su nueva protagonista, Mila, hija de Andy y Effie de Descender, además de vivir nuevas y originales aventuras iniciará un viaje en el que supongo que iremos conociendo qué fue de los principales personajes de Descender, al menos de los que hayan sobrevivido.

Este primer volumen recoje los 5 primeros números de la serie regular editada por Image Comics y sirve de perfecta tarjeta de presentación de la nueva realidad en la que está sumida la galaxia. Lemire como en otras obras suyas, opta por empezar la historia desde lo más pequeño para que empaticemos con Mila y nos sirva de guía, ampliando el foco gradualmente para ir conociendo más y más detalles a medida que avanza la serie. Como en Descender, la narración alterna numerosos flashbacks que van rellenando huecos, y como buen escritor de comics, no duda en dejarnos con un cliffhanger monumental que va a hacer que contemos los días hasta que se publique el próximo volumen, ya en 2020.

En el apartado artístico, Dustin Nguyen continúa con su estilo pintado a acuarela que dota a este comic de una personalidad única. Frente a la frialdad robótica de Descender, creo que igual fue él el que pidió el cambio a Lemire a una faceta más fantástica, porque me dió la sensación que se encuentra mucho más a gusto dibujando a trolls, brujas o vampiros, y de hecho, personalmente creo que el cambio le ha venido a las mil maravillas.

Ascender ha comenzado lentamente pero este arranque hace pensar que vamos a estar ante otro de los #mustread absolutos de este próximo 2020.

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Crítica de Ad Astra, de James Gray

Ad Astra de James Gray es una buena película de ciencia ficción que triunfa gracias a un Brad Pitt en estado de gracia que protagoniza un inusual retrato psicológico en lo que a priori era una aventura espacial.

PUNTUACIÓN: 7/10

Roy McBride (Brad Pitt) es un ingeniero que perdió a su padre Clifford (Tommy Lee Jones) en una misión sin retorno a Neptuno para encontrar signos de inteligencia extraterrestre. 20 años después, emprenderá su propio viaje a través del sistema solar para tratar de encontrarlo de nuevo y resolver los misterios del porqué esa primera misión fracasó.

Además de dirigir, James Gray ha escrito también el guión en colaboración con Ethan Gross, con la intención de que  fuera «la muestra más realista de un viaje espacial jamás rodado», y comparando esta historia con El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, novela que inspiró la mítica Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola.

En el apartado técnico, Ad Astra aseguraba una fotografía sobresaliente al contratar a Hoyte van Hoytema (Dunquerke, Spectre, Interstellar, Her) como director de fotografía, colaborador de Christopher Nolan y con experiencia en historias en el espacio. Además, cuenta con música del compositor alemán Max Richter (La llegada, Mary Queen of Scots).

Ad Astra ha resultado ser una interesante sorpresa que no me ha dado lo que imaginaba a priori, cosa que queda compensado con la contrucción psicológica del personaje de Roy McBride (Brad Pitt). Igual que digo esto, hay que reconocer desde el principio que NO es una película para todo el mundo y que la publicidad posiblemente ha dado una idea errónea que puede provocar más de un desengaño entre el público.

La clave es que la película está completamente centrada en el protagonista y no tanto en lo que pasa a su alrededor y la forma como vamos pasando de un sitio a otro. Roy es un astronauta que siguiendo el ejemplo de su padre Clifford (Tommy Lee Jones), desaparecido en el espacio hace más de 15 años mientras realizaba una misión pionera de búsqueda de vida inteligente fuera del Sistema Solar, se ha centrado tanto en su trabajo que ha alejado a todos los que le aman y se ha aislado de sus sentimientos y su dolor. Brad Pitt se sale, él ES la película, triunfando con una contenida interpretación y una fría voz en off que nos transmite sus ideas y sentimientos. Brad hace que sientas por debajo de su estoica y fría figura todo su dolor por un padre que le abandonó, y la realización de que está cometiendo los mismos errores que él. Además, escucharle en versión original hizo que aún disfrutara más la película.

El descubrimiento que su padre puede estar vivo en la órbita de Neptuno hará que comience un camino que le llevará a la Luna, explotada comercialmente y centro de luchas entre varios países por sus recursos, a una misión de rescate de un estación de investigación en el espacio y a Marte, como estaciones de paso previo a su último viaje hasta encontrarse con él. La visión del futuro que nos presenta Gray es quizá pesimista aunque creo que no estará muy alejado de lo que posiblemente nos depare el futuro, aunque sabe ofrecernos una clave humanista que es el corazón de la película: SOLO NOS TENEMOS A NOSOTROS, tenemos que ser mejores seres humanos porque nadie va a venir a salvarnos, es nuestra responsabilidad cuidar de la Tierra y de sus habitantes.

Técnicamente, la película es una pasada. Su fotografía ya se sabía que iba a ser excelente estando Hoyte van Hoytema, pero tiene también un montaje que crea un ritmo lento que sin embargo atrapa al espectador al meternos en la cabeza de Roy. La música de Max Richter ayuda también a transmitir el foco intimista de la historia.

James Gray se confirma con un autor con una voz propia y personal alejado de los convencionalismos de las películas de aventuras “clásicas”, optando por una aproximación del futuro que recuerda a otras obras clásicas, 2001 o Apocalipse Now son referentes obvios reconocido por él mismo, pero que consigue ofrecer una propuesta que se siente personal y 100% autoral.

Tras comentar todo lo bueno de la película que es mucho, tengo que lamentar que es una pena que Ad Astra no clave el final y su clímax sea un poco bluf. Esto es provocado porque el viaje de Pitt para encontrar a su padre es la excusa para mostrar el viaje interior de su personaje. El climax es inexistente, y la clave de la película se expresa en un diálogo que tienes que estar muy atento a su significado para no perderlo.

Al ser una película de corte intimista y psicológico, aunque situada en el espacio, se muestran elementos muy interesantes del futuro de la humanidad que hubieran podido ofrecer mucho juego para ser inmediatamente descartados al pasar a la siguiente etapa del viaje. La deshumanización que Spacecom somete a Roy mostrando que para ellos solo es una herramienta más para conseguir un fin, los piratas de la Luna y la lucha por los recursos naturales, los peligros de la investigación sin control en la estación espacial y como el espacio es un ambiente hostil para la vida, la vida en Marte y la figura de la directora de la base marciana Helen Lantos (Ruth Negga), por no hablar del propio padre de Roy interpretado por Tommy Lee Jones. Todo durante el visionado está más que correcto, pero cuando dejas que el poso asiente sientes que podría haber estado mejor y que cualquier de estos elementos hubiera merecido un mayor desarrollo.

El mensaje humanista que es el corazón del viaje de Brad Pitt y de toda la película consiguió dejarme con buen sabor de boca, a pesar de reconocer que la película es imperfecta y, habiéndome gustado, no me dejó flipado.

Además, hay alguna locurilla en la historia que no son fallos pero que muestran que el guión se hubiera debido trabajar un poco mejor y que creo que no se hizo porque para Gray estos elementos no son tan importantes como el viaje interior de Roy. De lo poco que leí previamente sobre Ad Astra, Gary Gray declaró que quería que la película fuera «la muestra más realista de un viaje espacial jamás rodado» para demostrar que «el espacio es horriblemente hostil para nosotros.» (Sacado de la Wikipedia). Bien, una vez vista la película, hay elementos como las salidas al espacio de Roy que no son para nada realistas recordando otras películas como Gravity. Además de otros pequeños detalles sobre los que prefiero no extenderme que indican que lo importante del guión era llevar a Roy de A a B y luego a C, y el cómo no es tan importante con que al final el personaje se encuentre allí.

En resumen, aunque Ad Astra es imperfecta, prefiero quedarme con lo positivo de esta inesperada propuesta, y la recomendaría a todos los amantes de la ciencia ficción que sirve para que pensemos sobre nosotros mismos.

Comparto el trailer de la película:

Ad Astra ha resultado una interesante aunque imperfecta sorpresa. Reconociendo que no es una película para todo el mundo, esta ciencia ficción intimista me ha gustado bastante y seguro veré la próxima película de Gray.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Undone, de Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdyen (Amazon Prime)

Undone, serie de animación realizada con la técnica de la rotoscopia por los creadores de Bojack Horseman y recién estrenada en Amazon Prime Video, ha resultado ser una de las sorpresas seriéfilas de la temporada.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Undone es una rompedora serie de animación de ocho episodios que explora la naturaleza elástica de la realidad a través de su personaje central, Alma (Rose Salazar) una chica de 28 años que vive en San Antonio, Texas. Tras sufrir un accidente de tráfico y casi morir, Alma descubre que posee una nueva relación con el tiempo y lo a utiliza para descubrir la verdad sobre la muerte de su padre que tuvo lugar cuando ella era una niña.

Undone ha sido creada por Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdy, creadores de la serie de culto Bojack Horseman, escribiendo también los guiones de los 8 episodios de esta serie que ha sido dirigida por Hisko Hulsing.

Está protagonizada por Rose Salazar (descubierta en la super entretenida Alita: Angel de combate de Robert Rodriguez y James Cameron), que interpreta a Alma Winograd-Diaz, una chica sorda con numerosos problemas personales que desarrolla la habilidad de manipular el tiempo tras sufrir un accidente. Alma, con la ayuda de su padre fallecido Jacob (Bob Odenkirk), aprenderá a utilizar sus recién descubiertas habilidades para intentar descubrir la verdad sobre la muerte su padre en un accidente de tráfico cuando ella era un niña.

Alma tiene una difícil relación con su madre Camila (Constance Marie) que con la excusa de ayudarla intenta controlar todas sus acciones, así como con su hermana pequeña Becca (Angelique Cabral), que se ha comprometido para casarse con su novio. Por su parte, Sam (Siddharth Dhananjay) en un novio comprensivo y atento que intenta cuidar de Alma a pesar de su tendencia a alejar a todos los que la quieren y se preocupan por ella.

El principal valor diferencial de Undone es su animación con la técnica del rotoscopio, que se basa en rodar primero a los actores realizando sus papeles para luego animarles, creando además todo su mundo. A scanner darkly, la película de Richard Linklater con Keanu Reeves es la obra más conocida que recuerdo ahora mismo que ha utilizado este tipo de animación, que permite dotar a las imágenes de una enorme expresividad y un gran realismo, y que ademñas de permitir ver la interpretación de los actores, les sitúa en un ambientes con sorprendentes toques fantásticos.

Una vez los creadores Raphael Bob-Waksberg y Kate Purdy en colaboración con el director Hisko Hulsing definieron que esta aproximación estética era la adecuada para contar esta historia, el resultado es una animación brillante que permite ampliar el rango de expresividad de las imágenes, que son visualmente sorprendentes y rompedoras.

Pero Undone no son solo fuegos artificiales vacíos de contenido, ya que el guión de Bob-Waksberg y Purdy me ha parecido muy muy bueno. La búsqueda de Alma de respuestas a la muerte de su padre encierra un camino para descubrirse a si misma. Además, la narración juega constantemente a que nos preguntemos si lo que estamos viendo es real o es una muestra de los problemas psicológicos de la protagonista, cuya familia empezando por su propio padre tienen antecedentes de enfermedades mentales.

Undone es el camino de la protagonista, y en ese sentido, si la interpretación de Rose Salazar no hubiera sido buena la serie hubiera naufragado. No ha sido así, y me alegra comprobar que Salazar se convierte en el motor emocional de la serie y que realiza un trabajo genial y se muestra como una gran actirz. Espero que Hollywood no la encasille con trabajos digitales, ya que ha encadenado este trabajo tras Alita, un personaje CGI creado en post-producción a partir de su interpretación.

Hay una metáfora visual en el viaje de Alma que sólo una animación generada con rotoscopia puede crear con tanta belleza e impacto emocional. Y además, todos los diálogos y las relaciones de Alma con su familia los sentí muy reales y sinceros. Duele ver el complejo de culpa de Alma y como se hace daño a si misma por no sentirse lo bastante buena como para recibir el amor de su familia. En paralelo a esto, el amor que Sam siente por Alma se nota en cada escena, y como intenta ayudarla sabiendo que no está en su mano y equivocándose por ello. El humor irónico de Alma con su hermana Becca es el tipo de pullas que los hermanos nos hemos tirado unos a otros durante años, y a mi me funcionan y me las creo de principio a fin. Incluso su posesiva y controladora madre me transmite amor maternal a pesar de no entender el camino vital que está recorriendo Alma, ya veremos si para sanarse o para caer definitivamente en el abismo.

No se me ocurre nada malo de esta serie. Encuentro que sus 8 episodios de 25 minutos es la duración perfecta, de forma que la historia avanza siempre y no sientes que hayan “minutos de la basura”, usando un término de basket. Quizá el único pero es que al tratarse de animación habrá quién no llegue a darle ni siquiera una oportunidad a esta serie, que para mi merece mucho la pena.

Comparto a continuación un interesantísimos video del proceso creativo de la serie y como a partir de la grabación de los actores en imagen real crearon la animación y añadieron fondos y elementos digitales en 2D y 3D:

Y a continuación, el trailer de esta serie:

Undone es una serie que transmite imaginación y fantasía centrada en una protagonista imperfecta y muy, muy humana. Una serie super interesante que no puedo más que recomendar a todo el mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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