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Crítica de El exorcista del Papa de Julius Avery

Con algo de retraso vi El exorcista del Papa, película de Julius Avery (Overlord, Samaritan) con Russell Crowe de gran protagonista, entretenida película aunque algo formulaica dentro del sub-género de terror de exorcismos.

PUNTUACIÓN: 7/10

Película sobre Gabriele Amorth, un sacerdote que ejerció como exorcista principal del Vaticano, realizando más de cien mil exorcismos a lo largo de su vida. Amorth escribió dos libros de memorias donde detalló sus experiencias luchando contra Satanás.

Julius Avery es un guionista y director de cine australiano. Escribió y dirigió varios cortometrajes premiados, incluido el corto Jerrycan, ganador del premio del jurado de Cannes en 2008. En 2014, escribió y dirigió su primer largometraje, el thriller australiano Son of a Gun, protagonizado por Brenton Thwaites, Ewan McGregor y Alicia Vikander. En 2018 dirigió la super entretenida película de terror bélico Overlord para Bad Robot Productions y Paramount Pictures, tras la que rodó Samaritan, su tercera película como director con Sylvester Stallone, estrenada en Prime el año pasado.

La película cuenta con un guion de guion Michael Petroni y Evan Spiliotopoulos, basado en las memorias del padre Gabriele Amorth An Exorcist Tells His Story y An Exorcist: More Stories. La película de 104 minutos de duración cuenta con fotografía de Khalid Mohtaseb, montaje de Matt Evans y música de Jed Kurzel. Con un presupuesto de 18 millones de dólares, fue rodada en 2022 en localizaciones en Roma y en Dublín y Limerick (Irlanda), a pesar que la parte del exorcismo está situada en España en la película.

La película está protagonizada por Russell Crowe como Amorth, el omnipresente protagonista que aguanta la película con su carisma. Junto a Crowe tenemos a Daniel Zovatto como el Padre Esquivel, Alex Essoe como Julia y Franco Nero como el Papa. Además, Laurel Marsden como Amy, Peter DeSouza-Feighoney como Henry, Cornell John como el obispo Lumumba y Ryan O’Grady como el cardenal Sulliva.

El exorcista del Papa es la típica película de serie B que sería carne de videoclub (ahora sería directa al streaming y no precisamente como un estreno potente), si no fuera por un Russel Crowe tremendo que eleva la película con su carisma y con su presencia la pantalla. Crowe me flipa y en esta película se transforma (en la V.O.) en un sacerdote italiano divertido, carismático e inteligente que habla inglés con un fuerte acento italiano. Gracias a él la película merece ser vista en pantalla grande, su personalidad es bestial.

La verdad es que la película ambientada en 1986 se mueve por territorios bastante esperables dentro del género de terror religioso en su subgénero de exorcismos. Pero también me ha gustado que se verbalice que el 98% de las situaciones en la que se llamaba a un exorcismo no eran un problema demoníaco sino mental. El éxito en la historia viene por el añadido de un hecho del pasado que enlaza con la Inquisición durante el siglo XV que tiene una importancia clave en la identidad del demonio que ha poseído al niño y que representa una amenaza que trasciende el drama concreto de esa familia, amenazando a toda la Iglesia y, por tanto, a toda la humanidad.

La dirección de Julius Avery me parece funcional y correcta, ofreciendo una buena narrativa que va al grano en todo momento. Quizá le falta a todo el conjunto algún momento realmente potente, realmente bueno. En este sentido, aunque hay algún sustito aceptable, se me hace complicado calificar a esta película de «terror». Entiendo que en parte el problema puede ser mío al haber visto muchísimas películas dentro de este género, pero lo cierto es que Avery no consigue darla a la historia la una atmósfera realmente terrorífica. La película nos ofrece algunos momentos visualmente interesantes, pero dentro que como digo no veo que haya nada especialmente mal, tampoco hay nada brillante. El comentario anterior sobre la serie B enlaza con el trabajo de Avery. Dicho esto, los efectos visuales, el maquillaje del niño poseído, la música, todo cumplen su función.

Me hace gracia que la película se venda como «inspirada en hechos reales», porque en su tramo final optan por un over-the-top que funciona como aventura cinematográfica pero no puede ser más irreal e imposible. El Padre Gabriele Amorth existió realmente y es cierto que escribió numerosos libros, «algunos muy buenos» como dicen en la propia película. Pero esto acaba convertido en un reclamo un tanto vacío.

Otro elemento curioso es que al plantear que 200 demonios escaparon del Infierno, la película está planteada como el inicio de una franquicia de películas de exorcismos, ya que han vencido a uno, quedan 199. He leído que ya se ha dado luz verde a una secuela de esta película, así que mientras el público siga acudiendo a los cines, y Russell Crowe tenga ganas de continuar, pueden alargarlo todo lo que les apetezca.

El exorcista del Papa me ha gustado. Me ha dado lo que esperaba, y esto para mi no es malo. Dicho esto, la última escena en la que Russell Crowe descubre que el Vaticano tiene una organización secreta tipo MI5 para combatir a los demonios enlaza en esta pretensión de creación de una franquicia, pero resulta realmente tonta. Que el exorcista principal del Vaticano que responde sólo ante el Papa haya estado trabajando casi en solitario rebuscando sólo información en bibliotecas durante décadas existiendo esta organización a sus espaldas es realmente ridículo. Y entiendo que algunos productores pudieran pensar que era una buena idea darle al género de exorcismos un giro a lo película de Bond o Misión Imposible, pero la ejecución al menos para mi ha sido un poco lamentable. Sobre todo pensando en el principio de la película cuando un Cardenal americano importante en el Vaticano quiere despedir a Amorth porque los exorcismos no son populares y dañan la imagen de la Iglesia. Ver ese escena sabiendo lo visto en el final resulta absurda completamente.

En cualquier caso, a pesar de este pero de última hora, la sensación que me dejó la película es buena. El exorcismo del Papa sabe en qué liga juega y ofrece un entretenimiento más que digno.

Comparto el trailer de la película:

Si te gusta el terror religioso, El exorcista del Papa ofrece un entretenimiento más que aceptable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Wonder Woman: Historia 3 (de 3) de Kelly Sue DeConnick y Nicola Scott (DC Comics – ECC Ediciones)

ECC Ediciones acaba de publicar el tercer y último número de Wonder Woman: Historia, el comic de Kelly Sue DeConnick debtro del sello Black Label de DC Comics destinado a contar el origen de las Amazonas, que en este último número ha contado con dibujo de Nicola Scott y color de Annette Kwok.

PUNTUACIÓN: 8/10

Hace milenios, la reina Hera y las diosas del panteón olímpico se sentían muy decepcionadas con los dioses varones. Y a sus espaldas, pusieron en marcha un plan. Nació una sociedad nueva, una nunca vista en la Tierra que era capaz de cosas maravillosas y también terribles; sin embargo, el secreto de su existencia no duró mucho tiempo. Y cuando una mujer desesperada llamada Hipólita se cruzó en el camino de las amazonas, desencadenó una sucesión de acontecimientos que condujeron a una guerra abierta en el Cielo… ¡y a la creación de la principal defensora de la Tierra!

Kelly Sue DeConnick (Ohio, 1970) es una guionista de cómic estadounidense, editora y traductora de obras manga al inglés. Tras su paso por Marvel donde trabajó entre otras en la serie de Capitana Marvel, ha triunfado en el mundo indy con sus series Bella Muerte con Emma Rios, y Bitch Planet, ambas editadas por Image Comics. Está casada con Matt Fraction, y este trabajo para DC Comics dentro del sello Black Label tiene muchas posibilidades de quedar como uno de los puntos álgidos de su carrera.

Nicola Scott es una dibujante de cómics australiana. Con una trayectoria en teatro y diseño de vestuario, Nicola comenzó su carrera en el mundo del cómic en 2001. Rápidamente se convirtió en una de las favoritas de los fans cuando empezó a trabajar en exclusiva para DC Comics con personajes emblemáticos como Superman, Batman y Wonder Woman, y en equipos como «Birds Of Prey», «Secret Six», «Teen Titans» y el bestseller del New York Times «Earth 2». En 2016 vio la luz su aclamada maxiserie «Black Magick» y «Wonder Woman: Año Uno», ambas en colaboración con el escritor Greg Rucka. También en 2016, Nicola creó el arte para celebrar la Embajada Honoraria de Wonder Woman para Mujeres y Niñas de las Naciones Unidas.

Wonder Woman: Historia termina en el tercer volumen de esta serie Black Label. Tras el monumental trabajo de Phil Jiménez en el primer volumen y el bajón que supuso tener a Gene Ha en el segundo, Nicola Scott nos ofrece el que posiblemente sea el mejor trabajo de su carrera en este tercero, consiguiendo dejarme con la mejor de las sensaciones con este final. Dicho esto, tengo que reconocer que releyendo la miniserie en su conjunto, la realidad es que el pecado original de este comic viene de la decisión de DC de no permitir que Phil Jiménez dibujara toda la miniserie, transformando una obra con vocación de clásico absoluto para dejarlo en un buen comic de la editorial, pero desde luego no algo que recordar y atesorar. Por muchas vueltas que se le quiera dar, que un comic de tres números tenga tres dibujantes diferentes es un error, y me da pena por lo que podría haber sido y no fue.

Una vez he quitado el elefante de la habitación, la verdad es que me ha gustado mucho el dibujo de Nicola Scott, con color de Annette Kwok. El problema que le encontré a Gene Ha es que aparte que la historia de DcConnick no le dio margen para brillar, abandonó su estilo intentando acercarse al arte de Jiménez para que la diferencia fuera la menor posible (dadas las circunstancias). Y el cambio no le sentó nada bien a sus páginas, palideciendo en todo. Sin embargo, Scott si acierta y mimetiza haciendo suyo el estilo preciosista y recargado de Jiménez, creando unas páginas espectaculares que sacan todo el partido a la doble página de tamaño más grande de la edición Black Label. Las imágenes de Scott parecen salidas también de una galería de arte y merecen que nos detengamos en ellas a disfrutarlas.

Wonder Woman: Historia mantiene su estructura de narración mediante el uso de la doble splash-page como unidad a partir de la que se cuenta la historia. Como en números anteriores, el comic arranca con la representación de las diosas griegas Hestia, Artemis, Démeter, Hécate, Afrodita y Atenea, a las que sigue Hera, representada en una página que resume la opulencia, barroquismo y belleza de lo que estamos a punto de ver. Scott hace un trabajo estupendo en todos los aspectos, no sólo en la parte de caracterización, sino también en lo referido al «diseño de producción», presentando telas y texturas de los vestidos que parecen reales, unido a una sobresaliente arquitectura. Por ponerle un pequeñísimo pero, quizá sus imágenes son un poco estáticas y no brillan por su fluidez, pero entiendo que esto conecta de alguna manera con la naturaleza casi mítica que se plantea con esta historia, por lo que realmente no creo que sea un aspecto que reste.

En lo relativo a la historia de Kelly Sue DeConnick, en este último número plantea un climax a la guerra entre los Dioses y las rebeldes Amazonas creadas por las Diosas del panteón griego. Un final redondo hasta cierto punto inevitable, al tratarse de la historia fundacional de las Amazonas que tiene que explicar por qué se encuentran encerradas en la mítica isla de Themyscira a la vez que plantea la conexión con el origen de Diana (Wonder Woman). Creo que DeConnick ha conseguido un final super satisfactorio, hilando perfectamente un tapiz planteado desde la mitología a la que ha añadido gotas de feminismo y sororidad que han servido para unir el conjunto y hacer que el resultado sea estupendo.

Incluso con el pero del baile de dibujantes, creo que Wonder Woman: Historia es un comic notable que se recordará durante bastante tiempo que invita a la relectura mientras disfrutamos del suntuoso y exuberante apartado artístico. Y mira que Scott lo hace bien, pero ¡qué pena que Jiménez no dibujara el comic en su totalidad!

Comparto las primera páginas de este comic:

Wonder Woman: Historia ha sido un comic fantástico que ha conseguido remontar en este tercer volumen, ofreciendo un final super satisfactorio a la historia de las Amazonas gracias a un dibujo bestial.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Once upon a time at the end of the world 1-5 de Jason Aaron y Alexandre Tefenkgi (Boom Studios)

Tenía ganas de leer el nuevo comic de creación propia de Jason Aaron publicado en Boom Studios!, Once upon a time at the end of the world. El comic publicado en Boom Studios! cuenta con dibujo de Alexandre Tefenkgi y color de Lee Loughridge, además de fantásticas portadas de Mike del Mundo. Ahora que ya se ha publicado el primer arco de la colección es buen momento para valorarlo.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Una épica serie postapocalíptica del escritor Jason Aaron (Thor, Los Vengadores, Southern Bastards), ganador de un bestseller del New York Times y de los premios Eisner y Harvey, que lanza su serie de autor más ambiciosa hasta la fecha con tres equipos artísticos únicos para abordar una visión del fin del mundo que es brutal y nostálgica, caprichosa y realista… y, en última instancia, atemporal.

Maceo y Mezzy nunca han conocido a nadie igual, y necesitarán toda la ayuda posible para sobrevivir en un planeta asolado por una catástrofe medioambiental. Esta trilogía épica -cada número desborda 30 páginas de historia- abarca toda una vida, mientras los oscuros misterios de un mundo en ruinas y sus propias diferencias desgarran los hilos que mantienen unidos a Maceo y Mezzy… ¿Se separarán ellos y la tierra bajo sus pies?

Jason Aaron es un galardonado guionista de cómics conocido sobre todo por su trabajo en Marvel Comics, que incluye una serie histórica de siete años sobre Thor, en la que presentó a Jane Foster como la poderosa Thor. También ha escrito Wolverine, Doctor Strange, Ghost Rider, Conan y el relanzamiento de Marvel de Star Wars en 2015, que fue el cómic estadounidense más vendido en más de 20 años. Aaron es el guionista actual del libro insignia de Marvel, Los Vengadores, y de su spinoff, Avengers Forever, junto con una nueva serie de Punisher que define al personaje. Entre sus obras, aclamadas por la crítica, figuran Southern Bastards, de Image Comics, ganadora de los premios Eisner y Harvey, y la serie policíaca Scalped, de Vertigo Comics, éxito de ventas en el New York Times. Aaron nació y creció en Alabama y actualmente reside en Kansas City.

«Una historia de amor debería ser más que un solo tipo de historia. Más que un primer acto. Especialmente cuando es el tipo de amor épico y desenfrenado que esculpe un camino a través de dos vidas, dejando atrás momentos de alegría y sufrimiento, placer y horror, curación y cicatrices. Más aún cuando esas vidas se viven en un páramo postapocalíptico», afirma Aaron. «Esta es la historia de dos niños perdidos que se encuentran el uno al otro al final de los días. Como si Wes Anderson hubiera dirigido ‘Road Warrior’. Pero eso es sólo el principio de su viaje de supervivencia y de la última gran historia de amor del mundo.»

«¡Jason y tres artistas únicos y originales tejen una historia que se siente cerca de casa, ya sea que te lleve de vuelta a tu propia infancia y los intentos de primer amor, el primer gran desamor, o los primeros pasos en lo desconocido, ÉRASA UNA VEZ EN EL FIN DEL MUNDO toca un nervio, te recuerda un tiempo olvidado, y te arrastra a las vidas de este dúo improbable navegando por un mundo moribundo», dijo Sierra Hahn, Editora Ejecutiva de BOOM! Studios. «Cada artista se entrelazará en los respectivos capítulos llevando a los lectores en un viaje hacia adelante y hacia atrás en el tiempo. Es una experiencia de lectura de cómic que no querrás perderte.»

Jason Aaron ha planteado este comic como una épica historia contada en tres arcos de cinco números. El primer arco, LOVE IN THE WASTELAND, cuenta con dibujo de Alexandre Tefenkgi y color de Lee Loughridge. Los siguientes arcos estarán dibujados por Leila del Duca (THE RISE AND FALL OF GOLGONOOZA) y Nick Dragotta (NOT EVEN IF YOU WERE THE LAST PERSON ON EARTH).

Aaron ha comentado que acaba de pasar por un divorcio que le ha hecho replantearse muchas cosas. Tras quince años trabajando ininterrumpidamente para Marvel Comics, ha planteado el final de su etapa en Los Vengadores como el final de sus trabajo en series regulares de larga duración. No es que vaya a abandonar Marvel, a su Punisher aún le quedan unos meses para finalizar y comenta que tiene varias ideas para algunas miniseries que seguro se publicarán en el futuro. Pero aparte de esto busca centrarse en obras autoconclusivas de creación propia que le mueva de forma diferente a lo que lo hacen los superhéroes. Once upon a time at the end of the world es la primera de estas series, planteada como una historia de amor en el final de un mundo distópico, al menos por lo visto en este primer volumen. Y de momento ha resultado la lectura menos satisfactoria de toda la producción de Aaron hasta la fecha.

Ya empezamos que la ambientación de un futuro distópico post-apocalíptico en el que prácticamente toda la humanidad ha sido aniquilada no es algo especialmente atrayente, más bien al contrario. Estoy un poco hasta el gorro de estas historias asusta-viejas que nos indican que nuestra sociedad va a irse al garete por culpa de nuestras actitudes egoístas e insolidarias como sociedad, aparte del cambio climático o el desastre que se le haya acurrido. Sin embargo, esto es solo el contexto, y lo importante son los personajes, si consiguen enganchar, la distopía en si dará un poco igual. Y lamentablemente, ni la dura Mezzy que huye de un pasado que la persigue ni el inocente inventor Maceo que nunca ha salido de la torre donde vivía con sus padres han sido personajes entrañables o interesantes, no dejándome con ganas de conocer más de sus vidas tras haber leído este primer arco de sus aventuras.

El gran problema de este comic es el apartado artístico. ALEXANDRE TEFENKGI es un dibujante de cómics francés que trabajó en la exitosa serie de Image «The Good Asian», catalogada como uno de los mejores cómics de 2021 y la aclamada serie de ciencia ficción Outpost Zero para Skybound entertainment.

El dibujo de Tefenkgi es una decepción total. Ni es un buen narrador que sepa contar una historia secuencialmente con imágenes, ni sus personajes transmiten nada porque parece que siempre les dibuja con la misma cara, desde el mismo ángulo de imagen. Me quedo muerto con un futuro distópico que apenas se ve porque todo parecen imágenes apenas abocetadas en el que confía que un color llamativo disimule la falta de fondos y detalles. (Algo que obviamente NO funciona). Un desastre total que no me ha gustado nada, partiendo de un estilo de dibujo «young-adults» totalmente inadecuado en mi opinión para la historia que estamos leyendo. Incluso teniendo en cuenta que se que estamos leyendo en este arco una historia de enamoramiento entre dos adolescentes. Pero todo en el dibujo me ha echado para atrás y me parece que no da el mínimo exigible a un artista profesional. Así de malo.

Las brillantes portadas de Mike del Mundo me encantan, ofreciendo la personalidad y la calidad gráfica que NO me dan las páginas interiores, de forma que el choque entre el reclamo y lo que es el comic en realidad es aún más grande. Hasta en esto, que las portadas sean super chulas juega en contra del decepcionante y para olvidar dibujo de Tefenkgi, un artista del que espero no comprar otro comic suyo.

Esto me recuerda que por mucho Jason Aaron que sea, el comic es un medio que cuenta historias con imágenes, y si estas no están a la altura y no saben contar la historia de forma correcta, es imposible disfrutar de la experiencia lectora. En meses anteriores de disfrutado de comics como Once & Future de Kieron Gillen y Dan Mora que nos han dado un dibujo espectacular dentro de Boom Studios, pero la triste realidad es que los comics de editoriales independientes pequeñas siempre han sufrido por el lado del dibujo. Y esta colección ha sido un doloroso recordatorio. Yo era de los de «compro todo lo que haga Jason Aaron», pero queda claro que hay que mirar todos los factores antes de volver a hacer una afirmación de este tipo, porque con un dibujo tan mediocre como este es imposible disfrutar de la historia.

Tengo claro que la falta de carisma o interés de los protagonistas Mezzy y Maceo tiene que ver por el dibujo de esta serie, no creo que Aaron se haya olvidado de escribir de repente. Pero es que el dibujo ha sido super flojo. Si a esto le sumamos que no conozco de nada a Leila del Duca, artista del segundo arco, y que Nick Dragotta, artista del tercero al que sí conozco de sus comics con Jonathan Hickman, no es que me guste especialmente, mi hermano y yo hemos llegado a la misma opinión, que es dejar de comprar esta colección. A lo mejor cuando se publiquen los tomos y en función de como sea el dibujo y de la acogida crítica me lo puedo repensar, pero ahora mismo no tengo el más mínimo interés de gastarme mi dinero en este comic.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Y como bonus-track, el trailer que Boom preparó de este comic:

Menudo chasco me he llevado con este comic por culpa de un dibujo que no está a la altura.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Star Trek: Strange New Worlds temporada 1 (SkyShowtime)

Aunque no me considero especialmente trekkie, cada cierto tiempo vuelvo al mundo de Star Trek como si fuera mi zona de confort de ciencia ficción positiva. Hoy hablo de la primera temporada de Star Trek: Strange New World, que pude ver gracias a mi suscripción a SkyShowtime.

PUNTUACIÓN: 7/10

Star Trek: Strange New Worlds sigue al capitán Christopher Pike (interpretado por Anson Mount) y a la tripulación de la nave estelar USS Enterprise (NCC-1701) en el siglo XXIII mientras exploran nuevos mundos por toda la galaxia en la década anterior a Star Trek: La serie original.

La serie de televisión ha sido creada por Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet para el servicio de streaming Paramount+. Es la undécima serie de Star Trek y debutó en 2022 como parte del Universo Star Trek expandido de Kurtzman. Además de hacer de precuela de la serie original, Strange New Worlds es un spin-off de la segunda temporada de Star Trek: Discovery, donde presentaron a Pike, Spock (Ethan Peck) y Number One (Rebecca Romij), todos ellos personajes de la serie original.

La serie se emitió en 2022 y ha sido confirmada una segunda temporada que se encuentra en producción de cara a un posible estreno en el segundo semestre de 2023. En lo relativo a esta primera parte, ha contado con 10 episodios planteados con una narrativa episódica que nos recuerda a las series originales, en lugar de la narrativa de una gran historia desarrollada a lo largo de la temporada como fue el caso de Discovery. A partir de un primer episodio con historia de los creadores Akiva Goldsman, Alex Kurtzman y Jenny Lumet y dirigido por Goldsman, la serie cuenta con 9 directores diferentes y un amplio equipo de guionistas para el resto de episodios de esta temporada.

Entrando al reparto, Anson Mount interpreta a Christopher Pike, el capitán de la USS Enterprise, que lucha con la certeza de que sufrirá un horrible destino en el futuro. Ethan Peck es Spock, el oficial científico mitad vulcano y mitad humano a bordo del Enterprise. Rebecca Romijn como Una Chin-Riley / Número Uno, la primera oficial del Enterprise y segunda al mando de Pike, el personaje sólo era conocido como «Número Uno» en la Serie Original, pero se le dio el nombre de Una Chin-Riley en varias novelas no canon de Star Trek; Strange New Worlds introduce este nombre en el canon oficial, y la serie también confirma que Número Uno es iliriana.

Otros miembros de la tripulación son Christina Chong como La’an Noonien-Singh, la recién asignada jefa de seguridad del Enterprise, cuya familia fue asesinada por los lagartos Gorn cuando ella era una niña; Jess Bush como Christine Chapel, una enfermera civil del Enterprise; Celia Rose Gooding como Nyota Uhura, una cadete del Enterprise especializada en lingüística; Melissa Navia como Erica Ortegas, la timonel del Enterprise, una piloto veterana altamente cualificada; Babs Olusanmokun como Joseph M’Benga, el jefe médico del Enterprise, que intenta en secreto curar a su hija, Rukiya, de una rara enfermedad. Por último, Bruce Horak interpreta a Hemmer, el ingeniero jefe del Enterprise. Hemmer es un Aenar, una subespecie albina de Andorianos que generalmente son representados como ciegos. Horak es el primer actor ciego que trabaja en Star Trek.

Me gustó la aparición del Capitán Pike y Spock en la segunda temporada de Star Trek: Discovery. Ya en la reseña que publiqué hace 4 años comentaba que probablemente fueron lo mejor de esa serie. Es por esto que cuando me suscribí a SkyShowtime y descubrí esta serie tenía claro que la iba a ver tarde o temprano. Otro elemento a su favor es que estoy un poco hasta el gorro de las distopías con las que el entretenimiento mainstream parece querer asustarnos con el cambio climático, virus mortales y cualquier cosa que sirva para culpar a la humanidad del destino del planeta. Es por esto que tener una ciencia ficción planteada con una visión positiva del futuro me encajaba perfectamente con el tipo de entretenimiento escapista que necesitaba ahora mismo.

Strange New Worlds tiene un estupendo feeling old-school con el que he conectado inmediatamente. Empezando por la premisa de episodios con aventuras autoconclusivas centradas a su vez en un miembro de la tripulación, para ir construyendo emocionalmente a la tripulación del Enterprise. Excepto el octavo episodio planteado como un cuento infantil con personajes medievales que me ha parecido un WTF? total (aunque dentro del lore de Star Trek, se han visto a lo largo de los años cosas más raras, las cosas como son), los otros nueve episodios me han gustado bastante. Las historias ofrecen una aventura interesante y poco a poco nos vamos enamorando de este equipo que tiene a varios personajes como Uhura o la enfemera Chapel que formaban parte de la tripulación original.

Para ser una serie de Star Trek considero que es relativamente accesible para nuevos espectadores, al ofrecer información suficiente para conocer y conectar con los protagonistas. En este sentido, la premisa de capítulos autoconclusivos también ayuda a crear esta sensación, consiguiendo que sea una serie «fácil» de ver. Sin embargo, el elefante en la cacharrería es la realidad que esto forma parte de un universo complejo de historias que se remontan a hace más de cinco décadas que la mayoría del público no tiene por qué conocer. Y digo esto porque una parte importante de la trama es explicar qué le sucedió al capitán Pike para que en la serie original el capitán del Enterprise sea James T. Kirk y no él. Como se está rodando la segunda temporada esa parte aún está pendiente de resolución, pero ya en el primer episodio se muestra la clave del futuro que espera a Pike. Y la duda es si acepta su destino o intentará cambiarlo a medida que avance la serie.

En general creo que todo el reparto está bien. Además de Pike y Spock, que son el centro de la serie con un carisma y una químicas indudables, me ha gustado especialmente la Jefa de Seguridad La’an Noonien-Singh, una tía dura con un trauma del pasado. También la enfermera Christine Chapel, que tiene un toque de ironía que me ha funcionado también. El resto creo que son funcionales y cumplidores, dando lo que se espera de una tripulación de Star Trek. Que no están mal, vamos.

Me ha gustado la amenaza de la raza Gorn, que aparece en dos de los episodios. De hecho, el concepto de aventuras independientes entre si permite jugar con diferentes tonos en función de la historia, y sobre todo en el noveno episodio consiguen recrear el feeling de terror claustrofóbico de Alien que me ha gustado mucho. Junto a esto, hay otros episodios como en el que Spock y su novia vulcana intercambian cuerpos que me ha parecido que tenía bastante gracia. Estamos tan acostumbrados a la moda actual de historias contadas a lo largo de una temporada (o varias), que me gusta que Strange New Worlds nos recuerde las posibilidades que la narrativa episódica ofrece para contar historias variadas de todos tipo.

Sin embargo, el último episodio en el que aparecen los Romulanos es una muestra del problema que la continuidad puede provocar en espectadores no habituales de la franquicia. De hecho, yo mismo no tenía claro de donde viene esta animosidad entre los romulanos y la federación, algo que entiendo que vendrá de series anteriores. Y aunque el sentido del episodio queda claro, la sensación que me faltaba mucho conocimiento del lore de Star Trek estuvo presente un poco más de la cuenta en este episodio.

La serie tiene previsto el estreno de la segunda temporada en principio antes de final de año. Si mantengo la suscripción a SkyShowtime para entonces, veré sin duda esta serie. Dicho esto, reconozco que el cliffhanger con el que nos deja el final de esta temporada me parece bastante flojo, uno de los elementos menos buenos de una temporada que en líneas generales me ha gustado bastante.

Quizá el principal problema de Star Trek: Strange New Worlds es que a pesar de los intentos de hacerla super accesible, sigue siendo una serie de Star Trek, y esto creo que hará que una parte del público no se anime a verla, pensando no sin razón que este universo es muy complejo y difícil de asimilar. No es mi caso, pero teniendo en cuenta que esta es la undécima serie estrenada dentro del universo de Star Trek, no hay duda que la complejidad existe. Dicho esto, si eres fan de la ciencia-ficción espacial y de las historias de descubrimiento, creo que no te deberías perder esta serie.

Comparto el trailer de esta serie:

Star Trek: Strange New Worlds me ha parecido una serie muy entretenida dentro del standard de Star Trek.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Ghosting de Dexter Fletcher (Apple TV)

Apple TV acaba de estrenar Ghosting, comedia de acción dirigida por Dexter Fletcher (Bohemian Rhapsody, Rocketman) que cuenta con el principal aliciente de ver a su pareja protagonista, Chris Evans y Ana de armas.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Chico conoce chica. Chica hace ‘ghosting’ a chico. Chico se ve atrapado en una conspiración de espionaje internacional por culpa de chica. Todo comienza cuando Cole (Chris Evans) se enamora perdidamente de la enigmática Sadie (Ana de Armas), pero pronto descubre que es una agente secreta. Antes de que puedan decidir si hay o no una segunda cita, Cole y Sadie se verán arrastrados en una aventura sin fronteras para intentar salvar el mundo.

Dexter Fletcher (1966) es un director de cine y actor inglés. Ha aparecido en Lock, Stock and Two Smoking Barrels, de Guy Ritchie, así como en programas de televisión como la comedia dramática Hotel Babylon y la serie de HBO Band of Brothers. Fletcher debutó como director con Wild Bill (2011), y también dirigió Sunshine on Leith (2013) y Eddie the Eagle (2015). Sustituyó a Bryan Singer como director de Bohemian Rhapsody, un biopic sobre la banda Queen, estrenado en octubre de 2018; debido a las normas del DGA, recibió el crédito de productor ejecutivo. En 2019, dirigió Rocketman, una película biográfica basada en la vida y la música del intérprete Elton John.

Ghosted es una comedia romántica de aventuras escrita por Rhett Reese y Paul Wernick (Deadpool, Zombieland), Chris McKenna y Erik Sommers (Trilogía Spiderman MCU), a partir de una historia de Reese y Wernick. La película de 116 minutos de duración es una producción de Skydance para Apple con fotografía de Salvatore Totino, montaje de Chris Lebenzon, Jim May y Josh Schaeffer, y música de Lorne Balfe.

Junto a la popular pareja protagonista formada por Chris Evans y Ana de Armas encontramos a Adrian Brody, Tim Blake Nelson, Mike Moh, Marwan Kenzari, Anna Deavere Smith, Lizze Broadway y Mustafa Shakir. Además de unos cameos divertidísimos que prefiero no comentar.

Ghosting es una de esas película que parece telegrafiada desde el minuto uno. Desde antes incluso, probablemente desde que vi el trailer. Lo cual no es necesariamente malo si lo que plantea lo hace bien, cosa que no llega a suceder. La premisa es darle una vuelta a las típicas historias de acción en las que el tío duro carismático rescata a la chica en peligro que acaba enamorándose de él, cambiando el rol de los protagonistas. Se me ocurre inmediatamente Noche y Día de Tom Cruise y Cameron Diaz, pero con los roles cambiados, pero obviamente ejemplos de esto los hay a patadas. De esta forma, es Ana de Armas la dura y capaz agente de la CIA que conocerá a un pringado Chris Evans recién salido de una relación en la que su anterior novia le dejó por ser demasiado pesado.

Y el principal problema de Ghosting es precisamente el guion. Parece mentira que teniendo 4 guionistas de éxito (teóricamente) todo sea tan trillado y poco original, a lo que hay que sumar una comedia sin gracia ninguna que convierten a la carismática pareja protagonista en un desastre de personajes chillones que entran en la categoría de «ostiables» sin gracia. En toda la película sólo hay una escena divertida y es una que implica un chiste metatextual que resulta graciosa por lo sorprendente. Pero fuera de ahí el desastre por la no-comedia me parece importante.

Un caso interesante es el de Chris Evans. Tras interpretar un personaje tan icónico como Steve Rogers (Capitán América) durante 10 años, en los últimos años ha buscado claramente papeles que le alejen del arquetipo del héroe, entiendo que para que no le encasillen. Por ejemplo fue el malo de Knives out de Rian Johnson, el asesino sádico de El agente invisible de los hermanos Russo, y ahora ha buscado un papel que le permita exprimir su vena cómica a partir la premisa que comentaba de «chico en peligro que necesita ser salvado». Y el experimento sale terriblemente mal. Evans fracasa porque no sabe transmitir el sentido humorístico de la historia. Por un lado por él mismo, al convertir su interpretación en un over-the-top de gritos y caras desencajadas que jamás funciona. Hay que reconocer que como comentaba el guion realmente no ayuda y limita las situaciones a los protagonistas gritándose todo el rato, algo que acaba convertido en unas escenas super exageradas sin ninguna gracia.

Sobre Ana de Armas hay un elemento subjetivo, y es que aparte de que tampoco la veo dotes para la comedia, no me la creo en ningún momento como la dura asesina sanguinaria de la CIA. Algo que queda aún peor cuando pones a la delgadita de Armas al lado de un hombretón de 1.85cm y una espalda como un armario como Evans. Y si, tengo claro que su escena en la última película de 007 fue lo mejor de la película, pero entiendo que la pericia del director en este claro resulta clave. La parte de romance si me funciona mejor, y por supuesto la actriz es guapísima y ya se cuidan de que luzca super espectacular en los momentos clave de la película. Pero en la parte de acción no acabo de verla.

Hablaba antes de James Bond, y Ghosting repite los esquemas del género con una aventura en múltiples localizaciones por todo el mundo. Por no decirlo todo negativo, la película a pesar de todo resulta razonablemente entretenida. Aparte de Evans y De Armas tenemos a un Adrian Brody disfrutando de su papel de un villano super malo malvado, mostrándome que se lo ha pasado genial. Los sets de acción están también razonablemente ejecutados, pero diría que Dexter Fletcher no es especialmente hábil a la hora de rodar la acción, siendo todo correcto sin más (por no decir montonero).

Ghosting ha resultado una película decepcionante que no ha sabido sacar el partido de su pareja protagonista. Tampoco es que sea una sorpresa, porque el trailer no invitaba especialmente al optimismo, pero me sabe un poco mal, porque con un poco de cariño empezando por el guion, la experiencia podría haber sido mucho mejor.

Comparto el trailer de la película:

Ghosting ha resultado una decepción importante debido a un guion incapaz de plantear la comedia en ningún momento pero también unos actores poco adecuados para ello. Una pena.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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