Archivo de la etiqueta: reseña

Crítica de Drácula de Mark Gatiss y Steven Moffat (Netflix)

Una de las últimas sorpresas del 2019 fue el estreno en Netflix de una nueva versión de Drácula creada por Mark Gatiss y Steven Moffat para la BBC. Lamento decir que es el último ejemplo de que hacer algo diferente no significa que automáticamente vaya a ser mejor.

PUNTUACIÓN: 4,5/10

Miniserie de TV de 3 episodios inspirada en el personaje de Bram Stoker, el conde Drácula, que viaja de Transilvania a Londres para saciar su sed de sangre.

Los creadores de Sherlock Mark Gatiss y Steven Moffat se atreven con otro mito de la novela victoriana con esta nueva versión del Conde Drácula, que aunque toma algunos elementos de la novela de Bram Stoker, realmente está más influenciada por las películas de la Hammer.

Esta miniserie de tres episodios ha sido dirigida por Paul McGuigan, Jonny Campbell y Damon Thomas, contando con fotografía de Toby Slater Ling y música de David Arnold y Michael Price. Imitando a Sherlock, cada uno de los tres episodios, The Rules of the Beast , Blood Vessel y The Dark Compass es un episodio autónomo que, a pesar de los estupendos cliffhangers con los que termina cada episodio, cuenta tres historias completamente diferentes, tanto en la ambientación como en el momento cronológico.

El gran descubrimiento de esta serie es la magnética y carismática presencia del actor danés Claes Bang como el Conde Drácula, además de Dolly Wells como la hermana Agatha Van Helsing, que hace las veces de irónico e inteligente contrapunto del amoral conde.

“Quien no arriesga no gana”. Ese es el dicho que hemos oído en múltiples ocasiones. Lo que no nos han contado es la segunda parte, que sería algo así como “si arriesgas y fallas, el batacazo es monumental”. Ese sería el resumen de mi impresión de esta serie, que para mi supone un importante FAIL creativo.

El primer hecho diferencial de este Dracula es que NO es una adaptación de la obra de Bram Stoker, sino que utiliza elementos de la novela para jugar con ellos y presentar una historia diferente a la que estamos acostumbrados del Conde Drácula. Entiendo que como creadores puede resultar más atractivo dar un nuevo punto de vista a una historia mega conocida que adaptarla literalmente, ya que las comparaciones serían inevitables. Esto en si mismo no es malo, claro, pero cuando vas a ofrecer algo diferente, o ofreces algo mucho mejor o tu serie no va a convencer. El Drácula de Gatiss y Moffat tiene más elementos de unión con el Christopher Lee de la Hammer que con la novela de Stoker. Este Drácula es carismático, violento y amoral, muy alejado del mito romántico de la obra maestra de la versión de Francis Ford Coppola.

Gatiss y Moffat en muchos aspectos parecen más interesados en pervertir los mitos del vampirismo y en darles una explicación “racional” que sorprenda al espectador que en crear una historia potente para esta nueva versión. En mi opinión, este es su gran problema. Además, la serie va de más a menos, y mientras los dos primeros episodios consiguieron captar mi interés cambiando la historia clásica y dejando claro que esto iba a ir en una dirección diferente, en el último se despeñan ellos solos por el desfiladero con un momentos de momentos anticlimáticos y sorpresas sin punch.

Entiendo que tener libertad creativa puede significar libertad para meter la pata, algo que hemos visto en numerosas películas estrenadas en Netflix en el pasado, y es una pena que esta serie haya sido tan decepcionante.

Comparto el trailer de esta serie:

La nueva versión de Drácula de la BBC ha supuesto una gran decepción y sin duda una ocasión perdida. Entiendo que los amantes del género de terror con un toque diferente puede que encuentren suficientes elementos diferentes que les llamen la atención, pero en mi caso no me ha convencido.

PUNTUACIÓN: 4,5/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Estela Plateada Negro 3 de Donny Cates, Tradd Moore y Dave Stewart

Estela Plateada Negro de Donny Cates, Tradd Moore y Dave Stewart es probablemente el comic más colorido y psicodélico de la historia reciente de Marvel Comics, y para mi eso es un cumplido que convierte esta serie en un «must watch».

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Sigue la última locura cósmica de Donny Cates. Los poderes de Estela Plateada se están apagando. Mientras la oscuridad desciende sobre Norrin Radd, ¿cabe esperar algo más que no sea el fin, o recibirá la ayuda en forma de un inesperado aliado?

Norrin Radd necesita la ayuda de Ego el Planeta Viviente para vencer a la oscuridad, y para ello va a intentar curarle de una enfermedad que se oculta en su interior. Cuando colaboras con un equipo artístico tan potente, a veces la función del guionista es quitarse del medio de dejar que los artistas se desaten. En este sentido, creo que este Estela Plateada Negro puede ser la colaboración más sencilla en la que haya trabajado Donny Cates.

Comentaba en mis reseñas de los números uno y dos lo mucho que me ha gustado el psicodélico dibujo no naturalista de Tradd Moore, y como aunque no era muy fan de su estilo en obras pasadas, me había ganado completamente en esta serie.

En este tercer número me quito el sombrero ante el colorista Dave Stewart, uno de los mejores del comic americano mainstream. En este Estela Plateada opta por una selección de colores planos que transmiten un feeling onírico y alejado de este mundo. Además, Stewart realiza un despliegue visual impresionante en cada página, ofreciendo una belleza hipnótica que me ha dejado super alucinado.

No se como terminará o si la historia de Cates será satisfactoria, pero hay veces que sólo el dibujo ya justifica la compra de un comic. Estela Plateada Negro es uno de esos casos. ¡Qué pasada de comic!!

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

 

Crítica de El Inmortal Hulk de Al Ewing, Joe Bennet y Filipe Andrade

El Inmortal Hulk sigue siendo mes a mes una de las mejores y más sorprendentes lecturas del actual catálogo de Marvel. Aprovechando el final del arco de la Base Sombra, creo que es un gran momento para volver a destacar este comic que todo el mundo debería estar leyendo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

A medida que la guerra contra la Base Sombra llega a un final brutal y sangriento, Bruce Banner tiene que tomar una decisión, y las repercusiones de esa elección tendrán un efecto en cada vida en este planeta… incluida la de El Inmortal Hulk. Además, cruce con Matanza Absoluta.

Al Ewing consigue mes tras mes sorprenderme y un poco asustarme con este terrorífico Hulk. Teniendo en cuenta que llevo leyendo cómics de superhéroes más de 35 años, esto es un gran cumplido. Y lo mejor es que dentro de las sorpresas, es completamente coherente y respetuoso con la historia y la evolución de cada uno de los diferentes personajes.

Joe Bennet es un gran artista que consigue imágenes impactantes como si fueran lo más natural del mundo. Destacaría también el color del veterano Paul Mounts, que ofrece una variada paleta de color.

Este cómic incluye además del número 24 USA el tie.in del Hulk con el evento Matanza Absoluta que también ha comenzado este mes, e incluso para ser un número secundario, Ewing consigue dar un giro muy interesante a la historia de Hulk y Bruce Banner que me reafirma que estamos ante un autor todoterreno.

No puede dejar de comentar el aspecto del precio. No se sabe el motivo exacto, per el Inmortal Hulk es el comic más caro de Panini de largo. Este mes una grapa USA más un especial americano nos lo facturan a 6.90 €uros. Un precio loquísimo que no tiene ninguna justificación. Si cada vez que Marvel tenga un hit la respuesta de Panini es subirle el precio, mal vamos… Hecho este comentario, la serie merece mucho la pena, es el «must-watch» absoluto de la Marvel actual.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Wonder Woman: Dead Earth 1, de Daniel Warren Johnson

Uno de los grandes descubrimientos comiqueros de 2019 fue descubrir a Daniel Warren Johnson, auntor de los excelente Extremity y Murder Falcon. El estreno de su nueva serie Wonder Woman: Dead Earth en el sello Black Label de DC Comics promete que podemos estar ante una de las grandes lecturas de 2020.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

El famoso creador de Murder Falcon and Extremity y artista de The Ghost Fleet, Daniel Warren Johnson nos ofrece una audaz historia de ciencia ficción en su debut en DC con una visión desgarradora de Wonder Woman diferente a todo lo que hayas visto. La princesa Diana de Themyscira abandonó el paraíso para salvar al mundo del hombre de sí mismo. Cuando Wonder Woman despierta de un sueño de siglos para descubrir que la Tierra se ha convertido en un páramo nuclear, sabe que fracasó. Atrapada sola en un sombrío futuro, Diana debe proteger la última ciudad humana de los monstruos titánicos mientras descubre el secreto de esta Tierra muerta, y cómo ella puede ser responsable de todo.

Wonder Woman: Dead Earth repite muchos de los lugares comunes en la obra de Daniel Warren Johnson, como una tierra desolada, la presencia de grandes monstruos aterradores y una raza humana que ha caído en la barbarie y en hacer lo que haga falta para sobrevivir. El despertar de Wonder Woman en esta tierra desolada ofrecerá una última esperanza para la raza humana, si no matan a Diana antes de que pueda ayudarles.

Lo mejor de este comic para mi es lo bien que Daniel Warren Johnson entiende al personaje de Diana y su naturaleza compasiva hacia la gente, sin importar lo desesperanzada que sea la situación en la que despierta o las traiciones que sufre en el camino. Este comic es 100% Johnson pero también es 100% Wonder Woman y no necesita alterar el espíritu de Diana para crear un gran comic.

En el aspecto gráfico, decir que Wonder Woman: Dead Earth cuenta con un arte excepcional creo que no es noticia. Junto a los colores de Mike Spicer, las páginas de Johnson tienen un dinamismo y una narrativa excelentes, y consigue crear personajes con los que empatizar inmediatamente, aunque no todos sobrevivan a este arranque.

Destacar además como el formato “oversized” de la edición Black Label le sienta de maravilla a las páginas de Johnson. Frente a la serie de Question de Lemire, Cowan y Sienkiewicz en la que las páginas más grandes solo servían para amplificar los defectos del dibujo sucio de Cowan, en este comic de Wonder Woman sirven para amplificar el “sense-of-wonder” al acompañar a Diana por este nuevo y desolado mundo lleno de seres terroríficos.

Wonder Woman: Dead Earth es una miniserie de cuatro números que creo que va a ser una de las grandes lecturas de DC comics de este año y un comic que ningún fan de la épica y la acción wide-screen y de las buenas historias llenas de corazón se puede perder.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

 

Crítica de 1917 de Sam Mendes

Sam Mendes nos mete en plena Primera Guerra Mundial con 1917, drama bélico filmado en un espectacular plano secuencia que es un prodigio técnico que merece la pena verse en pantalla grande.

PUNTUACIÓN 8/10

En lo más crudo de la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes soldados británicos, Schofield (George MacKay) y Blake (Dean-Charles Chapman) reciben una misión aparentemente imposible. En una carrera contrarreloj, deberán atravesar el territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará un mortífero ataque contra cientos de soldados, entre ellos el propio hermano de Blake.

Sam Mendes plantea 1917 como un enorme desafío narrativo al contar esta historia como un largo plano secuencia. Para ello colabora con el maestro Roger Deakins como director de fotografía, además de contar con Thomas Newman para crear la emocionante partitura. Mendes ha escrito el guión en colaboración con Krysty Wilson-Cairns, y al final de la película da las gracias a quien probablemente fuera su abuelo, por contarle estas y otras historias.

Además de los mencionados George MacKay y Dean-Charles Chapman, la película cuenta con varios secundarios de lujo como Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Richard Madden y Colin Firth, interpretando a diferentes oficiales con los que se irán encontrando los protagonistas.

Por ir directo al grano, 1917 me ha parecido arrolladora. Mi parte intelectual ha flipado muchísimo con el largo plano secuencia, que me ha parecido una barbaridad con algunos momentos excelentes que me hicieron preguntarme cómo lo hicieron. Sin embargo, a mi lado emocional le ha faltado algo, quizá debido a la sencillez y, por qué no decirlo, endeblez de la historia. Para mi es una película de notable alto, pero no de sobresaliente, aunque sí recomendaría a todo el mundo que la viera en la pantalla más grande posible.

Su principal valor son unos impresionantes valores de producción, consiguiendo que el plano secuencia funcione de maravilla y los cortes no se noten. Gracias a un excelente juego de cámara nos sentimos parte de esta carrera contra el reloj de estos dos soldados por las trincheras británicas, por la zona de combate y por el territorio alemán. Además, su diseño de producción consigue que todo se vea super realista, desde las trincheras y túneles como el pueblo destruido por el que pasan.

Al plantearse 1917 como un plano secuencia, la iluminación debía ser obligatoriamente naturalista, consiguiendo momentos brillantes con la incursión nocturna por un pueblo controlado por los alemanes en el que las bengalas ofrecen momentos increíbles a medida que iluminan a los protagonistas.

Dentro de la brillantez formal que ofrece el largo plano secuencia, comentaba antes que la historia, dentro que está claro que es lo que es, me ha parecido flojita. Hay algunas casualidades y para ser veteranos, los soldados parecen en algún momento un poco pardillos perdonavidas, lo que en situaciones de combate provoca situaciones mortalmente peligrosas.

Además, me parece curioso que se repite un tema que ya vi en otras películas bélicas sobre que tener compasión con soldados enemigos a menudo tiene consecuencias mortales para los aliados. Entiendo que en la vida real la zona de combate es una zona donde matar o morir, pero es curioso que este argumento lo vea repetido en demasiadas ocasiones. ¿Una forma de indicar lo cruel que es la guerra o Mendes fue a lo fácil en el guión? Probablemente ambas respuestas sean correctas. Lo que sí queda claro en este viaje es lo dura que fue la primera Guerra Mundial, con montones de cadáveres de soldados y animales abandonados en mitad del campo de batalla.

En resumen, 1917 es una estupenda película bélica que recomiendo ver en pantalla grande, pero me extrañaría que acabara dentro de mi Top-5 de mejores películas de 2020.

Comparto el trailer de la película:

1917 merece mucho la pena. Aún no siendo la mejor película del año, sí recomiendo que la veas en la pantalla más grande posible.

PUNTUACIÓN 8/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!