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Crítica de Hot Lunch Special, de Eliot Rahal y Jorge Fornés

Uno de los comics que mejores reseñas ha recibido en los últimos meses de confinamiento fue Hot Lunch Special, original mezcla de género negro con drama familiar creada por Eliot Rahal y el dibujante español Jorge Fornés, publicada en Estados Unidos en 2018 por Aftershock y que acabe de ser editada en España por Planeta Comic.

PUNTUACIÓN: 7/10

¿Les va bien la sangre a los sándwiches? La de los Khoury es la típica historia de éxito entre inmigrantes: una familia de libaneses que consigue su porción del sueño americano cuando se convierte en el mayor distribuidor de sándwiches para máquinas expendedoras de la zona norte del Medio Oeste.

Por desgracia, los Khoury han llegado adonde están con malas artes y una rama del crimen organizado irlandés de Chicago ha vuelto para recordárselo. Fidelidad, tiros… y los secretos que durante tanto tiempo había ocultado la familia salen a la luz. Ahora, Dorothy, nieta del primer Khoury que se estableció en los Estados Unidos, reunirá a su dividida estirpe para enfrentarse a los irlandeses.

Escrito por Eliot Rahal —Cult Classic, The Paybacks y Quantum & Woody—y dibujado por Jorge Fornés —Batman—.

En este volumen se incluye toda la saga de los Khoury, del número 1 al 5.

Hot Lunch Special es un drama familiar de una familia de libaneses-americanos,  los Khoury, dedicados al mundo de la restauración y cuyo éxito e intención de expandir sus negocios les pondrán en rumbo de colisión con la mafia de Chicago. En su introducción, el guionista Eliot Rahal comenta que bajo el transfondo del género negro, este comic es una historia sobre su propia familia, y cómo incluso a pesar de las diferencias y la distancia, la familia lo es todo para él.

Dentro del actual panorama comiquero dominado por los superhéroes, es siempre interesante poder leer una historia de género negro a la que no le encuentro referentes claros en el mundo del comic, algo muy importante hoy en día.

Lo primero que merece la pena resaltar es que la portada con el sandwitch con dos dedos cortados dentro sugería que podíamos estar ante una historia con un toque muy macabro y sangriento, cosa que no llega nunca, de forma que en parte creo que no es representativa del comic que vamos a leer, lo que en sí mismo veo que es un problema.

Debo indicar que globalmente creo que he sufrido un caso claro de hype excesivo que probablemente ha jugado en mi contra a la hora de disfrutar este comic. Como digo, leí varias reseñas super positivas pero intenté no enterarme nada de la trama para dejar que me sorprendiera. Y lo malo de esto es cuando la historia no cumple.

En este sentido, reconozco el intento de Eliot Rahal de crear una historia que se sienta personal construida alrededor de la gran familia Khoury, empleando tiempo en presentarnos a Michael, el patriarca de la familia, Jordan,  su hijo y responsable del negocio en el presente, y su hija Dorothy, entre otros miembros de la familia.

La historia, además de combinar el thriller con el drama familiar, cuenta con un poso de tristeza y casi de inevitabilidad ante lo difícil que es escapar del mundo criminal por mucho empeño que le pongas, lo cual es en todo caso algo super positivo.

Leí en Zona Negativa que Sergio Fernández, uno de sus articulistas, definía este comic como «Fargo sin humor negro”. Y creo que esta comparación no le hizo ningún bien al comic. Porque si, este comic entraría en la categoría de «rural-noir» en la que los Coen han triunfado una y otra vez. Y si, Hot Lunch Special no tiene nada de humor. Sin embargo, los Coen ponen especial empeño en construir unos personales carismáticos con los que empatizas instantáneamente, incluso con los paletos inútiles, de forma que te preocupas y te entretiene todo lo que les pasa. Y ese es precisamente el principal problema de este comic.

Rahal presenta a una gran familia, si, pero en ningún momento consigue que los personajes sean interesantes ante los dramas a los que se enfrentan. De hecho, hay un intento creo que muy evidente de crear una historia coral con múltiples personajes y puntos de vista, cambiando el foco de los diferentes miembros de la familia Khoury a la detective Olson de la policía que investiga la aparición de ese dedo en un sandwitch en la primera página, además del mafioso irlandés Jim Moran. Le agradezco que no adorne la historia con giros imposibles y todo se mueva dentro de lo previsible, dicho en el buen sentido, pero lo que cuente debe ser interesante, y en mi opinión, excepto por unos destellos puntuales, a la historia le falta fuerza por todos lados y los personajes me traen todos sin cuidado.

Comentaba antes en positivo que veo un punto de vista original a Eliot Rahal, pero debería aprender de los clásicos como Ed Brubaker, que consiguen que en 20 páginas conectes incluso con el peor de los criminales, algo en lo que vi a Rahal muy verde y que diría que es el principal problema de este comic. Porque sin conexión emocional o personajes carismáticos, la historia pierde la fueza que debería tener.

Eso si, el dibujo del español Jorge Fornés me parece una pasada y entiendo que DC Comics le haya contratado para dibujar Batman, porque en las historias urbanas brilla a un gran nivel. Fornés realiza un sobresaliente trabajo recreando en estas páginas las calles de Sioux Falls (Dakota del Sur), además de realizar un excelente diseño de todos los personajes, haciéndoles super reconocibles en todo momento.

Fornés realiza todo el trabajo artístico, lápiz, tinta y color, además del diseño de las icónicas portadas de esta serie, y ofrece un enorme trabajo narrativo con una páginas super detalladas con abundantes detalles y fondos que hacen que sólo por su dibujo haya merecido la pena comprar este comic. La comparación que leí en Sala de Peligro comparando a Fornés con Mazzucchelli la veo super adecuada y en mi opinión, creo que podemos estar ante uno de los grandes artistas de DC Comics de los próximos años.

Quizá la lectura de Hot Lunch Special no haya sido todo lo buena que me hubiera gustado, pero le reconozco a Rahal su intento de crear algo diferente que se sienta personal, con un dibujo de Fornés que quita el hipo y que explica completamente su actual status de super estrella en DC Comics.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de Upgrade de Leigh Whannell

Gracias a Prime Video pude volver a ver Upgrade, la película australiana de 2018 que asentó la carrera del escritor y director Leigh Whannell previo a su consagración con El Hombre Invisible, y me alegra poder decir que me gustó mucho más que la primera vez.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Tras ver cómo su mujer es asesinada tras un accidente que le deja parapléjico, un hombre se somete a una operación que le permite volver a caminar para así poder vengar a su esposa. (FILMAFFINITY)

Leigh Whannell es un director y escritor australiano nacido en 1997. Su carrera profesional está inevitablemente conectada a la de James Wan, ya que entablaron amistad en la facultad en Australia, creando SAW en 2004. Tras una década escribiendo los guiones y actuando de productor de James Wan en la franquicia de Saw y en las dos primeras películas de Insidious, en 2015 dió el salto a la dirección con Insidious 3, película en la que además de dirigir escribe el guión.

Upgrade, estrenada en 2018, supuso su segunda película como director y guionista, y fue producida por el sello de terror Blumhouse con un presupuesto de 5 millones de dólares, que estuvieron super bien aprovechados en pantalla.

La película cuenta con Stefan Duscio como director de fotografía, montaje de Andy Canny y Jed Palmer.

La película está protagonizada por un estupendo Logan Marshall-Green como Grey Trace, marido que queda paralítico tras un robo en el que murió su mujer, Betty Gabriel como la detective de policía Cortez, Melanie Vallejo es Asha, la esposa de Grey, mientras que Harrison Gilbertson es el millonario inventor Eron Keen, creador de la tecnología que permitirá a Grey volver a caminar.

Upgrade es una estupenda serie B que consigue dar un giro muy interesante a las típicas historias de venganza que sirvió para que su director Leigh Whannell saliera definitivamente de la sombra de su amigo James Wan, consiguiendo que a partir de este momento se le valore por méritos propios.

La película me parece modélica en todos los aspectos. Por un lado, el guión de Whannell me parece super interesante, porque partiendo de dos clichés del cine de acción, el de marido que busca venganza por la muerte de su mujer, y el super héroe que tras una tragedia tiene que aprender a utilizar sus recién adquiridos super poderes, consigue crear un giro que rompe con todo esperable en una serie B «standard».

Si me gusta el Whannell escritor, me gusta mucho más su faceta de director, creando momentazos visualmente chulísimos cuando Grey, el protagonista, emplea su cuerpo recién aumentado / mejorado. Empleando un enfoque en el que la cámara está fija en el protagonista, vemos como todo gira en torno a él, consiguiendo escenas de acción que se salen de lo normal.

Además, como comentaba antes, la película es una producción australiana financiada por Blumhouse con un presupuesto de 5 millones que asombra por lo bien utilizados que están. Que con este presupuesto hayan conseguido rodar escenas nocturnas de persecución en una autopista, por ejemplo, además de multitud de escenas exteriores, me indica que estamos ante una producción que ha sabido optimizar al máximo sus recursos, luciendo mucho mejor de lo que debería.

En lo relativo a las  interpretaciones, dentro que estamos ante una serie B que sabe lo que es y no tiene pretensiones de ser nada más, me ha gustado la interpretación de Logan Marshall-Green como Grey Trace, un hombre que se encuentra en un cuerpo que en algunos momentos se mueve como si otra persona estuviera a los mandos. Marshall-Green crea unos movimientos super chulos que en algunos momentos me recordaron a Peter Weller en Robocop, un cuerpo de carne y huesos que no acaba de ser humano. En este aspecto, me pareció una interpretación super chula.

Upgrade como serie B que busca ofrecer un buen entretenimiento me parece una película llena de carisma y personalidad, y no se me ocurre ningún elemento menos bueno que destacar, hay mucho y bueno que disfrutar en los 95 minutos de metraje.

Comparto el trailer de la película:

Upgrade es una estupenda serie B que consigue dar un giro muy interesante a las típicas historias de venganza y que sirvió para que su director Leigh Whanell saliera definitivamente de la sombra de su amigo James Wan.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Costas Salvajes de Ram V, Sumit Kumar y Vittorio Astone (Vault Comics – Ed. Hidra)

Llevaba tiempo detrás de These Savage Shores desde que fue editada en Estados Unidos por Vault Comics. El comic de RAM V, Sumir Kunar y Vittorio Astone ha sido publicado por Editorial Hidra y me alegra comprobar que el hype estaba completamente justificado.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1766, dos siglos después de que el primer barco occidental llegara a la Costa Malabar, la compañía oriental de las Indias busca asegurar su futuro gracias a la lucrativa ruta de la seda.

Un ser maligno viaja a bordo de un barco de la compañía con la esperanza de establecerse en esta tierra lejana. Pero pronto descubrirá que se trata de un territorio que cuenta con criaturas y leyendas más antiguas que él mismo.

En estas costas salvajes, los días son largos y abrasadores, y las noches están llenas de dientes.

Incluye These savage shores 1-5 (Vault Comics)

Costas Salvajes ha supuesto una lectura estupenda totalmente inesperada. No creo haber leído nada previamente de estos autores, pero visto lo visto les auguro un brillante futuro en el mundo del comic.

Narrativamente, me ha gustado mucho el guión de Ram V, que nos traslada a la India del siglo XIII, un tierra envuelta en el mito y la leyenda y que se enfrentaba a un cambio histórico ante la llegada de los todopoderosos británicos con su ansia expansionista. Para sumergirnos en su historia, el guionista emplea la estructura de las novelas victorianas como Drácula de Bram Stoker, haciendo que las cartas cruzadas entre varios personajes nos sirvan de hilo conductor que nos desarrolle la historia y ofrezca el contexto histórico. Esta estructura me resulta tremendamente original en un comic y ayuda a crear el tono perfecto que esta historia necesitaba. El comic es parte historia de monstruos y parte drama histórico, pero también contiene elementos románticos y de la literatura de aventuras. Muchos elementos combinados que sin embargo funcionan.

Otro elemento a destacar de este comic es que a pesar de que me encanta descubrir nuevas lecturas que ofrezcan historias originales, a menudo me encuentro que muchos comics de editoriales independientes estadounidenses cuentan con un apartado artístico bastante cuestionable, sino directamente mediocre. No es el caso de estas Costas Salvajes.

El dibujo de Sumir Kumar me ha gustado, aunque le veo bastante margen de mejora. Kumar tiene un estilo de línea fina y trazo claro con una correcta narrativa centrado sobre todo en la ambientación, aunque quizá veo a sus figuras un tanto estáticas. Lo que está a otro nivel es el espectacular color de Vittorio Astone, que transmite un perfecto tono a cada momento. Además de evocar las novelas de viajes y aventuras de Walter Scott (entre otos) y elementos de la literatura romántica, Astone consigue crear momentos de gran tensión cercanos al terror. El trabajo de ambos autores consigue crear una obra de gran personalidad que sobresale sobre la mayoría de comics indys publicados actualmente.

Quizá lo menos bueno de este comic es que triunfa en la construcción de este mundo, con una ambientación perfecta, ofreciendo una lectura súper satisfactoria. Sin embargo, para el final acaba cayendo en el tópico más evidente, lo que en parte me pareció una pena, teniendo en cuenta en nivel de lo leído hasta ese momento. Además, aunque la historia es fantástica, Ram V la sitúa en un momento histórico real durante la expansión del imperio británico por la India. Y en lo relativo a este contexto histórico, me dejó con la sensación de que me nos han dejado con la miel en los labios y no acabaron de contarlo todo de la mejor forma posible.

Comparto a continuación una reflexión que me ha parecido muy interesante del guionista Ram V sobre lo que le llevó a escribir esta obra, declaraciones recogidas en la web The Comics Beat:

«Escribe sobre lo que conoces.»

«Apuesto a que a todos los escritores, en algún momento, se les ha ofrecido este consejo, un clásico de los clichés literarios transmitidos como prescripción contra los peligros de alcanzar cosas más allá de nuestro alcance. Pero es un consejo que distrae, en el mejor de los casos.»
“La verdadera pregunta es, ¿qué sabemos? ¿Qué es saber? ¿Es un agregado cuantitativo de información que obtenemos a través de la lectura, la observación y el análisis de datos? ¿Es familiaridad cualitativa-sensorial, empatía, memoria muscular?»
«Cuando me dijeron por primera vez,» Escribe lo que sabes «, mi reacción fue burlarme del consejo. Rebelarme contra eso. Lo encontré limitante, restrictivo. En retrospectiva, tal vez tanto el consejo como su interpretación carecían de matices. Saber es algo maravilloso. Es difícil describir exactamente qué es saber algo.»
«Costas Salvajes soy yo cavando profundamente en lo que sé. Sí, tiene vampiros. Sí, se establece en la década de 1760 mucho antes de que yo naciera. Su amor, romance, política fue todo antes de mi tiempo. Pero sé de dónde vengo. Sé sus secretos, sus historias. Leyendas transmitidas por los abuelos y sus padres. Historias escritas en registros reales e historias alternativas talladas en las paredes de las cuevas. He caminado por los pasillos donde mis personajes alguna vez deambularon. He visto desde el mirador donde alguna vez estuvieron y sentí el mismo tipo de amor y romance sobre el que solo se puede escribir y nunca se puede definir de manera tangible.»
“Puedo imaginar las cosas que perdimos en el colonialismo, puedo imaginar el dolor de un lugar cambiando por miedo a ser dejado atrás por el tiempo. Escribo sobre reyes, monstruos, supersticiones y guerras. Pero en cierto nivel, estoy escribiendo las historias que me contaron cuando era niño. Estoy escribiendo lo que sé. Y quizás, cuando lo leas, también lo sabrás. Como si nos sentáramos a la luz del fuego, en el aire fresco de la noche, y te contara la historia de un lugar desaparecido hace mucho tiempo. Uno que existe ahora, solo en nuestra memoria.»

Costas Salvajes ha sido un excelente comic que nos ha trasladado a una India envuelta en el mito y la leyenda, y que merece ser descubierto y disfrutado por todos los lectores que busquen lecturas diferentes.

PUNTUACIÓN: 8/10

*Las tres páginas de arte que he compartido son el Preview de este comic disponible en la web de Editorial Hidra.

 

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Crítica de Iron Man 2020 1, de Dan Slott, Christos Gage y Pete Woods (Marvel Comics – Panini)

Dan Slott y Christos Gage continúan con su homenaje al clásico Hombre Máquina de los año 80 con el inicio de su nuevo comic Iron Man 2020, que nos mete de lleno en un nuevo status-quo para el personaje que nos asegura una montaña rusa de emociones para los próximos meses.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡El futuro es ahora! Los robots suponen un peligro real para la humanidad y deben ser puestos de rodillas, mientras luchan por alcanzar unos derechos que siempre se les han negado. Todo eso… mientras Arno Stark se ha convertido en el nuevo Iron Man.

Me declaro muy fan de lo que Dan Slott y Christos Gage están construyendo en Iron Man. Y aunque este arco con Arno Stark de protagonista tiene claramente fecha de caducidad, en el mundo del comic de superhéroes el viaje es casi tan importante como la conclusión a la que lleguemos al final.

Que en 2020 Marvel Comics, y en concreto Dan Slott, se acordaran de la clásica miniserie Hombre Máquina de Tom de Falco, Herb Trimpe y Barry Windsord-Smith que estaba ambientada en el lejano (en ese momento) 2020 me parece un puntazo. Y por lo visto en este arranque, este Iron Man 2020 va a tener un protagonismo coral que me parece perfecto.

Y si la historia me parece buena, Pete Woods en el dibujo me parece otro acierto total, ya que asegura un nivel de consistencia y calidad que van a hacer de la lectura de este comic una delicia.

Quizá el único pero de este comic es que aunque intenta ser lo más «reader-friendly» posible explicando lo que ha pasado previamente y quien es quién, veo muy difícil que este comic pueda captar nuevos lectores que no hayan comprado antes Tony Stark: Iron Man, a pesar de ser este nuevo número 1 un perfecto punto de entrada. De hecho, a mi como lector veterano la conexión con Hombre Máquina me encanta, pero diría que al 95% de los lectores actuales esta conexión no les supone nada ya que difícilmente han leído ese comic, por lo que no existe ningúntipo de conexión emocional.

Iron Man 2020 es quizá un placer «culpable» para lectores cuarentones como yo. Lo cual, bien mirado, no tiene nada malo, ya que ¿no estamos diciendo siempre que los comics tienen que tener mayor variedad y apelar a todo tipo de lectores? Pues me gusta que esta serie me busque precisamente a mi, que compré, leí y disfruté el comic de los 80, publicado en España por Forum en el mítico Extra de Superhéroes.

Gracias, Marvel, por pensar en mi. Espero que consigáis crear una historia que 20 años sigamos recordando como el Hombre Máquina, os deseo suerte, aquí estaré para contarlo.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

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Crítica de Guardianes de la Galaxia 1, de Al Ewing y Juann Cabal (Marvel Comics – Panini)

La maquinaria de Marvel no se detiene y tras el final de la etapa de Donny Cates en Guardianes de la Galaxia, nos llega el mes siguiente el nuevo relanzamiento, a cargo de Al Ewing y Juann Cabal. Comento mis impresiones de este primer número.

PUNTUACIÓN 7.5/10

Primero fueron un equipo. Ahora son una familia que se ha ganado su descanso. Pero no hay paz en el Universo… las cosas van de mal en peor. Los grandes imperios se tambalean. Las leyes no se respetan. En medio del caos, los dioses del Olimpo han vuelto para una nueva era de guerra. Alguien tiene que guardar la galaxia. ¿Quién aceptará la misión? ¿Quién sobrevivirá a ella?

Ojalá todos los relanzamientos fueran tan sólidos como este comic que acabo de leer. Al Ewing tiene la virtud de meternos desde el minuto uno en un fregado de consecuencias cósmicas mientras reafirma que la historia va a tener siempre el foco en esta familia disfuncional. Además, fruto de su ya conocido gusto por una gran planificación, Ewing planta semillas de lo que puede ser la gran amenaza galáctica de esta serie, si sobreviven a los próximos números.

En el apartado artístico, he notado a Juann Cabal menos sólido de lo que me tiene acostumbrado, porque entiendo que está buscando captar el feeling correcto a cada personaje. Sin embargo, aunque entiendo que tiene margen de mejora en lo referido a las expresiones faciales, consigue elevar la tensión en varios momentos, ayudado por el buen color de Federico Blee.

El objetivo de todo número uno es conseguir que el consumidor se sienta enganchado a la historia y a los personajes, de forma que quiera volver el mes siguiente para descubrir cómo continúa la historia. En este sentido, el relanzamiento de Guardianes de la Galaxia es modélico, y me sitúa en el grupo de los clientes satisfechos.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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