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Crítica de Loki Episodio 1 (Disney+)

¡LOKI, el Dios del Engaño ya está aquí! La tercera serie de televisión de Marvel Studios para Disney+ se ha estrenado este miércoles y voy a repetir el seguimiento que realicé a Bruja Escarlata y Visión y Falcon y el Soldado de Invierno, analizando semanalmente cada capítulo. Y de momento, tenemos un episodio de presentación modélico en lo referido a la construcción psicológica del personaje interpretado por el espectacular Tom Hiddleston.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Episodio 1: Glorioso propósito.

Tras robar el Teseracto en Vengadores Endgame, Loki acaba en la Agencia de Variación Temporal.

Tras el final de Vengadores Endgame, una de las series más anticipadas por los fans era precisamente este LOKI, debido al carisma arrollador de Tom Hiddleston. Tras su muerte en Infinity War, descubrir que su versión de 2012 (tras el final de la primera Vengadores) de alguna manera había sobrevivido, no sabemos durante cuanto tiempo, prometía diversión y aventuras a raudales. Para esta serie de seis episodios, Marvel Studios ha contratado a Michael Waldron como creador y escritor en jefe del proyecto, y a Kate Herron como directora.

Waldron es un alumno aventajado de Dan Harmon, ya que su primer trabajo profesional fue en el staff de escritores de Community. También trabajó en HarmonQuest y la serie Heels del canal Starz, además de escribir varios guiones para Rick & Morty. Marvel no cabe duda que ha visto calidad en él, porque además de hacerle creador de esta serie, le contrató para escribir el guión de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura. Teniendo en cuenta el título de esta segunda película del Doctor Extraño, dirigida por Sam Raimi y que se estrenará en 2022, no hay duda que va a ser continuación directa de esta serie.

Kate Herron es una directora, escritora y productora centrada hasta ahora en comedias dirigidas para mujeres. Su principal crédito hasta la fecha es Sex Education, aunque también dirigió Five By Five, un drama de cinco episodios protagonizado por Idris Elba para BBC Three.

Entrando en el casting, volver a tener a Tom Hiddleston como Loki ya es motivo suficiente para ver esta serie, aunque fuera para verle jugar al ping-pong. Casi a modo de coprotagonista tenemos a un sorprendente Owen Wilson como Mobius M. Mobius, un agente de la AVT que se especializa en las investigaciones de criminales temporales particularmente peligrosos. Hiddleston y Wilson han mostrado una química estupenda en este arranque de la serie e invitan completamente al optimismo ante las aventuras que van a compartir.

Junto a ellos, tenemos a Gugu Mbatha-Raw como Ravonna Renslayer, una juez de la AVT que se encargará del caso de Loki, y a Wunmi Mosaku como la Cazadora B-15 de la AVT que detuvo a Loki tras escapar con el Teseracto en Vengadores Endgame.

El primer episodio de Loki me ha parecido modélico. Me ha gustado mucho que Waldron emplee este arranque para explicarnos qué es la Agencia de Variación Temporal (AVT a partir de ahora) y cual es su cometido, y sobre todo para realizar un alucinante análisis psicológico de Loki alejado de los chistes y de la aventura ligera que se podría esperar viendo el trailer o teniendo en cuenta sus apariciones previas en las películas de Marvel Studios. En este sentido, narrativamente repiten el esquema visto en Falcon y el Soldado de Invierno de explicarnos de inicio porqué debemos preocuparnos por el protagonista, para luego entrar a contarnos la aventura en si que protagonizará.

Tom Hiddleston es un actorazo alucinante. El carisma y la presencia que tiene en pantalla está a nivel de los grandes iconos del cine actual, y este primer episodio le permite deslumbrarnos con el amplísimo rango de emociones que transmite en pantalla. En especial el dolor por la pérdida de sus padres, algo que él no ha vivido aún pero que descubrirá que está predestinado que suceda, y la tristeza y la paz de espíritu tras aceptar algo que creo que inconscientemente ya sabía, que no es tan importante como afirma ante los demás, y su destino NO es reinar sobre súbditos inferiores como buscaba en la primera película de Vengadores.

Junto a Hiddleston, me alucina la química que Owen Wilson tiene con él, consiguiendo que los espectadores asistamos hipnotizados a varias escenas entre ambos que realmente son diálogos de plano-contraplano normalitos, pero que ambos consiguen llenar con su carisma y personalidad.

La serie nos ha devuelto la faceta trágica y Shakespeariana de Loki que vimos en primer lugar en Thor de Kenneth Brannagh (película que curiosamente no es mencionada en el episodio). En esa primera película de Thor, Loki era un hijo con un complejo de inferioridad frente a su hermano que pone en marcha un plan para buscar la aprobación de su padre Odin, para que vea que él también es digno de ser Rey. Si unimos esto a la realidad que la AVT le muestra a Loki sobre que no existe el libre albedrío y su destino ya está marcado previamente y es inevitable, tenemos un futuro por delante muy sombrío para el Dios del Engaño. ¡Tanto como que muere a manos de Thanos en Vengadores Infinity War!! Y ante eso parece que no hay vuelta atrás…

El diseño de producción me ha gustado también, creando un mundo de la AVT que tiene un toque retro e irreal a la vez. Me da la sensación que la mayoría de sets se han creado digitalmente usando el DOME desarrollado para The Mandalorian, pero tampoco estoy seguro de ello. En todo caso, la cualidad de mostrar un ambiente que se siente anormal y en el que las leyes fundamentales no acaban de regir como deberían lo han clavado.

Que no se me olvide una mención especial a la música de Natalie Holt, que me ha parecido una pasada, transmitiendo lirismo, tristeza y misterio con una banda sonora que tiene también un feeling atemporal. Reconozco que no conocía a esta compositora, pero voy a estar muy atento a sus próximos trabajos.

A partir de ahora entramos en territorio de spoilers y de especulaciones.

El episodio me ha gustado mucho por todo lo que nos ha contado. Pero me gusta casi más cuando pensamos en lo que no nos han contado, pero queda implícito y puede ser el verdadero motor de la serie. Y es que hemos descubierto que NO existe el Multiverso. O al menos, de momento aún no. Precisamente la función de la AVT es luchar para impedir que se produzcan sucesos que provoquen divergencias de la línea temporal que pudieran provocar la creación de líneas temporales alternativas que son la fuente del Multiverso.

De esta manera, queda claro que Steve Rogers al final de Vengadores Engame NO viajó a una línea temporal alternativa para vivir feliz con Peggy Carter como llegó a especularse en su momento, sino que viajó al 1945 original que llevó a la creación del MCU años después. Por si quedaba alguna duda, se confirma de nuevo que Wandavision ni siquiera roza nada que tenga que ver con un hipotético multiverso como también se especuló durante las semanas de emisión. Y sin embargo, ¿cómo se explica entonces la realidad de 2014 de la que partió Thanos hacia delante en el tiempo en Endgame? Eso es un motivo de divergencia temporal de libro, una realidad temporal alternativa en la que Thanos y su ejército desaparecieron, y que entiendo que de alguna manera tendrá que ser mencionado durante la serie.

De hecho, dado que la serie explica explícitamente que los Time Keepers unificaron todas las realidades en una única línea temporal tras casi quedar destruida tras una guerra entre realidades alternativas (¿estamos ante al anticipación de unas futuras Secret Wars?), surge la duda de si estos “Dioses” son buenos o malos, y si realmente están controlando con fines oscuros la realidad evitando que se expanda en su faceta natural que sería el Multiverso. Teniendo en cuenta el estreno en 2022 de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, guionizado por Waldron igual que esta serie, parece claro que o estamos ante el mayor troleo de la historia de cine (incluso más que el que sufrimos en Wandavision), o el Multiverso que ahora NO existe al final de este serie sí será una realidad.

Puestos hacer apuestas sobre la que va a ser la verdadera historia de Loki, creo que la serie no va a ir tanto de detener al asesino de agentes de la AVT para lo que Mobius ha seleccionado a Loki, sino que todo va a girar en que los protagonistas descubran que debe existir un multiverso y por tando tienen enfrentarse a los que hasta ahora son los benignos Time Keepers. Desde luego, esta historia a priori me resulta mucho más interesante.

Y a todo esto, obviamente no se como terminará la serie, pero queda claro que un Loki debe volver a 2012 para ser detenido y llevado a Asgard, para que nuestra línea temporal no desaparezca. Obviamente, ese es otro elemento básico para la conclusión de la historia que tiene que pasar si o si. Aunque como digo, tiene que ser un Loki, pero ¿cuál de todos? ¿De qué momento temporal?

Loki ha conseguido captar toda mi atención con este primer episodio piloto. Puestos a ponerle un pero, o a comentar algo menos bueno, debo reconocer que todo me ha gustado, pero realmente nada me ha volado la cabeza. Las piezas están en el tablero de forma correcta, ahora toca acertar con el desarrollo y confirmar las buenas sensaciones iniciales con sorpresas impactantes y revelaciones que cambien para siempre el MCU, que espero se produzcan en los próximos episodios. Espero y confío que nos dejen con el mismo buen sabor de boca que Wandavision y no con la decepción de Falcon y el Soldado de Invierno. Para saberlo, habrá que esperar 5 semanas para salir de dudas.

Comparto el trailer de LOKI:

Si eres fan de Marvel, de los comics y de las películas, no te puedes perder la serie de LOKI recién estrenada.

Puntuación: 7,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Love, Death + Robots temporada 2 (Netflix)

Netflix ha estrenado una descafeinada segunda temporada de Love, Death + Robots compuesta de tan solo ocho episodios, que me han sabido a super poco.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Love, Death + Robots es una antología de cortos de animación creada por David Fincher y Tim Miller, que buscaban recrear la magia de las revistas tipo Heavy Metal en las que cada mes te encontrabas historias diferentes e inesperadas. La idea es que en cada historia tengamos al menos uno de los elementos del título: Amor, Muerte y Robots, pero no es necesario que tengamos los tres. Ni siquiera dos.

La estupenda primera temporada fue un gran éxito en 2019 y hemos tenido que esperar mucho tiempo para disfrutar de esta segunda tanda, debido a la complejidad y el tiempo que lleva realizar cualquier historia con animación.

Debido a su propia naturaleza de antología, no quiero hacer un análisis profundo de cada uno de los cortos, ya que prefiero que cada uno los descubra con la cabeza libre de spoilers. Es por esto que a continuación voy a dar únicamente unas pocas pinceladas de cada corto.

edwe

Servicio al cliente automatizado

Si su robot de limpieza intenta matarle, pulse 3. (12 minutos).

Corto basado en una historia de John Scalzi firmado por Atoll Studio que nos muestra con un toque de humor negro la dependencia cada vez mayor que tiene nuestra sociedad de los aparatos de consumo.

Hielo

Dos hermanos lejos de su hogar se unen a unos chavales modificados genéticamente en una carrera mortal. (13 minutos)

Passion Animation Studios realiza este corto basado en una historia de Rich Larson sobre modificaciones genéticas y un toque de ecologismo.

Respuesta evolutiva

Un policía encargado de combatir la amenaza de la superpoblación se ve atormentado por el coste humano que conlleva su trabajo. (18 minutos)

Blur Studio adapta una historia de Paolo Bacigalupi que me parece uno de los cortos más interesantes de esta temporada, mostrando cómo nuestra obsesión por alargar nuestra vida acaba traduciéndose en peores condiciones para las siguientes generaciones.

Nieva en el desierto

Todos los cazarecompensas de la galaxia quieren hacerse con Nieve. (18 minutos)

Unit Image se encarga de este corto basado en una historia de Neal Asher, con una animación espectacular pero una historia que navega por algunos de los tópicos de la ciencia ficción.

La hierba alta

Un hombre que viaja en tren por el campo queda fascinado por unas luces fantásticas que brillan en la distancia. (11 minutos)

Basado en una historia de Joe Lansdale, Axis Animation realiza otro de los cortos más interesantes y entretenido de la temporada que se nutre de las típicas leyendas urbanas de la gente que se queda atrás.

Por toda la casa

Dos niños bajan las escaleras sigilosamente para ver a Papá Noel en Nochebuena. Una historia retorcida sólo para adultos .(7 minutos)

Blink Industries realiza este corto basado en una historia de Joachim Heijndermans que es el corto de menor duración y que acaba quedándose en un sketch, jugando con las expectativas navideñas.

Cobijo

Tras estrellarse en un planeta escarpado y encontrar cobijo, un piloto debe enfrentarse a la amenaza que habita en su interior. (13 minutos)

A pesar de la estupenda animación fotorealista de Blur Studio, y de estar este corto inspirado en un relato de Harlan Ellison, este corto es también un cliché total con sensación que estamos viendo una historia en la que todo suena a visto.

El gigante ahogado

El cuerpo de un joven gigante que aparece sin vida en una playa se convierte en objeto de fascinación para los lugareños. (13 minutos)

Blur Studio también realiza este último corto en este cuerpo inspirado en J. G. Ballard, que nos alerta sobre cómo lo extraordinario acaba convirtiéndose en rutinario y la magia desaparece incluso cuando la tenemos delante de nuestros ojos.

Como siempre en ese tipo de antologías, siempre hay unos cortometrajes buenos y otros no tan buenos. El problema principal en este caso es que ocho episodios son totalmente insuficientes, y casi no había empezado y ya los terminé. Me parece un poco una estafa que en contraste con una primera temporada de 18 episodios estrenada en 2019, Netflix anunciara las temporadas dos y tres, pero luego cuando se ha estrenado esta segunda, realmente parece que han dividido en dos lo que sería una temporada «normal», dejándonos a los fans de la animación con la miel en los labios.

Y el caso es que en general estos 8 episodios me han gustado, aunque ninguno me ha flipado como si me pasó en la primera temporada, y espero que esta propuesta tenga mucho éxito de cara a que tengamos cada vez más antologías como esta.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Me ha sabido a super poco esta segunda temporada de Love, Death + Robots. Estos 8 cortos han sido poco más que un aperitivo que nos ha dejado con la miel en los labios. Espero que la tercera temporada tenga una duración más razonable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Castlevania temporada 4 (Netflix)

Netflix acaba de estrenar la cuarta y última temporada de Castlevania y ahora que ya ha finalizado, no puedo más que dar las gracias a Warren Ellis y al director Sam Deats por una serie estupenda.

PUNTUACIÓN: 8/10

Tras el final de la tercera temporada de Castlevavia Trevor Belmont y Sypha siguen enfrentándose a bestias leales a Drácula que buscan devolverle a la no-vida. Mientras, Alucard, Isaac y Héctor deben buscar un sentido a sus vidas en este nuevo y peligroso mundo.

Castlevania ha finalizado tras 4 temporadas y 32 episodios. La serie creada por Warren Ellis y dirigida por Sam Deats, ha tenido a Ellis como guionista de los 10 últimos episodios que han cerrado la temporada de forma super satisfactoria. Teniendo en cuenta que Ellis se encuentra «cancelado» tras las acusaciones de uso de poder en sus relaciones con varias mujeres y no publica nada desde el final de su The Batman´s Grave hace unos meses, no cabe duda que esta historia fue escrita antes de toda la polémica, y no se ha estrenado hasta ahora debido a lo laborioso que resulta una serie de animación de este tipo.

El otro día comentando la decepción de Jupiter´s Legacy, uno de los primeros elementos de crítica es que claramente por motivos presupuestarios, la serie caía en el viejo defecto de mostrar cabezas parlantes que nos dicen a los espectadores lo que sienten los personajes, en lugar de hacer que la acción nos lo muestre. Castlevania es todo lo contrario. Me ha volado la cabeza la forma en que Warren Ellis ha planteado una serie en la que los diálogos son mínimos y es la acción constante y alucinante. Igual que con Invincible en Prime, que para mi es un éxito monumental, Ellis y el director Sam Deats comprenden las ventajas que les proporciona la animación frente a la imagen real, y no se cortan un pelo a la hora de mostrarnos acción más grande que la vida y unos sets de acción que serían imposibles de ver en imagen real.

Esa es para mi la principal virtud de Castlevania. Cada uno de los 10 episodios de los que cuenta esta cuarta temporada nos ofrece un montón de estupendas escenas de acción con una sensación de incremento de la tensión y de lo que está en juego para los protagonistas. Con una sensación clara de que no todos van a salir con vida cuando todo esto acabe. Que casi no hayan diálogos no significa que no haya historia, todo lo contrario, y Ellis compone un tablero de ajedrez planteado desde la acción en el que sabe mover con habilidad todas las piezas para ofrecer un final super satisfactorio a la serie.

Tengo que reconocer que al empezar el visionado estaba totalmente perdido porque no recordaba donde se encontraban los diferentes personajes al final de la tercera temporada, pero en cuestión de un segundo Ellis nos coloca a todos los personajes en situación y te ayuda a entrar en el que es un brillante climax a toda su historia, significando para mi un éxito sin paliativos en lo referido a narrativa serializada para adultos.

De hecho, sabiendo lo que es, Castlevania me ha parecido cojonuda. Una animación para adultos con montones de momentos gores y una acción frenética sin fin. Aquí no hay grandes monólogos intimistas ni falta que le hace, agradezco a Ellis por plantear una historia tan honesta que sabe desde el minuto uno lo que es y qué herramientas elige para contar su historia. Por ponerle un pero, ya me he acostumbrado al estilo de animación y no me ha supuesto un problema, pero dentro que el gore mola mucho, tengo que calificar la animación de montonera. Que me cuenta correctamente la historia, pero que no consigue llegarme en ningún momento en el elemento emocional.

Ahora que ha finalizado, no puedo más que recomendarla a todo el mundo y confirmar que estamos ante una de las grandes series de género dentro del enorme catálogo de Netflix. No te la puedes perder.

Comparto el trailer de esta última temporada:

Castlevania me ha volado la cabeza. una serie modélica que ha sacado el máximo partido a las posibilidades que la animación ofrece a la narrativa para adultos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Jupiter´s Legacy temporada 1 (Netflix)

Netflix continúa su racha de adaptaciones montoneras de conceptos creados en el mundo del comic. Jupiter´s Legacy, el comic creado por Mark Millar y Frank Quitely ha sido el último damnificado.

PUNTUCIÓN: 5.5/10

«Jupiter’s Legacy» sigue la historia de los primeros superhéroes del mundo, que recibieron sus poderes allá por la década de 1930. Tras dedicar casi un siglo a proteger a la humanidad, ahora esta primera generación debe pasar el testigo a sus hijos para que continúen con su legado. Pero las tensiones van en aumento cuando los jóvenes, ansiosos por demostrar su valía, no logran estar a la altura ni de la legendaria reputación pública de sus progenitores ni tampoco de los exigentes estándares personales de estos. (FILMAFFINITY)

Jupiter´s Legacy es uno de los mejores comics de Mark Millar y Frank Quitely. Planteado como una gran saga familiar de superhéroes con aventuras que se alargan durante todo un siglo. Este comic de 2013 sirvió para que Millar expresara sus inquietudes sobre el género de superhéroes, tocando de forma inteligente temas como las diferentes edades del comic, el contraste del héroe clásico de los tebeos que atrapa ladrones de banco pero no hace nada que realmente mejore la sociedad, preocupado más bien en mantener el status-quo sin que nada cambie, y las nuevas generaciones que buscan cambiar el mundo.

Tras una primera serie de cinco números, Millar cambió de registro entre 2015-16 con Jupiter´s Circle, continuación / precuela de 12 números en las que descubrimos las aventuras de los héroes que hemos conocido casi ancianos en el presente como unos jóvenes alocados en los años 50 y 60. Estas aventuras permiten a Millar dar contexto a los personajes y a la vez que ofrecer su punto de vista a momentos importantes de la historia de los Estados Unidos. Aunque Millar tiene ideas interesantes y mucha crítica social, el comic se vio lastrado por el excesivo baile de dibujantes: Wilfredo Torres, Chris Sprouse, Davide Gianfelice ,Rick Burckett o Ty Templeton dibujaron páginas de esta serie de 12 números,haciendo que echáramos de menos a Quitely.

Por último, en 2017 salió el segundo y de momento último volumen de Jupiter´s Legacy, de nuevo con Quitely al dibujo. Y aunque visualmente el arte de Frank Quitely en es una pasada, la historia de Mark Millar acaba resultando un poco más de lo mismo, repitiendo algunos patrones habituales de su obra. La serie quedó inconclusa en 2017, anunciándose en ese momento un tercer volumen, Requiem, para 2019 que no llegó a publicarse, y ahora que por fin va a empezar su publicación el próximo mes de junio, nos encontramos que Quitely solo dibuja las portadas, eligiendo Millar a Tommy Lee Edwards para sustituirle.

Cuando Netflix compró Millarworld, la compañía de Mark Millar en 2017, apostando por Millar como creador de contenidos para su canal de streaming, no había duda que Jupiter´s Legacy podía ser una de sus principales apuestas, dado que esta saga de superhéroes alargada durante un siglo podía ofrecer horas y horas de entretenimiento.

La adaptación televisiva de Jupiter´s Legacy ha sido creada por Steven S. DeKnight (Pacific Rim: Uprising, Daredevil), escribiendo y dirigiendo incluso el primer episodio, Sin embargo, DeKnight abandonó la serie por las clásicas «diferencias creativas, pasando Sang Kyu Kim a asumir el cargo de showrunner. Mark Millar ha mantenido funciones de productor ejecutivo, pero ha comentado que aunque ha opinado, en general ha dejado que otros creativos trabajaran sus propias ideas basadas en su historia. La serie de ocho episodios ha contado con fotografía de Danny Ruhlmann y Nicole Hirsch Whitaker, y música de Stephanie Economou.

Josh Duhamel protagoniza la serie interpretando a Sheldon Sampson / Utopian, un trasunto de Superman que tras el crack de la bolsa de 1929 llevará a un grupo a buscar una isla mágica que se le ha aparecido en visiones y donde conseguirán sus poderes. Junto a Duhamel, tenemos a Ben Daniels como Walter Sampson / Brainwave: el hermano mayor de Sheldon que adquirirá poderes telepáticos; Leslie Bibb como Grace Sampson / Lady Liberty. la esposa de Sheldon y una de las heroínas más poderosas del planeta, además de madre de Chloe (Elena Kampouris) y Brandon (Andrew Horton), los hijos de la pareja más famosa del planeta que tienen que lidiar con las expectativas del público y un ideal imposible de igualar que les intenta imponer su padre Utopian. Matt Lanter como George Hutchene / Skyfox, amigo de la infancia de Sheldon enfrentado con Walter en 1929 y que acabó traicionando al grupo. Su hijo Hutch (Ian Quinlan), un ladrón de poca monta que usa un aparato de teletransportación, completan el reparto.

Empezando por los elementos positivos, hay que reconocer que el comic de Millar y Quitely no llegó nunca a ofrecer esa gran saga superheroica que prometía, ya que el primer volumen tuvo un giro bestial super punkie marca de la casa de Millar que cambió completamente lo que se esperaba de ella. Es por esto que a priori, la oportunidad que ofrecía la serie de ofrecer más información del pasado de los héroes para que nos atrapen emocionalmente me parecía no sólo algo correcto, sino el camino a seguir para poder crear algo especial.

También hay que destacar que a pesar de los cambios, la serie es super fiel al comic y consigue sacarme una sonrisa al ver en imagen real el traje de Utopian o Lady Liberty.

Y hasta aquí lo bueno. Como digo Jupiter´s Legacy tiene el feeling correcto, los trajes y la historia son como el comic y en general todo es correcto, pero a la vez todo da sensación genérica y sin personalidad: la música, la fotografía, el CGI… Todo lo contrario de un comic dibujado por Frank Quitely. Ver como la serie de TV desaprovecha, o pasa por alto, las virtudes de Mark Millar y Frank Quitely es algo que me ha llamado mucho la atención. Todos conocemos a Millar por sus one-liners, sus golpes de efecto y, por qué no decirlo, sus punkarradas. Pero el escritor escocés es también y un maestro en la síntesis, ofrecer el núcleo de las cosas en un diálogo y 4 viñetas. A pesar de que cada episodio está centrado en un personaje, tras seis horas de televisión no me queda la sensación de que conozco mucho mejor a los personajes en la serie respecto al comic, la verdad. Con el agravante de tener en la serie diálogos repetidos en todos los episodios que giran sobre los mismos temas y acaban siendo redundantes.

Frank Quitely es un maestro en narrativa, en congelar la imagen en el momento más potente y en sus perspectivas que ofrece la acción desde puntos de vista atractivos. Sinceramente, no vi nada de esto en la serie, a pesar de que varias escenas salen directamente del comic. La ventaja del comic frente al cine o la televisión siempre fue que el artista puede plasmar cualquier cosa en la página, no está limitado por un presupuesto. Pero hay veces que no es cuestión de dinero, sino de talento. Quitely lo tiene a raudales, pero no acabo de verlo en la serie, ya que todo luce plano y sin chispa. Si tuviera que decir un momento visual que me haya gustado, sinceramente no podría decir ninguno porque lamentablemente, en este caso correcto significa mediocre.

Pero no son sólo los valores de producción, el guión tiene también mucho delito. Comentaba como positivo la posibilidad de ampliar el lore de la serie y mostrar cosas que no tenían cabida en comics de 22 páginas. Sin embargo la ejecución es lamentable. La serie divide el tiempo en el presente y en 1929, para ver cómo los héroes consiguen sus poderes. Lo que Millar despachó en seis páginas del número uno del comic en la serie nos lleva casi tres horas de historia que no acaba de ir a ningún lado y, al menos en mi caso, me ha aburrido sobre manera. Como digo, no hay nada nuevo que haya visto en la serie que me haya hecho empatizar (u odiar) a ningún personaje, porque ninguno me ha transmitido nada. La búsqueda de Sheldon de pistas para llegar a la isla o los episodios de «locura» que sufre con sus visiones me han parecido «paja» narrativa únicamente puesto ahí para ocupar minutos.

Siguiendo esta filosofía de situar cada episodio mitad en el presente y mitad en el pasado, Netflix puede hacer todas las temporadas que quiera, ya que puede alargar la historia contando aventuras en los 40, 50, 60, … todo lo que les interese. Pero esto a la vez, esto me recuerda a Amazing Spiderman 2, y como todo en la película parecía un trailer para vender la siguiente (Los 6 siniestros) que no llegó a hacerse porque Amazing fracasó. Pues en cierto sentido, creo que al pensar los guionistas que iban a poder desarrollar más todo en las siguientes temporadas hizo de alguna manera que se olvidaran de hacer que ESTA nos contara cosas interesantes. Con lo que el fail es monumental.

Y no es que todo lo del pasado sea insulso, es que también le falta fuerza y carisma a la historia del presente. No tengo claro si el casting de Chloe y Sampson es un fail (si que lo es), o es que el guión es flojísimo y tampoco les da grandes opciones para lucirse. Pero veo a ambos como unos clichés andantes, la hija rebelde que busca con alcohol y drogas encontrar su propio camino, o el hijo que sufre al intentar contentar a un padre demasiado exigente para el que nunca es suficiente. Ambos actores lo intentan, pero están a la altura de todo lo demás: Correcto tirando a mediocre.

Y tampoco es que los adultos estén mucho mejor, las cosas como son. Partiendo que Josh Duhamel tampoco es un actorazo para empezar, y todos los demás sólo me llegan a nivel televisivo de domingo por la tarde. Si a esto le sumamos un CGI flojo, unas escenas de acción aún peores y un climax sin fuerza, lamentablemente no queda más que considerar Jupiter´s Legacy en el último producto montonero de Netflix.

A esto hay que sumarle el hecho que tenía ganas de ver cómo planteaba la serie el GIRO alucinante del comic que cambió el status-quo. Mientras veía la serie, aunque pensaba que todo era correcto sin más, creía que si acertaban al mostrar el giro de Millar, como pasó en la excelente Invincible de Robert Kirkman, Jupiter´s Legacy podía volarle la cabeza a mucha gente y convertir el visionado de la segunda temporada en una apuesta segura. Sin embargo, el climax es un fail como una casa por si mismo, pero más si cabe si pensamos que este giro del comic no llega a ocurrir porque la serie ha decidido ir por otro lado.

De hecho, han fallado tanto a todos los niveles con este final y en general con todo lo demás que veo poco probable que vaya a ver una hipotética segunda temporada.

Comparto el trailer de esta serie:

Jupiter´s Legacy no es terrible, pero tampoco es brillante en nada, quedando su extremada corrección en algo totalmente insípido. Netflix creo que debería hacérselo mirar, porque vaya tela…

PUNTUCIÓN: 5.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Falcon y el Soldado de Invierno episodio 6 (Disney+)

Dos años después del final de Vengadores Endgame, por fin vemos a Sam Wilson convertido en el Capitán América en el final de Falcon y el Soldado de Invierno, la segunda serie de Marvel Studios estrenada en Disney+.

Artículo CON spoilers.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Episodio 6. Un mundo, un pueblo.

Los Sin Banderas se vuelven más peligrosos. Sam y Bucky entran en acción.

El showrunner Marcolm Spellman escribe este último episodio de Falcon y el Soldado de Invierno junto a Josef Sawyer, que ha sido dirigido como los anteriores por Kari Skogland. El episodio tiene una duración de 52 minutos, lo que le convierte en el cuarto de menor duración, sólo superando a los dos primeros.

Como comentaba en la introducción, han pasado dos años desde el final de Vengadores Endgame, y poder ver por fin a Sam Wilson (Anthony Mackie) convertido en el Capitán América es una pasada. Me gusta mucho lo fiel que es el diseño del traje de la serie al diseño de Carlos Pacheco que Stuart Immonem convirtió en uno de los más molones trajes vistos en acción. En este sentido, las escenas en vuelo me flipan y me dan lo que llevaba esperando desde el principio de la serie.

Vista la serie ya en su conjunto, Falcon y el Soldado de Invierno ha sido espectacular y globamente entretenida, con varios momentazos increíbles, como el ver a John Walker empuñar el escudo ensangrentado, o el propio traje de «Capi» Sam. Aunque desde ya confirmo que para mi no llega satisfacer como debería por culpa de un guión muy deficiente. Y no me mal entendáis, me parece perfecto el camino que realizan los personajes a nivel general durante la serie y donde se encuentran al final. Creo por ejemplo que narrativamente tenía todo el sentido y era más interesante que Sam tuviera dudas al principio pero acabara abrazando su identidad de Capitán América al final de la serie tras sufrir una evolución y un aprendizaje. También mola (a nivel general) la presentación de John Walker (Wyatt Russell), que fuera brevemente el Capitán América, su «fall-from-grace» y que adopte al final su identidad comiquera de U.S. Agent con un traje perfecto. O que Bucky Barnes (Sebastian Stan) busque no sólo a vengarse de Hydra, sino intentar reparar el daño que causó a personas concretas que aún hoy siguen sufriendo por la pérdida de seres queridos.

En general, la serie tiene un feeling comiquero con el que conecto, y tiene destellos con momentos que están bien, pero te dejan en la mayoría de los casos con una sensación de que no han conseguido sacar todo el partido a la situación como hubiera sido deseable.

El problema es que la ejecución es realmente floja, lo que ha sido una decepción brutal. Y todo es culpa del flojísimo guión. Me imagino a Kevin Feige dándole el visto bueno a las ideas a nivel general viendo el timeline de la serie en la sala de escritores, pero luego Spellman ha fracasado terriblemente como creador de momentos carismáticos a partir de diálogos interesantes y una buena caracterización y evolución de los protagonistas.

El camino de Sam, Bucky y Walker es correcto, aunque no la ejecución, sobre lo que luego me extenderé. Pero todo lo relativo a Karly Morgenthau (Erin Kellyman) y sus Sin Banderas y el GRC me parece terrible. Ya he comentado en las reseñas previas de los episodios tres, cuatro y cinco los diversos problemas relacionados con ellos. Sobre el GRC, querer utilizarlo como metáfora del intento de expulsión de inmigrantes ilegales de Trump me parece que no funciona en ningún momento y queda como un pegote mientras la serie se mantiene en una estudiada ambigüedad.

Los Sin Banderas son unos villanos random y sin sensación de amenaza que no han estado a la altura de la serie. Eso para empezar. Pero partimos del problema de un showrunner que busca todo el rato que empaticemos con una terrorista que ha puesto un bomba y matado a inocentes porque su «lucha es justa», lo que transmite una lamentable traslación de esta historia de ficción con los disturbios raciales del BLM donde se quemaron casas y negocios de gente inocente y también se decía que había que «intentar comprender» a los manifestantes violentos, evitando calificarles de violentos o delincuentes, cosa que eran. NO todos los manifestantes lo son, claro, y está genial manifestarse contra el racismo, pero los violentos son violentos y querer ocultar esta realidad desde luego no creo que que ayude a aliviar los problemas que se viven actualmente en los Estados Unidos.

Esto vuelve a hacerse dolorosamente presente en este episodio en el terrible diálogo de Sam al senador de GRC «Dejen de llamarles terroristas«. Dice Sam ¿Y cómo llamas tú a alguien que pone una bomba y mata a inocentes? «Estas etiquetas, terrorista, refugiado, matón.. a menudo se usan para eludir la pregunta ¿por qué?» WHAAAAT? ¿Qué me estás contando? No hombre no, el discurso y en general toda la escena no funciona porque el diálogo es terrible en la medida que nos cuela de mala manera este ideario político tan pernicioso que nos alecciona para que creamos que determinadas violencias son buenas siempre que alguien diga que se hacen «por nuestro bien» o que la causa «es justa».

Y me parece estupendo la parte del discurso en el que dice que aspira a inspirar a la gente a hacerlo mejor «El único poder que tengo es que YO creo que podemos hacerlo mejor. No podemos exigirle a gente que de un paso adelante y no encontrarles a medio camino«. Esa parte está muy chula y me gusta, porque realmente esa es la esencia del Capitán América de los comics con los que he vivido toda mi vida. El que cree que para que las cosas mejoren todos bebemos ayudar en la medida de nuestras posibilidades. Y que si alguien necesita ayuda, es nuestro deber hacerlo sin importar nuestra conveniencia personal. Esta parte sí está muy bien.

Otro tema que en mi opinión no funciona es la forma en que nos intentar meter el tema racial en la historia. «Soy un hombre negro que lleva las barras y estrellas. ¿Qué es lo que no entiendo? Cada vez que cojo este escudo, se que hay millones que van a odiarme por ello. Incluso ahora, aquí, lo noto. Las miradas, juzgándome, y no puedo hacer nada para cambiarlo. Y aún así, aquí estoy sin super suero, sin pelo rubio u ojos azules.» Y el caso es que este diálogo sería brillante en el comic de Nick Spencer y Daniel acuña (entre otros artistas) que sí realizó un acertado análisis y crítica al racismo y al papel de los medios de comunicación en la sociedad americana que ayudaban a extender el odio y el conflicto. Pero aquí, en esta serie, el diálogo no funciona porque ¡es la primera vez que se pone el traje de Capitán América!! ¿Cada vez que cojo este escudo? ¿De qué estás hablando? De hecho, la gente que hay a su alrededor sin ninguna duda le vitorea, en el puente primero y tras salvar a los políticos después. ¿Quién le está odiando en ese momento? Claro que no funciona el diálogo, es que decirlo en ese momento es absurdo y no se corresponde con lo que estamos viendo, ni con el camino vital de Sam como personaje del MCU en el que nunca ha sufrido el racismo en pantalla. Por cierto, en ambos momentos le aplauden gente de varias razas incluidos blancos, sin embargo, tampoco es casualidad que en el momento del diálogo «– Ese es Black Falcon. -NO, es el Capitán América«, sólo se vean afroamericanos. Y todo eso aparte que es en respuesta a una pregunta del senador que le intenta explicar que el asunto de los asentamientos en un tema complejo, por lo que de hecho la respuesta de Sam no tiene sentido en el contexto de lo que esa persona le dice.

Pero si Karly es maniquea y tramposa, y no tanto ella sino el mensaje que Spellman lanza aprovechando ese personaje, muchísimo peor lo de Sharon Carter (Emily VanCamp), que se convierte en el verdadero desastre de la serie. De hecho, viendo de nuevo el tercer episodio sabiendo lo que sabemos ahora, te das cuenta que todo es un sinsentido terrible, y conecta completamente con el simplismo y los giros locos de las series de The CW, que en todo caso son honestas y saben qué tipo de producto son y a pesar de su falta de presupuesto y calidad profesional, hacen maravillas y transmiten su amor a los comics. Pero que de calidad de guión van justitas, justo lo mismo que este Falcon y el Soldado de Invierno. La idea que Sharon, lider de UN PAIS SOBERANO invitaría a Sam y Bucky a que se acercaran para detener a su principal activo, el doctor creador del suero del super soldado del que sólo ella tiene control y que le puede fabricar más, es una ridiculez que casi me hace pensar si Spellman nos trata a los espectadores como si estuviéramos tontos.

Sobre Bucky comentaba que es genial que busque reparar el daño a los familiares de la gente que mató. Pero su escena final con el padre de una víctima a la que mató está super mal rodada y peor, deja ambiguo un momento que debería haber sido super emocional. ¿El vecino de Bucky le ha perdonado? ¿Incluso si eso es imposible, ha encontrado algún tipo de satisfacción al conocer cómo murió su hijo y al menos eso le permite pasar páginas? NO lo sabemos, porque queda todo ambiguo debido a un montaje demencial. En todo caso, comentar que a pesar de su papel secundario, creo que Sebastian Stan está mucho mejor que Anthony Mackie y muestra un mayor carisma en pantalla que su limitado compañero.

Me gusta que en este último episodio John Walker aparezca como un héroe intentando detener a los Sin Banderas en Nueva York. Y su traje de U.S. Agent me parece perfecto. Pero sin embargo, Spellman hace que Wyatt Russell añada unos tics en su interpretación que no se entienden y no acaban de tener tampoco sentido. Además de hacerle decir una frase final que resulta de nuevo, absurda: «¡He vuelto!» ¿Has vuelto a donde? ¿Al ejército, te han readmitido? Realmente no se sabe porque, de nuevo, la escena está mal contada. Pero además, tiene lugar en la misma sala donde el ejército echó a Walker en el episodio anterior sin posibilidad de defenderse, lo que diría que es únicamente porque Julia Louis-Dreyfus (Condesa Valentina Allegra de Fontaine) sólo rodó con ellos un día y usaron el mismo set para las dos escenas, no porque esta tenga un significado concreto. Ni en un sentido ni en otro. Por cierto, el personaje de la Condesa es otro que tampoco funciona por su ambigüedad y por unos diálogos que no funcionan.

Sobre Sam / Capitán América, he comentado que me flipa verle volando con el escudo en la mano, y me traslada a los comics de Stuart Immonem y Daniel Acuña, entre otros artistas. Sin embargo, debo reconocer que el traje que es perfecto en los comics y a adaptación es literal, no acaba de funcionar en imagen real. No lo hace en lo referido a la cabeza, las gafas de vuelo y las orejas al aire, pero tampoco a la sensación de «hinchado» que da al cuerpo y sobre todo la zona de los hombros. Posiblemente esto sea una sensación subjetiva y no compartida por todo el mundo, pero debo decirlo porque así lo sentí. En todo caso, tampoco acabaron de acertar con el traje de Steve Rogers en su primera película o en la de los Vengadores, así que hay tiempo de ajustar hasta mostrar el que espero que sea el traje definitivo del nuevo Capitán América de cara a su próxima película, recién anunciada de momento en pre-producción.

Pero más allá del tema anecdótico del traje, Marcus Spellman hace un deficiente papel a la hora de construir la evolución de Sam. En la crítica del episodio pasado comentaba que NO habían mostrado correctamente dicha evolución y por qué si antes pensaba que el escudo era un símbolo que sólo tenía sentido con Steve, porqué ahora piensa diferente. «De qué serviría todo el dolor y el sacrificio si no estuviera dispuesto a seguir luchando» no es una explicación satisfactoria. Porque de hecho, él ya seguía luchando como Falcon, no es como si se hubiera retirado tras Endgame. Que no expliquen bien el cambio de opinión cuando explícitamente sí nos informaban de todos los motivos por los que NO debería ser el Capitán América narrativamente es el gran problema de la serie. Y lamentablemente, se veía venir que este último episodio tampoco se explica el cambio de criterio de Sam, no era un tema de «ya lo explicarán la semana que viene». Parece también claro que no quieren mostrar a un afroamericano admitir que se había equivocado en una idea previa, lo que al final confirma que tenía razón en mis críticas al episodio anterior, con unos problemas que no se han arreglado en este.

Falcon y el Soldado de Invierno es muy entretenida, no me molesta decirlo una vez más. Pero está muy mal escrita. Fijáos si está mal escrita que tras detener a los Sin Banderas, tenemos la escena en la que TRES supersoldados entran en un furgón para ser trasladados a la Balsa, y acaban muriendo en un atentado. Pero luego la noticia dice que murieron ¡cuatro!! Pero si sólo habían tres, ¿que mie~€¬ de guión es éste? Esta locura para terminar la serie sin otros supersoldados que Bucky y Walker, es de nuevo un elemento menor si se quiere, pero ilustrativo de lo mal acabado que está todo y que parece que les da igual que se note, lo que probablemente sea lo que más mal me sabe de todo el asunto. Y como esta, hay varias iguales durante el episodio.

Es una pena que teniendo las herramientas para haber hecho un serión, se hayan confirmado con una aventura normalita «sin más, que claramente me deja una sensación de decepción que se queda muy lejos del éxito creativo que supuso Wandavisión. De hecho, se nota que incluso en Marvel sabían que esa serie y no la de Bucky y Falcon era la buena y por eso le dieron prioridad a la hora de estrenarla.

Por todo lo expresado en las últimas semanas, me parece super equivocada la decisión de Marvel de permitir que Malcom Spellman escriba el guión de la próxima película de Capitán América protagonizada por Sal Wilson. No lo puedo decir de otra manera.

Comparto el trailer de este último episodio, que me alegra que fuera totalmente libre de spoilers.

Falcon y el Soldado de Invierno ha sido entretenida y espectacular, pero sin más. Algo que claramente me ha dejado sensación de decepción y de que los autores no han estado a la altura del encargo recibido. Una pena.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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