Crítica de Batman: Caballero Blanco presenta Harley Quinn de Sean Murphy, Katana Collins y Matteo Scalera (DC Comics – ECC Ediciones)

Sean Murphy creó el exitoso mundo de Batman: Caballero Blanco dentro del sello Black Label de DC Comics. Este universo se amplió gracias a la miniserie Batman: Caballero Blanco presenta Harley Quinn, escrita por Katana Collins y un maravilloso arte a cargo del dibujante Matteo Scalera y el color del maestro Dave Stewart.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Dos años después de que Azrael eliminara a los villanos más mortíferos de Gotham en Batman: La maldición del Caballero Blanco, el escenario está listo para un nuevo alzamiento criminal. De entre las sombras, una visionaria mente maestra conocida como el Productor está reuniendo un grupo variopinto de nuevos villanos, encabezados por su arrebatadora recluta Estrella, una actriz convertida en asesina en serie que pretende vengarse de las estrellas de cine de la Edad de Oro de Gotham.

Cuando el espeluznante crimen de Estrella sugiere un lazo imposible con el Joker, la policía de Gotham, con la ayuda del joven agente del FBI Hecto Quimby, recurre a Harley Quinn para resolver el caso. Pero Harley tiene dificultades para encajar en su nuevo papel de madre soltera de los mellizos de Jack Napier, y volver al inframundo de Gotham, aunque sea como una de los buenos, la obligará a combatir sus peores instintos y a flirtear con el peligro.

Decidida a demostrar que puede con todo eso, Harley acepta la guía de Bruce Wayne y se acerca a la asesina… y cuando el retorcido guion del Productor quede finalmente claro, ella deberá enfrentarse a su pasado para proteger a sus hijos y a Gotham de un tercer acto fatal.

La novelista Katana Collins y el dibujante Matteo Scalera se unen en Batman: Caballero Blanco presenta Harley Quinn, una nueva y emocionante historia ambientada en el universo del Caballero Blanco de Sean Murphy, que expande lo acontecido en Batman: Caballero Blanco y Batman: La maldición del Caballero Blanco.

Batman: Caballero Blanco presenta Harley Quinn es un comic estupendo que ofrece una lectura satisfactoria en si misma mientras amplía el universo de Batman: Caballero Blanco creado por Sean Murphy. Este comic de seis números se editó hace más de dos años, pero por unas cosas u otras no nos animamos a comprarlo hasta ahora, y tengo que reconocer mi error, porque me ha gustado bastante. Sean Murphy aparece acreditado como co-creador de la historia, aunque la novelista Katana Collins se encarga de escribir el guion del comic. Harley Quinn es la gran protagonista, al conocer como continuó su vida como madre soltera de dos bebés tras ver morir a su amado Jack Napier y entregarse Bruce Wayne para cumplir una condena en prisión. Harley sigue sintiéndose responsable de la muerte de Jack y sobre todo, de su transformación en Joker. Y aunque pensaba que había dejado la vida de aventuras en el pasado, se verá arrastrada a ese mundo al necesitar la policía de Gotham su ayuda ante la llegada de un asesino en serie que comparte el gusto por la teatralidad de Joker.

Si tengo que ponerle un pero a comic, reconozco que sería todo lo relativo al nuevo villano El Productor, que obviamente sugiere una relación con el mundo del cine y que me ha parecido bastante descafeinado. En general los villanos son lo más flojo de la historia, con un giro alrededor de la historia de Estrella que se ve venir casi desde el inicio. En todo caso, la historia de plantea de alguna manera como un whodunnit, y es más interesante la duda que se plantean mientras Harley realiza las investigaciones que la sensación de amenaza de los villanos una vez salen a la luz. Dicho esto, la verdad es que el comic construye tan bien a Harley que esto es un aspecto super secundario que no afecta al disfrute del comic. Un comic que además presenta un interesante elenco de secundarios que aportan a la historia, empezando por el preso Bruce Wayne.

En el apartado artístico, el dibujante italiano Matteo Scalera es un super estrella, y cada trabajo suyo no hace más que confirmarlo. Sus páginas son siempre super dinámicas, creando unas escenas de acción que brillan por su fluidez narrativa. A esto hay que añadir unas perspectivas alucinantes, consiguiendo el feeling pijamero espectacular en los momentos justos. Junto a Scalera tenemos al colorista Dave Stewart que realiza un buen trabajo dentro que estamos ante un encargo más funcional que creativo. Con todo, el color es perfecto, ayudando con el cambio en la gama cromática a diferenciar las escenas ambientadas en el presente de los flashbacks del pasado de Harley. Por buscarle un elemento menos bueno del dibujo de Scalera, dibuja a todas las chicas (y chicos) prácticamente iguales, siendo versiones estilizadas de personas ideales. Es un poco lo mismo que Alan Davis, para entendernos. De esta forma, los personajes puede que sean muy variados en cuanto a aspecto, pero son maravillosos de contemplar. Menudo problema… Por cierto, comentar que esta miniserie cuenta con portadas de Sean Murphy, pero Scalera realiza además una portada alternativa en cada grapa, y son unas imágenes que me parecen mucho más potentes que las de Murphy. Hasta en eso me parece bueno Scalera.

Harley sufrirá una gran evolución a lo largo de esta miniserie, cuyo final nos deja en un momento super interesante para ella. Que un comic de superhéroes te deje con ganas de leer más aventuras de la protagonista me parece que confirma el éxito del comic en cuestión. Y yendo más allá, el éxito del universo de Batman: Caballero Blanco, al que veo que tiene aún mucho futuro por delante. Desde luego, todo el que Murphy y DC le quieran dar.

Comparto las primeras páginas del comic:

Batman: Caballero Blanco presenta Harley Quinn me ha gustado mucho gracias a la estupenda construcción de la protagonista y el dibujo estelar de Scalera y Stewart. Así da gusto leer comics.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de The Witcher temporada 3 Parte 1 (Netflix)

Ni me acuerdo cuando vi la segunda temporada de The Witcher en Netflix. Y para esta tercera el canal de streaming ha preparado un «Stranger things», al estrenar únicamente 5 episodios de los 8 compone la temporada, que se estrenarán a final de julio, un mes después,

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Mientras monarcas, magos y bestias del Continente compiten por capturarla, Geralt se lleva a Ciri a varios escondites, decidido a proteger a su recién reunida familia contra aquellos que amenazan con destruirla. Encargada del entrenamiento mágico de Ciri, Yennefer los conduce a la protegida fortaleza de Aretuza, donde esperan descubrir más sobre los poderes sin explotar de la niña; en lugar de eso, descubren que han aterrizado en un campo de batalla de corrupción política, magia oscura y traición. Deberán contraatacar, ponerlo todo en juego… o arriesgarse a perderse el uno al otro para siempre.

The Witcher es una serie de televisión de fantasía creada por Lauren Schmidt-Hissrich para Netflix basada en la serie de libros del escritor polaco Andrzej Sapkowski. Tras separarse del canon de los libros en la segunda temporada, Lauren Schmidt-Hissrich ha expresado que esta temporada será una temporada más literal de Tiempo de odio, la novela favorita de la Showrunner.

Los cinco episodios emitidos han sido dirigidos por Stephen Surjik (2 episodios), Gandja Monteiro (2) y Loni Peristere (1), contando con guiones de Mike Ostrowski, Tania Lotia, Haily Hall, Rae Benjamin y Clare Higgins

The Witcher explora la leyenda de Geralt de Rivia, Yennefer de Vengerberg y la princesa Cirilla de Cintra, y está protagonizada en sus papeles principales por Henry Cavill, Anya Chalotra y Freya Allan, respectivamente.

El resto del reparto en sus personajes principales está formado por Joey Batey como Jaskier, el bardo amigo de Geralt que les acompaña en sus viajes. Eamon Farren como Cahir Mawr Dyffryn aep Ceallach, un comandante del ejército nilfgaardiano que lidera la invasión de Cintra y la caza de Cirilla. MyAnna Buring como Tissaia de Vries, mentora de Yennefer y Rectrix de Aretuza, una academia de entrenamiento para magas. Mahesh Jadu como Vilgefortz de Roggeveen, un carismático hechicero que reúne a los magos del norte y que sólo piensa en su propio interés antes que en el de los diferentes reinos. Mecia Simson como Francesca Findabair, una hechicera elfa y reina de su pueblo y Graham McTavish como Sigismund Dijkstra, jefe de la Inteligencia de Redania y aliado de Philippa Eilhart (interpretada por Cassie Clare), una hechicera y consejera del rey Vizimir de Redania y espía favorita de Dijkstra completan el reparto.

La primera parte de la tercera temporada de The Witcher me ha parecido entretenida, aunque con un pero importante que luego comentaré. El factor entretenimiento es lo principal que le pido a una serie de televisión de Netflix, y creo que cumplen bastante bien. Dentro que la serie se alejó bastante de los libros en la temporada anterior, no me considero demasiado hater de ella y la disfruté en su momento. Dicho esto, reconozco que ahora que SI me leí los libros de Andrzej Sapkowski, confiaba que al menos la serie sí se sintiera familiar. Y dentro que hay cosas diferentes, la sensación que la historia va por caminos conocidos es la mejor garantía que las cosas van bien.

En lo relativo al reparto, se repiten las sensaciones de las temporadas anteriores, con un Henry Cavill que está en otra liga respecto al resto del reparto en lo referido al carisma y la presencia en pantalla. Dentro del trío protagonista, Anya Chalotra como Yennefer me parece la más floja de los tres con mucha diferencia. De hecho, visto ya en perspectiva, me parece un error de casting bastante evidente debido a sus limitaciones interpretativas y de carisma. El resto del reparto la verdad es que está correcto, dentro que no encuentro a nadie no ya sobresaliente, sino incluso de notable. Bien desde Jaskier hasta Dijkstra o Tissaia.

Pensando en el diseño de producción, se mantiene la sensación que Netflix sigue invirtiendo un pastizal en The Witcher. Excepto en algún plano general hecho con CGI que canta un poquito, en general toda la temporada ha lucido como se espera que debe ser The Witcher. En ese sentido, en el primer episodio de la temporada tenemos varias escenas de acción que permiten el lucimiento de Cavill luchando con humanos y con un monstruo, momentos que son de lo mejor de la temporada. En lo referido al diseño de los monstruos, sigue siendo de 10, por ese lado la serie me tiene enganchadísimo. Aunque también es cierto que caa vez hay menos monstruos con los que luchar. En este sentido, me parece curioso que las escenas de acción que vemos en el trailer sean prácticamente todas las que encontraremos en estos primeros cinco episodios, dejando poco lugar para la sorpresa. Aunque una si hay.

La forma en que se ha llegado al Cónclave de Magos en esta temporada creo que está bien a nivel general, aceptando la existencia de alguna elipsis y algún cambio. De hecho, es el primer y único momento de toda la serie en el que encontraremos juntos a prácticamente todos los personajes principales. Esto hace que el quinto episodio vaya a ser uno de los puntos álgidos de la temporada, incluso teniendo en cuenta en que la narración de la noche no haya sido lo más emocionante de la televisión de este año, siendo un poco irónico. Mientras seguimos la conversación entre Yennefer y Geralt al final de la velada, descubriremos lo que cada uno ha visto y oído durante la fiesta, transformando la narración en una especie de puzzle que se va completando a medida que avanza el episodio. Sin embargo, la ejecución no ha sido nada del otro mundo, la verdad, empezando por un cambio en lo relativo a Vilgefortz con giro incluido que creo que no venía a cuento ni era necesario.

Esta reunión me lleva al problema que me supone la ruptura artificial de la narrativa tras la decisión de Netflix de dividir la temporada en dos con un mes de diferencia entre ambas. En el caso de la cuarta temporada de Stranger things el año pasado, diría que los hermanos Duffer sabían que la serie se estrenaría de esa manera de inicio y crearon un climax bestial al final de la primera parte que dejó la historia en todo lo alto. Esto no sucede en The Witcher, al estar adaptando el libro Tiempo de Odio, no hay cliffhanger ni nada especial que te indica que esto estamos ante un hito especial dentro de la temporada, sino que nos encontramos con un final de episodio normal que tiene la particularidad que el siguiente episodio no lo veremos hasta dentro de un mes. Y eso me parece un fallo que me ha empañado la experiencia del visionado.

La serie me mantiene interesado, por lo que veré seguro la segunda tanda de tres episodios. De hecho, pensado en el libro, hay tantas cosas que faltan por contar que me ha generado una duda tremenda sobre cómo y donde terminarán la temporada los protagonistas.

Y pensando en todo lo que falta por contar de los tres libros restantes, tendrían material seguro para dos o tres temporadas más en caso que quisieran extenderlo en condiciones. Para la cuarta temporada ya se anunció que Henry Cavill no continuaba, siendo Liam Hemsworth, el hermano de Chris, su sustituto. Teniendo en cuenta este cambio de casting, vería extraño que Netflix fuera a una temporada, lo normal sería extenderlo más. Dicho esto, la verdad es que The Witcher está resultando entretenida y poco más. He visto estos episodios y no me han dejado poso, todo es tan rápido como olvidable.

Comparto el trailer de la tercera temporada de The Witcher:

Los primeros episodios de The Witcher en esta tercera temporada han estado correctos, con un cliffhanger que indica que lo de partir la temporada en dos fue una decisión de última hora no consultada con los creativos.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Void Rivals 1 de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici (Image Comics)

Robert Kirkman estrena nueva serie regular, Void Rivals, y lo hace con Lorenzo de Felici, el artista con el que realizó Oblivion song, una nueva serie de ciencia ficción que sirve además para inaugurar un inesperado universo compartido dentro del sello Skybound de Kirkman que me llena de ilusión.

PUNTUACIÓN: 8/10

ESTRENO DE LA SERIE

ROBERT KIRKMAN Y LORENZO DE FELICI, el exitoso equipo de OBLIVION SONG, estrenan la nueva serie de cómics más importante de 2023 con el lanzamiento de UN UNIVERSO COMPARTIDO INÉDITO y una SORPRESA que no verás venir.

La guerra hace estragos alrededor del Anillo Sagrado, donde los últimos restos de dos mundos han colapsado alrededor de un agujero negro en una guerra interminable. Sin embargo, cuando el piloto Darak y su rival Solila se estrellan en un planeta desolado, estos dos enemigos deben encontrar una forma de escapar juntos. Pero, ¿están solos en este extraño planeta? ¿Y qué fuerzas oscuras aguardan que amenacen a todo el universo?

Este primer número de Void rivals es un comic de 26 páginas que muestra a un Kirkman con ganas de enganchar a los lectores a esta nueva colección desde la primera página.

«Con cada proyecto que hago, siempre intento desafiarme a mí mismo. Una cosa que siempre me ha gustado hacer es empezar poco a poco con una historia y ampliar la profundidad, el alcance y las apuestas a medida que avanzamos», dijo Robert Kirkman. «Con Void Rivals iremos más lejos que nunca y a un ritmo mucho más rápido. Este proyecto va a ser monumental. No puedo esperar a que la gente vea lo que Lorenzo y yo hemos cocinado.»

«¿Robert y un naufragio de ciencia ficción? Rápido, dame palomitas porque tengo las manos ocupadas dibujando», añadió Lorenzo De Felici.

Void Rivals nº 1 tiene una premisa de ciencia ficción que recuerda a Enemigo Mío, el clásico de ciencia-ficción de los 80 en el que dos seres pertenecientes a bandos enfrentados en una guerra cósmica que han quedado atrapados en un planetoide se verán obligados a trabajar juntos para sobrevivir. Aunque la premisa puede no ser del todo original, Kirkman es lo bastante bueno como para sacar el máximo partido al medio comiquero consiguiendo un comic que te atrapa desde la primera página y no te suelta hasta su satisfactorio final. Void Rivals está pensado para ser disfrutado como un comic, no es un storyboard para vender el concepto para cine o televisión. Aunque no dudo que Kirkman puede hacerlo, porque el concepto pinta a super interesante, seguro con multitud de giros y sorpresas impactantes en cada grapa.

La historia empieza in media res a partir de la caída de los protagonistas al planetoide, de forma que iremos descubriendo las sorpresas que esconde este mundo al mismo tiempo que los personajes que han quedado atrapados allí empiezan combatiendo entre ellos. Además, el arranque se construye desde la acción, evitando engorrosos textos sobre expositivos. Dicho esto, los diálogos son ingeniosos y dan mucha información sin que parezca que lo hace, sugiriendo algunas diferencias culturales entre las razas enfrentadas, los zertonianos y los aggorianos, pero sin entrar en el motivo de la guerra, lo cual me sugiere que será también una de las grandes sorpresas y giros del comic. Esto me muestra una vez más lo buen escritor que es Kirkman. La experiencia de leer este comic resulta super satisfactoria al ser una grapa interesante con mucha acción en la que los detalles resultan novedosos y sorprendentes, además de sembrar multitud de semillas que seguro veremos en el futuro. A todo esto hay que sumar un ritmo perfecto que permite que las sorpresas impacten y prepare un espectacular cliffhanger final que casi provocó que me levantara a aplaudir a Kirkman y De Felici.

Porque hablando del dibujo de De Felici con color de Matheus Lopes, la verdad es que lo encuentro el otro gran triunfo del comic. De Felici tiene un estilo con líneas finas pero con personalidad que sumado al color incluyen en la página muchísimos detalles y sombreados que añaden una estupenda sensación de textura y profundidad. En un comic con pocos diálogos es fundamental tener un narrador perfecto que te lleve a lo largo de la narración, y De Felici se sale en este aspecto. Sus páginas son super dinámicas, sus escenas de acción ofrecen coreografías creíbles y en general hay una palpable sensación de peligro cuando tiene que haberla. Además, capta el espíritu de los cómics de la ciencia ficción clásica actualizándola, jugando con unos chulísimos diseños de las naves y las armaduras a la vez que sorprende con la creación de este mundo alienígena. Me gusta además el uso de las splash-pages para marcar hitos de la historia pero también para ayudar a marcar el ritmo perfecto que necesita la historia. La forma es que plantea el contraste entre los dos enemigos protagonistas es también otro de los aciertos de De Felici.

Como veis, me ha encantado leer Void Rivals. Da gusto leer un comic tan bien estructurado con un dibujo tan satisfactorio para el tipo de historia que nos están contando Kirkman y De Felici. Además de la ENORME sorpresa del comic, este primer número me ha dejado con muchísimas ganas de más, y con la sensación cierta que si este primer número ha sido bueno, los próximos pueden ser aún mejores. No se le puede pedir más a un comic

Comparto las primera páginas del comic

Void rivals 1 significa un arranque estupendo para una colección que estoy seguro que nos va a dar muchos momentos de gloria. Un comic modélico que te deja con ganas de comprar inmediatamente el segundo número. Como comic individual me ha encantado, pero si a todo esto sumamos LA SORPRESA, el resultado no puede ser más interesante y apasionante.

PUNTUACIÓN: 8/10

Void Rivals estoy seguro que va a merecer mucho la pena, pero a partir de ahora voy a comentar CON SPOILERS la sorpresa que al menos yo no vi venir hasta que leí este comic y me ha volado la cabeza.

¡Sigue leyendo bajo tu responsabilidad!

Void Rivals marca el comienzo del UNIVERSO ENERGON, un universo compartido por Void Rivals con TRANSFORMERS y G.I. JOE, las nuevas licencias que Skybound ha conseguido tras cerrar un acuerdo con Hasbro.

En los últimos años, los comics de Transformers y G.I. Joe fueron publicados por IDW Publishing, aunque en los últimos meses era un secreto a voces que Skybound estaba negociando con Hasbro una vez vez se conoció que IDW dejaba de publicarlos. Kirkman mantuvo en secreto que Void Rivals serviría como plataforma de lanzamiento de sus nuevas licencias, indicando únicamente que este comic significaba el nacimiento de un nuevo universo compartido comiquero dentro de Skybound. Kirkman sólo reveló su existencia a los libreros días antes del Final Order Cutoff (FOC) Day, para que pudieran ajustar sus pedidos adecuadamente. Fruto de esto, Image anunció que la primera edición de este número había conseguido unas ventas superiores a los 100.000 ejemplares, teniendo que imprimir corriendo una segunda edición para cubrir la tremenda demanda que se ha creado, al agotarse este comic a las pocas horas. El éxito es monumental. Y van…

«Es un gran honor poder reintroducir este mundo a un nuevo público bajo el estandarte de Skybound», Comentó Kirkman sobre este anuncio una vez se hizo público. «He amado a estos personajes durante la mayor parte de mi vida y tener la oportunidad de añadirlos al ya rico tapiz que Hasbro ha construido con la nueva serie Void Rivals es una oportunidad increíble. Si nos fijamos en todo lo que se ha hecho con Transformers y G.I. Joe, podemos ver el atisbo de un vasto universo con un enorme potencial para los cruces y la interacción que mejorará la experiencia de los fans al tiempo que se mantiene fiel a las identidades individuales de ambos conceptos. Estoy deseando explorar ese potencial en los años venideros».

Michael Kelly, Vicepresidente de Global Publishing en Hasbro, añadió: «Cuando discutimos por primera vez el plan para la revelación sorpresa en Void Rivals #1, nunca esperé que fuera un secreto que pudiéramos mantener durante más de un año. Ahora que por fin está aquí, todos estamos emocionados de poder hablar por fin de todas las increíbles historias que están por venir de nuestros nuevos y geniales socios de Skybound.»

Y si la sorpresa de Void Rivals con la aparición del autobot Jetfire ha sido buenísima, las noticias anunciadas a continuación me han volado la cabeza. En especial, conocer que mi amado Daniel Warren Johnson se va a encargar de la nueva serie de Transformers. Un comic que se va a convertir en compra obligada. Además, Larry Hama se mantiene como guionista de G.I. Joe en la nueva colección que tendrá dibujo de Chris Mooneyham y portadas de Andy Kubert. Dos colecciones que no van a ser las únicas, ya que hay también anunciadas dos miniseries protagonizadas por Duke y el Comandante Cobra, en las que veremos la fundación de los Joes por un lado y de Cobra por otro.

Por cierto, tras crear un comic inspirado en Studio Ghibli (Extremity), una historia que transmite su amor por la música Heavy (Murder Falcon), el Wrestling (Do a powerbomb), la obra de Walter Simonson (Bill Rayos Beta) y un comic que combina superhéroes con Kaijus en un futuro distópico (Wonder Woman Dead Earth), que ahora se encargue de Transformers me indica que Johnson es el FRIKI SUPREMO.

Comentaba hace unas semanas que la industria del comic mainstream americana necesitaba series de larga duración realizadas por equipos creativos potentes y comics que generaran interés en los lectores y les atrajeran de vuelta a las librería. Los anuncios de Skybound en general y el trabajo de Kirkman y De Felici en Void Rivals en concreto se ajustan perfectamente a esto. Les auguro un gran éxito. Y lo mejor es que yo estaré aquí para verlo y disfrutarlo.

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Crítica de Sweet tooth temporada 2 (Netflix)

Con algo de retraso vi en Netflix la segunda temporada de Sweet tooth, la serie inspirada en el comic de Jeff Lemire.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Sweet Tooth está ambientada en un mundo en el que un virus ha matado a la mayoría de la población humana y ha dado lugar a la aparición de bebés híbridos que nacen en parte humanos y en parte animales. En la segunda temporada, una nueva oleada mortal de la enfermedad se cierne sobre la humanidad. Gus (Christian Convery) y un grupo de otros niños híbridos son prisioneros del malvado general Abbot (Neil Sandilands) y los Last Men, un violento grupo de mercenarios que cazan híbridos. Abbot utiliza a los niños como cobayas para los experimentos del cautivo Dr. Aditya Singh (Adeel Akhtar) para encontrar una cura y amasar poder, mientras qye el Dr. Singh simplemente quiere salvar a su esposa infectada, Rani (Aliza Vellani).

Gus, siempre un héroe, acepta ayudar al Dr. Singh, iniciando así un oscuro viaje para descubrir sus propios orígenes. También puede aprender más sobre el papel de su madre, Birdie (Amy Seimetz), en los acontecimientos que condujeron al Gran Desmoronamiento. Por otra parte, Jepperd (Nonso Anozie) y Aimee Eden (Dania Ramirez) se unen para liberar a los híbridos, creando una asociación que se pondrá a prueba cuando los secretos de Jepperd salgan a la luz.

Jeff Lemire creó Sweet Tooth dentro del sello Vertigo de DC Comics. Lemire dibujó y guionizó todos los ejemplares de esta serie, que fue publicada entre 2009 y 2013, con 40 números de duración. Sweet Tooth fue una de sus primeras obras de creación propia creada en la época de Essex County, y previa a muchas de sus obras posteriores con las que ha llegado a super conocido dentro del ámbito independiente: Trillium, Black Hammer, Un tipo duroDescender entre otros. Es la actualidad, forma un estupendo equipo creativo con el artista italiano Andrea Sorrentino y el colorista Dave Stewart, con los que ha creado Gideon Falls, Primordial y el universo de historias de terror The Bone Orchard Mithos, en la que ya se han publicado las novelas gráficas The Passageways y Ten thousand black feathers.

Jim Mickle es el creador de esta adaptación del comic de Jeff Lemire. Mickle es un director y escritor estadounidense, conocido por películas como Mulberry Street, Stake Land, We Are What We Are y Cold in July. También co-desarrolló la estupenda serie de SundanceTV Hap and Leonard, basada en las novelas de Joe R. Lansdale. Tras estrenarse su primera temporada en 2021, han tardado dos años en estrenar esta continuación, y ya se ha confirmado la producción de una tercera temporada que cerrará la historia. Las temporadas de esta serie cuentan con 8 episodios que han sido dirigidos por el propio Mickle (1 episodio), Ciaran Foy (1), Carol Banker (2), Robyn Grace (2) y Toa Fraser (2).

Christian Convery es Gus, un niño de 10 años medio humano, medio ciervo, ingenuo y protegido que quiere encontrar a su madre. Nonso Anozie interpreta a Tommy Jepperd, un viajero y reformado Last Man que salva a Gus de unos cazadores furtivos y le acompaña a regañadientes en su viaje para encontrar a su madre.

Adeel Akhtar hace del Dr. Aditya Singh, un médico desesperado por encontrar la cura de la enfermedad causada por el virus H5G9, también conocido como el Enfermo, para poder curar a su esposa infectada Rani (Aliza Vellani). Stefania LaVie Owen es Oso, la líder y fundadora del Ejército Animal que salva a los híbridos. Dania Ramirez es Aimee Eden, una antigua terapeuta que crea un refugio seguro para los híbridos llamado The Preserve. Neil Sandilands es el General Abbot, líder de los Últimos Hombres, que caza a los híbridos y es el gran villano de la serie, aunque no el único.

En el caso de Sweet Tooth tengo que reconocer que NO he leído el comic de Lemire, por lo que no voy a comparar la serie de Netflix con la serie original. Esto creo que es positivo, porque recuerdo haber leído a Lemire decir que la serie es más una reimaginación que una adaptación literal. Digo esto porque los éxitos (o los deméritos) de esta serie son suyos, para bien o para mal.

Esta segunda temporada mantiene las señas de identidad de la serie, empezando con unos estupendos valores de producción. La temporada empieza con un larguísimo plano secuencia en la que unos personajes andan a lo largo del enorme set de rodaje del zoo que ha sido conquistado por el grupo del general Abbot donde tienen cautivos a Gus y al resto de los niños mutados. Este plano es de lo mejor de la temporada, y aunque luego hay elementos cutres a lo largo de la serie, por ejemplo en algunos combates y explosiones (o falta de ellas), diría que el presupuesto no ha sido un problema.

La temporada ofrece más detalles del origen de Gus, aunque ya conocimos en la primera temporada que realmente no nació, sino que fue cultivado en un laboratorio, formando parte de una investigación que es lo que provocó el virus que ha diezmado el planeta. Gus es un chaval lleno de humanidad del que te preocupas y no quieres que le pase nada malo. El grupo de niños encerrados me parece que transmiten bien el elemento freak de su existencia pero a la vez que son sólo unos niños que no merecen lo que están sufriendo.

En esta temporada conoceremos que existen otros grupos de humanos además del liderado por el general Abbot, unos grupos que son igul de egoístas y que incluso ahora sólo piensan en el poder y en destruir a sus enemigos, reforzando la idea que la raza humana se haya en curso de autodestrucción. Abbot me ha resultado un flojo villano, al que le sumaría la figura del Dr. Aditya Singh, el científico que está tan preocupado por su investigación que nos e da cuenta de los problemas que está provocando a sus seres queridos. Esta obsesión acaba convirtiéndose también en otra clase de problema, y si bien no es malvado, acaba no siendo bueno.

Por el lado de los adultos que intentas rescatar a los críos, los viajes de Tommy Jepperd y Aimee Eden, o de Oso por su lado, forman parte del tropo de personas diferentes que tienen que aprender a confiar en otras personas a pesar de los palos que les ha dado la vida. Tommy en su faceta de salvador que lleva el peso del mal que cometió en el pasado mientras buscaba a su familia me parece un personaje super interesante. Desde luego, mucho más que la inmaculada Aimee que es perfecta en su búsqueda de proteger a los niños. En todo caso, al final, su relación es uno de los motores de la temporada y la verdad es que funciona.

Dentro que todo es correcto e incluso pensando que la temporada son tan sólo 8 episodios, me he quedado con cierta sensación que lo que han contado igual no llegaba para cubrir todo el metraje. No es que esté mal, pero no acaba de ser realmente interesante. Vi la serie a lo largo de un fin de semana que tenía «tonto» sin otro plan mejor, pero en algunos momentos me di cuenta que parecía que tenía la serie como ruido de fondo, dado que estaba haciendo otras cosas al no haberme enganchado a lo que estaba viendo.

Comentaba sobre el general Abbot, y lo cierto es que el climax de la temporada con el combate final en el bosque resulta super anticlimático por la forma en que está contado. Y entiendo que la elipsis en obligatoria porque no te vas a creer que un niño pueda vencer a adultos armados, pero el conjunto justo flaquea en los dos episodios últimos que a priori tenían que resultar los más espectaculares.

Para sorpresa de muchos entre los que me encuentro, Netflix ha confirmado la tercera temporada y que será la última que cerrará la historia. Tengo que decir que uno de los elementos que ayudaron a que me animara a ver esta segunda temporada fue precisamente esta noticia. Y lo que la serie hace muy bien es que el final ofrece una buena sensación de cierre a la historia actual, presentando el viaje que marcará la última temporada. Aunque reconozco que Sweet tooth no me ha flipado, creo más que posible que dentro de dos años me anime a ver la última temporada para saber el final de la historia de Gus y de esta tierra devastada. Algo que no puede decir de otras series que he visto este año. Algo habrá hecho bien Sweet tooh después de todo.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Sweet tooth es una correcta serie de la que no puedo decir nada malo pero tampoco nada especialmente brillante.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Arrowsmith vol. 2 de Kurt Busiek y Carlos Pacheco (Dolmen Editorial)

Es una alegría tremenda poder disfrutar de uno de los últimos comics dibujados por Carlos Pacheco. Arrowsmith vol. 2 Tras las líneas enemigas, junto al guionista Kurt Busiek, el entintador Rafael Fonteriz y el colorista José Villarrubia nos devuelve a este mundo en la Primera Guerra Mundial en el que existe la magia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El joven Fletcher Arrowsmith, teniente del Cuerpo Aéreo de Ultramar, es enviado a una misión secreta y peligrosa dentro de territorio prusiano. Su objetivo es rescatar a una princesa de las garras del enemigo y detener un plan letal que podría destruir toda Europa. Por el camino, Fletcher viajará a reinos mágicos, se encontrará con monstruos y trolls, y descubrirá los secretos ancestrales de la magia que utiliza para volar… y que se encuentra detrás de la propia guerra.

El equipo creativo formado por Kurt Busiek (Marvels, Vengadores, Superman) y Carlos Pacheco (X-Men, Los Cuatro Fantásticos, Siempre Vengadores) nos sumerge de nuevo en el fantástico mundo de Arrowsmith. El paso de los meses, las despedidas siempre inesperadas a efímeros amigos, la adrenalina del combate y la crudeza de esta Primera Guerra Mundial han hecho mella en sus protagonistas, pero la esperanza, el valor y el optimismo del joven Fletcher siguen intactos, soñando con que la paz llegue algún día al Viejo Continente.

Este volumen d 192 páginas contiene Arrowsmith: Behind Enemy Lines #1-6, la última obra de Carlos Pacheco, así como cincuenta páginas de extras que incluyen bocetos, diseños y lápices del dibujante gaditano, una entrevista con Kurt Busiek y portadas alternativas de algunos de los mayores talentos de la industria del cómic norteamericano.

Kurt Busiek (Boston 1960), es uno de los grandes guionistas de Marvel Comics. MARVELS en 1993 junto a Alex Ross revolucionó el mundo del comic, no solo por las páginas pintadas de Ross mediante la técnica del fotorealismo, sino porque el concepto de mirar a los superhéroes desde el punto de vista del hombre corriente de la calle nos devolvió un «sense-of-wonder» perdido durante años por la moda del «grim-n-gritty» que triunfaba en esa década.

Thunderbolts (1997) con Mark Bagley y su icónico giro al final del primer número o el relanzamiento de Los Vengadores (1998) con George Pérez tras el Heroes Reborn son clásicos absolutos de Marvel. Como por supuesto lo es también el mítico JLA / Vengadores de 2003. Tras abandonar Marvel, Busiek trabajó en DC comics como Superman: Secret Identity con Stuart Immonem, JLA o Superman con Carlos Pacheco.

El gusto por el clasicismo pudo verse también en su icónico Astro City junto al dibujante Brent Anderson, comic que empezó a publicarse en 1995 y que ha tenido recientemente un relanzamiento en Image. En 2004 escribió una maravillosa etapa de Conan en Dark Horse junto al artista Cary Nord, y más recientemente, también en Image destaca su comic The Autumnlands junto al dibujante Benjamin Dewey.

Carlos Pacheco (1961-2022) es uno de los mejores dibujantes españoles que trabajaron en el mercado mainstream USA. Colaborador de Comics Forum desde finales de los 80 realizando portadas para numerosos comics de la editorial, en 1993 dio el salto a Marvel U.K. con una historia corte de Motormuth y Killpower primero y la miniserie Dark Guard, que supuso el primer trabajo completo de Pacheco para ellos. El primer trabajo para USA llegó en 1994 para DC en la serie de The Flash con guión de Mark Waid. Tras este comic, Pacheco ficha por Marvel en 1994, empezando a trabajar en comics como Bishop, Starjammers, Universe-X o Excalibur. En 1998-99 colabora con Kurt Busiek en Siempre Vengadores, uno de sus trabajos más redondos, trabajo al que siguió en 2000 una interesante etapa en los 4 Fantásticos en la que guionizaba el comc junto a Rafael Marín).

Tras 10 años en Marvel, Pacheco decidió cambiar de aires y en 2005 fichó por DC Comics, trabajando en Superman / Batman con Jeph Loeb, el relanzamiento de Green Lantern con Geoff Johns, o una interesante etapa en Superman junto a Kurt Busiek entre 2006-07. En 2009 Pacheco retornó a Marvel, donde ha trabajado en numerosos comics de la línea Ultimate o de la franquicia mutante, además de en Capitán América de Rick Remender. En los últimos años se ha visto relegado (o quizá él lo prefiriera así) a realizar portadas y pequeñas etapas o números sueltos en multitud de series, siendo quizá su último gran trabajo completo la miniserie The Life of Captain Marvel con la guionista Margaret Stohl (2018-19) y esta segunda serie de Arrowsmith. Su muerte en noviembre de 2022 fue un mazazo, pero su obra estará siempre en el corazón de los aficionados.

El principal interés de Arrowsmith es disfrutar de uno de los últimos trabajos de Carlos Pacheco, y en ese sentido la compra está más que justificada sólo por el dibujo de Pacheco. El entintado de Rafael Fonteriz y el color de José Villarrubia son el complemento perfecto para los lápices de Carlos, que da una master-class de fluidez narrativa. La historia del viaje de Fletcher por detrás de las líneas enemigas en una misión que tiene el destino del mundo en sus manos si fracasa está perfectamente narrada en imágenes, y además descubrirá el origen de la magia de este mundo a partir de la Paz de Carlomagno. Aparte de su fluidez y de su perfecto lápiz, Pacheco plantea además una distribución de página muy atractiva, jugando por ejemplo con las splash-pages como elemento para contar el origen del mundo.

Dentro de los elementos positivos tengo que destacar también la estupenda edición en tapa dura de Dolmen Editorial, un volumen que queda perfecto junto al primero y que además del comic incluye un montón de extras, portadas alternativas y lápices de Pacheco, además de una entrevista a Busiek. En ella es escritor comenta que una de las últimas voluntades de Carlos fue que Busiek continuara para poder darle un final a la historia, algo que me llena de alegría.

Esto me lleva al principal problema de Arrowsmith, y es que me he encontrado con la sorpresa negativa de una miniserie de 6 números que NO termina, dejando colgada completamente la historia. Y esto me parece un problema tremendo. Recordar que la primera miniserie se publicó hace casi 20 años en Estados Unidos, en 2003-04, y durante muchos años parecía imposible que tuviera continuación. Conseguir publicar esta segunda miniserie fue un pequeño milagro, pero al mismo tiempo si tenían planes más ambiciosos, lo mínimo era plantear al menos la sensación de cerrar un capítulo de una historia mayor, cosa que no sucede. Esta manía de no cerrar las historias me parece uno de los grandes males del entretenimiento mainstream actual. Y está claro que la muerte de Pacheco fue un hecho doloroso e inesperado, pero a la vez este comic debería haber planeado un final, empezando porque tardaron 19 años en continuar la historia, y no tengo claro que supieran si este comic podría tener una rápida continuación o no.

Pero este NO final no es el único problema de la historia de Busiek. El comic vuelve a pecar de un exceso de sobre exposición con una voz en off de Fletcher usando el recurso de la carta que le escribe a alguien contándole lo que está viviendo. Y esta narración frena la historia en todo momento. De hecho, en momentos en que Pacheco cuenta perfectamente una historia que NO necesita esta voz en off, los bocadillos se multiplican y hacen aburrida la historia. Un problema de no tener un final es que el comic tiene un planteamiento y todo lo demás es nudo con el desarrollo, privándonos de un climax que el comic claramente necesitaba. De alguna manera, Busiek y Pacheco nos han dejado con la miel en los labios con una miniserie que es la presentación de la gran historia que tendremos en la siguiente miniserie, un comic que por motivos obvios ya veremos cuando llegaremos a leer.

Reconozco que me ha fastidiado este aspecto de la historia porque odio que me vendan la mitad de una historia. Sin embargo, en lo bueno la verdad es que Pacheco era/es/siempre será muy bueno. Ver Arrowsmith hace que me de cuenta que el gran problema de Pacheco como artista de comics es que no hemos llegado a tener la GRAN obra de Pacheco. No, no creo que Siempre Vengadores sea un comicazo que recomendar debido a su estructura de comic hablando de comics. En ese sentido, más satisfactoria fue la lectura de  JLA/JSA: Virtud y Vicio escrita por David Goyer y Geoff Johns, pero siendo muy buena lectura se me queda muy lejos de lo que espero de un «comic canónico».

A eso hay que sumar una gran producción en Marvel y en menor medida en DC bastante inconexa, de forma que sólo dibujaba unos pocos números saltando luego a otras colecciones o a hacer portadas. Sus Los 4 Fantásticos hubiera podido quedar como una etapa más que maja si no fuera porque Marvel la cortó demasiado pronto. Hubiera sido genial poder tener un arco de 8/12 números en alguna colección que quedara para el recuerdo, pero aparte de su dibujo, sus etapas en X-Men tuvieron unos guiones que no estuvieron a la altura. Por cierto, por si no lo leísteis en su día, enlazo aquí mi artículo homenaje a Pacheco que publiqué cuando se conoció la triste noticia del fallecimiento del artista gaditano.

En todo caso, Carlos Pacheco ya es historia del mundo del comic americano. Y gracias a este Arrowsmith este fin de semana tuve a alegría de poder disfrutar de la que prácticamente es su última obra completa. Sólo por eso, como digo merece la pena la compra de este volumen de Dolmen.

Comparto algunas páginas del comic:

Arrowsmith es una delicia en la parte gráfica gracias al estupendo trabajo de Carlos Pacheco, Fonteriz y Villarrubia, pero sufre un poco por la parte del guion de un Busiek que deja claro que sus mejores trabajos quedaron atrás.

PUNTUACIÓN: 7/10

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