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Crítica de Robot Salvaje de Chris Sanders

La última película de Dreamworks Animation Robot Salvaje, escrita y dirigida por Chris Sanders, es una fantástica historia para todas las edades que celebra la maternidad y la familia.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

El épico viaje de un robot -la unidad 7134 de Roz, ‘Roz’ para abreviar- que naufraga en una isla deshabitada y debe aprender a adaptarse al duro entorno, entablando gradualmente relaciones con los animales de la isla y convirtiéndose en padre adoptivo de un pequeño ganso huérfano.

Christopher Michael Sanders (Colorado Springs, 1962) es un cineasta, animador y actor de doblaje estadounidense. Entre sus películas destacan Lilo y Stitch (2002) y Cómo entrenar a tu dragón (2010), ambas coescritas y dirigidas con Dean DeBlois Otras películas dirigidas por él son Los Croods (2013) con Kirk DeMicco y La llamada de lo salvaje (2020). Creó el personaje de Stitch en 1985, escribió la historia de la película y puso voz a Stitch en casi todas sus apariciones en los medios.

Sanders escribe el guion además de dirigir la película, adaptando El robot salvaje de Peter Brown, un libro que conoció gracias a su hija pequeña. La fotografía es de Chris Stover, el montaje de Mary Blee y la música de Kris Bowers, su primer trabajo para una película de animación. La película de 102 minutos de duración Y 80 millones de presupuesto es la última película animada íntegramente por DreamWorks, ya que el estudio empezará a externalizar diferentes aspectos de la animación en sus próximas películas.

Robot Salvaje cuenta en la versión original con las voces de Lupita Nyong’o como ROZZUM unidad 7134 («Roz»), un robot abandonado que aprenderá a adaptarse al nuevo entorno. Pedro Pascal es Fink, un travieso zorro rojo que es el primer animal al que Roz ayuda y con el que entabla amistad, Kit Connor pone la voz a Brightbill, un ganso canadiense huérfano criado por Roz. Catherine O’Hara es Pinktail, una zarigüeya que da a Roz algunos consejos sobre la crianza de Brightbill. Mark Hammill, Ving Rhames, Bill Nighy, Matt Berry y Stephanie Hsu también participan en esta película de animación.

Me ha gustado mucho Robot Salvaje. Me parece una película maravillosa con una temática universal y un guion brillante que consigue que pueda gustar a todo tipo de público. Robot Salvaje es cine para todos los públicos en el sentido más positivo y amplio del término. Un calificativo que en muchos casos se cree que se refiere a que una película sea «infantil», cuando hablamos de historias que apelan a público adulto, a niños pequeños pero también a jóvenes y/o adolescentes. Sanders describió el libro como «engañosamente sencillo» y «emocionalmente complejo», y es algo que ha sabido transmitir a la película, consiguiendo un gran éxito.

Robot Salvaje es un canto a la familia, y cómo a veces esta se forma de las formas más inesperadas con los miembros más diversos, no necesariamente por motivos de consanguineidad. Esta temática hace que la película pueda funcionar entre familias tradicionales y también en familias modernas. Pero en realidad hay muchísimas películas que son un canto a la familia, más o menos tradicional. Encanto de Disney o Coco de Pixar me vienen automáticamente a la cabeza. El elemento distintivo de Robot Salvaje es que es una celebración de la MATERNIDAD. Y me parece un tema muy importante que va contracorriente frente a todas las modas que se intentan vender. En la música, la moda y la cultura se vende que ser madre es una idea trasnochada, mientras se propugna un individualismo salvaje en que prima el egoísmo más absoluto. Para algunos propagandistas y seguidores de la progresía cultural y política, lo primero es el disfrute y el placer de la mujer, ser independiente y pensar sólo en ti mismo es lo cool y lo moderno. Y ser madre es dejarse atrapar en las redes del patriarcado y la sociedad machista que esclaviza a la mujer. Ver una película en la que un robot aprende a ser madre y el concepto de sacrificarse por los demás es una idea universal que nunca pasará de moda, a pesar de lo que pueda escocer a los sectores que comentaba antes.

El éxito de Robot Salvaje es primero y principal consecuencia de un guion perfecto que enlaza muchos elementos de forma aparentemente sencilla resaltando la emoción y una historia positiva a pesar de tener la muerte acechando en todo momento. Emoción por el sacrificio que las madres hacen sin pensar por sus hijos, y por la idea de que es importante ayudar a nuestros vecinos si tenemos la ocasión de hacerlo. De nuevo, yendo contra corriente. Todo ello unido de un ecosistema de animales que ofrecen momentos super divertidos y una historia de aprendizaje y superación del hijo de Roz, un ganso pequeño que todo el mundo cree que no podrá realizar la migración y morirá en la isla, algo que Roz hará todo lo posible por contrarrestar. Otro elemento importante de Robot Salvaje es la idea que la amabilidad puede ser una habilidad de supervivencia que une a gente diferente.

El otro gran éxito de la película es su animación. O en realidad es el primer éxito, porque si la historia triunfa es precisamente por el original estilo de animación, que parece inspirarse en las películas clásicas de Disney o incluso algunas de las primeras películas de Miyazaki. En lugar de plantear un fotorealismo como haría Pixar, los creadores eligieron un estilo que resaltara el elemento de obra de arte pintada a mano, pensando que encajaría mejor con la sencillez de las ideas claves de la película, y su ambientación en medio de la naturaleza. Esta filosofía se aprecia muchísimo sobre todo en el cielo y en el bosque donde tiene lugar la película, que parecen cuadros maravillosos. Visualmente, Robot salvaje tiene momentos increiles que son bellos por si mismos y que al mismo tiempo amplifican la emoción de la historia.

El otro triunfo de la película es el propio personaje de Roz. La robot tiene un diseño de formas redondeadas que parece que hubiera sido creado por un niño, aunque en realidad tiene un montón trabajo para conseguir que sea un diseño icónico que sea recordado. A pesar de tener una cara sin facciones, transmite un montón de emoción gracias a una animación increíble y el sobresaliente trabajo de las actrices protagonistas: Lupita Nyong’o en la versión original y Vero López en la versión doblada al castellano. Las actrices transmiten la confusión inicial al no haber nadie que quiera su ayuda y ser atacada por los animales del bosque. A medida que excede su programación, Roz va aprendiendo y forjando lazos con su familia, aprendiendo lo que significa ser una madre. Además, su naturaleza altruista hace que se preocupe incluso por los animales que la rechazaron inicialmente, construyendo a una protagonista memorable.

Junto a una animación increíble y una protagonista maravillosa, la película plantea una historia episódica que consigue mantener el interés en todo momento. En ese sentido, la historia tiene montones de hallazgos narrativos, como la forma en que la película empieza siendo un monólogo de Roz mientras intenta buscar una tarea que cumplir en un bosque repleto de animales que temen al extraño recién llegado. La forma en que nos muestran como Roz aprende el idioma de los animales me parece brillante, como también lo es ver que el bosque es un lugar peligroso en el que incluso el robot puede acabar destruido por los elementos o el ataque de animales salvajes. Tras esto, tenemos una parte de entrenamiento del hijo de Roz, y tras su marcha en la migración asistiremos al problema que se plantea en la isla con una brutal ventisca invernal. Luego llega el momento tecnológico y la amenaza del mundo moderno, al llamar Roz a la humanidad para volver al mundo «civilizado», para descubrir que se ha convertido en una anomalía que debe ser destruida.

La naturaleza episódica me ha gustado mucho. Aparte de resaltar el paso del tiempo, plantea la complejidad de que la vida se abra camino en un mundo duro y a menudo cruel. Que en todo momento consiga mantener un tono positivo, que no oculta la existencia de la muerte, me parece otro de los éxitos de una película que me ha gustado muchísimo. Y si a esto le sumamos un final agridulce pero super redondo, tenemos una de las películas más satisfactorias de este 2024.

Robot salvaje es la película para todos los públicos de esta temporada. Me alegra muchísimo que esté funcionando tan bien en taquilla y que el público abrace este tipo de historias y, sobre todo, una animación que se sale de los cánones del realismo marca de la casa Disney / Pixar. Si podéis, no lo dudéis. Os va a encantar.

Comparto el trailer de la película:

Robot Salvaje es una maravilla que gustará a toda la familia. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Damn them all vol. 2 de Simon Spurrier y Charlie Adlard (Boom Studios)

Damn them all, el comic de Simon Spurrier y Charlie Adlard, con color de Sofie Dogson, publicado por Boom Studios, termina en su segundo volumen. Un comic de temática criminal sobrenatural con el que no conecté en el primer volumen y que proponía una renovación del concepto de John Constantine y en general los antihéroes británicos que nos defienden frente a las fuerzas sobrenaturales.

PUNTUACIÓN: 5/10

Deshacer la condena del más allá no será tarea fácil, y Ellie «Bloody El» Hawthorne, antiheroína ocultista a sueldo, tendrá que intentar todo lo que pueda… y el cadáver de su tío ocultista puede ser la clave. Sin embargo, con giros inesperados e infernales en el género del atraco, el cuerpo del difunto tío de Bloody El es un premio febrilmente buscado por sus enemigos. Y por si el plato de Ellie no estuviera lo suficientemente lleno, un amor que se creía perdido en el pasado regresa, cambiando las cosas para siempre.

Las apuestas del atraco eran infernalmente altas, ya que Theo descubre que un poderoso demonio de su colección ha desaparecido, y sólo Ellie puede recuperarlo. Él tiene algo que Bloody El necesita desesperadamente, algo que ella no puede dejar pasar si quiere deshacer los crímenes ocultistas de Alfie. Pero ambos planean traicionar al otro… ¿quién saldrá victorioso?

Charlie Adlard, artista sin parangón de The Walking Dead, continúa su diabólico trabajo en equipo con el guionista de Hellblazer, Simon Spurrier, ¡llevando a Bloody El a nuevos y demoníacos niveles de problemas!

Este segundo volumen de Damn Them All recopila los números 7-12 USA, publicados por Boom Studios.

El año pasado compré en Londres el primer volumen de Damn them all y la verdad es que me llevé un chasco importante. De hecho, no tenía planeado comprar este comic, pero descubrir que la historia finalizaba en este segundo tomo fue lo que le animó a comprarlo, para así poder conocer el final de la historia y no quedarme con un tomo «colgado». Y empecé este comic con una mentalidad positiva confiando que las sensaciones fueran mejores. Cosa que no ha pasado, al confirmarse (como en realidad no podía ser de otra forma) las sensaciones negativas iniciales.

El principal problema que he encontrado en este Damn them all es que Spurrier convierte este comic casi en una novela ilustrada con unos textos exageradisímamente largos. Es que nos pega una chapa tremenda que borra cualquier posibilidad de entretenimiento o disfrute de este comic. Incluso ahogando algunas buenas ideas que puede tener, como la forma en que se representa cuando un ser sobrenatural entra en contacto con el mundo «real». O momentos como el asalto al parlamento británico, que creo que es muy potente, al igual que el intento de posesión que sufre Ellie, la protagonista. Hay buenas ideas en este comic y detalles que si que valoro y me parecen muy chulos, pero globalmente han quedado empañados por la turra que nos pega Spurrier.

Una de las señas visuales de este comic es que en muchos momentos la página se corta para dejar un espacio para los textos con la voz en off de un personaje u otro, que sirven para contarnos sus puntos de vista. Y son los textos son los que de verdad presentan al lector este Londres en el que lo sobrenatural se combina con las organizaciones mafiosas, quedando el arte como un compañero subordinado, cuando debería ser al revés, que fuera el dibujo el que contara la historia. Otro ejemplo de la sobre explotación es cuando en varios momentos que podrían haber sido muy potentes, Spurrier opta porque la protagonista nos cuente a modo de flashback lo que ha pasado y como ha matado a quien ha matado. De forma que se pierde mucha parte de la gracia y del misterio.

La tradición británica comiquera ha sido siempre bastante antisistema y anti-stablishment. Podría hablar largo y tendido de John Constantine, pero hay muchísimos ejemplos de gente como Alan Moore, Peter Milligan, Pat Mills y tantos y tantos otros. Es por esto que la idea de unos ángeles como seres aterradores y en cierto sentido los verdaderos villanos de la función, por encima incluso de los teóricos demonios, que buscan el control del mundo ahogando la variedad y la originalidad, no creo que sea una idea realmente innovadora o rompedora. Tampoco la parte de tener a unos demonios confinados en monedas y cuyo poseedor puede controlarles. Si bien en realidad esto no es un problema si la ejecución en entretenida, cosa que no ha conseguido Spurrier. Igual estoy siendo un poco exagerado con esta apreciación, pero he leído en inglés un montón de comics de Spurrier y jamás tuve sensación de que me estaba pegando un tostón expositivo detrás de otro.

El dibujante Charlie Adlard (famoso por The Walking Dead) no es espectacular, pero sin duda si es eficaz, mostrándose con un estupendo narrador que sabe contar las historias de la forma más sencilla y clara posible. Pero por lo que comentaba sobre el guion de Spurrier, en Damn them all no tiene demasiados momentos para su lucimiento, quedando muy constreñido por los larguísimos textos que incluso se comen secciones enteras de la página. Adlard realiza un buen diseño de personajes que los convierte en reconocibles y transmite sus personalidades, y no se arruga en los momentos sangrientos que nos ofrece el comic, pero globalmente su buen desempeño queda condicionado por el rollo que nos pega Spurrier de inicio a fin.

Tengo que comentar también sobre el color de Sofie Dodgson, que recibe ayuda de Daniel Silva de Carvalho. Una clave de esta historia es que la llegada de un demonio al plano terrenal provoca una alteración de la realidad. Esto se consigue mediante unos colores luminosos que además provocan que las figuras «normales» aparezcan difuminadas en la viñeta. Como idea creo que aporta una forma novedosa de presentar en un comic a seres sobrenaturales, pero como con todo en este comic más allá de la sorpresa inicial esta herramienta no ayuda a que la lectura sea sencilla o satisfactoria. Por lo demás, si exceptuamos estos momentos sobrenaturales, el color de Dodgson presenta una paleta de tonos apagados que tampoco ayuda a que el dibujo de Adlard destaque, quedando todo el conjunto bastante plano y apagado.

Reconozco que me ha quedado una reseña bastante negativa. Y como comentaba al comienzo, en realidad no es tanto que Damn them all me parezca que sea un mal comic sino que no he conectado con casi ninguna de las decisiones creativas que se han tomado para la creación de Damn them all, empezando por la engorrosa historia de Spurrier y sobre todo la comparación con John Constantine, algo en que tampoco sale bien parado este comic.

Eso si, Adlard creo que hace un buen trabajo dentro de todas las limitaciones a las que se enfrenta. Igual soy sólo yo, igual resulta que este comic le vuela la cabeza a mucha gente y se convierte en el favorito del fandom, pero de alguna manera no creo que esto vaya a suceder.

Comparto las primeras páginas del número 7 USA que abre este volumen:

Damn them all me ha dado una turra importante, no he podido conectar en ningún momento con este comic. Una lástima.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Crítica de DC All In Special 1 (DC Comics)

Tras meses de hype, ya tenemos entre nosotros el especial DC All In de Scott Snyder, Joshua Williamson, Wes Craig y Daniel Sempere, que sirve de plataforma de lanzamiento del nuevo Absolute Universe de DC Comics.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Tras los acontecimientos de Poder Absoluto, los héroes del núcleo del Universo DC han luchado contra las profundas divisiones del mundo que les rodea para dar paso a una nueva era de unidad.

Y justo a tiempo, porque Darkseid ha regresado. Superman reúne a todos los superhéroes de DC en la Tierra para mantener la línea contra una versión muy diferente del Señor de Apokolips mientras levantan nuestras defensas cósmicas y se preparan para la guerra. Y cuando lleguen los primeros golpes, las ondas de choque se extenderán por todas las series principales de DC, sacudiendo la naturaleza de sus realidades hasta sus cimientos.

Pero una amenaza mayor se cierne en el horizonte del Universo Absoluto. Aquí, los mayores iconos de DC llegan a la mayoría de edad con menos ventajas, mientras se enfrentan a una oposición mayor que nunca y conservan el heroísmo inmutable que sigue inspirando y entreteniendo a los fans. Pero, ¿pueden realmente proteger la luz que brilla en su interior cuando el mundo en el que viven se precipita hacia un terrible destino?

Este especial de 64 páginas es un flip-book con dos historias diferentes, la primera parte ALPHA protagonizada por Superman y los héroes de la Tierra realizado por Scott Snyder, Joshua Williamson, Daniel Sempere y Alejandro Sánchez, y una segunda OMEGA protagonizada por Darkseid obra de Snyder y Williamson, y dibujada por Wes Craig y Mike Spicer. Además, en la parte central tenemos una doble splash page que conecta ambas historias y ha sido dibujada por Dan Mora y Tamra Bonvillain.

El final de Absolute Power (publicado el mismo día que este especial) trajo consigo un hecho muy destacado para la continuidad de DC Comics. Tras meses con los héroes separados y desbandados, la amenaza de Amanda Waller y su Trinidad del Mal ha servido para que Superman, Batman y Wonder Woman se dieran cuenta que la humanidad necesita a la Justice League (Liga de la Justicia). Necesita a un grupo con lo mejor de lo mejor que controle y sea capaz de enfrentarse a amenazas a nivel global. Nightwing y sus Titanes hicieron lo que pudieron para llevar el vacío dejado por la desaparición de la Justice League, por ejemplo en el evento Beast World, pero es una evidencia que la JL es más necesaria que nunca.

En la primera parte de este flip-book especial, Scott Snyder y Joshua Williams nos cuentan la primera reunión de la nueva Justice League Unlimited, cuya colección mesual realizará Mark Waid y Dan Mora y que es compra obligada. La idea de un grupo masivo que albergue a TODOS los héroes que lo deseen. La clave es ser capaces de monitorizar el planeta para conocer las amenazas antes que se conviertan en irreversibles e incontrolables, ya sean mágicas o tecnológicas. En la segunda parte del comic, mientras la JLU se forma, Darkseid está planteando sus propios planes, unos planes que entrarán en conflicto con los héroes y que acabarán provocando el nacimiento del nuevo universo Absolute, un mundo donde el mal domina y los renovados héroes Absolute Batman, Absolute Superman y Absolute Wonder Woman no tendrán la mayoría de colchones que les protegieron en sus orígenes, lo que les llevará a unas historias más complejas que con suerte conseguirán captar la atención de l os lectores.

DC ALL IN es una puerta de entrada, y creo que consigue cumplir su función de forma modélica. Las dos historias de la Liga de la Justicia y Darkseid resaltan con su planteamiento de «luz contra oscuridad» y me han gustado mucho. Además, que ambas historias acaban convergiendo en una última página super espectacular idéntica para ambas historia me parece una idea estupenda y un ejemplo de buena escritura. En el pasado no he conectado con el estilo de escritura de Scott Snyder, pero en este especial tengo que decir que su trabajo en colaboración con Joshua Williamson me parece notable.

En relación al universo DC tradicional, tener un comic de Waid y Mora ya era compra obligada antes de saber la premisa que hemos conocido en estas páginas, pero debo decir que esta presentación me ha dejado con ganas de más. De hecho, mi compra mensual de DC en grapa USA va a aumentar de forma inmediata. En lo referido al Universo Absolute, en principio sólo pensaba comprar el Absolute Superman de Jason Aaron y Rafa Sandoval, pero reconozco que este especial me ha dejado con ganas de al menos leer los arranques de Batman y Wonder Woman. Y reconozco que estoy con ganas que me gusten y me «obliguen» a comprar también sus colecciones.

Uno de los grandes aciertos del comic es tener a unos dibujantes de primer nivel. Daniel Sempere está on-fire en DC en los últimos tiempos. Su historia de la Justice League tiene una luminosidad genial, y su lápiz cuenta la historia de forma notable, siempre pensado en la narrativa y en que se vea todo de la mejor forma posible. La sorpresa del DC All In es tener al genial Wes Craig dibujando la historia de Darkseid. Craig ha realizado su labor en el mundo independiente, trabajando con Rick Remender en la estupenda Deadly Class, y más reciente en su comic de creación propia Kaya. Verle dibujar Apokolips y el mundo de Darkseid es una pasada, con un mundo de sombra y oscuridad que conecta muy bien con los puntos fuertes de Craig como dibujante y con su sensibilidad artística.

Creo que el Especial DC ALL IN acierta en lo que plantea. Entre otros motivos que la marcha de Darkseid del continuo del universo DC «tradicional» al ir al mundo Absolute va a provocar unas repercusiones que tendrán que ser enfrentadas por el nuevo grupo recién reformado. Los comics de este tipo tienen que provocar que los lectores queramos entrar en estas propuestas, y en mi caso lo han conseguido. Bien por DC.

Comparto las primeras páginas de ambas historias:

ALPHA

OMEGA

El especial DC All In plantea un atractivo punto y aparte en la continuidad de DC para poder enganchar a nuevos y antiguos lectores para volver a picar sus colecciones. Conmigo, lo han conseguido.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Absolute Power 4 de Mark Waid y Dan Mora (DC Comics)

Último número del mega evento Absolute Power de Mark Waid y Dan Mora, con colores de Alejandro Sánchez, que ha ofrecido un entretenimiento de primer nivel mientras prepara los cambios que veremos a partir del especial DC All In que se ha publica al mismo tiempo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Mientras los últimos combatientes de la resistencia luchan con uñas y dientes en la sangrienta isla de Gamorra, Batman y Superman se encuentran enfrentados. Mientras tanto, Amanda Waller ha llegado demasiado lejos como para rendirse ahora, ¡y está llamando a refuerzos de todo el Multiverso! El futuro del Universo DC está en juego, y después de esto, ¡las cosas nunca volverán a ser como antes!

El evento Absolute Power de DC Comics ha sido una clase magistral en la que Mark Waid nos ha recordado a los lectores (y, por qué no decirlo, a los editores de DC Comics) cómo tendrían que ser los comics de superhéroes. Waid me ha volado la cabeza con la épica que ha planteado a lo largo de estos cuatro números, planteando unas apuestas del juego imposibles que sin embargo han sido derribadas gracias al heroísmo de unos personajes en la cúspide de su carisma, poder y personalidad.

A lo largo de este evento los combates han sido siempre a vida o muerte, y en este climax final me gusta mucho cómo plantea una solución coral en la que muchos personajes tienen su momento de protagonismo. En este sentido, me gusta mucho que en realidad Waid ha dejado un poco en la retaguardia a Batman, Superman y Wonder Woman (aunque obviamente aparecen y tienen su importancia), para hacer que Nightwing, Jon Kent, Flash, Green Lantern e incluso ¡Green Arrow!! sean claves. Aparte, otra de las claves de Waid es que además de los «heavy-hitters» de DC, también da su momento de gloria a personajes menos conocidos y sin duda secundarios como Dreamer (Wait, ¿no estaba muerta?) o Air Wave.

Y hablando del climax, una de las claves del comic era ver cómo se las iban a apañar para derrotar a los Amazos mejorados que habían robado los poderes de los héroes. La resolución es sencilla pero lógica dentro de los confines de los tropos del género, y hace que Dan Mora tenga oportunidad de lucirse de forma alucinante. También la traición de Green Arrow es explicada de forma satisfactoria, aunque como todo en este comic, contado a toda velocidad, dado que no hay ni un segundo que perder. Quizá el único elemento menos bueno del comic del comic es que el final del tercer número, aparte de todos los problemas que ya tenían los héroes, anticipaba un combate contra versiones malvadas de los héroes provenientes del multiverso que habían sido convocados por Amanda Waller. Y este combate no llega a producirse. En realidad Waid consigue que el cierre de esta amenaza sea también satisfactoria, con el plus de provocar un cambio que afectará a los próximos meses de historias dentro del universo DC. Así que todo bien en realidad. Tengo claro que no era el momento para ese combate, pero Waid se encargará de que lleguemos a verlo en el futuro.

Si el guion de Waid ha sido increíble, el verdadero MVP de Absolute Power ha sido el costaricense Dan Mora, con Alejandro Sánchez en el color, ofreciendo un comic sobresaliente en el que cada viñeta conseguía contar la historia de la forma más clara posible, sumando además la épica y la espectacularidad que un evento de estas características necesita para triunfar. Y Oh, boy!! El triunfo es absoluto. Gracias a Mora, me veo leyendo esta una y otra vez. O no necesariamente leyendo el comic, porque las páginas luces increíbles y ya cuentan la historia sin necesidad de textos. La fuerza de las imágenes de Mora, sus atractivos planos, el carisma de los personajes en sus versiones más icónicas y unas splash-pages masivas rebosantes de personajes con momentos «más grandes que la vida» confirman que Mora ahora mismo es el mejor dibujante de superhéroes actual, con el plus de tener a un artista que actualmente puede mantener no solo un ritmo mensual, sino incluso dibujar dos comics al mes, recordando los mejores tiempos de John Byrne.

Absolute Power ha sido un triunfo. El mejor equipo creativo del género superheróico nos ofrece una conclusión que no sólo es satisfactoria, sino que también promete cosas emocionantes para el futuro del Universo DC, lo cual es la guinda del pastel. Porque ese es otro factor clave en el que el comic acierta, dado que aparte de una historia espectacular en si misma, las consecuencias del evento lanzan al universo DC a una nueva etapa que a mi como lector me apetece leer. Por un lado tenemos el especial DC All In, que va a lanzar el nuevo universo Absolute de DC, empezando por el Absolute Batman de Scott Snyder y Nick Pitarra. Pero en el universo DC tradicional, los sucesos de este evento van a provocar, entre otras consecuencias, una nueva reunión de la Liga de la Justicia. Un comic realizado por Waid y Mora y que se va a convertir en lectura obligada. Y probablemente, el comic que más disfrute leyéndolo mes a mes.

Tras años de travesía por el desierto, parece que los buenos tiempos están volviendo a DC Comics. O al menos, parece que vuelven a ofrecer comics que le pueda apetecer leer a un lector veterano como yo. Y no puedo estar más contento por ello. En todo caso, aparte de otras consideraciones más generales de DC, lo cierto es que estamos en un momento en que Waid y Mora están on-fire, y se hace obligatoria la compra de cualquier cosa que publiquen.

Comparto las primeras páginas del comic:

Absolute Power ha sido bestial. Ojalá todos los eventos superheróicos fueran así.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de El Increíble Hulk 12 y 13 de Philip Kennedy Johnson y Nic Klein (Marvel Comics – Panini)

Nuevo arco de El Increíble Hulk a cargo de Philip Kennedy Johnson y Nic Klein, con color de Matthew Wilson, en el que el gigante verde le hace una visita a la Academia Extraño.

PUNTUACIÓN: 8/10

En el día después de la batalla contra Charlotte Congelada, Hulk visita la Academia Extraño, en busca de la ayuda del Hermano Vudú, para salvar el alma inmortal de Charlie. Pero la última esperanza reside en la jaula de almas de un exorcista, en las manos de uno de los hechiceros más malvados que hayan existido jamás.

Estas grapas de Panini incluyen The Incredible Hulk 12 – 13 USA.

Mi reseña de hoy podría reducirse a una línea, porque El Increíble Hulk mejora exponencialmente cuando está dibujado por Nic Klein. Tras el arco anterior ambientado en Nueva Orleans dibujado por el muy deficiente Danny Earls que convirtió la lectura de esta colección en un suplicio, estos comics con Nic Klein son todo lo contrario. Klein consigue que cada chaval de la Academia Extraño tenga su propia personalidad, al igual que un Doctor Vudú que luce imponente. Y eso que lo mejor, sin duda, es el binomio Bruce Banner / Hulk, que asientan la idea de comic de terror desde la primera viñeta.

El número 12 USA mola mucho con la llegada a Hulk a la Academia Extraño, pero el número 13 USA es aún mejor. Hulk / Bruce viajan a la Jaula de Almas, una prisión para espíritus malignos, para buscar a Sumanguru, un tejedor de carne que parece ser la única esperanza de devolverle a vida a Charlie. Esta localización demoniaca nos ofrece imágenes de pesadilla y seres aterradores alucinantes. El feeling de terror es perfecto en este comic, y me gusta mucho el uso que hace Johnson y Klein con las sorpresas que aportan el giro de la página, ofreciendo dos momentos super guapos en esta segunda grapa del arco.

El comic es un medio visual, y si el dibujo es mediocre (por no decir algo peor) el comic no puede ser otra cosa. Sin embargo, cuando los editores se ponen las pilas y consiguen que el artista oficial de la colección dibuje un arco completo de la colección, la experiencia mejora exponencialmente. Y pongo en medio al editor porque me deja muy perplejo la enorme diferencia que existe entre el dibujante «titular» de la colección y su suplente. Y no entiendo como vuelven a contratar a Danny Earls para dibujar el siguiente número, que es un tie-in del evento Caza Sangrienta. Lo que me lleva a otro elemento que no me está convenciendo, y es que Nic Klein ha dibujado 8 de los 13 números publicados, al dibujar Travis Foreman una historia en dos partes y el arco de tres números dibujado por Earls. Viendo que Earls va a dibujar además un futuro arco de dos números, parece claro que él y Klein se están alternando en la colección, y la diferencia entre ambos es abismal. Y a la larga es algo que está empañando la experiencia de lectura.

En este baile de dibujantes el principal perjudicado es el guionista Philip Kennedy Johnson, que está planteando unas historias firmemente asentadas en el terror que funcionan a medias en función de quien las dibuje. Y esto es una pena. En estas grapas tenemos el vaso lleno, ya que Nic Klein se sale en la representación del terror que supone entrar en la Jaula de Almas, conjurando imágenes potentísimas que le hacen justicia a su guion.

No tengo claro cuanto se alargará la etapa de Johnson como guionista de El Increíble Hulk, pero el tipo de historias en la carretera que hemos tenido en este primer año me indican que Johnson podría alargarla lo que le interese a Marvel, que entiendo dependerá de que las ventas acompañen. En mi opinión, sin tener en cuenta el baile de dibujantes, Johnson está realizando una etapa super maja que me gustaría se alargara al menos otro año más, mínimo hasta el número 25. Esperemos que este deseo se haga realidad, porque eso significará que las ventas están siendo lo bastante buenas.

Por cierto, destacar que en el número 13 Panini ha publicado el texto de prosa de Philip Kennedy Johnson que se les olvidó incluir en el número 11. Tras escribirles por Twitter para comentarles el error, me alegra que hayan podido subsanarlo en cuanto ha sido posible. A veces critico a Panini cuando hacen algo que no me gusta, pero cuando subsanar un error de forma adecuada, también quiero comentar.

Cuando dibuja Nic Klein, El Increíble Hulk es uno de mis comics favorito. Es una pena que se prodigue menos de los que me gustaría. Pero en los dos comics que hoy analizo el éxito es total. Habrá que tomarlo como una victoria.

Comparto las primeras páginas del número 12 USA:

El Increíble Hulk mejora exponencialmente cuando está dibujado por Nic Klein. Me gusta mucho con él y mucho menos sin él. Este arco lo he disfrutado, pero pintan bastos el mes que viene. ¡Qué pereza!

PUNTUACIÓN: 8/10

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