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The Lego Batman Movie – Qué difícil es ser Batman

Esta semana toda la familia nos fuimos a ver The Lego Batman Movie, la película de Warner que continúa el éxito de la Lego Película (2014) y que está inspirada en los personajes de DC Comics y en el increíble juego de construcción. Y tengo que decir que fue a mi al que más le gustó, mucho más que mi a hijo, que tambíén se lo pasó genial.

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Dirigida por Chris McKay, y escrita por Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittington, la película está protagonizada por el Batman del mundo Lego. En el mundo Lego, Gotham es atacada por innumerables villanos liderados por el Joker, pero la ciudad no tiene nada que temer, porque Batman es el mejor, el más listo y el que mejor canta, y no necesita a nadie para derrotarlos a todos. 

Pero, ¿seguro que no necesita a nadie? La inesperada llegada de Dick Grayson a la mansión y de la nueva jefa de policía, Barbara Gordon, la hija del Comisario, hará que el justiciero enmascarado tenga que replantearse toda su vida y sus prioridades.

Lego Batman

Estamos disfrutando de una edad de oro en el mundo de la animación en los últimos años, con películas como Inside-out, Kubo o Zootrópolis que gustan mucho a los niños pero casi más a los adultos por los temas que tocan en el subtexto. Que la animación sea excelente ya no es suficiente si la historia no engancha (que se lo pregunten a El viaje de Arlo), y las películas deben ofrecer cosas diferentes a un abanico ámplio de espectadores. Y dentro de este abanico, la Lego Película también fue una sorpresa monumental con el giro de su última parte.

Por tanto, las expectativas ante esta The Lego Batman Movie estaban por todo lo alto, algo que a veces puede jugar en contra de la película (algo que sin ir más lejos ha sufrido la última temporada de Sherlock que reseñé hace unos días). Sin embargo, esta película interpretada por el Hombre Murciélago es un nuevo triunfo, no tanto por el envoltorio (excelente por otro lado), sino por el acertado retrato de Batman.

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Batman es engreído, chulo e incluso llega a caernos mal, al ser un narcisista que solo piensa en sí mismo. Vence a los supervillanos no por proteger a los ciudadanos de Gotham, sino para alimentar su ego. Y rechaza cualquier intento de amistad debido al trauma que le causó la muerte de sus padres, creando una coraza que le evita preventivamente el volver a sufrir dolor ante una posible nueva pérdida. Un retrato increíblemente certero y sorprendente al tratarse de una película «para niños», que demuestra que los escritores y director son unos grandes conocedores del mundo de Batman / Bruce Wayne.

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A pesar de todo lo anterior, The Lego Batman Movie es una película de entretenimiento familiar, así que este retrato está adornado con multitud de bromas y situaciones que harán las delicias de los niños, y que consiguen equilibrar el conjunto. Batman lucha literalmente con toda su galería de villanos en versión Lego, y la película es colorista y super entretenida.

Además, aunque la película no sorprende como lo hizo la Lego Película, pero sí está plagada de un montón de momentos increíbles para los lectores veteranos del personaje, recordando todas las películas en imagen real previas e incluso las principales historias de los tebeos, haciendo un curioso ejercicio de metarealidad que además de sacarme un sonrisa consiguió sorprenderme.

Lego Joker

¿Cuantas veces de niños hemos mezclado personajes de distintos juegos que tenemos en casa en una única aventura? O cuantas veces leyendo tebeos hemos pensado «¿no molaría leer un tebeo de Batman y Hellboy?».  Pues se nota que el director Chris McKay, y los guionistas Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittington también fueron niños y pensaron esto mismo leyendo sus comics, porque además de todo lo anterior, The Lego Batman Movie hace uno de los crossovers más alucinantes y divertidos nunca vistos en una pantalla de cine aprovechándose de todas las posibilidades que el mundo Lego les pone a su alcance.

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Esta segunda película de Lego es un nuevo triunfo para Warner Animation Group que confirma que la franquicia tiene enormes posibilidades, siempre que se confíe en creativos con un enfoque fresco y se les de la libertad necesaria para poner en marcha su idea. El único pero que pondría no es a esta película es si, que tiene claro lo que es y qué tiene que hacer para entretener al público, sino a la expansión de la franquicia. Y es que ya se anuncia para este próximo mes de Septiembre The Lego Ninjago Movie y para 2019 la Lego Película 2. Y aunque Ninjago es una línea de juguetes bastante popular, no tiene nada que ver con Batman y los superhéroes de DC, por lo que temo que un exceso de oferta puede acabar jugando en contra de esta franquicia al robarle la novedad y espontaneidad que hemos visto hasta ahora.

Comparto a continuación el trailer de la película para que flipeis con la animación de la película.

The Lego Batman Movie ha sido una entretenidísima película que ha mostrado uno de los retratos más acertados del cruzado enmascarado, más adulto y profundo que la mayoría de películas en imagen real estrenadas hasta la fecha. Una película que hará que los niños lo pasen bomba y que los adultos, en especial los lectores fans del personaje, la disfruten aún más. Buen entretenimiento familiar en el más ámplio significado del termino.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Los mejores trailers de la Superbowl

¡Menuda Superbowl hemos disfrutado este año! La remontada de los Patriots frente a los Falcons se recordará toda la vida, prórroga incluida. Y en lo referido al mundo del entretenimiento, la final de Fútbol Americano es el principal escaparate para anunciar las películas que esperan triunfar en taquilla en los próximos meses, al ser el programa de televisión más visto del año y familias enteras y grupos de amigos se reúnen para verlo juntos.

Voy a compartir hoy los que para mi han sido los trailers más destacados por orden de importancia. No busco un listado exhaustivo, sino solo comentar los que más me han gustado. ¡Vamos a ello!

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 2 (28 de Abril)

¡Showtime!!! Eso es lo que promete la nueva película de Marvel, de nuevo dirigida por James Gunn. La pinta es brutal, y lo mejor es que vamos a poder llegar al estreno sin saber nada de la historia. ¡Mola!!!

STRANGER THINGS TEMPORADA 2 (Netflix, Halloween)

Stranger Things fue una de las mejores series de 2016 y simplemente ver a los niños vestidos de Cazafantasmas ya me ha flipado a nivel máximo. Lo único malo, que el estreno se retrasa del verano a Halloween, por lo que nos quedan 8 meses de espera.

IRON FIST (Netflix / Marvel, Marzo)

Reconozco que este trailer no se estrenó en la Superbowl, sino el día siguiente, pero es demasiado bueno como para no comentarlo. Iron Fist es la nueva serie de Netflix inspirada en un personaje de los comics Marvel.

Y la verdad es que tiene una difícil papeleta, al estrenarse tras el fracaso de Luke Cage (que no he acabado de ver), y que ha mostrado que incluso Marvel puede errar. Por este motivo, una serie correcta no es suficiente ahora mismo. Además, tras Iron Fist llegará The Defenders, la serie / evento que reune a los cuatro héroes urbanos de Marvel, Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage e Iron Fist, y lo mínimo exigible es llegar con un buen sabor de boca y dos personajes con series buenas y dos decepciones.

En todo caso, el trailer pinta bien, y veré seguro la serie cuando se estrene este próximo mes de Marzo, aunque no las tengo todas conmigo.

LOGAN (3 de Marzo)

Todos los trailers de Logan pintan muy bien. Y finalmente se ha confirmado que la película es R, por lo que el nivel de violencia será alto. Pero la película está dirigida por James Mangold, director de Lobezno Inmortal, y los trailers de esa película también pintaban muy bien. Probablemente la vea en el cine, pero me temo que no vaya a estar tan bien como el trailer apunta.

GHOST IN THE SHELL (31 de Marzo)

La nueva película de acción de Scarlett Johanson adapta el manga y posterior anime de Masamune Shirow, y está dirigida por Rupert Sanders. Seguro que no me la  pierdo.

BAYWATCH (16 de Junio)

Cada vez que veo un trailer de Baywatch me parto de risa, ante lo que parece una película de humor que no se toma muy en serio a si mismo, ni a los estereotipos creados por la serie de televisión protagonizada por David Hasselhoff y Pamela Anderson en los años 90. No lo hubiera dicho a priori, pero a lo mejor hasta acabo viendo esta película en el cine.

JOHN WICK Capítulo 2 (5 de Mayo)

Con la primera John Wick , estrenada en 2014, me llevé una pequeña decepción debido probablemente ante unas expectativas exageradas. La película interpretada por Keanu Reeves era una entretenida cinta de acción cuyas coreografías no eran tan buenas como mucha gente decía. Lo bueno de John Wick capítulo 2 es que se exactamente lo que voy a ver, esperando lógicamente que mejore la anterior, así que confío en que pasaré un buen rato.

El trailer mola porque empieza imitando a 50 Sombras de Grey, para cambiar en seguida a acción total y violencia in-your-face. Esperemos que las coreografías sean igual de imaginativas que el trailer.

LA CURA DEL BIENESTAR (24 de Marzo)

Buena pinta tiene A Cure for Wellness (La Cura del Bienestar), la nueva cinta de Gore Verbinski protagonizada por Dane DeHaan, Mia Goth y Jason Isaac: una película de terror en la que un joven empleado debe traer de vuelta al CEO de su empresa recluido en un misterioso centro terapéutico. Aunque me recuerda algo a Shutter Island de Dicaprio + Scorsese, visualmente promete. a ver qué tal.

LIFE (Abril)

Peor sensación me da esta película de ciencia-ficción dirigida por Daniel Espinosa e interpretada por Jake Gyllenhaal, Ryan Reynolds y Rebecca Ferguson. Aunque la producción y visualmente pinta bien, hay demasiadas similitudes con el Alien de Ridley Scott, aunque confío que se guarden algún as en la manga y la película entretenga.

GENIUS (National Geographic, Abril)

Por último, la sorpresa de la noche la consiguió este original spot en que Alfred Einstein (interpretado por Geoffrey Rush) toca al violín temas de Lady Gaga, que realizaba el mega esperado Halftime Show. El anuncio es de la serie que National Geographic emitirá en Abril adaptando la biografía de Albert Einstein escrita por Walter Isaacson, Einstein: His Life and Universe. La serie está producida por un equipo de lujo formado por Ron Howard y Brian Grazer, y el propio Howard se encarga de dirigir el primer episodio.

 

Y hasta aquí llega mi repaso. Hubieron otros trailers como los de Transformers o Piratas del caribe, pero son películas que seguro no veré en el cine. Y otros como el de Fast 8 que ofrecieron más de lo mismo.

¿Qué película o serie esperais con más ganas?

Animaros a comentar. Saludos a todos.

 

 

 

Múltiple – M. Night Shyamalan en plena forma

Múltiple, la nueva película escrita y dirigida por M. Night Shyamalan (El sexto sentido, El protegido) tras la divertida La Visita, confirma que el director nacido y afincado en Pennsylvania vuelve a estar en plena forma.

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Kevin, impresionantemente interpretado por James McAvoy, es un joven que sufre un trastorno de identidad disociativo (DID), lo que conocemos como trastorno de personalidad múltiple. Hasta el momento sus 23 personalidades se han mantenido bajo control gracias al trabajo durante años de su psiquiatra, la Dra. Fletcher (Betty Buckley). Cuando la personalidad número 24, conocida como La Bestia, empiece a emerger, algunas de las personalidades malas tomarán el control de Kevin y pondrán en marcha un plan para asegurar que La Bestia tome el control. Y para ello, raptarán a tres jóvenes entre las que conoceremos a Casey (Anya Taylor-Joy, la rebelación de The Witch), una joven inadaptada de oscuro pasado. En medio de una batalla en la mente de Kevin, las jóvenes tendrán que intentar escapar antes que las barreras mentales de Kevin cedan y la Bestia consiga tomar el control.

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Tras un comienzo prometedor en Hollywood gracias a El sexto sentido y El protegido, M. Night Shyamalan cayó en una dinámica negativa en la que creaba películas aburridas que lo apostaban todo a la sorpresa del giro final. Esto provocó que el interés del público fuera cayendo hasta tocar fondo con los fracasos de taquilla y de crítica de Airbender y After Earth.

Su renacimiento empezó en 2015 con La llegada, película de muy bajo presupuesto que autofinanció y que vendió a los estudios cuando estaba completamente terminada, para evitar interferencias de los ejecutivos. La llegada contaba la visita de unos niños a sus abuelos a los que no conocían a su casa de campo en un ambiente rural. Cuando los abuelos empiezan a comportarse extrañamente, los niños tendrán que decidir si es algo normal teniendo en cuenta la avanzada edad y las enfermedades que padecen, o algo más siniestro y mortal está sucediendo.  Lo mejor de la película era su perfecto ritmo, en el que alternaba escenas divertidas y casi freaks con momentos de altísima tensión.

Como siempre, el guión lo ataba todo perfectamente, aunque la historia se apoyaba en una trampa brutal que el espectador debía aceptar porque sin esa trampa no hay película. A mi no me importó y disfruté mucho viéndola pero conozco a gente a la que el final casi le pareció una tomadura de pelo. Pero globalmente para mi la película funcionó perfectamente. Y de hecho fue un éxito de recaudación en los USA, consiguiendo multiplicar su presupuesto por 10 en la taquilla.

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El éxito de La llegada le abrió la posibilidad de conseguir una libertad creativa total para Múltiple, y sin duda ha aprovechado esta nueva oportunidad.

Múltiple es una película perfecta teniendo en cuenta lo que plantea y su ejecución. Como es habitual en su filmografía, Shaymalan no rueda terror que busca dar sustos mediante el montaje o la música, sino un thriller con toques sobrenaturales que busca generar una tensión in-crescendo, no con la violencia en si, sino con la anticipación de la violencia.

Otras de las cosas más destacadas para mi es que Shyamalan ya no es esclavo del giro argumental. En Múltiple, el espectador conoce perfectamente las reglas del juego gracias a la doctora Fletcher, que verbaliza y explica en varias ocasiones las características del trastorno de Kevin y lo que puede pasar. En mi caso, me gustó que todo lo referido a Kevin y sus personalidades y el trauma de Casey, se confirme al final, y no cayera en la tentación de crear un giro que rompiera lo mostrado hasta el momento. Habrá quien diga que el último arco con La Bestia es sorprendente y significa un giro, pero para mi no es más que la continuación lógica de lo que nos han contado hasta ese momento.

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Para que Múltiple funcione, el actor que interpreta a Kevin debe ser creíble, o por muy buen guión que hubiera, la película caería. Por suerte, James McAvoy (X-Men) se sale. Vi la película en versión original, y al menos en inglés sus personalidades se notan diferentes, ya sea Barry, el dominador de la psique de Kevin hasta ser atacado, el niño Hedwig, Patricia, Barry o la Bestia. Pero son actuaciones contenidas y sutiles en las que menos es más, y en ningún momento cae en locuras o exageraciones que hubieran eliminado cualquier atisbo de credibilidad. McAvoy demuestra lo gran actor que es y me ha dejado muy positivamente sorprendido.

Además, leí una entrevista a Shyamalan en la que explicaba que el personaje de Kevin surgió hace muchos años para otra película, pero que al final decidió no usarlo porque no encajaba con lo que buscaba en ese momento. Pero quedó en su subconsciente esperando el momento adecuado para volver al primer plano. Se nota que hay un intenso trabajo de caracterización en la creación de Kevin, su historia y personalidades.

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También me gustó la actuación de Anya Taylor-Joy como la joven Casey, a la que descubrí recientemente en The Witch (La Bruja). Lo mejor es su mirada y como también realzando una actuación contenida, trasmite en seguida sin casi ni hablar el trauma que ha sufrido y que nadie conoce. Pero no es la típica damisela en apuros que tiene que ser salvada. como víctima, sabe que lo importante es sobrevivir y saber cuando elegir tus batallas, y muestra en el momento justo la fuerza interior que necesita para intentar sobreponerse a la terrible situación que sufre.

Betty Buckley interpreta a la doctora Fletcher, un papel que básicamente existe para contar al espectador qué le pasa a Kevin y cuales son las reglas del juego. En este sentido, no tiene ningún margen al tener una función meramente descriptiva.

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Quizá el único pero que le pondría a la película es una excesiva exposición por parte de la doctora Fletcher, pero creo que Shyamalan opta por dejar claro a los espectadores lo que estamos viendo y lo que puede pasar a continuación para evitar que pudiera haber una reacción negativa por parte del público a los momentos más locos del último tercio. Ya veis que el pero es uno bastante pequeñito.

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Sumado a todo lo anterior, quiero destacar que la película como historia cerrada está genial, pero además que se guarda un último as en la manga en su última escena que me dejó completamente flipado. Este giro final marca de la casa Shyamalan hace que cambie  todo el paradigma de la película y mola un montón. Prefiero no decir nada más para no chafaros la monumental sorpresa y os recomiendo que cuanto menos sepas del giro final, mejor para ti y más lo disfrutarás.

 

Comparto a continuación con vosotros el trailer de la película:

Múltiple me ha gustado, me ha sorprendido y me ha dejado con muchas ganas de más. No se puede decir más elogioso a un producto de entretenimiento. Gracias al éxito de esta película, Shyamalan ha vuelto por méritos propios a la primera división de Hollywood sin traicionar sus principales señas de identidad. Espero que le vaya muy bien en el futuro, y desde luego os recomiendo que vayais al cine a ver este película.

PUNTUACIÓN: 8/10

La La Land: La película del año

La La Land (La ciudad de las Estrellas) es la gran favorita para los Oscars de este año tras conocerse sus 14 nominaciones. Que un musical consiga este record ha servido para abrir un encendido debate entre la crítica y los aficionados. ¿Son demasiadas nominaciones? ¿Se han pasado para una película que no es para tanto? El título de esta reseña creo que deja muy claro mi punto de vista, pero voy a intentar dar mi opinión lo más razonadamente posible.

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En medio del típico atasco en una autopista de Los Angeles veremos el primer encuentro fortuito entre Mia (Emma Stone), una aspirante a actriz, con Sebastian (Ryan Gosling), un pianista enamorado del jazz clásico cuyo sueño es abrir un club donde solo se toque lo que a él le apetezca. Y aunque a priori no tienen nada en común, la llama de la pasión surgirá tras coincidir en varios eventos. La gran duda que habrá que resolver es si su amor podrá resistir al paso del tiempo y sus diferentes formas de ver la vida.

Este es a grandes rasgos el argumento de la película, escrito por el director Damien Chazelle, autor de la oscarizada Whiplash, que ganó 3 Oscars en 2015 (Actor Secundario J.K. Simmons, Mejor Montaje y Mejor Sonido) y fue para mi una de las mejores películas de ese año. Y lo cierto es que el guión de La La Land lo escribió mucho antes que el de Whiplash, pero los estudios se negaron todos a producir una película musical, lo que le «obligó» a desarrollar el guión de Whiplash, la brutal película que estudia la obsesiva relación de un batería de jazz con su brutal profesor.

Solo tras el éxito de crítica y público de Whiplash, Chazelle pudo conseguir la financiación para esta historia que es un homenaje al género musical actualizándolo para el siglo XXI, y también a Hollywood / Los Angeles como el lugar donde los sueños nacen y se cumplen, y a la profesión de artistas en el más ámplio sentido del término, como los «locos» que se atreven a soñar con lo más alto por muy imposible que parezca, y cuya profesión es más importante que nunca en esta sociedad de la información y de Internet.

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Por empezar por lo malo, La La Land es un musical. ¿Y eso es malo, te preguntarás? Sí, si eres de los que no te gusta este género. En ese caso, lo normal es que la película no encaje contigo.  Y aún en el caso de que no tengas ningún problema con el género, hay en todo musical una parte fundamental para disfrutarlo que es el entrar en el «juego», dejar que la música te empape y que la historia te llegue no desde un punto de vista analítico sino emocional.

En mi caso, la conexión fue automática desde el primer fotograma en el que asistimos al brillante número musical en medio de un atasco en la autopista. Y desde el primer minuto al último sentía que formaba parte de la magia del cine, una magia que siempre encontró en los musicales un aliado perfecto. Pero, volviendo al principio, puedo entender que aunque a mi me ha encantado, muchos espectadores que no hayan entrado en el «rollo» y que por tanto la película no les haya trasmitido lo mismo que a mi.

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Otra de las cosas que me ha gustado mucho de La La Land es como actualiza el género a los gustos del Siglo XXI. Para mucha gente los musicales son historias ñoñas sin demasiado trasfondo, protagonizadas por personajes guapos y perfectos que al final consiguen todo lo que desean. Y para mi La La Land no es eso, y aporta mucha más profundidad a los personajes y sus vivencias.

De hecho, el personaje de Sebastian es un snob que mira a todo el mundo por encima del hombro que piensa que solo él entiende lo que es el Jazz «puro» y que todos los demás lo están pervirtiendo y desnaturalizando. Su extremismo hace que cuando toque en un grupo de éxito, se comporte como un chungo, como si ese tipo de música no tuviera la suficiente categoría para él. Y es el líder de esa banda, interpretado por el cantante John Legend el que le da una de las réplicas más interesantes de la película, cuando le dice «¿Como vas a ser un revolucionario si eres tan tradicionalista? Te aferras al pasado, pero el Jazz sobre es todo es mirar hacia el futuro». Y sobre todo, cuando le dice que para que el jazz sobreviva, este género tiene que ser escuchado por las nuevas generaciones.

Damien Chazelle deja claro el punto de vista de Sebastian, pero no intenta que los espectadores creamos que tiene razón o está en posesión de la verdad, sino que plantea la problemática real que está viviendo la música en la actualidad, sin dar soluciones fáciles que no son reales.

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Por su parte, Mia (Emma Stone) roba todas las escenas y es la gran protagonista de la función. Gosling demuestra tener una gran química con ella en pantalla con su papel de cascarrabias a la que Stone le enseña que puede ser feliz. Pero cuando Stone está en pantalla, parece que la pantalla es más brillante y todo es mejor. Mientras Gosling canta y baila correctamente, Stone fluye en pantalla. No se si ganará el Oscar de Mejor Actriz, pero para mi se lo merece sin duda.

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Los números musicales son excelentes, sobre todo el brillante arranque en la autopista y el largo número final, una maravilla desde el punto de vista narrativo, visual y del sentimiento que trasmite. Quizá toda la parte central no llega al nivel de sobresaliente, pero mantiene un notable alto en todo momento.

Otra cosa que me ha parecido curioso es que aunque estamos en un musical, realmente no hay tantos números musicales durante las 2 horas de película, ni hay muchas canciones diferentes. Chazelle opta por volver una y otra vez a los temas principales, escritos por Justin Hurwitz, de forma que nuestro oído interioriza la música y esta llega a  formar parte de nuestro corazón.

Otro hecho que yo destaco es que Gosling y Stone cantan y bailan todo lo que Chazelle les pide, que es lo que la historia demanda de ellos. No son unos figuras ni falta que hace, porque se trata de expresar sentimientos, no de mostrar una pericia profesional en las artes escénicas. Además, es Gosling el que realmente toca el piano en pantalla, otra de las sorpresas positivas de la película.

Y una cosa muy chula que me ha pasado es que aunque hace 2 semanas que vi la película, se me sigue formando una sonrisa tonta cada vez que pienso en la película y tarareo «City of Stars» cantada por Gosling o «Here´s to the ones who dreams» de Stone. ¿No es algo mágico? Esto es para mi sin duda la magia del cine.

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La película a veces parece una guía de turismo de Los Angeles ya que está rodada en un montón de sitios míticos de la ciudad, como son los estudios Warner, El Observatorio Griffith, el muelle de Long Island o el puente de Colorado Street en Pasadena. De hecho, una web ha creado un mapa genial que puedes ver aqui con la ubicación real de todas las localizaciones de la película, para que puedas visitarlas si estás en L.A.

Otro de los hechos que sin duda ayudó a que me enganchara la película es recordar mis tiempos de estudiante en Pasadena y como visité muchas de estas localizaciones durante mi estancia, lo que hizo que me flipara inmediatamente este claro homenaje a Hollywood y Los Angeles como lugar donde se crean los sueños.

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Otro aspecto brillante que no quiero dejar de destacar es la brillante fotografía de Linus Sandgren que crea escenas de gran belleza, con o sin música. Visualmente la película se sale, pero en especial quiero destacar la habilidad que tiene Chazelle de filmar la música, algo que ya se vió en la excelente Whiplash, y para lo que no todo el mundo tiene la habilidad suficiente. Se nota que el cine es su principal pasión, pero la música está muy muy cerca en su corazón. Los claroscuros o las explosiones de color están muy calculadas para que la música se sienta más que simplemente se escuche.

Pero no es solo la música, cinematográficamente la película fluye perfectamente y para mi forma un todo compacto que es mejor que la suma de sus partes, y demuestra como estamos ante una película mágica.

Director Damien Chazelle and Emma Stone on the set of LA LA LAND.

He leído y oído en radio, prensa y foros a mucha gente que dice que La La Land «no es para tanto». Y aunque por supuesto respeto y entiendo que tiene que haber opiniones para todos los gustos, me parece que en parte estamos ante un punto de vista un poco cínico. Es muy fácil decir a posteriori que los números musicales o las canciones podrían ser mejores, o que la historia no es tan buena, pero ¿quién se hubiera arriesgado a priori a poner dinero para rodar una película de un género como es el musical? El musical como género parecía muerto y enterrado, y sin embargo tras La La Land, Chazelle ha conseguido lo que para mi es la cuadratura del círculo: Ha creado un gran musical que triunfa por sus propios méritos, homenajeando el pasado y mirando hacia el futuro con esperanza, mostrando que las oportunidades son tan infinitas como los sueños, solo hace falta atreverse a alcanzarlos. Ahora mismo, la posibilidad de que se estrene un musical por año no es nada descabellado, y más si La La Land gana un buen puñado de Oscars.

Además, el final me gustó mucho y para mi es perfecto, precisamente porque se aleja de los finales típicos y esperables en este género, y consigue dejarte con un cierto regusto agriculce por el destino final de Mia y Sebastian. Como dije ante, para mi La La Land no es una historia de amor, sino un homenaje a la profesión de artista que tiene el valor de soñar y de luchar porque sus sueños se hagan realidad. En este aspecto el final es optimista porque trasmite que todos debemos luchar por lo que soñamos.

Hay mucha gente que en lugar de destacar esto se centra en lo que se queda en el camino, y para mi eso es no entender el mensaje casi de cuento atemporal que atesora la historia de La La Land, y que creo que hará que dentro de 10/15 años sigamos viéndola y disfrutándola sin que parezca que ha envejecido mal. En este aspecto, Damian Chazelle demuestra que ama el género y al crear su propio musical ha buscado no solo homenajear el género, sino actualizarlo y convertirlo de nuevo en el centro de atención.

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Este fotograma de Mia y Sebastian bailando con las colinas de Los Angeles destacadas por el atardecer ha convertido ya en una de las imágenes más icónicas y creo que forma ya parte de la historia del cine. No solo por la belleza de la escena en si, sino porque sirve de metáfora de la película: Dos personas muy diferentes se encuentran en un momento de sus vidas y su relación cambiará su destino. Y aunque sus vidas sigan su curso por separado, nunca olvidarán los momentos que compartieron.

Aprovecho para compartir el trailer de la película que no te puedes perder:

La La Land es una película excelente. De hecho, yo no soy fan del género de los musicales, pero sin embargo está película me ha llegado al corazón. Una película totalmente recomendable.

PUNTUACIÓN: 9/10 

Crítica de Silencio, de Martin Scorsese

Tenía muchas expectativas con la última película de Martin Scorsese, Silencio, una exploración del significado de la fe en las circunstancias más extremas. Y la verdad es que estamos ante una película increíblemente interesante y que ha generado una profunda reflexión.

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Silencio es una adaptación de una novela del japonés Shusaku Endo, en la que dos jesuitas portugueses, Sebastião Rodrigues (Andrew Garfield) y Francisco Garrpe (Adam Driver), viajarán hasta Japón a mediados del siglo XVII buscando a su maestro, el padre Ferreira (Liam Nesson), que se dice ha renunciado a su fe cristiana debido a la tortura sufrida a manos de las autorizades japonesas, que han prohibido la práctica del cristianismo en todo el país. Tras conocer la dura realidad de los cristianos en Japón, ellos mismo serán apresados y torturados, poniendo su propia fe a prueba. Este drama histórico ha sido escrito por Jay Cocks y Scorsese ha tardado literalmente décadas en realizarla.

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Aparentemente, este argumento es el de una historia de blancos y negros, buenos y malos. Y nada más lejos de la realidad, la película tiene una gran complejidad y plantea muchas cuestiones que no siempre responde claramente, dejándolo a la reflexión de cada uno.

Para comentar sobre esta película es inevitable entrar en terrenos pantanosos de spoilers. Realmente os recomiendo que vayais a ver la película y pares de leer ahora mismo.

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¿Ya la visteis? ¡Bien!! Ya puedo hablar con libertad.

La primera cosa que me chocó de Silencio es que aunque los japoneses son claramente los «malos» de la función, no podía dejar de empatizar con ellos y comprender su punto de vista. Y eso que Scorsese no se corta a la hora de mostrar las continuas brutalidades que practican no solo a los misioneros europeos sino especialmente a sus propios campesinos o pescadores que profesan la fe cristiana.

El Japón feudal era un reino cerrado y orgulloso que vio como extranjeros que no intentaban comprender su lengua, cultura o religión llegaron al país intentando convencer al pueblo que solo ellos estaban en posesión de la verdad y que los japoneses debían someterse ante su supuesta superioridad moral y de convicciones. Entiendo que en un contexto medieval, la reacción antes ese  intento de colonialismo fuera rápida, brutal y sangrienta. Especialmente si tenemos en cuenta que la sociedad japonesa siempre se ha caracterizado por un elevado belicismo, una marcada creencia de superioridad frente a otros paises y culturas, un histórico aislamiento frente al exterior  y un culto al líder casi como figura suprema.

Hubo un momento durante la película que incluso llegué a pensar que si los nativos americanos hubieran masacrado a los pasajeros del Mayflower, por muy brutal que dicho suceso hubiera sido, a lo mejor su cultura y sociedad aún dominaría el continente americano. Por contra, su bondad hacia los recién llegados al final fue recompensado con el genocidio. Claramente, lo sucedido en América no pasó en Japón.

Se ha criticado desde siempre a Martin Scorsese porque supuestamente glorifica actitudes amorales como las de los gangters, algo sobre lo que yo no estoy nada de acuerdo. Películas como Uno de los nuestros o recientemente El lobo de Wall Street muestra sin tapujos la buena vida y los excesos que los protagonistas cometen. Pero mostrar no es obviamente estar de acuerdo con estas actitudes.

En Silencio Scorsese creo que vuelve realizar algo similar y hace que entendamos ambos puntos de vista, aunque sean los del verdugo frente a su víctima. Esto no significa que apruebe las masacres cometidas, sino que muestra sin tapujos las incongruencias de ambas culturas y como nadie está realmente en posesión de la verdad completa. Y esta necesidad de comprender que nadie está totalmente en posesión de la verdad resultará ser fundamental en la resolución de la búsqueda del significado de la fe por parte del padre Rodrigues.

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Pero que todo lo anterior que acabo de comentar no te engañe. Silencio no es un drama histórico planteado desde una vertiente sociopolítica. La clave de la película es más personal, al centrarse en mostrar el camino que recorre el padre Rodrigues (Andrew Garfield) para encontrar la fe verdadera frente a lo que él cree que es la fe al comienzo de la película.

Al mostrarnos las condiciones de vida de los japoneses cristianos, vemos unos poblados en extrema pobreza, en contraste con las ciudades budistas donde se aprecia un mayor grado de bienestar. En este contexto histórico de penurias y sufrimiento, también se entiende que estos pobres se agarraran a la promesa del paraíso como forma de escapar de la horrible realidad, y estuvieran casi deseando poder morir como cristianos para alcanzar el más allá, aunque fuera sufriendo un martirio.

Esto también me trajo a la mente la triste realidad de terroristas suicidas de religión musulmana que se inmolan contra el enemigo occidental. Aunque ellos son unos asesinos, también en su caso les prometen el paraíso, en este caso a cambio de cometer unos actos horribles que en caso de que seas creyente te enviarían directamente al infierno.

En todo caso, no es que los campesinos fueran pobres por ser cristianos, es que hubieran sido pobres y hubieran sufrido penurias igual siendo budistas, porque esa era la triste realidad del pueblo llano en el periodo feudal, ya sea en Japón o en Europa.

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Frente a la visión occidental del padre Rodrigues (Garfield) y su creencia de estar en posesión de la verdad, que solo su fe es la correcta, y que merece la pena morir por defenderla (o dejar que otros mueran por ti), la realidad que le muestra el padre Ferreira (Liam Nesson) y su propio camino de autorealización consiguen que abra su corazón a una verdad superior.

La fe verdadera es un asunto interior que solo te compete a ti y a tu Dios, y no debería ponerse en peligro la vida de nadie para mantener unas convicciones que al final solo muestran tu orgullo, no tu fe.

Andrew Garfield está omnipresente en la película y me gustó poder escucharle en Versión Original. Su actuación sabe ser contenida y a la vez reflejar toda su angustia existencial mientras sufre al tener que ver como sus feligreses son torturados y asesinados al negarse a apostatar pisando una figura de Cristo, ante un Dios silencioso que parece no responder sus plegarias.

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Quizá el único pero que le pondría a la película es su duración. Aunque sus 160 minutos no se me hicieron largos, realmente creo que Scorsese hubiera podido contar exactamente lo mismo en una película de media hora menos. Pero al menos en el cine me empapé del ritmo pausado de la narración de Scorsese, y se me pasaron las horas en un suspiro. Más o menos…

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Comparto el trailer de la película:

Silencio no es una película sencilla ni se la recomendaría a todo el mundo. Sin embargo, me ha parecido una de las obras artísticas más interesantes en mucho tiempo.

PUNTUACIÓN: 8/10