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Crítica de Loving Vincent, de Dorota Kobiela y Hugh Welchman (Netflix)

Gracias a Netflix de descubierto una de las películas más sorprendentes que he visto en mucho tiempo. Loving Vincent es una maravilla animada creada a partir de las pinturas del genial artista Vincent Van Gogh que ninguna persona son sensibilidad artística debería perderse.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Año 1891. Un año después de la muerte de Vincent van Gogh, el cartero Roulin le pide a su hijo Armand que entregue personalmente la última carta de Van Gogh a su hermano, Theo, después de que sus intentos previos de enviársela hubieran fallado. A pesar de no haber apreciado a Van Gogh y recordar el incidente cuando el fallecido se mutiló su oreja y se la dio a una prostituta, Armand acepta con disgusto debido al afecto de su padre por el pintor…

Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, «Loving Vincent» es un film homenaje a Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh.

Loving Vincent ha significado una experiencia apasionante, una película que mediante la animación amplía las posibilidades expresivas del cine, fusionando la capacidad de contar una historia de forma entendible para el público con una verdadera obra artística que apela a nuestros sentimientos y emociones.

La película, estrenada en 2017 fue escrita y dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, y fue financiado por el Instituto Polaco de Películas (Polski Instytut Sztuki Filmowej), y parcialmente mediante una campaña de Kickstarter, consiguiendo de forma más que merecida un montón de premios internacionales.

La premisa de contar la vida de Van Gogh a través de sus múltiples pinturas, animando a los diferentes personajes exactamente con el estilo de los cuadros pintados en vida por el artista me parece una idea brillante que me mantuvo flipado de principio a fin. Me encanta el cine de animación, pero a veces creo que mi ojo está un poco “malcriado” ante la perfección visual de Pixar y los grandes estudios de animación. Ver una película con una sensibilidad tan diferente me ha encantado y me gustaría pensar que en el futuro otros autores se animen a crear obras similares inspirada en la obra de otros autores. Esto es debido a la enorme obra pictórica que Van Gogh creó en los 8 años en que se dedicó al arte, existiendo más de 700 obras suyas acreditadas, la mayoría creadas en su etapa en el campo.

La película me contó de forma sumamente interesante algunos aspectos de la vida del autor que desconocía, y me dejó con ganas de conocer más, así que incluso desde un punto pedagógico, la película me parece un triunfo monumental.

Comparto el trailer de la película:

Loving Vincent ha sido una experiencia maravillosa que no puedo dejar de recomendar a todo el mundo, sea o no fan del arte en general o de la obra de Van Gogh en particular.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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Crítica de Iron Man de Jon Favreau (Marvel Cinematic Universe 1)

Comienzo el mes de mayo reparando un debe histórico, ya que en los próximos días voy a escribir reseñas de todas las películas del Universo Marvel cinematográfico (MCU) que se estrenaron antes de empezar este blog, empezando por la película que lo inició todo, Iron Man (Jon Favreau, 2008), la película que estableció a Robert Downey Jr. y a Tony Stark como iconos del siglo XXI.

Empecé a escribir este blog en 2013 como parte de un curso de redes sociales, y poco a poco le fui cogiendo el gusto a escribir de las cosas frikis que me apasionan. Al centrarme siempre en comics o películas que veía como novedad en cada momento, no tuve ocasión o ganas de reseñar obras «clásicas». Siempre había un estreno, una noticia, que parecían más importantes, por lo que si algo bueno está teniendo este confinamiento, por decir algo, es que la falta de novedades me ha animado a escribir de algunas de mis obras favoritas, empezando con la maravillosa Scalped de Jason Aaron y R.M. Guéra, y ahora de las películas del MCU que me faltan en el blog.

El multimillonario fabricante de armas Tony Stark (Robert Downey Jr.) debe enfrentarse a su turbio pasado después de sufrir un accidente con una de sus armas. Equipado con una armadura de última generación tecnológica, se convierte en «El hombre de hierro», un héroe que se dedica a combatir el mal en todo el mundo. (FILMAFFINITY)

Ahora parece todo muy sencillo, pero la apuesta de Marvel Comics de producir sus propias películas en lugar de vender los derechos de sus personajes a estudios como Sony (Spiderman) o 20th Century Fox (X-Men, 4 Fantásticos) como era la norma hasta ese momento, tenía todas las opciones de terminar en desastre.

Dentro del mundo del comic Marvel era y es la editorial número uno, pero eso no significaba nada en el mundo audiovisual, en el que una DC Comics como fuente de contenidos de la todopoderosa Warner le llevaba años de ventaja con Batman y, en menor medida con Superman. Es por esto que aunque Iron Man fue la primera película autofinanciada de Marvel Studios, contó con Paramount Pictures como su distribuidora.

Otro hecho a destacar es que AHORA Iron Man es uno de los iconos de Marvel, pero en aquel momento no era para nada uno de sus personajes más populares de la editorial. De hecho, la sensación que existía era que Marvel había vendido las joyas de la corona (Spiderman, los X-Men o los 4 Fantásticos), y Los Vengadores parecían los «hermanos pobres» a los que nadie veía viabilidad comercial.

La propia  elección de Jon Favreau como director en su día resultó un tanto extraña. Actor y director, había aparecido en Daredevil (Mark Steven Johnson, 2003, producida por Fox) interpretando a Foggy Nelson, el amigo de Matt, y conoció allí a Avi Arad, el productor de Marvel. Su película previa como director fue Zathura (2006, secuela de la icónica Jumanji) que fue un fracaso monumental de taquilla. Sin embargo, el uso de efectos especiales en dicha película y su entusiasmo ante la posibilidad de dirigir a un personaje de los comics Marvel fue lo que convenció a Marvel, ya con Kevin Feige como productor junto a vi Arad, que su fichaje era el correcto.

Favreau planteaba Iron Man como la historia de un hombre adulto que literalmente se reinventa a sí mismo después de descubrir que el mundo es en realidad más complejo de lo que creía. El guión viene firmado por Mark Fergus, Hawk Ostby, Arthur Marcum y Matthew Hollaway, y resulta interesante comentar que en esos días en que Marvel no era nadie (cinematográficamente hablando), recibieron un montón de rechazos, ya que nadie quería trabajar con ellos y con sus personajes de comic.

Además, aunque ahora el término «comité asesor de Marvel» está denostado, es reseñable también que autores y editores de Marvel Comics como  Mark Millar, Brian Michael Bendis, Joe Quesada, Tom Brevoort, Axel Alonso y Ralph Macchio ayudaran a los guionistas en esta que era la primera película de la casa, haciendo que todo fuera fiel al espíritu de los comics aunque no adaptaran ninguna historia concreta, actualizando el origen situándolo en la guerra de Afganistán y no en el Vietnam original de los comics.

En todo caso, aunque el guión básico de lo que pasaba y cuales iban a ser las escenas de acción estaban marcadas, especialmente debido a los complejos efectos especiales que requerían, gran parte del guión estaba inacabado al comenzar el rodaje, dejando gran parte de los diálogos a la improvisación de Robert Downey Jr., lo que quizá explica lo fresco y carismático que resulta su visionado.

La armadura de Iron Man era otro de los elementos fundamentales que tenía que funcionar o la película se iría al traste. La imagen final del film está inspirada en los diseños de Adi Granov, que junto al escritor Warren Ellis redefinió al personaje en Extremis, miniserie de seis número publicada en 2005-06.

El mítico Stan Winston y la ILM realizaron la construcción de la armadura, que se combinaría con una armadura digital CGI en la mayoría de escenas. Pero, inspirado en el diseño de Granov, la construcción de la armadura durante la película resalta la complejidad de su ensamblado y como es un trabajo increíblemente complejo que sólo un genio como Stark podría llevar a cabo.

Hablemos de Tony Stark. Lo cierto es que visto de forma objetiva, el guión de Iron Man es super correcto pero no deja de ser una historia típica de origen del héroe. La alucinante interpretación de Robert Downey Jr es lo que consiguió elevar la película convirtiéndole a él y a su personaje en iconos del entretenimiento. Su Tony Stark es un chulo que piensa más en irse de fiesta que en los problemas de la gente normal, y que verá como su mundo salta por los aires cuando es secuestrado por terroristas afganos usando el propio armamento que fabrica su empresa. Dentro que Stark aprende y mejora como persona e intenta ayudar a la gente en problemas, sigue siendo un pomposo y engreído millonario al que le falta mucho que aprender. Por suerte, veremos su evolución en las siguientes películas.

Robert Downwy Jr. convirtió a un personaje de segunda dentro de los comics Marvel en un icono conocido en el mundo entero. Eso es éxito por supuesto suyo y de su calidad actoral y su desbordante personalidad, pero también de Marvel y sus directores de casting que apostaron por un actor «apestado» durante años por los grandes estudios debido a sus problemas con el alcohol y las drogas.

Para Iron Man, Marvel contrató a unos secundarios de lujo entre los que tenemos a Jeff Bridges como Obadiah Stane, el amigo de Howard Stark que es quien realmente dirige Stark International debido a la irresponsabilidad de Tony. Stane es el villano de la película y quizá el elemento más endeble de la historia, aunque la interpretación de Bridges es genial y sabe dotar al personaje de los matices justos en cada momento.

Gwyneth Paltrow como Virginia «Pepper» Potts, la ayudante y chica para todo de Tony. Paltrow, aunque no lo parezca, era otro nombre de prestigio al ser ganadora del Oscar por Shakespeare in love, y aporta la perfecta dosis de humanidad al mundo de Tony además de ser la persona con las necesarias dosis de lógica en el caótico mundo de Tony,

Por último Terrence Howard interpreta al Teniente Coronel James «Rhodey» Rhodes, amigo de Tony y su enlace con la Fuerza Aérea. Rhodes es un personaje de toda la vida de los comics y en las siguientes películas le veremos enfundarse la armadura de Máquina de Guerra. Esta es laprimera y única película de Howard en el MCU, siendo sustituido por Don Cheadle en las siguientes novelas, algo que Howard consideró una traición por parte de Downey Jr.

La película cuenta además con música de Ramin Djawadi, además de unas icónicas canciones de AC/DC que aportan la dosis justa de potencia y rock´n´roll. También merece la pena destacar la fotografía de Matthew Libatique, que hace que momentos como las escenas aéreas o la construcción de las diferentes armaduras luzcan siempre reales, y el estupendo montaje de Dan Lebental y Glen Scantlebury que no da un segundo de respiro y nos transporta como un tiro por los 126 minutos de metraje.

Y es que la película triunfa en todo lo que plantea, desde la escena inicial en Afganistán con acordes de AC/DC con la enboscada que nos atrapa y nos mete de golpe en la película, o el flashback que nos presenta a Stark como un estúpido snob y egoista que va a aprender por las malas una dura lección. La construcción en la cueva de la primera armadura que nos recuerda a su primera versión comiquera y su huida está llena de personalidad y, por qué no, de un sentido del humor irónico que funciona siempre.

Inspirado en el comic Ultimates de Mark Millar y Brian Hitch, me gusta muchísimo que las armaduras MARK II y III que Tony construye en su mansión sean armaduras super complejas que deben ser construidas por cadenas de montaje robotizadas, creando momentos divertidos mientras Tony va probando los diferentes elementos.

Este entrenamiento y la complejidad de su utilización hacen que su primera salida aérea sea increíble. Cuando por fin llega el combate en Afganistán primero contra los terroristas y luego contra la fuerza aérea, está llena de fuerza e incertidumbre ante el resultado, siendo unas escenas brillantemente resueltas.

Lo primero que hicieron en posteriores películas fue simplificar la armadura hasta hacerla de nanitos desplegados desde su pecho en Infinity War y Endgame. Sin embargo, echo de menos la sensación de ensamblado super complejo que tenía en esta primera película.

Como comentaba antes, la película está tan concentrada en construirnos a un maravilloso Tony Stark que el villano Obadiah Stane queda como lo más flojo, aunque correcto de la película. En parte por el propio misterio de su identidad, ya que durante la primera mitad realiza la función «paterna» para Tony, de forma sea sorprendente cuando se confirma que él es el villano en la sombra. Forzar la construcción de la armadura Iron Monger para combatir a Iron man queda un pelín forzado, aunque entra en los convencionalismos del género, de forma que este climax queda quizá como la parte más floja de toda la película.

Por suerte, el ya mítico «YO SOY IRON MAN» al final de la película, y la no menos mítica escena al final de los títulos de crédito en el que un Nick Fury interpretado por Samuel L. Jackson (como en los Ultimates de Millar y Hitch) le habla a un sorprendido Tony Stark sobre la «iniciativa Vengadores» que nos anunciaba una próxima película de Vengadores, consiguió dejarnos a los espectadores y fans de los comics en todo lo alto.

Y con la sensación, luego confirmada, que lo mejor estaba aún por venir.

Comparto el trailer de la película:

Iron Man es una más que notable película de origen que triunfa gracias al carisma de Robert Downey Jr. y a una historia super fiel al espíritu del personaje. Hoy en día poca gente (por no decir nadie) puede secir que no conoce a Iron Man o a los Vengadores, y todo comenzó aquí.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Casino Royale, de Martin Campbell

En Abril tendría que haberse estrenado Sin tiempo para morir, la última película de Daniel Craig como James Bond. Aunque aún tendremos que esperar unos meses para verla, es un buen momento para recuperar Casino Royale, la primera película de Craig como 007 dirigida por el veterano Martin Campbell, que es una de las mejores películas de toda la serie.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Fecha de estreno: 2006

Director: Martin Campbell

Guión: Neal Purvis, Robert Wade y Paul Haggis, basado en la novela Casino Royale de Ian Fleming

Interpretado por: Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench, Jeffrey Wright y Giancarlo Giannini.

La primera misión del agente británico James Bond (Daniel Craig) como agente 007 lo lleva hasta Le Chiffre (Mads Mikkelsen), banquero de los terroristas de todo el mundo. Para detenerlo y desmantelar la red terrorista, Bond debe derrotarlo en una arriesgada partida de póquer en el Casino Royale. Al principio a Bond le disgusta Vesper Lynd (Eva Green), la hermosa oficial del Tesoro que debe vigilar el dinero del gobierno. Pero, a medida que Bond y Vesper se ven obligados a defenderse juntos de los mortales ataques de Le Chiffre y sus secuaces, nace entre ellos una atracción mutua. (FILMAFFINITY)

La decisión de Pierce Brosnan de abandonar el papel de James Bond tras Die Another Day (2002, Lee Tamahori), su cuarta película protagonista, provocó que los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli tuvieran que replantearse el futuro de la serie. Aprovechando el cambio de protagonista, decidieron actualizar completamente la franquicia aprovechando el argumento de la primera novela de Ian Fleming Casino Royale. Poder ver la primera misión de James Bond como 007, algo inédito hasta la fecha, crearía una nueva cronología que sería continuada por las siguientes películas.

Wilson y Broccoli contrataron a los guionistas , que ya habían escrito The world is not enough (1999), Die another day (2002) y que tras Casino Royale, también escribieron los guiones de Quantum of Solace (2008), Skyfall (2012) y Spectre (2012). El guión de Purvis y Wade fue afinado por Paul Haggis, director y guionista de Crash (2004) ganadora del Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Original.

Martin Campbell fue elegido como director de Casino Royale debido a su solvencia como director de éxitos como La máscara del Zorro (1998), unido a su conocimiento del mundo de Bond al haber dirigido Golden Eye (1995), la primera película de Pierce Brosnan como 007.

Daniel Craig se ha convertido en el James Bond del siglo XXI para toda una generación, pero su contratación en 2005 estuvo rodeada de bastante polémica. No tanto por ser el primer James Bond rubio, sino porque Craig, hasta ese momento actor de teatro y secundario en Tomb Raider (2001, Simon West) o Camino a la perdición (2002, Sam Mendes), no transmitía en pantalla el carisma que se le supone a un icono como James Bond. Frente al irónico gentleman al que estábamos acostumbrados, Craig nos muestra a un Bond frío que es más una bola de demolición que un escalpelo, y supuso una auténtica revolución respecto a las versiones previas del personaje. Además, su salida del mar en la playa de Bahamas, un claro homenaje a la icónica escena de Ursula Andress en 007 contra el Doctor No (1962, Terence Young), le convirtió en un sex-symbol internacional.

Casino Royale significó un enorme éxito de crítica y público. Casino Royale consiguió sorprender ya desde la típica aventura inicial de Bond antes de los títulos de créditos, rodada en blanco y negro para transmitir la idea de vuelta a los orígenes. A continuación, una espectacular persecución en Madagascar con una de las demostraciones de parkour más alucinantes visto en pantalla grande hasta ese momento remarcaba el mensaje de realismo. Se habían acabado los efectos especiales exagerados, lo que encajaba perfectamente con la interpretación seca y directa de Craig.

Aunque creo que Daniel Craig en el apartado físico cumple de sobra con las exigencias del papel, le veo muy limitado en el aspecto emocional, hasta el punto de pensar que su contratación fue un error de casting. Su James Bond solo tiene un registro, el frío asesino, y cuando intenta mostrar sentimientos fracasa completamente, algo que se confirmó en las siguientes películas.

Por suerte, en el terreno del carisma la serie de James Bond siempre ha tenido de sobra, y en Casino Royale destacan las interpretaciones de Mads Mikkelsen como el villano Le Chiffre y la siempre perfecta Eva Green como Vesper Lynd. Junto a ellos el reinicio de la franquicia nos presentó a una nueva M mujer, excelentemente interpretada por Judi Dench, así como al agente de la CIA Felix Leiter interpretado por el afroamericano Jeffrey Wright.

El momento clave de Casino Royale parecía que iba a ser la partida de poker, que está excelentemente rodada y mantiene en tensión al espectador durante todo el metraje. Sin embargo, descubriremos que tras esta partida y el posterior cara a cara de Bond y Le Chiffre aún faltan 25 minutos de película, con un último giro inesperado y un set de acción en Venecia. Esto provoca que el ritmo de la película que hasta ese momento era perfecto, se resienta durante varios minutos. En todo caso, es un elemento menor dentro de una película excelente que dejó a los espectadores con ganas de más.

Casino Royale tiene un montón de elementos icónicos, pero no quiero dejar de destacar la excelente música de David Arnold, que además escribió junto al tristemente fallecido Chris Cornell el tema “You know my name”, una de las mejores canciones de James Bond.

A falta de ver Sin tiempo para morir y comprobar si esta etapa de Daniel Craig como James Bond se cierra de forma satisfactoria, diría que Casino Royale es una de las 5 mejores películas de toda la serie que explica por qué para mucha gente el estreno de una nueva película de 007 es un acontecimiento y una cita obligada para verla en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Casino Royale es, además de una gran película por si misma, un perfecto ejemplo de gran reinicio de una franquicia con más de 40 años de historia que lanzó al nuevo James Bond al siglo XXI. Una excelente película que merece ser revisada durante estos días.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

* Este texto se publicó originalmente en el nº4 del Fanzine El Colmo publicado este mes de abril.

 

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Crítica de Tyler Rake de Sam Hargrave (Netflix)

Netflix ha estrenado Tyler Rake, película producida por los hermanos Russo (Vengadores Endgame) y dirigida por su coordinador de escenas de acción y especialista Sam Hargrave, que es un espectacular ejercicio de estilo con un Chris Hemsworth protagonista de unas coreografías increíbles que convierten esta película en visionado obligado para todos los fans del cine de acción.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cuenta la historia de Tyler Rake (Hemsworth), un mercenario que ofrece sus servicios en el mercado negro, y al que contratan para una peligrosa misión: rescatar al hijo secuestrado de un capo de la mafia india que se encuentra en prisión. En el turbio submundo de los traficantes de armas y los narcos, una misión que se preveía letal pasa a convertirse en un desafío prácticamente imposible que cambiará para siempre las vidas de Tyler y el chico. (FILMAFFINITY)

Joe Russo escribe el guión de esta película que me sorprende descubrir está basado en una novela gráfica: Ciudad, de Ande Parks e ilustrada por Fernando León González. Esta novela gráfica está realizada a partir de una historia de Parks junto a los hermanos Joe y Anthony Russo, lo que me induce a pensar que quizá sirviera a modo de storyboard para vender mejor la película. En todo caso, me provocado mucha curiosidad, a ver si la puedo comprar a ver qué tal.
HenryJackman (otro colaborador habitual de los Russo), realiza la música junto a Alex Belcher, y la película cuenta con fotografía de Newton Thomas Sigel y un montaje alucinante de Peter B. Ellis y Ruthie Aslan. La película fue rodada en Bombay (India) y otras localizaciones en Tailandia y Bangladesh.

Chris Hemsworth es el omnipresente protagonista y principal reclamo comercial de la película, además de realizar funciones de productor. Teniendo en cuenta que está en pantalla el 95% del metraje y la complicación técnica de rodar todas las escenas de acción, planteadas como unos larguísimos planos secuencia, creo que su participación en la película es todo un éxito.

Junto a Hemsworth, tenemos a David Barbour (Stranger things) en un pequeño papel entiendo que también de cara a tener un reclamo internacional. El resto del reparto son actores asiáticos, entre los que destacaría a Rudhraksh Jaiswal como Ovi, el niño secuestrado al que Rake tendrá que rescatar, y Randeep Hooda como Dani, un esbirro del padre de Ovi que tiene sus propios planes para rescatar a Ovi y que protagoniza unos combates bestiales con Hemsworth.

Rake, o Extraction en su versión internacional, es un triunfo monumental. No puedo expresarlo con otras palabras. Viendo la película, entiendo que Hemsworth quisiera protagonizarla, ya que suponía un desafío actoral increíble que pongo al mismo nivel que el que supuso a Keanu Reeves rodar Matrix o John Wick. Si, esta película era un desafío increíble y para un actor rodar un drama lacrimógeno no creo que suponga un desafío tan complejo como esta película en la que aparentemente ha rodado él todas las brutales escenas de acción.

Si los Russo querían que esta película sirviera de carta de presentación para su director Sam Hargrave, especialista y coordinador de las escenas de acción de los Russo, el éxito es total. Tyler Rake es un apabullante ejercicio de estilo que buscaba recrear la potencia visual del cine de acción asiático, y ofrece una película que puede mirar de tú a tú a algunos clásicos del género.

Los larguísimos planos secuencia de varias escenas de acción me han volado la cabeza, al igual que ver a Hemsworth realizar todas las complejas y salvajes coreografías de acción. La película me ha dejado con ganas de volver a verla, no solo por ver de nuevo estas escenas, sino también para analizar su montaje y ver dónde han podido cortar durante estas escenas, ya que el montaje me ha parecido espectacular.

Dentro que el guión está planteado desde la acción, me parece que Joe Russo cumple con nota, ya que plantea varios giros y traiciones interesantes que consiguen que la película nunca aburra, y dota al personaje de Hemsworth de la profundidad justa para que no sea simplemente un Terminator que acaba con todo el mundo a su paso.

El estreno de la película en Netflix en estos momentos de confinamiento creo que va a suponer que millones de personas en todo el mundo vayamos a ver la película en este fin de semana de estreno, sin duda muchas más de las que la hubieran visto en salas comerciales. En mi caso, me alegro mucho de haberla visto y no puedo más que recomendarla a todos los fans del cine de acción, vais a disfrutarlo muchísimo.

Comparto el trailer de la película:

Tyler Rake es un must-watch absoluto. Si te gusta el cine de acción no hay excusas, tienes que verla.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Camino a la perdición, de Sam Mendes

Camino a la perdición (2002) es un PELICULÓN con todas las letras. Una maravilla que mezcla el género de gangsters con un drama familiar rodada elegantemente y con unos actores en estado de gracia. No se puede pedir más.

PUNTUACIÓN: 9/10

En los oscuros años de la Gran Depresión, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo que profesa una lealtad inquebrantable a su jefe, el señor Rooney (Paul Newman), pero es también un buen padre de familia. Son tiempos duros en Rock Island, donde domina la mafia irlandesa, la Ley Seca sigue vigente y los gángsteres, especialmente Al Capone en Chicago, están en la cima del poder. Un día, inesperadamente, el hijo de Sullivan, Michael Jr. (Tyler Hoechlin), decide seguir a su padre para saber en qué consiste exactamente su trabajo. (FILMAFFINITY).

Camino a la perdición parte de un guión de David Self que adaptó a la gran pantalla la novela gráfica de Max Allan Collins y Richard Piers Rayner. Merece la pena destacar que a su vez, Collins nunca ocultó que esta historia está fuertemente influenciada por la obra maestra del manga Lone Wolf & Cub escrita por Kazuo Koike e ilustrada por Goseki Kojima. Camino a la Perdición es uno de los pocos casos en que la adaptación cinematográfica supera a la obra original, aunque reconozco que en parte esta sensación pueda estar producida al no leer esta novela gráfica hasta años más tarde de ver la película, lo que hizo que me pareciera un buen comic aunque alejado de la maestría de la película de Mendes.

Otro de los elementos más destacados de la película es su maravillosa recreación del Chicago de 1931, realizado gracias al trabajo en equipo de Dennis Gassner (diseño de producción), Richard L- Johnson (dirección artística) y Albert Wolsky (vestuario) entre otros. Conrad L. Hall consiguió el Oscar a Mejor Fotografía a título póstulo, al fallecer tras finalizar el rodaje. Hall, junto al montaje de Jill Bilcock y la maravillosa banda sonora de Thomas Newman consiguieron dotar a la película de una personalidad propia que se alejaba de otras películas del género de gangsters.

La película además cuenta con un reparto excepcional. Como cinéfilo me resulta un autentico lujo poder ver a dos leyendas del cine como Paul Newman y Tom Hanks compartir la película, que consiguieron que se me pusiera la piel de gallina. Hanks interpreta a Michael Sullivan, un asesino a sueldo que trabaja para John Rooney (Newman). Sus interpretaciones son super contenidas y casi minimalistas, siendo ambos hombres de pocas palabras que sin embargo transmite un montón simplemente con su mirada y su mera presencia.

La envidia que Connor Rooney (Daniel Craig) siente contra Sullivan al sentir que su padre le quiere y respeta más que a él es el fuego que desencadena todo el drama de la película. Sullivan tiene que escapar con su hijo Michael Sullivan Jr. (Tyler Hoechlin), el único superviviente de la familia. Otros actores destacados de la película son Jude Law como el asesino a sueldo Harlen Maguire, Stanley Tucci como el mafioso de Chicago Frank Nitti o Jennifer Jason Leigh en un pequeño papel como Annie Sullivan, la esposa de Michael. Aunque eclipsados por el carisma de Hanks y Newman, creo que todos realizan un trabajo excelente.

El director británico Sam Mendes lo había ganado todo con American beauty (1999), película que ganó 5 Oscars, entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Kevin Spacey, Mejor Guión Original y Mejor Fotografía. Esto suponía una gran oportunidad, ya que tendría vía libre para rodar lo que quisiera, pero a la vez era un gran riesgo, ya que las comparaciones iban a ser inevitables. Leyendo sobre la película, resulta maravilloso que su elección fuera buscar una historia de época que evitara caer en los clichés y que pudiera transmitir muchas emociones con el mínimo diálogo posible.

Lo más maravilloso de la película y lo que la convierte en algo único es lo bien que funciona a muchos niveles. Primero de todo, esta historia de venganza está contada desde el punto de vista del niño, que ve primero como se le cae el mito de su padre y aprende a volver a quererle a pesar de lo horrible de su profesión. Esto hace que toda la historia se aleje de las típicas historias de gangsters o de venganza que han inundado las carteleras durante años.

Además, la historia es un buen retrato de la violencia y sus consecuencias. En uno de los mejores momentos de la película, John Rooney (Newman) le dice a Sullivan (Hanks) que ambos saben que no son buenas personas y que arderán en el infierno por los pecados que han cometido en vida. En este sentido el título de Camino a la Perdición tiene un doble significado, ya que por un lado es el pueblo al que los Sullivan se dirigen para estar a salvo y por otro el personaje de Hanks sabe que su final solo tiene un destino, el infierno. En palabras del propio Mendes: “Sullivan está en una batalla por el alma de su hijo. ¿Puede un hombre que ha llevado una mala vida alcanzar la redención a través de su hijo?»

Sam Mendes recrea los Estados Unidos de 1931 de forma maravillosa, empleando una paleta de colores apagados que transmiten la desesperanza que se vivía en esa época. Además, opta por un ritmo pausado que es perfecto para contar la historia, que tiene un marcado tono intimista al centrarse en la relación de los Sullivan. La música de Thomas Newman crea momentos muy especiales durante toda la película y también ayuda a trasladarnos a una época pasada. Además, muchas imágenes, como su perfecto final, transmiten una belleza y una poesía únicas, con planos para el recuerdo.

Además de todo lo anterior, algunas escenas como el mítico tiroteo bajo la lluvia que tienen una fuerza increíble, mientras Mendes se centra en las figuras de Hanks y Newman y no en las muertes que tienen lugar a su alrededor, de forma que vemos cómo les afecta la violencia. Todas las decisiones narrativas que toma Mendes en la película se salen de lo habitual y sin embargo, significan un éxito mayúsculo.

Comparto el trailer de la película:

18 años después de su estreno, Camino a la perdición conserva toda su fuerza y belleza como el primer día. La película de Sam Mendes es imprescindible y ha sido genial verla con mi hijo y poder compartir con el algunas obras maestras del género.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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