Crítica de Capitán América: El Primer Vengador de Joe Johnston (Marvel Cinematic Universe 5)

Capitán América: El Primer Vengador de Joe Johnston fue un enorme éxito creativo de Marvel Studios, al trasladar perfectamente a imagen real la esencia del clásico personaje de Marvel Comics creado por Joe Simon y Jack Kirby, marcando el camino de lo que veríamos el año siguiente en Vengadores.

PUNTUACIÓN: 8/10

Nacido durante la Gran Depresión (años 30), Steve Rogers creció como un chico enclenque en una familia pobre. Horrorizado por las noticias que llegaban de Europa sobre los nazis, decidió enrolarse en el ejército; sin embargo, debido a su precaria salud, fue rechazado una y otra vez. Enternecido por sus súplicas, el doctor Abraham Erskine le ofreció la oportunidad de participar en un experimento especial: la «Operación Renacimiento». Tras administrarle el “Suero Super-Soldado” y bombardearlo con “vitarrayos”, el cuerpo de Steve se hace perfecto. A continuación, se sometió a un intensivo programa de entrenamiento físico y táctico. Tres meses después, le encomendaron su primera misión como Capitán América. Armado con un escudo indestructible, emprenderá la guerra contra el Mal como centinela de la libertad. (FILMAFFINITY)
Iniciado profesionalmente en la creación y diseño de efectos especiales en Star Wars o En busca del arca perdida, Joe Johnston fue el director de notables películas comerciales de entretenimiento como Cariño, he encogido a los niños (1989), The Rocketeer (1991), Jumanji (1995), Parque Jurásico III (2001) o Hidalgo (2004). Su amplia experiencia con efectos especiales y la necesidad de dotar a la historia de un feeling clásico al situarla en la 2ª Guerra Mundial fueron determinantes para su contratación.
Capitán América: El Primer Vengador fue una producción de Marvel Studios junto a Paramount Pictures, que realizó la distribución como en las películas previas del estudio. Kevin Feige aparece como único productor de la película, y se encargó de que la película fuera un estupendo entretenimiento por si misma mientras realizaba numerosas conexiones con el Universo Cinematográfico Marvel que serían desarrolladas en las siguientes películas del estudio.
Los guionistas Christopher Markus y Stephen McFeely, autenticos arquitectos de Marvel Studios y personas clave que explican el éxito y la interconexión de estas películas, realizaron su primer guión para Marvel en esta película. Repitieron en 2013 con su guión de Thor: El Mundo Oscuro, y ya con los hermanos Russo, escribieron casi de un tirón Capitán América: Soldado de Invierno (2014), Capitán América: Civil War (2016), Vengadores: Infinity War (2018) y Vengadores: Endgame (2019). No les hemos agradecido lo suficiente a Markus y McFeely su trabajo en Marvel Studios, y en esta su primera película con el estudio demostraron su enorme conocimiento del personaje y su mundo, ayudados sin duda por el staff editorial de Marvel Comics.
Otro gran profesional que inició una fructífera relación con Marvel Studios fue Alan Silvestri (Regreso al futuro, Forrest Gump, Predator, The Abyss, Quién engañó a Roger Rabbit y decenas de otros clásicos del cine), que creó una excelente banda sonora con reminiscencias de las Hazañas Bélicas y el cine clásico. Silvestri trabajó también en Vengadores (2012) y sus temas del Capitán América y Los Vengadores son ya historia del cine.
En los elementos técnicos, destaco el trabajo de Shelly Johnson como directora de fotografia, el montaje de Jeffrey Ford y Robert Dalva, y el vestuario de Anna B. Sheppard, que nos trasladaron al mundo en guerra de la 2ª Guerra Mundial. La película fue rodada en localizaciones de Reino Unido, incluidas todas las escenas que nos muestran el Nueva York de 1940.
La película cuenta con un gran reparto que muestra de nuevo el gran acierto de los directores de casting de Marvel. En esa película descubrimos a un genial Chris Evans como Steve Rogers / Capitán América, que la trinidad Vengadora junto a Tony Stark y Thor. Hugo Weaving hizo un convincente Johann Schmidt / Cráneo Rojo, el gran vilano de la película y de los comics Marvel de siempre. Hayley Atwell como la agente Peggy Carter, una mujer dura curtida en el ejército que se convertirá en el interés romántico de Steve, el veterano Tommy Lee Jones como el Coronel Chester Phillips, Sebastian Stan como el gran amigo de Steve “Bucky” Barnes, Stanley Tucci como el Doctor Abraham Erskine creador de la fórmula de Super Soldado, Dominic Cooper como Howark Stark, el padre de Tony que ayudó a crear unas interesantes interrelaciones entre los personajes, Toby Jones como el Doctor Arnim Zola ayudante de Shmidt en Busca, y Samuel L. Jackson como Nick Fury, con una aparición final de menos de un minuto que nos volcaba en la antesala de los Vengadores completarían los principales personajes de la película.
La película empieza en el presente, al encontrarse una nave hundida en el hielo que esconde una sorpresa al encontrar los investigadores un icónico escudo con los colores azul, rojo y blanco. A partir de ahí comienza una narración a modo de flashback que nos contará la historia del origen del Capitán América. Sin embargo, la segunda escena nos traslada a Noruega, donde el jefe de la división científica de Hydra Johann Schmidt encuentra un objeto de incalculable poder en un edificio adornado con elementos de la mitología escandinava como Yggdrasil, algo que automáticamente nos recordará a Thor, la anterior película del estudio que se estrenó unos pocos meses antes. Entiendo que este dato es importante, ya que Kevin Feige y Marvel Studios parece que sabían que todos los que vieron esa película repetirían, haciendo que estos pequeños detalles se disfruten un montón y ayuden a dar la sensación de universo unificado. En cualquier caso, la escena se cuenta de forma muy inteligente, y alguien que no estuviera familiarizado con los comics o las películas previas del MCU no sentiría que se estaba perdiendo nada importante.
Lo mejor de la película y lo que atrapa al espectador es lo bien que nos presentan a Steve Rogers, haciendo que empaticemos desde el comienzo con él. Huérfano con un cuerpo frágil, quiere alistarse para ayudar a vencer a los nazis, no porque le guste la violencia sino porque no le gustan los matones. «No busco un gran soldado, sino una buena persona», le dice el Doctor Erskine para explicar por qué le ha elegido a él para su experimento, tras mostrar su inteligencia y que estaba dispuesto a sacrificarse para salvar a otros. La escena de la granada falsa y la conversación de Erskine y Steve nos ganó completamente, y ya en ese momento estaba claro que la película iba a ser una estupenda adaptación ya que habían encontrado el tono perfecto para contarnos los valores éticos de Steve.
Además, las escenas del frágil y pequeño Steve Rogers fueron creadas mediante una combinación de varios elementos, que van desde el el rodaje con actores en primer plano que hicieran parecer a Steve más pequeño en comparación (algo similar a los Hobbits de El Señor de los Anillos), el uso de un doble de cuerpo al que insertaban la cara de Chris Evans, o una combinación de escenas rodadas con y sin Evans para igualar los diálogos y las referencias, que posteriormente añadían a un Evans que había sido rodado por separado con pantalla verde, tras empequeñecer digitalmente su cuerpo. La combinación de todos estos elementos según la escena lo cierto es que funcionan perfectamente, y consiguen que nos creamos la increíble transformación que vivirá a continuación.
Como digo, el principal acierto de la película es su visión de Steve Rogers, aunque hay que decir que un montón de elementos icónicos del comic como los Comandos Aulladores o la mítica portada del cómic Capitán América 1 en la que el Capi golpea a Hitler están perfectamente integrados en la historia y molan un montón.
Aunque breve, la amistad de Steve y Bucky Barnes está muy bien conseguida y se siente muy real, con detalles muy chulos cómo convertir a Bucky en tirador de élite como vimos en la mítica etapa de Ed Brubaker y Steve Epting, preludio de lo que luego será Soldado de Invierno. También me engancha la interpretación de Hayley Atwell como Peggy Carter, una agente muy capaz que sin duda ha sufrido el machismo en el ejército y que entiende cuando el débil Steve quiere ayudar sea como sea, aportando su granito de arena.
Convertir a Cráneo Rojo en el reverso oscuro de Steve no es algo especialmente original, pero funciona de maravilla en el contexto de la historia. Y aunque el guión no pretende crear un enemigo imponente físicamente, su Hydra y sus conocimientos científicos unidos a lo que luego conoceremos como el Teseracto sí son una amenaza más que importante. Además, Hugo Weaving añade un acertado acento alemán que al menos a mí me funcionó completamente.
La primera hora y cuarto de película con el origen del Capitán América y su primera misión en el frente me parecen modélicas. El resto de misiones de Capi destruyendo las factorías de Hydra por toda Europa son quizá solo correctas, pero cuentan con unas acertadas elipsis que justifican una gran experiencia de Steve en misiones de combate liderando a sus Comandos, de forma que cuando veamos sus dotes de mando y habilidad estratégica en Vengadores sean algo algo normal y evidente.
Joe Johnson crea momentos super chulos con el Capitán América y nos sentimos transportados al mundo en 1940, gracias a un perfecto diseño de producción y a la música de Silvestri. Además, su narración de las misiones en la Segunda Guerra Mundial nos traslada de la mejor manera posible a otros clásicos del cine bélico, mientras que el guión sabe jugar con algunos elementos icónicos del Capi que con el punto de vista contemporáneo podrían ser vistos como algo infantiles, manteniendo un tono vintage perfecto para que todo encaje sin problemas en el espectador.
Las dos horas de película pasan en un suspiro y sirven para contar un montón de cosas que nos dan un perfecto conocimiento del mundo de Steve antes de ser transportado al presente 70 años después, al sacrificarse para evitar el ataque a Nueva York y derrotar al Cráneo Rojo. Quizá el clímax final y algunas misiones del Capi sean lo más flojo de conjunto desde un punto de vista visual, pero narrativamente está todo perfectamente conectado, mostrando la enorme habilidad de Markus y McFeely, que iremos viendo en las siguientes películas.
Y además, su epílogo con Steve despertando en el presente conociendo a Nick Fury nos preparaba para algo muy grande el año siguiente en Vengadores. Sin embargo, la última frase de Steve, «llegó tarde a una cita» nos devuelve al elemento emocional con el que la película nos conquistó, dejándonos en lo más alto y confirmando que Steve Rogers iba a ser junto a Tony Stark el gran personaje del MCU que nos merecíamos.
 La película se estrenó en julio de 2011, tan solo tres meses después de Thor. Con un presupuesto de 140 millones, recaudó en todo el mundo unos modestos 370 millones, quedándose en el límite de recuperar de inversión. Posiblemente su estreno tan próximo a Thor fue lo que hizo que su recaudación fuera menor en Estados Unidos, mientras que en algunos países el verse la película (erróneamente) como una «americanada» tampoco ayudó a conseguir una buena recaudación.
Dicho esto, la película formaba parte del plan de Marvel Studios de presentar a sus protagonistas principales para que Los Vengadores (Joss Whedon, 2012) pudieran ir al grano desde el primer momento. Gracias a este “world-building” realizado desde 2008 en que se estrenaron Iron Man y El Increíble Hulk, se creó un verdadero evento cinematográfico como nunca antes lo habiamos visto en salas comerciales que ayudó a que la película explotara en los cines llegando a recaudar más de 1500 millones en todo el mundo, siendo durante varios años la tercera película más taquillera de la historia (sin tener en cuenta la inflación) por detrás de Avatar y Titanic.
Comparto el trailer de la película:
https://youtu.be/JerVrbLldXw

Capitán América: El Primer Vengador es una estupendísima película que sabe combinar el género de superhéroes con las hazañas bélicas y que nos conquistó gracias a unos personajes maravillosos que son igual que los comics.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Hermanos de Sangre (HBO)

Hermanos de Sangre, serie de la HBO producida por Steven Spielberg, es una extraordinaria historia bélica inspirada en hechos que es de visionado obligado por todos los fans de la Segunda Guerra Mundial.

PUNTUACIÓN: 9/10

Miniserie de TV. 10 episodios. Basada en el bestseller «Band Of Brothers», de Stephen E. Ambrose. Narra la historia de la Easy Company, un batallón estadounidense del regimiento 506 de paracaidistas, que luchó en Europa durante la II Guerra Mundial (1939-1945). Incluye entrevistas a los supervivientes, recuerdos de los periodistas y cartas de los soldados. (FILMAFFINITY)
Tras Salvar al soldado Ryan (1998), Steven Spielberg y Tom Hanks quisieron seguir profundizando en la Segunda Guerra Mundial, honrando a los soldados que lucharon y murieron para darnos la libertad. Para ello se asociaron con la HBO, que inmediatamente dio luz verde a la producción, basada en el bestseller «Band Of Brothers», de Stephen E. Ambrose que a partir de entrevistas con veteranos de la Compañía Easy y una intensa investigación para ser lo más fiel posible a los hechos reales.
La miniserie de 10 episodios de estrenó con gran éxito de audiencia en 2001, ganando además 6 Premios Emmys y varios Globos de Oro, además de numerosos galardones más, lo que abrió la puerta a una continueción “The pacific”, centrada en este caso en la guerra del Pacífico.
Junto a Spielberg y Hanks, Preston Smith, Erik Jendresen y Stephen Ambrose realizan funciones de productores. Tom Hanks escribió y dirigió un episodio, y se unió a los directores Phil Alden Robinson, Richard Loncraine, Mikael Salomon y David Nutter,
Tom Hanks, David Leland, David Frankel, Tony To y Mark Cowen dirigieron todos los episodios, que fueron escritos por Erik Jendresen, John Orloff, E. Max Frye, Bruce C. McKenna, Graham Yost, Erik Bork y William Richter.
Remi Adefarasin realiza las funciones de director de fotografía de esta serie que tiene una calidad cinematográfica muy superior a muchas películas recientes, mientras que Michael Kamen realiza la música que transmite todos los valores de heroismo y hermanamiento que se espera de una serie de esta naturaleza.

Aunque estamos ante una serie coral, diría que el principal protagonista serían el teniente Richard Winters (Damian Lewis), aunque todos los personajes que aparecen en la miniserie están basados en personajes reales de dicha compañía y algunos de ellos aparecen en entrevistas pregrabadas como prólogo a cada episodio. Los integrantes de la Compañía Easy del 506º Regimiento de Infantería Paracaidista, de la 101.ª División Aerotransportada son la personificación del “All-American Hero”, el chaval normal que sin importarle su propia seguridad personal se alistó porque era lo correcto.

Hermanos de Sangre es la heredera directa de Salvar al soldado Ryan no solo temáticamente, sino en lo referido al estilo y el tono de la narración. Y reconociendo que no hay nadie que narre mejor que Spielberg y Salvar al soldado Ryan contiene algunas de las mejores y más impactantes imágenes bélicas jamás rodadas, Hermanos de Sangre tiene a su favor la ventaja de la narración serializada, que nos da una mayor profundidad a todas las vivencias de este grupo humano, mostrando en sus 10 episodios desde su entrenamiento previo a su viaje a Reino Unido y luego a su entrada en combate en Francia, viajando por media Europa hasta terminar su servicio al final de la guerra en Alemania y Austria.

A pesar de ser una serie de televisión, Hermanos de Sangre luce mejor que el 90% de estrenos cinematográficos, con una calidad asombrosa. Independientemente de su presupuesto, la producción deja claro desde el primer fotograma que han invertido todo lo necesario para que las imágenes siempre lucieran ideales.

Aparte de unas increíbles y super realistas escenas de combate, los personajes, basados todos en personas reales, nos muestran como personas reales interiorizaron el horror de los combates y las muertes a su alrededor, haciendo que incluso los más duros tuvieran problemas psicológicos. El combate es espectacular, pero sin duda lo es porque los personajes nos importan, lo que para mí es ejemplo de gran escritura.

Al contar la historia de la compañía Easy en Europa, los 10 episodios cuentan un montón de situaciones diferentes, lo que además hace que nunca parezca que la historia se repite o está siendo monótona. Todo lo contrario. Además, hay pequeñas historias en cada episodio que aportan un toque humano aún más profundo, consiguiendo emocionarme en varios momentos durante el visionado.

Visionado que ya empezaba en todo lo alto al mostrar comentarios de los veteranos supervivientes de la compañía Easy, que aún hacían que todo adquiriera un realismo aún mayor.

Normalmente en todas mis reseñas comento todo lo que me gusta de una obra, pero también lo que me gustó menos o directamente no me gustó. En este caso no tengo nada que decir, creo que Hermanos de Sangre es un triunfo de principio a fin que acierta en todo lo que propone. De hecho, después de esta serie, ver The Pacific se ha convertido en una prioridad.

Comparto el trailer de esta serie:

https://www.youtube.com/watch?v=8PTBLwfxhV0

Hermanos de Sangre es una de las grandes series de HBO que explica el más que merecido sello de calidad de la cadena. Una emocionante crónica de algunos de los momentos más impactantes del teatro de operaciones europeas de la 2ª Guerra Mundial que es de obligado visionado, seas o no seas fan de las “hazañas bélicas”.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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Crítica de Bad Karma 1, de Álex de Campi, Ryan Howe y Dee Cunniffe (Panel Syndicate)

La web Panel Syndicate nos ha ofrecido una nueva sorpresa comiquera con el estreno hace unos días de Bad Karma, su nueva serie publicada en modalidad de «paga lo que quieras» realizada por la escritora Alex de Campi, el dibujante Ryan Howe y el colorista Dee Cunniffe. Hoy comento mis impresiones sobre este primer número.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡Estamos orgullosos de darles la bienvenida a los autores Alex De Campi, Ryan Howe y Dee Cunniffe con el debut de su nueva serie BAD KARMA, un thriller de acción y suspense basado en personajes!

Los veteranos del ejército Sully y Ethan realizan un viaje de Navidad para liberar a un hombre inocente culpado por el trabajo mercenario que hicieron. Resulta que a nadie le interesa la verdad, pero se interesan mucho en asegurarse de que Sully y Ethan no vivan para ver el Año Nuevo.

El primer número de 33 páginas está disponible ahora en inglés, como de costumbre, para cualquier precio que desee pagar, incluido 0 (cero).

Alex de Campi se ha inspirado para crear Bad Karma en personas del mundo militar de su entorno, así como de las relaciones masculinas de amistad. De Campi comenta que esta es una larga novela gráfica de casi trescientas páginas y, aunque este comienzo ha empezado de forma lenta centrándose en los dos protagonistas, Ethan y Sully, plantea una historia con altas dosis de acción. Además, explica que está muy orgullosa de Cheryl, ya que no va a ser ni un interés romántico, ni la chica a la que salvar, ni una tía dura, por lo que cree que le va a encantar a los lectores, especialmente entre el público femenino.

De Campi comenta además que Panel Syndicate ofrece una plataforma única para promocionar su obra, dado que otras webs de comics digitales como ComiXology realmente no ofrecen una buena alternativa para autores indys, de forma que aunque nadie pagara por leer este comic, lo daría por bueno por la difusión que su obra va a conseguir en una web con obras y autores de primerísimo nivel. Además, ha confirmado en entrevistas que ya tiene firmada la publicación física de esta novela gráfica cuando acabe la publicación digital, por lo que considera una buenísima opción dada la situación provocada por el coronavirus.

En lo referido al apartado artístico, me han gustado el dibujante Ryan Howe y el colorista Dee Cunniffe. Howe tiene un lápiz claro centrado en la expresión de los personajes, y realiza un buen retrato de unos protagonistas veteranos que han sufrido heridas físicas y psicológicas. Como comentaba antes, este primer número es super pausado y no puedo analizar su narrativa en escenas de acción, pero psicológicamente construye a unos buenos personajes y que pueden dar mucho jugo.

Sin embargo, globalmente este primer número de Bad Karma me ha parecido super correcto en todo, pero sin nada que me haya llamado especialmente la atención. Teniendo en cuenta la saturación de oferta comiquera que hay ahora mismo, correcto no es suficiente. El problema que le veo es que De Campi plantea este comic no como una historia serializada sino como una novela gráfica que logísticamente ha tenido que dividir en números individuales. Esto provoca que literalmente en este primer número en lo relativo a la trama no pasa nada importante. Obviamente, está presentando a los personajes para que nos importen cuando la cosa empiece a ponerse fea, pero le hubiera pedido algo más a la historia y, al menos, un buen cliffhanger que me hubiera dejado con ganas de comprar el siguiente número.

De Campi comenta que plantea Bad Karma como 7 números más un epílogo, y que ya tienen completamente terminado el número dos y medio del tres, por lo que el próximo número se publicará en junio y ya a partir de ahí saldrán con cadencia bimensual. Esto significa que probablemente hasta dentro de un año no estará terminada la historia. Por esto, visto lo visto en este primer número creo que estamos ante una lectura que resultará más satisfactoria leída de un tirón, y prefiero esperar a más adelante.

Comparto las primeras páginas del cómic disponibles a modo de preview en la web de Panel Syndicate:

Bad Karma supone un correcto arranque para un comic que sin embargo me voy a esperar para poder leer de un tirón cuando esté completo.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

 

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Crítica de El Rey Rata de China Miéville

Tenía ganas de leer a China Miéville, uno de los autores británicos más importantes de los últimos tiempos. El Rey Rata ha sido una entretenidísima novela que nos da un paseo por el lado oscuro de Londres.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Algo se está gestando en la oscuridad de Londres, marcando los márgenes de su territorio con polvo de ladrillo y sangre. Alguien ha asesinado al padre de Saúl y le han cargado a él el muerto.
Sin embargo, una sombra del deshecho urbano se presenta en su celda y le conduce a la libertad. Un desperdicio llamado Rey Rata.
En el ambiente nocturno que bulle tras la fachada londinense, en las alcantarillas, las barriadas y los espacios de podredumbre, Saúl conocerá su verdadera naturaleza.
Como una maldición, la ciudad se ve azotada por grotescos asesinatos. A golpe de Drum n´ Bass y Jungle, Saúl se enfrenta a su extraña herencia.

China Miéville. Londres,1972. Este autor, de arraigadas convicciones sociales, cursó sus estudios en Cambridge y Harvard. Su interés por la política lo llevó a ser candidato del Socialist Alliance Party en las elecciones al Parlamento británico de 2001. Por los múltiples galardones recibidos hasta el momento, su carrera se asemeja a la de otro gran autor anglosajón de ficción, Iain M. Banks. Heterodoxo, atípico y dueño de una prosa rica, fruto de una peculiar amalgama de influencias tan dispares como el surrealismo, Lautreamont, Kafka, Bulgakov, Cortázar, Mervyn Peake o Jack Vance, China Miéville es una de las plumas más talentosas del panorama literario del Reino Unido.

Me ha gustado bastante El Rey Rata. La forma en que Miévilla va directo al grano y coloca a una persona normal y la lanza a un mundo más allá de la imaginación me ha recordado a Neil Gaiman de la mejor manera posible.

El Rey Rata fue la primera novela que Miéville escribió y aunque fue publicada en 1998, empezó con ella tres años antes. Se trata de una novela corta de apenas 300 páginas que se lee en un suspiro y cuya prosa contiene unas descripciones que me atraparon completamente.

Además del propio misterio detrás de la existencia de un Londres oculto para las personas normales, la amenaza en la sombra y los numerosos giros de la historia hicieron que no quisiera dejar de leer.

Otro tema super chulo en el que se nota que Miéville tiene un interés especial es en la forma en que nos transmite el proceso creativo de componer música, consiguiendo que casi podamos escuchar la música mientras leemos estás páginas.

Miéville ha conseguido con su prolífica obra premios como el Arthur C. Clark, el Ignotus o el de la Sociedad Británica de Fantasía. Esta primera novela ya indica que estábamos ante un autor con una nueva visión de la fantasía, y la lectura de El Rey Rata ha sido super satisfactorio y me ha dejado con ganas de más. En breve me pondré a buscar la próxima novela suya, pero recomiendo esta novela a todos los fans de la fantasía.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Thor de Kenneth Branagh (Marvel Cinematic Universe 4)

Kenneth Branagh consiguió en la cuarta película de Marvel Studios, THOR (2011) mostrar en toda su gloria al Dios del Trueno y su mundo de Asgard, consiguiendo que un sueño de los lectores de los comics Marvel de toda la vida se hiciera realidad.
PUNTUACIÓN 7.5/10
Thor es un arrogante y codicioso guerrero cuya imprudencia desata una antigua guerra. Por ese motivo, su padre Odín lo castiga desterrándolo a la Tierra para que viva entre los hombres y descubra así el verdadero sentido de la humildad. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a la Tierra a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor se dará cuenta de lo que realmente hace falta para ser un verdadero héroe. (FILMAFFINITY)
Marvel seguía con sus planes de presentar a los miembros principales de Los Vegadores de sus propias películas antes del que se pensaba iba a ser el team-up cinematográfico definitivo. Thor significaba un desafío debido a la propia naturaleza del personaje y su mundo, que es la reinterpretación que Marvel, y en concreto Stan Lee y Jack Kirby, hicieron de la mitología nórdicas. De este modo, Thor no cumple el cliché cinematográfico de ser un humano que adquiere poderes sino un ser superpoderoso que aprenderá lo que de verdad significa ser un héroe.
Para la compleja tarea de trasladar a la gran pantalla a Asgard y todos los dioses nórdicos, Marvel contrartó tras años de vaivenes al director y escritor inglés Kenneth Branagh. Además de ser un fan reconocido de los comics, su formación clásica en teatro y en la obra de William Shakespeare se pensó que era perfecta para transmitir el feeling justo del mundo mitológico de Asgard. Además, su filmografía “seria” transmitía que Marvel iba a por todas para producir una película que pudiera gustar a todo tipo de públicos y no sólo a los fans acérrimos de los comics.
A partir de una historia de Mark Protosevich y J. Michael Straczynski, finalmente fueron Ashley Edward Miller, Zack Stentz y Don Payne los que escribieron el guión definitivo, planteado como una historia entre dos mundos, el gris y mundano planeta Tierra y el mundo maravilloso de Asgard.
Es curioso que Kevin Feige aparece por primera vez como único productor de una película de Marvel Studios, que contó con Paramount para distribuir la película como ya hicieron con Iron Man y Hulk.
El apartado técnico lo veo muy acertado en esta película, empezando por la fotografía de Haris Zambarloukosa, el montaje de Paul Rubella, el vestuario de Alexandra Byrne. Branagh se trajo consigo al músico Patrick Doyle, con el que había colaborado anteriormente, para que realizar la banda sonora, contando con el desafío de encontrar un tono que encajara con la dualidad de Asgard y la Tierra.
Thor es un gran ejemplo de unos de los grandes aciertos de Marvel Studios durante todos estos años, que es el perfecto casting de todas sus películas. Ficharon a actores de prestigio como Anthony Hopkins y Rene Russo para interpretar a Odin, el padre de todos, y su esposa Frigga, los padres de Thor y Loki, aportando el caché de una película de gran presupuesto. Natalie Portman como Jane Foster era también un fichaje importante de prestigio, al haber interpretado a la Princesa Amidala en la segunda trilogía de Star Wars que George Lucas estrenó en 1999, 2002 y 2005 y ganar el Oscar a Mejor Actriz en 2010 por su papel en Cisne Negro de Darren Aronosfky.
Chris Hemsworth y Tom Hiddleston son ya historia viva de Marvel, pero es interesante recordar que en 2011 cuando se estrenó la película eran perfectos desconocidos para el gran público, y crearon a unos maravillosos Thor y Loki que transmiten toda la personalidad de los comics. A modo de curiosidad, me parece alucinante en un primer momento les consideró con los papeles cambiados, Hiddleston como Thor y Hemsworth como Loki. Aunque no dudo que lo hubieran hecho genial, creo que salimos ganando con el cambio.
Además, la película presenta de manera muy acertada a muchos de los personajes clásicos del comic de Thor, como son Heimdall (Idris Elba), el guardián del Puente del Arco Iris y Protector de Asgard, los Tres Guerreros Fandral (Joshua Dallas), Hogun (Tadanobu Asano) y Volstagg (Ray Stevenson), además de Sif (Jane Alexander), la dama guerrera amiga de la infancia y compañera de aventuras de Thor. Además, la amenaza de los Gigantes de Hielo se refleja en la figura del Rey Laufey (Colm Feore), y aún quedan unos minutos para mostrarnos al Destructor, un autómata creado por Odin para ser el mecanismo de defensa más poderoso de Asgard.
En el lado terráqueo, Stellan Skarsgård interpreta al Doctor Erik Selvig, que tendrá un papel importante en Vengadores el año siguiente, la divertida Kat Dennings como la becaria Darcy Lewis, además de Clark Greg retomando su papel de Agente Coulson de Shield. Además, Samuel L. Jackson como Nick Furia aparece brevemente en la escena post-créditos (rodada por Joss Whedon), y vimos la primera aparición a modo de cameo de Jeremy Renner como Clint Burton / Ojo de Halcón. No está mal para ser una “pequeña” película de un nuevo estudio.
Entrando en materia, Thor es una entretenidísima película de aventuras que realiza una excelente adaptación del espíritu del comic, no de ninguna historia en concreto, y que resuelve casi todas las decisiones creativas de forma notable.
Empezando por el carisma y la personalidad de Chris Hemsworth y Tom Hiddleston como los protagonistas Thor y Loki, que no sólo lo hacen genial sino que tienen una química estupenda en pantalla. Hemsworth es un Thor increíble, y su evolución de orgulloso guerrero que sólo piensa en la gloria y el combate que acaba aprendiendo que un verdadero héroe es aquel que se sacrifica por salvar a los indefensos, es creíble y le da una profundidad super interesante al personaje.
Junto a Thor, Loki consigue robar la mayoría de momentos y se muestra como el gran hallazgo de la película. Tom Hiddleston ya había trabajado con Branagh en “Wallander“ y se nota que el director sabía como exprimir todas su habilidad interpretativa. Conectando a Loki, el Dios del Engaño, con los personajes Shakespearianos, este Loki es un personaje trágico que en el fondo está buscando la aprobación de su padre y que diría sabe que es inferior a su hermano.
La película cuenta de forma muy efectiva como lo que comienza como un engaño sin demasiada malicia para aguarle la fiesta de coronación a su hermano adquiere una dimensión imprevista con la invasión de Thor y sus aliados al reino helado de Jotumheim. Y a partir de ahí, conocer que realmente no es hijo natural de Odin y Frigga sino que es un gigante de hielo hijo de Laufey hace que su mundo se derrumbre. Todo héroe necesita a un gran villano, y Loki se ha convertido por méritos propios en un icono del Marvel Cinematic Universe.
El otro gran hallazgo de la película es el mundo de Asgard. Frente a un planeta Tierra gris con una acción situada en un pueblucho en el desierto de Nuevo México, el hogar de los dioses es un reino mostrado con grandes angulares y colores brillantes que ofrece un importante contraste frente a lo visto en las películas previas del MCU. La fotografía de Haris Zambarloukosa y la música de Patrick Doyle ayudan a transmitir la naturaleza mítica de este mundo, cuyos seres eran considerado dioses por los vikingos. Sus grandes salones y sus colores dorados en armaduras y paredes muestran una cultura y una tecnología que no son de este mundo.
El elemento menos bueno de la película es la parte central de la película ambientada en Nuevo México. En concreto, la aparición de SHIELD no aporta demasiado a la historia aparte de conectar la película con el resto del MCU, y el cameo de Jeremy Renner se nota como un añadido de última hora que es un pegote para agradar a los fanboys (entre los que me encuentro, ojo). Frente a la majestuosidad de Asgard, la normalidad del Nuevo México para el ritmo de la película, aunque narrativamente es imprescindible para que Thor aprenda humildad y la necesidad de sacrificarse por los indefensos. Como espectador, Asgard mola tanto que hubiera querido que toda la película se hubiera desarrollado allí, aunque una parte fundamental de la narrativa era unir ambos mundos para prepararnos para la llegada de los Vengadores, y en este sentido la película acierta en lo que pretende.
Hubo cierta polémica en su día con el casting de Idris Elba como Heimdall, cosa que no podría importarme menos, y sobre todo con evitar llamar a Thor y a los Asgardianos “DIOSES”. Los asgardianos en el MCU son seres alienígenas cuya tecnología es tan avanzada que para muchos es magia, y cuyos 9 mundos mitológicos forman Yggdrasil, el Arbol de la Vida. Sin embargo, conectándolo con la mitología nórdica, ellos recuerdan que los vikingos del siglo X SI los veían como dioses y los veneraron.
Me parece que la solución de Marvel es correcta, pero quizá se nota que esta es una película de la Fase 1 en la que Marvel aún no tenía claro si estos conceptos de ciencia ficción tan locos iban a encajar con los gustos de los espectadores de todo el mundo, con religiones y creencias diferentes. Aunque igual que digo esto, creo que en parte gracias a este Thor, Marvel se atrevió 3 años después a volverse completamente locos con Guardianes de la Galaxia (James Gunn, 2014).
Quizá Thor no es tan perfecta como otras películas posteriores del MCU y su protagonista no tiene el carisma de Robert Downey Jr., pero nos ofrece un estupendísimo entretenimiento con el feeling correcto de lo que yo esperaba que debía ser una aventura de Thor en imagen real.
En todo caso, sin ser un exitazo de taquilla, Thor sí consiguió ser rentable para Marvel Studios, recaudando 450 millones en todo el mundo a partir de un presupuesto de 150 millones que se muestran claramente en pantalla y están super bien empleados. Esto hizo que diera luz verde a dos continuaciones que fueron cada una más exitosa que la anterior: Thor El mundo Oscuro (Alan Taylor, 2013) y sobre todo Thor Ragnarok (Taika Waititi, 2017).
Comparto el trailer de la película:

Thor es una estupenda película de origen que presentó de forma brillante no solo a Thor sino al mundo de Asgard, y que nueve años después de estrenarse sigue ofreciendo un gran entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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