Comics

Crítica de Batman – Spawn de Todd McFarlane y Greg Capullo (DC Comics)

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DC Comics y Todd McFarlane se han vuelto a poner de acuerdo 29 años después para realizar un nuevo crossover entre Batman y Spawn, un especial realizado con guion y tintas de McFarlane, dibujo de Greg Capullo y color de Dave McCaig. Y este especial me ha devuelto al macarrismo de los años 90 de los que McFarlane era uno de sus principales exponente.

PUNTUACIÓN: 7/10

El acontecimiento de la década ya está aquí: Todd McFarlane y Greg Capullo se han reunido para Batman/Spawn.

Dos héroes oscuros, maldecidos por la tragedia, vuelven a cruzar sus caminos… ¡pero no por elección propia! ¿Qué siniestro enemigo está enfrentando al Caballero Oscuro con los Hellspawn? Desde las sombras de Gotham City hasta la ciudad de Nueva York, este épico acontecimiento es el éxito de taquilla que has estado esperando durante casi dos décadas.

Batman / Spawn es un especial de 48 páginas publicado por DC Comics.

Recuerdo perfectamente comprar en 1994 los crossovers Spawn – Batman de FRANK MILLER y Todd McFarlane editado por Image, y el mes siguiente el Batman – Spawn de DC Comics de Doug Moench, Chuck Dixon, Alan Grant y Klaus Janson. Estábamos en un momento en que Image seguía en la cresta de la ola y estábamos a punto de vivir la implosión de la industria, con Marvel declarando concurso de acreedores en 1995. Y en ese momento el comic de Miller y McFarlane lucía muchísimo mejor que el de DC. De hecho, parecía que no jugaban en la misma liga, quedando el pobre Klaus Janson en muy mal lugar comparado con McFarlane.

Han pasado casi 30 años des esos comics, pero casi parece que fue ayer. Tras crecer como artista con Quasar y X-Force, Greg Capullo afinó su estilo en los años 90 gracias a una larga estancia en los comics de Spawn. Si no se convirtió ya entonces en un superestrella probablemente fuera porque la sombra de McFarlane imponía mucho, pero su dibujo me gustaba muchísimo más que los de Todd. A partir de su Batman con Scott Snyder, Capullo es una de las grandes estrellas del comic americano, y tiene todo el sentido que sea el elegido por McFarlane para dibujar este comic, dada la relación del dibujante con ambos personajes.

McFarlane se encarga del guion y de ponerle tintas a Capullo, además de contar con Dave McCaig en el color, comentando que ha sido un trabajo super gratificante para él al recuperar su colaboración con Capullo, que se interrumpió hace más de 10 años cuando Capullo dio el salto a DC. La historia no inventa ninguna rueda, solucionando de forma correcta los aspectos fundamentales que necesita la historia, empezando por la forma de conectar los mundos de ambos personajes, la elección del villano y cómo disminuir el nivel de poder de Spawn para que su pelea con Batman esté competida. En lo demás, tenemos la típica estructura de personajes que se enfrentan por una confusión provocada por el villano, hasta que se dan cuenta que tienen que unir sus habilidades para derrotarle, todo ello decorado con las características dosis de macarrismo de McFarlane.

He leído una entrevista con Capullo y no se muestra demasiado satisfecho con el resultado final del comic. De alguna manera se intuye que McFarlane estuvo meses negociando con DC el crossover, y cuando le dieron el OK, el plazo de entrega del trabajo fue muy corto para un comic de 48 páginas como éste. Y el caso es que leí esta entrevista después de leer el comic, y en el momento de la primera lectura la sensación que me dejó era que era un buen comic muy bien dibujado, pero también que NO es uno de los mejores trabajos de Capullo. Y por supuesto Capullo es un seguro de vida y sus splash-pages son super espectaculares, además que nadie como él para recrear callejones lúgubres. Pero también hay algunas figuras mostradas de la forma más básica posible, con una planificación de página que está bien, pero sin pasadas narrativas.

En todo caso, cuando uno compra un Batman – Spawn, creo que sabe a lo que viene, y en esto el comic da lo que se espera de él. Incluso la verborrea de McFarlane con varios narradores que se intercambian durante el comic y que no ayuda a que la lectura sea fácil. Por suerte, incluso no siendo el mejor trabajo de Capullo, su consistencia y calidad está a prueba de bombas y consigue que el resultado final sea más que satisfactorio.

Por cierto, no puedo evitar comentar que mi hermano y yo hemos comprado la edición americana con la espectacular portada de Jorge Jiménez que podéis ver arriba. Este comic nos costó 7.99 €uros en su edición USA. Y asisto asombrado a la noticia que ECC Ediciones ha anunciado esta grapa como un tomo en cartoné con un precio de ¡20.00 €uros!! Me parece un atraco a mano armada, incluso aunque lo hayan ampliado a 64 páginas entiendo que para incluir en su edición todas las portadas alternativas (muchas de las cuales son super chulas, las cosas como son) que DC ha lanzado con este comic. Es cierto que ECC es más barato que Panini en las grapas sencillas, pero en cuanto ven que pueden exprimir algo, se pasan tres pueblos. Es por esto que recomendaría que todo el que pueda compre este comic en su edición americana. Tengo claro que no todo el mundo tiene acceso a una librería especializada con material USA, aparte que no todo el mundo sabe inglés. Pero ante escándalos de este tipo de ECC merecería que nadie comprara este comic al escandaloso precio que plantean. Es una pena que no vaya a pasar, porque tengo claro que la gente tiene ganas de este comic.

Esto me lleva a mi reflexión de este pasado domingo sobre que la industria del comic americano necesita de más comics como este crossover que generen interés en los aficionados. Yo compré en su momento los dos crossovers de los 90, pero hace ¿más de 25 años? que no compro nada de Spawn. Y sin embargo, en cuanto se anunció sabía que lo terminaría comprando. Batman / Spawn creo que es también ese tipo de comic y me alegra que haya tenido unas ventas importantes. Como pasa con los blockbusters palomiteros del cine, que Avatar triunfe entre el público significa que los cines están llenos y son rentables. Pues eso mismo necesitan ahora mismo las librerías de comics.

Dentro que este comic es una historia cerrada, McFarlane ha dejado elementos abiertos de cara que en algún momento se decidiera hacer una continuación. Dado el éxito de ventas, no me extrañaría que de cara a 2024 se publicara una segunda parte, en este caso publicado por Image.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Batman / Spawn de McFarlane y Capullo te da exactamente lo que esperas de un comic de este tipo, algo que para mi NO es un problema.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Comics

Crítica de ¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal de Jeff Smith (ECC Ediciones)

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Tras la lectura de El poder de ¡Shazam! de Jerry Ordway, continúo mis lecturas del personaje con ¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal de Jeff Smith (Bone), un estupendo comic all-ages que se aleja de los tópicos de los superhéroes.

PUNTUACIÓN: 7/10

El aclamado guionista y dibujante Jeff Smith es el autor del laureado cómic Bone, convertido en clásico instantáneo. Ahora, el brillante creador pone al servicio de DC Comics todo su talento para confeccionar historias que combinan aventuras, humor y preciosas ilustraciones en esta reinterpretación de la historia de Shazam para una nueva generación.

Cuando el joven huérfano Billy Batson sigue a un misterioso desconocido hasta el metro, no imagina que está entrando en un extraño mundo de poderosos magos, tigres parlantes, monstruos devoradores de niños, robots gigantes, intrigas policiales y misteriosos villanos. ¡Pero Billy encuentra todo eso y mucho más cuando el mago le revela una palabra mágica que lo transforma en el mortal más poderoso del mundo!

Este comic fue publicado por DC Comics en 2007 como una miniserie prestigio de 4 números, que ECC publicó en 2018 en un tomo en tapa dura de 2018 páginas, aprovechando el inminente estreno de la primera película de Shazam! el año siguiente.

Jeff Smith nació en McKees Rocks (Pensilvania) y creció en Columbus (Ohio), donde vive en la actualidad. Es conocido principalmente por la serie Bone, que empezó a autoeditar en 1991 y que finalizaría en 2004. Bone, de Jeff Smith, se ha convertido en una de las novelas gráficas de mayor éxito gracias a haber sabido combinar el atractivo universal del humor con la narrativa épica, y se encuentra entre las diez mejores novelas gráficas de la historia según la revista Time. Bone ha sido traducida a más de 30 idiomas, lleva vendidos 10 millones de ejemplares en Estados Unidos, más de 150.000 en castellano y ha ganado 41 premios nacionales e internacionales, incluyendo 10 Eisner y 11 Harvey.  Su creación más reciente es RASL, una serie de ciencia ficción dura y descarnada sobre un ladrón de arte interdimensional.

Tras terminar Bone en 2004, imagino que DC le ofreció un dineral a Jeff Smith para que reimaginara a Shazam!, un personaje que dado su similitud con Superman DC nunca ha tenido muy claro qué hacer con él. En mi post sobre la novela gráfica El poder de ¡Shazam! de Jerry Orday ya expliqué la complicada historia editorial que vivió el personaje. Y tras la cancelación en 1999 de su serie regular, Shazam! pasó durante algunos años por el limbo editorial, con una participación bastante limitada en la continuidad DC. Es curioso que en los inicios del siglo XXI, Black Adam tuvo una mayor importancia en el universo DC que Shazam! debido a su aparición recurrente en la JSA de Geoff Johns y David S. Goyer.

En este momento en el que DC no sabía qué hacer con el personaje, la idea de dar rienda suelta a un autor super popular como era Jeff Smith tras terminar Bone parecía un WIN-WIN de libro. Smith recibía un cheque importante por hacer un personaje que entiendo le gustaba de inicio y DC conseguía un tomo que pudiera encajarle a las decenas de miles de lectores de Bone. Además, la historia de un niño que adquiere habilidades superheroicas encaja completamente con el tipo de historias all-ages en que Smith se ha especializado y que tanto gustan a su público.

Y empezando a comentar este comic, la verdad es que me ha encanta el dibujo de Jeff Smith. Hay una corriente de pensamiento que opina que un comic para niños puede tener un dibujo deficiente porque a los niños les da igual, algo con lo que no puedo estar más en desacuerdo. De hecho, también los niños se dan cuenta cuando un tebeo tiene un buen dibujo o uno malo, y cuando la narrativa fluye en las páginas y te invita a seguir leyendo, frente a otros comics «antipáticos» que no narran bien las acciones que viven los personajes y que cuesta leer. Jeff Smith es un maestro en narrativa, todo está contado de la forma más clara al lector sin restarle un ápice en la personalidad y el encanto que transmiten los personajes.

Y es que otra de las grandes virtudes de este comic es la caracterización Billy y Mary, que son mostrados como niños de verdad. Realmente transmiten la edad de tener menos de 10 años, unos niños a los que aún les falta mucho para alcanzar la pubertad. Las expresiones faciales son una delicia, pero casi mejor es todo lo relativo a la expresión corporal y la comunicación no verbal. Escenas como cuando Billy conoce al mago, el primer vuelo de Mary en el que acaba estrellándose contra el suelo al no saber frenar, acabando con el pelo delante del rostro, o la escena del muelle en el que Mary se mete dentro de la capucha de su chaqueta transmitiendo toda la tristeza que lleva dentro al ser una huérfana son momentos muy potentes que me llegaron.

Dentro de su faceta all-ages y que el comic está pensado para el disfrute de los más pequeños, la historia tiene guiños para los mayores, como es el convertir al clásico villano de Zhazam Doctor Sivana en el Fiscal General que aprovecha la amenaza para la ciudad para intentar controlar las cuentas bancarias de los ciudadanos «hasta ver si encontramos algo sospechoso», algo que sería un elemento recurrente en la narrativa americana post-11S, cuando se planteaba la dicotomía entre «libertad frente a seguridad».

El comic en USA fue publicado como 4 grapas de 50 páginas cada una. Esto hace que el ritmo de la historia sea muy diferente al de las típicas grapas americanas, pudiendo construir el mundo de Billy Batson de forma interesante y que nunca resulta aburrida. Sin embargo, hay que reconocer que la amenaza de la Sociedad del Mal que el título adelanta resulta un poco decepcionante, algo a lo que habría que sumar a un Sivana que tampoco llega a dar verdadera sensación de amenaza para la novata familia de superhéroes. Los monstruos como cocodrilos de tamaño humano o los gigantescos robots que tenemos en el comic enlazan con el tipo de personajes que se espera en un comic de Jeff Smith, y aunque como diseño molan, acaban estando un poco desaprovechados.

Esto me permite conectar con los elementos menos buenos de este comic, algo que me sugiere dos elementos. El primero pasa por el hecho que comentaba Smith clava todo lo relativo a los niños, algo que me parece super chulo, pero la parte superheroica de Shazam! además de quedar en un segundo plano, resulta un pelín decepcionante. Mientras que la representación gráfica de Billy o Mary es una maravilla, Smith no acaba de pillarle el tranquillo a Shazam, mostrándole como un fortachón muy estático con las mismas facciones casi todo el tiempo. Y aunque hay una doble splash-page fantástica en el climax de la historia protagonizada por Shazam, es significativo que Smith plantea una situación en el tramo final que obliga a Shazam a transformarse en Billy para encontrar a la secuestrada Mary. En este sentido, se nota que Smith no es un autor de superhéroes sino de fantasía, y para él el protagonista siempre fue Billy. Ojo que no lo digo como algo malo, de hecho el comic me gustó mucho, sino como la explicación del foco de la historia.

Hay otro elemento que podemos tomar como negativo, y es el hecho que si buscas en la FNAC comics de Shazam!, probablemente nos encontraremos el comic de Jerry Ordway sobre el que hablé la semana pasada, este de Jeff Smith y probablemente el relanzamiento que Geoff Johns y Gary Frank realizaron a partir de 2012 como complemento dentro de las grapas de Justice League. Y al final son todos historias de origen que no tienen nada que ver entre si. Ya hablé hace unos días en mi artículo Black Label vs el Universo DC cómo la popularización por parte de DC de comics como este de Jeff Smith situados fuera de continuidad que permiten al autor contar la historia que quiere puede provocar confusión en el lector ocasional, dado que tiene versiones diferentes de origen del mismo personaje sin saber a cual atenerse o cual es «la buena». Si es que el término es aplicable.

Y como comento en ese post sobre la línea Black Label, tango claro que a los lectores que se acercan a este comic por el autor y no tanto por el personaje les da completamente igual la idea de continuidad dentro de los comics de DC, sólo quieren ser entretenidos con este comic concreto, que no les obliga además a leer o comprar nada más y que resulta satisfactorio en si mismo. Pero a la larga, esta repetición de comics de origen, incluso para un lector «resabido» como yo, acaba siendo redundante y en cierto sentido aburrido, incluso aunque los comics individualmente estén bien y resulten una buena lectura.

Estos pequeños peros no empeñan el hecho que este comic haya sido todo un descubrimiento que recomiendo a todas las familias con niños pequeños. Shazam! gustará a los nenes, pero seguro que también a los padres.

Comparto las primeras imágenes del comic:

¡Shazam! La monstruosa Sociedad del Mal es un comic delicioso, un all-ages en el sentido más positivo del término que podrá disfrutar toda la familia y que sirve de estupendo punto de entrada para lectores no familiarizados con el personaje y su mundo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Películas

Crítica de La Ballena (The Whale) de Darren Aronofsky

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Tras el shock bíblico que supuso Mother!, la nueva película de Darren Aronofsky The Whale (La Ballena) es un brillante y complejo retrato que da a Brendan Fraser la oportunidad actoral soñada por todo actor.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Un solitario profesor de inglés con obesidad severa (Brendan Fraser) intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

The Whale es la octava película de Darren Aronofsky tras Pi (1998), Réquiem por un sueño (2000), La fuente (2006), El luchador (2008), Cisne negro (2010), Noé (2014) y ¡Madre! (2017). Aronosfky es uno de mis directores favoritos y en su nueva película no decepciona. La película de 117 minutos ha sido escrita por Samuel D. Hunter, basada en su novela de 2012. Para esta película, Aronofsky ha contado además con la colaboración de Matthew Libatique (fotografía), Andrew Weisblum (montaje) y Rob Simonsen (música).

El reducido reparto está formado por Brendan Fraser como Charlie, el obeso protagonista, un personaje lleno de matices super complejo y maravilloso. Sadie Sink interpreta a Ellie Sarsfield, la hija de Charlie que le odia por abandonarla a ella y a su madre cuando comprendió que era homosexual al conocer a su pareja. Hong Chau es Liz, una amiga enfermera de Charlie que cuida de él al negarse a ir al hospital. Ty Simpkins es Thomas, un misionero de la secta New Life que conoce a Charlie y pretende salvar su alma. Por último, Samantha Morton es Mary, la madre de Ellie y ex-esposa de Charlie, mientras que Sathya Sridharan es Dan, el pizzero que le lleva la comida a Charlie.

La película ha tenido una acogida crítica bastante variada, pero prácticamente todo el mundo normal alaba la brillante interpretación de Brendan Fraser, que ha ganado varios premios por esta película. Un grupúsculo de gente ha criticado a Aronosfky por no contratar a un homosexual o a una persona obesa mórbida para el papel de Charlie, al no ser Fraser ni una cosa ni la otra. El comentario se descalifica sólo. En lo relativo a los Oscars de este año, The Whale ha conseguido tres nominaciones: Mejor Actor (Fraser), Mejor Actriz Secundaria (Hong Chau) y Mejor Maquillaje y Peluquería. Y visto lo visto, es muy posible que los gane los tres.

Comentaba que Aronosfky es uno de mis directores favoritos, pero tengo que reconocer que a punto he estado de NO ver esta película, ya que me temía una sobredosis de pornografía emocional a costa de un personaje homosexual aquejado de obesidad severa. La sorpresa ha sido mayúscula al asistir a un drama, eso iba por descontado, pero planteado desde la visión positiva de la vida que intenta transmitir el protagonista. Whoah! La premisa y el tono de The Whale me parecen muy valientes por parte de Aronosfky, que realiza un retrato complejo lleno de facetas de una persona con depresión por la muerte de un ser querido que se encuentra en una ruta autodestructiva que él sabe que no tiene vuelta atrás.

Brendan Fraser es la película. Su interpretación está a otro nivel, ofreciendo un trabajo super contenido en muchos momentos, y a la vez super expresivo y empático. La forma en que intenta ver siempre la parte positiva de todas las personas, aún sabiendo su situación real, me parece una pasada. Pero Charlie no es un ser de luz, porque durante su vida tomó decisiones que hicieron daño a su familia. La forma en que muestra a una persona de carne y hueso con cosas positivas pero también con zonas grises me parece uno de los retratos más potentes y humanos que recuerdo en muchísimo tiempo. Y además, la historia toca temas sobre la soledad, la depresión y de conductas autodestructivas que nos infligimos a nosotros mismos. Y a la vez, que es posible intentar ver las cosas positivas de la vida y de las personas incluso en la peor de las circunstancias.

Frente a algún comentario negativo hacia las elecciones y el trabajo de Aranosfky, creo que su trabajo es brillante. De hecho, creo que el director respeta muchísimo al espectador y por eso no toma una actitud condescendiente hacia nosotros, no buscando que Charlie nos de pena de forma automática, sino que busca mostrarnos toda su complejidad, mostrada desde múltiples matices positivos y negativos. Hay que felicitar también a la película por resultar tan potente y emocionante a pesar de estar rodada el 99% en una única localización. Además, las prótesis usadas por Fraser para mostrar la obesidad mórbida que sufre su personaje me han parecido impresionantes, ofreciendo una figura de Charlie que no puede evitar que sintamos repulsión hacia él, pero que queda compensado con su tremenda humanidad.

Junto a Fraser, la verdad es que el reparto está genial. Pero destacaría a Hong Chau, la amiga enfermera de Charlie que intenta ayudar a alguien que no se deja ayudar y que intentar compensar la pérdida de un ser querido al que tampoco pudo salvar, siendo un personaje super trágico dentro del contexto de la película. Sadie Sink como Ellie, la hija de Charlie, está también muy bien como una adolescente gilipollas que trata mal a todo el mundo. Este personaje me parece también espectacular, porque muestra una cuestión interesante. ¿Cuánto tiempo se puede aceptar que una persona que sufrió un trauma de niña se comporte como una asquerosa? ¿Puede una víctima que sufre convertirse de alguna manera en un «verdugo» emocional que ataca a todo el mundo? No hay respuestas sencillas, y si personajes complejos que me han enamorado. Como esta hija que en el fondo quiere sentir que su padre la quiere y ella mostrarle su amor.

A parte de un trabajo actoral impresionante, la historia me parece que está super bien hilada, empezando por el ensayo que Charlie lee cuando está nervioso para tranquilizarse y evitar tener un ataque al corazón. La forma en que todo queda conectado al final de la película me parece sencillamente brillante. Ofreciendo además al espectador un final extrañamente positivo, dadas las circunstancias que vive Charlie en su día a día, que me parece espectacular.

Me alegro muchísimo de haber visto The Whale. Y entiendo que mucha gente igual no le apetece ver una película a priori «de sufrir» como me pasó a mi. Sin embargo, quiero recomendárosla y a invitaros que si podéis, no os la perdáis.

Comparto el trailer de la película:

The Whale es un peliculón que consigue a pesar del drama que nos cuenta mantener al espectador con una sensación positiva. Que grande es Darren Aronosjky.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Comics

Reflexiones de domingo 8/2023 – El mundo del comic necesita un revulsivo

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Pensando en un tema para el artículo de hoy, parece que los astros se han alineado esta semana. Y es que llevo algún tiempo pensando que el mundo del comic mainstream americano se encuentra en un momento de crisis profunda en la que nada consigue emocionar a los lectores de una manera similar a la forma en que Avatar 2 o Top Gun Maverick revitalizaron las salas comerciales. El anuncio por parte de Marvel de Ultimate Invasion, una nueva colección de Jonathan Hickman y Bryan Hitch en la que que retoman 8 años después del final de Secret Wars el universo Ultimate, me sirve para reforzar este argumento.

Ultimate Invasion va a ser una serie limitada de 4 números que comenzará a publicarse en Junio. La serie de Hickman y Hitch contará con elementos del universo Ultimate Marvel como El Hacedor (una versión alternativa malvada de Reed Richards) y Miles Morales (quizás el personaje original más importante de Ultimate Marvel, aunque fue creado por Brian Michael Bendis y Sara Pichelli en las etapas finales de este universo, en 2011), que desempeñarán papeles importantes en la historia. Y además asistiremos a una nueva reunión de unos nuevos Illuminatis de Marvel Comics.

«Creo que es justo decir que tanto Bryan como yo ya hemos dedicado nuestro tiempo a hacer comics del universo Ultimate, así que cuando Marvel nos puso este proyecto delante, ambos sabíamos que tenía que haber una buena razón para revisitar la idea de ‘Ultimate Comics’ más allá de contar una historia chula o simplemente trabajar juntos, que es algo que hemos estado intentando hacer durante años», comenta Hickman en la entrevista exclusiva a Entertainment Weekly que ha dado la primicia. «Así que con eso en mente, no podía ser replicar o revisitar lo que Bryan hizo en los Ultimates originales -crear una versión aerodinámica y modernizada que eventualmente se convertiría en la columna vertebral del MCU- y ciertamente no podía ser lo que yo hice, que era un capítulo final de un universo preexistente.»

Por su parte, Hitch dice: «Han pasado más de 20 años desde que empecé a trabajar en The Ultimates, un proyecto que tendría un gran impacto en mi propia carrera y más allá, así que cuando Marvel vino a mí con la idea de revisitar el Universo Ultimate con el hombre que tan brillante y espectacularmente destruyó el anterior, ¡me puse manos a la obra! Jonathan es un magnífico guionista de grandes epopeyas y hemos hablado de trabajar juntos más de una vez, así que esta nueva aventura del Universo Ultimate que nos une es muy emocionante. Puedo aportar dos décadas de experiencia como artista y narrador. Es nuevo, diferente y familiar. Es una historia de gran presupuesto, de alto concepto y en pantalla panorámica. Me siento como en casa».

Hickman continúa: «también pensamos que la idea misma de Ultimate Comics debía invertirse con respecto a lo que era el universo original. Queríamos que fuera algo que realmente sólo pudiera existir en el espacio del cómic: Una nueva forma de pensar y disfrutar de una nueva versión del Universo Marvel. Estoy bastante contento de decir que parece que hemos logrado esas cosas y estamos muy emocionados de que todo el mundo pueda leerlo.» «El Hacedor», dice Hickman, es «el vehículo perfecto para llevarnos del punto A al punto B».

Después de que el cómic Secret Wars terminara en 2015, Hickman se tomó un descanso de los cómics de Marvel durante unos años mientras se centraba más en proyectos independientes como East of West con Nick Dragotta. Pero Hickman regresó a Marvel con fuerza en 2019, revitalizando a los X-Men en la monumental serie de eventos House of X/Powers of X y supervisando una nueva generación de historias mutante. Cuando Hickman dejó los cómics de X-Men con el evento Inferno de 2021, dijo a EW que Marvel tenía «la expectativa de que escribiera libros más grandes que tuvieran un mayor alcance que los cómics mensuales regulares». Su insinuación de que Ultimate Invasion supondrá «una nueva forma de pensar y disfrutar» de los cómics de Marvel parece encajar en esa idea.

*Información e imágenes extraídas de la exclusiva de EW.

En 2015 el primer número de Star Wars de Jason Aaron y John Cassaday en Marvel vendió más de un millón de ejemplares. Ese mismo año, el primer número de Secret Wars de Jonathan Hickman y Esad Ribic, la miniserie que cerró el Universo Ultimate que ahora parece se va a retomar de alguna manera, vendió más de 550.000 ejemplares. Tuvieron que pasar 3 años para que el Action Comics 1000 vendiera más de medio millón de ejemplares en 2018. El reinicio de X-Men tras las exitosas House of X / Power of X, siendo el comic más vendido de 2019 «sólo» consiguió vender 250.000 ejemplares, mientras que el comic más vendido de 2020, Wolverine 1, no llegó a los 200.000 ejemplares.

Durante el COVID, el primero número de BRZRKR publicado por Boom Studios! rompió todos los registros al vender más de 600.000 ejemplares en 2021. Pero dejando aparte sorpresas puntuales como el comic de Keanu Reeves, Matt Kindt y Ron Garney, a lo que podría añadir el resurgimiento de la franquicia de SPAWN de Todd McFarlane a partir de alcanzar su histórico número 300, lo cierto que es parece que las ventas de las colecciones regulares están en caída libre. En 2022 leí numerosos artículos de tiendas de comics en Estados Unidos quejándose de no vender (casi) nada de DC y cada vez menos de Marvel. En este sentido, leer a Tom Breevort admitir que Marvel ha cambiado de política y frente a la tradición de series abiertas ahora prefieren publicar miniseries de 5 números que renuevan en caso de tener ventas aceptables. Leer que Marvel no confía que la mayoría de sus colecciones puedan llegar al número 10/15 y por eso confían en el aumento de ventas que un número 1 genera, es ciertamente descorazonador.

Y no hablo únicamente de Marvel y DC. En un momento en el que los lectores tenemos la mayor oferta disponible a nuestra disposición de mayor calidad, hubo un goteo incesante de creadores que se quejaban que las ventas de sus comics de creación propia no llegan a resultar rentables, viéndose obligados a volver a trabajos de encargo que aseguran unos ingresos que no tienen con sus propiedades. Cuando más oferta hay más difícil resulta llamar la atención de lectores que en muchos casos no llegaron a saber ni que publicaste una nueva obra. Y hablo de gente que publica en Image, si pensamos en autores de editoriales más pequeñas, la situación puede ser dramática en muchos casos. O directamente como en España, donde muchos autores tienen que compaginar el comic con otros trabajos remunerados que equilibren su economía.

Creo que fue a Mark Millar al primero que le leí en su newsletter que la industria del comic mainstream americano necesita comics que generen un gran interés en los aficionados. Dentro de los correctos comics que seguro están publicando Marvel, DC y las demás editoriales (según los gustos de cada uno), nada llama realmente la atención del fandom y le hace desear comprar ese comic al sentir que es el equivalente comiquero de un EVENTO del MCU cinematográfico. Millar utilizaba esta reflexión para vender su próximo comic BIG GAME que va a dibujar PEPE LARRAZ, pero creo el escritor escocés ha dado en la diana.

Y para ello la única forma de conseguirlo es unir a personajes icónicos con los mejores autores. ¿Quién no compraría una Liga de la Justicia de Jonathan Hickman con Pepe Larraz? ¿O un Spiderman de Tom Taylor y Daniel Warren Johnson? En un momento que parece que nada consigue romper una rutina nada emocionante, la industria necesita más comics como el BRZRKR de Keanu Reeves o el Batman / Spawn de Todd McFarlane y greg Capullo ¡todos los meses! Comics que hagan que compradores poco habituales se animen a comprarlos en su librería más cercana y, con suerte, una vez allí pueda probar otras cosas. Como pasa con los blockbusters palomiteros del cine, que Avatar triunfe entre el público significa que los cines están llenos y son rentables. Pues eso mismo necesitan ahora mismo las librerías de comics.

Y cuando hablo de COMICS EVENTOS no me refiero a crossovers como V.X.E. El día del juicio recién finalizado en Marvel, o las Crisis Oscuras en Tierras Infinitas de DC Comics que ECC Ediciones acaba de comenzar a publicar en España. Me refiero a comics que se sientan IMPORTANTES, de forma que nadie puede perderse. ¿Frank Miller y David Mazzucchelli se reunen para una historia de Daredevil? Compro. Cada lector seguro que tenemos nuestro Dream-Team, pero realmente necesitamos historias con grandes ideas espectacularmente dibujadas por autores de primera fila. Leer al cuarto copión de Stuart Immonem que dentro de ser correcto no sabe transmitir la magia que si tienen los verdaderos super estrellas es cualquier cosa excepto emocionante.

Y dentro de estos comics IMPORTANTES habría que añadir, además de especiales concretos como el Batman / Spawn que comentaba antes, colecciones como The Walking Dead o SAGA, comics mensuales que invitan a los lectores a pasarse todos los meses por la librería, y cuyas ventas aumentan a medida que el boca a boca funciona entre los aficionados. Y cuyos tomos recopilatorios son aún más populares que las grapas, ofreciendo ventas constantes a las librerías que aprovechando que están allí quizá quieran probar otras historias.

El anuncio de Ultimate Invasion de Hickman y Hitch se une al reinicio de Los Vengadores de Jed MacKay y C.F. Villa previsto un mes antes, en Mayo. Tras la decepción que está resultando la franquicia mutante tras la marcha de Hickman, a pesar del hype que me generan estos anuncios, si tuviera que calificar los años de C.B. Cebulski como Editor en Jefe de Marvel, la valoración no sería demasiado buena. Y obviamente se han producido comics excelentes como el Thor de Jason Aaron y Dauterman, Inmortal Hulk de Al Ewing y Joe Bennet o Veneno de Donny Cates y Ryan Stegman, pero a nivel general la Casa de las Ideas se encuentra a años luz de la calidad de la Marvel Now! inaugurada hace 10 años, en 2013. Una etapa que de alguna forma desembocó en las Secret Wars en 2015.

Espero que estos anuncios y otros muchos que se confirmen durante 2023 den un meneo a la industria y generen el interés de los aficionados por esas historias. Y esto mismo es compatible con que realmente Hickman no es para nada un seguro de vida, teniendo en cuenta su trabajo en los mutantes, y décadas antes en los comics de la línea Ultimate. Pero dejando aparte mis opiniones personales, creo que su Ultimate Invasion puede ser unos de los comics «importantes» de 2023. En este sentido, tengo claro que Big Game, el comic que Mark Millar anunció junto a Pepe Larraz y sobre el que hablaba antes, va a ser un pelotazo. Ahora sólo falta que Robert Kirkman, Rick Remender, Warren Ellis o Grant Morrison anuncien proyectos para este año y que se vendan estupendamente. (ah, perdón! Warren Ellis no, que parece que sigue cancelado). Porque no se tu, pero yo planeo seguir comprando comics durante muchos años, ni me planteo dejar de leer.

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Comics

Crítica de Once and Future vol. 5 de Kieron Gillen y Dan Mora (Boom Studios)

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Once & Future, el comic de Kieron Gillen y Dan Mora con colores de Tamra Bonvillain, publicado por Boom Studios e inspirado en las leyendas artúricas llega a su conclusión en su quinto volumen.

PUNTUACIÓN: 8/10

Vol. 5: La tierra baldía

Cuando Excalibur, la mítica espada en la piedra, aparece en las afueras de Londres en Nochebuena, todos los reyes se apresuran a reclamarla mientras nuestros héroes defienden la espada. Pero, cuando Leir es liberada, reina el caos. Con Rose y Duncan en peligro mortal, y todo en juego con viajes al infierno, al Otro Mundo, y más allá, ¿podrán finalmente arreglarse las cosas? El escritor superventas del New York Times Kieron Gillen (The Wicked + The Divine, Star Wars), el artista ganador del premio Russ Manning Dan Mora (Klaus) y la colorista Tamra Bonvillain (The Red Mother) llevan su serie favorita de los fans y aclamada por la crítica a su impresionante conclusión.

Este quinto y último volumen de Once & Future recopila los números 25-30 USA.

Qué genial es leer un comic que ofrece una lectura tan satisfactoria como ha sido este Once and Future. Reconozco que no siempre he conectado con las historias de Kieron Gillen, pero en este caso el éxito es total. Me gusta mucho la capacidad de Kieron Gillen de seguir sorprendiendo al lector utilizando a todo tipo de seres mitológicos más o menos conectados con las leyendas artúricas o, en este volumen, británicas. Aparte de estupendas escenas de acción, las sorpresas y las apariciones especiales abundan en este comic que es todo diversión y entretenimiento. Pero también hay que resaltar como Gillen usa el comic para lanzar numerosos elementos de crítica social, por ejemplo a partir que los poderosos reescriben la historia según les interesa tergiversando el origen de algunos de estos personajes míticos, o como ante la lucha por empuñar Excalibur, igual ningún Rey es digno del título de señor de Inglaterra.

Once and future tiene claro el tipo de entretenimiento sin complejo que ofrece y página a página nos deja siempre con el mejor sabor de boca posible, gracias a un ritmo que nunca llega a levantar el pie del acelerador. Y si encima Gillen cuadra el final ofreciendo una conclusión super satisfactoria, la verdad es que no se puede pedir más.

Desde Klaus, Dan Mora se ha convertido en uno de mis dibujantes favoritos y este quinto volumen sólo termina de confirmar esta realidad, dejando al lector con el mejor sabor de boca posible. Aparte de transmitir una alucinante fluidez narrativa en cada página, una cosa que me indica lo bien que se lo ha pasado dibujando este comic con sus aterradores diseños de personajes, sin ir más lejos en este volumen con su reimaginación de Robin Hood y sus alegres hombres de Sherwood. En cierto sentido este comic me recuerda a Deadly Class y como igual que en el comic de Remender + Craig, Mora consigue que la acción sea lo que cuente la historia. La historia de Gillen en Once and future es genial, llena de momentos over-the-top aprovechando los mitos artúricos y algún que otro comentario social, pero es sin duda la extraordinaria calidad artística de Mora lo que marca la diferencia y convierte un buen comic en uno notable. Ahora mismo Mora mira de tu a tu a cualquier dibujante super estrella de Marvel o DC, rompiendo la norma no escrita que indica que comics de editoriales indy suelen tener un dibujo malillo.

Además de Mora, me gustan mucho también los colores de Tamra Bonvillain, que ayudan a diferenciar los espacios terrenales y sobrenaturales mientras resaltan la narrativa del comic amplificando los momentos más espectaculares y sangrientos.

Once and future nos ha dado un tipo de diversión over-the-top imposible de ver en un comic de Marvel o DC. De hecho, este comic ha sido mucho mejor que muchos comics mainstream de estas editoriales. Aparte de todo esto, destacar de nuevo el hecho que los 30 números de esta colección hayan sido creados por el mismo equipo creativo de Gillen, Mora y Bonvillain, algo que me encanta y que da a la obra una consistencia artística maravillosa. Normalmente busco cosas buenas y malas para cada obra que reseño. En este caso, no encontré nada menos bueno, incluso la pena de ver el final de la serie se compensa ante tener una conclusión tan lógica y satisfactoria.

Comparto las primeras páginas de este último volumen:

Once and Future ha sido un comic de acción lleno de imaginación que me ha encantado y ha saciado mi sed de mitos artúricos por una temporada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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