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Crítica de Da 5 Bloods de Spike Lee (Netflix)

Netflix ha estrenado la última película de Spike Lee, Da 5 Bloods, una relectura desde su particular punto de vista de lo que supuso para la comunidad afroamericana la guerra de Vietnam. Una película con elementos muy interesantes pero también otros fallidos.

PUNTUACIÓN: 6/10

Cuatro excombatientes afroamericanos -Paul (Delroy Lindo), Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock, Jr.)- regresan a Vietnam en busca de los restos del jefe de su escuadrón, caído en combate (Chadwick Boseman), y la promesa de un tesoro escondido. Junto al hijo de Paul (Jonathan Majors), se enfrentarán a obstáculos naturales y humanos, y constatarán los estragos causados por la inmoralidad de la guerra de Vietnam.

El génesis de esta película nace en 2013 cuando Danny Bilson y Paul De Meo escribieron el guión The Last Tour, con la esperanza que Oliver Stone lo dirigiera. Tras abandonar el proyecto, el proyecto cayó en las manos de Spike Lee y Kevin Willmott, que reescribieron el guión añadiendo el punto de vista afroamericano a la historia tras su éxito en Blackkklaansman.

Tras confirmar Netflix la producción de la película con un presupuesto de 40 millones, el rodaje de la película tuvo lugar a partir de marzo de 2019, rodando en localizaciones de  Ho Chi Minh City, Bangkok y Chiang Mai, contando Lee con Newton Thomas Sigel como director de fotografía. Terence Blanchard escribe la música de la película que cuanta además con canciones de Marvin Gaye.

La película tiene una duración de 150 minutos y contó con un montaje de Adam Gough.

En lo referido al reparto, Delroy Lindo es el gran protagonista de la película y no me extrañaría que acabara siendo nominado al Oscar. Lindo interpreta a Paul, uno de los miembros de un comando de  cuatro afroamericanos que vuelven a Vietnam a recuperar los restos del líder del grupo,»Stormin’ Norm» Holloway (Chadwick Boseman) fallecido durante la guerra.

El resto de miembros del comando está formado por Otis (Clarke Peters), Eddie (Norm Lewis) y Melvin (Isiah Whitlock Jr.), que también tienen todos una cuenta pendiente de saldar con su pasado. El hijo de Paul, David (Jonathan Majors), al que su padre ha abandonado durante años también les acompañará para intentar un último acercamiento con su padre.

Del resto del reparto destacaría a Jean Reno como Desroche, un hombre de negocios al que contactan los soldados, Mélanie Thierry como Hedy Bouvier, una joven que ha creado una empresa para desactivar minas en la selva, Paul Walter Hauser, que ya trabajó con Lee en Blackkklansman, es Simon, un compañero de Hedy. Por último, Lê Y Lan interpreta a Tiên, novia de Otis durante la guerra a la que volverá a ver al llegar a Vietnam.

La película destaca sobre todo por la alucinante interpretación de Delroy Lindo como Paul, un anciano que nunca pudo superar sus vivencias en la guerra y que es un ejemplo de libro de Síndrome de Stress Post-Traumático (SSPT). Junto a su drama, también he contacto con la situación de su hijo David, genialmente interpretado también por Jonathan Majors, que forman el nucleo emocional de todo. Y como pasa en la vida real, me ha gustado mucho que la película no ofrezca soluciones fáciles a estos personajes. Aunque es muy pronto para saberlo, veo clarísimo que Lindo va a ser nominado como mejor actor en los Oscars, y no descartaría tampoco que Jonathan Majors también lo vaya a ser como a mejor secundario, porque lo hace genial.

Otro elemento chulo de la película que me ha gustado es que la película está rodada en formato normal para todo lo referido al presente, mientras que las escenas durante la guerra de Vietnam están rodadas en un formato cuadrado casi televisivo, como si buscara recrear la forma en que la sociedad americana conoció el conflicto en su día. Es una decisión visualmente muy interesante.

Además, el hecho de haberse rodado en escenarios reales en Vietnam hace que visualmente la película esté plagada de grandes imágenes, de forma que aunque estamos ante una película larga, el visionado ha sido globalmente bastante interesante.

Hay sin embargo varias cosas que no me han encajado durante el visionado. Empezando por la música de Terence Blanchard, que la encuentro totalmente errada. Por ejemplo, en el primer combate del comando durante la guerra de Vietnam, colocan una melodía heroica como si saliera de las Hazañas Bélicas de los años 50 y 60, que no pegan para nada con la historia que nos está contando. Hay otra escena cuando los ancianos vuelven a la jungla en la que colocan la música de Wagner como si fuera Apocalipsis Now, dando la sensación que se está riendo, no se si de nosotros, pero desde luego si del género bélico en general. Lo cual puede parecerle muy divertido y subversido a Spike Lee, pero va en detrimento del tono y del ritmo de la película.

Y hablando de ritmo, la película como comentaba al principio dura casi 150 minutos, y muestra un problema que ya hemos visto en otras películas estrenadas en Netflix: Que te dejen hacer algo no significa que tengas que hacerlo si va a ir en contra de la película. Da 5 bloods es una película a la que le cuesta encontrar su voz, que sufre por no saber encontrar un ritmo uniforme y que hubiera mejorado centrándose en el drama del comando y no en el panfleto político de Lee en el que resalta una y otra vez como los afroamericanos lucharon y murieron en una guerra injusta para un gobierno que mantiene en la pobreza a los afroamericanos.

En todo caso, igual que digo esto, creo que la parte política de la película es más acertada y menos panfletaria que en su anterior película, Blackkklansman. No es nada sutil, en eso Spike Lee no va a cambiar, pero entiendo que durante la guerra de Vietnam y los años sesenta y setenta el racismo era sistémico en la sociedad americana, ¿igual que en la actualidad?

El drama de unos soldados que sufrieron SSPT (Síndrome de Stress Post-Traumático) personalizado en Paul, que pagó sus frustraciones en su hijo David, me interesa. Me interesa mucho. Pero como drama bélico no funciona en absoluto. Y es este intento de Spike Lee de tocar muchos palos el principal problema de la película, en mi opinión.

Además, Spike Lee toma una decisión bastante discutible cuando hace que los mismos actores veteranos interpreten a sus versiones jóvenes durante la guerra de Vietnam. Esto queda rarísimo siempre, entre otros motivos porque obviamente debido a su edad no pueden moverse como soldados en cambate, quitando toda sensación de verosimilitud. También queda raro verles junto a un joven Chadwick Boseman en plenitud física.

Otro elemento que no me ha gustado es que me parece una pasada que en una película de 150 minutos en la que conocemos a 5 comandos (uno fallecido en el pasado), la película solo se moleste en construir al ya mencionado Paul y quizá a Otis, principalmente por el hecho que dejó una mujer en Vietnam que sirve a Lee para mostrarnos el drama de los que se quedaron cuando los Estados Unidos les abandonaron, mientras que Eddie y Melvin pasan prácticamente desapercibidos.

Netflix ha estrenado Da 5 Bloods en medio de un nuevo estallido racial en los Estados Unidos tras la nueva muerte de un afroamericano a manos de la policía. Creo que esto va a provocar que sea un gran éxito de audiencia para la cadena online, consiguiendo que muchísima gente vaya a verla en casa, teniendo en casa que los cines aún no están claramente operativos y aún no se han estrenado ninguna película importante.

En estos momentos en los que aún no hemos salido del confinamiento, los canales online están ofreciendo una gran variedad de contenidos que apelan a todo tipo de espectadores, lo cual es buenísimo.

Comparto el trailer de la película:

Da 5 Bloods tiene cosas interesantes pero también fallidas en mi opinión. En todo caso,  algo Spike Lee tiene algo muy importante ganado, que es que quiera ver su siguiente película a pesar de que está no me haya parecido redonda.

PUNTUACIÓN: 6/10
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Crítica de La Red Social de David Fincher

David Fincher y Aaron Sorkin forman una combinación ganadora, haciendo de La Red Social (2010) una extraordinaria película que nos cuenta cómo fue el nacimiento de Facebook, el gigante tecnológico creado por Mark Zuckerberg. Aprovechando que Quentin Tarantino la ha nombrado «la mejor película de la pasada década», creo que es un momento perfecto para recuperarla.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Una noche de otoño del año 2003, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, se sienta delante de su ordenador y empieza a desarrollar una nueva idea: TheFacebook. Lo que comenzó en la habitación de un colegio mayor pronto se convirtió en una revolucionaria red social. Seis años y 500 millones de amigos después, Zuckerberg es el billonario más joven de la historia. Pero a este joven emprendedor el éxito le trajo también complicaciones personales y legales, en especial la acusación de que robó la idea a unos estudiantes de su misma universidad, y su turbulenta relación con Eduardo Saverin (Andrew Garfield), su antiguo amigo y co-fundador de Facebook. (FILMAFFINITY)

La red social cuenta como principal valor el poder ver la colaboración de David Fincher, sin duda uno de los mejores directores vivos, con Aaron Sorkin, a su vez un guionista extraordinario, que escribió el guión basado en la novela de Ben Mezrich «The Accidental Billionaires» . Sorkin ganó el Oscar a Mejor Guión Adaptado, y aún no me explico como Fincher no ganó el de Mejor Director de ese año.

La red social fue además la primera colaboración de Fincher con Atticus Ross y Trent Reznor, que crean una banda sonora llena de sonidos sesasosegantes que fue premiada con el Premio Oscar a Mejor Banda Sonora.

Además de estos dos galardones, Angus Wall y Kirk Baxter ganaros también el Oscar de Mejor Montaje. La red social estuvo además nominada a Major Película, Mejor Director David Fincher, Mejor Actro Jesse Eisenberg, Mejor  Fotografía de Jeff Cronenweth y Mejor Montaje de Sonido de Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick, Mark Weingarten. Además de todos estos elementos técnicos, destacaría también el sobreasaliente diseño de producción de Donald Graham Burt.

La red social ha ganado más de  100 premios internacionales, entre los que destaco los 4 globos de Oro (Película Dramática, Director, Guión y Banda Sonora).

La película cuenta con un acertadísimo casting encabezado por Jesse Eisenberg como Mark Zuckerberg. Junto a él tenemos a un brillante Andrew Garfield como Eduardo Saverin, socio fundador de Facebook junto a Zuckerberg. Justin Timberlake interpreta a Sean Parker el fundador de Napster que ayudó a Facebook a dar el del mundo académico universitario al mundo real.

Rooney Mara es Erica Albright, una estudiante que rechazó a Zuckerberg antes de hacerse famoso, mientras que Armie Hammer interpreta a los gemelos Cameron y Tyler Winklevoss que acusaros a Zuckerberg junto a Divya Narendra (Max Minghella) de haberles robado la idea de lo que acabó convirtiéndose en el gigante que hoy es Facebook.

Tengo que reconocerlo. David Fincher es uno de mis directores favoritos y los guiones de Aaron Sorkin me han flipado siempre. Y sin embargo, por algún motivo no me llamó nada el visionado de esta película, aún sabiendo que Zuckerberg no salía demasiado bien parado.

Siempre me he mantenido bastante alejado de las redes sociales y no me creé un perfil de Facebook hasta 2013, y eso fue debido a un curso de redes sociales que realicé online y a un cambio en mi puesto de trabajo. De hecho, mi hermano Fernando se compró el blu-ray y me lo dejó en varias ocasiones y lo tuve durante meses en casa, pero por un motivo u otro, siempre me daba pereza verla y al final optaba por otra cosa.

Dicho esto, me alegro mucho que con la excusa de Tarantino me haya animado a ver por fin La red social, porque la he disfrutado un montón. Para empezar, las dos horas de película me parecen un milagro de síntesis y claridad. A pesar de ser un tema complejo, todo se entiende fácilmente, e incluso aunque no alguien no tenga perfil en Facebook o no sepa nada de internet o programación puede entender sin problemas la trama de la película.

Los diálogos de Sorkin me han parecido una maravilla, ofreciendo muchísima información sin ser aburrida ni parecer un panfleto a favor o en contra de nadie, construyendo una tensión a toda la narración a pesar de ser una historia inspirada en hechos reales que son bastante conocidos.

Este triunfo narrativo es éxito de Sorkin, pero sin duda lo es también de David Fincher, que es uno de los más grandes narradores del medio. Fincher crea una película con un ritmo bestial que es a la vez super entretenida e ilustrativa. La narración es ágil y a pesar de los diferentes saltos temporales y personajes, consiguió que ni parpadeara durante toda la película.

La figura de Mark Zuckerberg me parece super interesante, porque Fincher y Sorkin crean una figura muy humana, que obviamente es un genio pero también una persona antisocial que puede ser considerada un estúpido absoluto. Hay una frase muy ilutrativa sobre la figura de Zuckerberg expresada por una de sus abogadas: «No eres un gilipollas, pero te esfuerzas mucho por parecerlo.»

Al mismo tiempo, la verdad cinematográfica que nos cuentan Fincher y Sorkin es que Zuckerberg es un genio que no robó la idea a nadie y Facebook es completamente suyo, lo cual no quita que sea una mala persona que probablemente traicionó a todas personas que estuvieron a su alrededor durante esos años. El triunfador perfecto salta completamente por los aires, creando una figura con luces y sombras que le convierte en una figura muy interesante.

El otro gran protagonista de La red social es Andrew Garfield, que crea a un maravilloso Eduardo Saverin, el único amigo de Zuckerberg en la universidad que fue traicionado por él. Un chaval normal que probablemente fue superado por el éxito monumental de Facebook que excedió las previsiones más optimistas. Garfiel está bestial y ya demostraba que era un actor super estrella, algo que se demostró posteriormente en Silencio (Martin Scorsese, 2016) y Hacksaw Ridge (Mel Gibson, 2016)

La red social me ha parecido bestial en todos los sentidos. Me parece una locura que El Discurso del Rey fuera elegida como la mejor película de los Oscars de ese año, mostrando el éxito que históricamente han tenido para los académicos americanos una película protagonizada por un discapacitado, de forma que se encumbró una película que era normal a secas. En todo caso, a pesar de todo, la historia pone a cada uno en su sitio y me alegro de heber visto, aunque haya sido tarde, este películón de David Fincher.

Comparto el trailer de la película:

La red social es  una pasada que justifica de sobra haber sido declarada la mejor película de la pasada década y que es de visionado obligado de todos los fans de la narrativa cinematográfica.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Contagio de Steven Soderbergh

Ahora que el mes de junio y el pase de fase de confinamiento parece que nos hace pensar que lo peor de la crisis del Covid-19 ha pasado, he encontrado el estado mental adecuado para poder ver Contagio, la estupenda película de 2011 de Steven Soderbergh que está de plena actualidad.

PUNTUACIÓN: 8/10

De repente, sin saber cuál es su origen, aunque todo hace sospechar que comienza con el viaje de una norteamericana a un casino de Hong Kong, un virus mortal comienza a propagarse por todo el mundo. En pocos días, la enfermedad empieza a diezmar a la población. El contagio se produce por mero contacto entre los seres humanos. Un thriller realista y sin efectos especiales sobre los efectos de una epidemia. (FILMAFFINITY)

Steven Soderbergh dirige esta película estrenada en 2011 que en su momento tomó como inspiración laproblemática que planteaban los brotes de SARS entre 2002-04 y  de la gripe A (H1N1) en 2009-2010, con la que la actual Covid-19 comparte numerosos elementos. P ara escribir el guión contó con Scott Z. Burns, colaborador habitual suyo, planteando la historia desde el realismo, mostrando de forma comprensible y clara la respuesta científica y de salud pública ante una pandemia, y las diferentes derivadas que ello ocasiona a todos los niveles, desde sociales como empresariales e incluso en las relaciones internacionales.

Estamos por tanto ante historia coral, y me ha encanto poder disfrutar de un reparto de superestrellas entre las que tenemos a Matt Damon, Jude Law, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Marion Cotillard y Gwyneth Paltrow, cubriendo la pandemia desde todos los puntos de vista.

A partir de un padre de familia normal, Mitch Emhoff (Damon), cuya vida se derrumba por la muerte de su mujer Beth (Paltrow) y su hijo, que son unas de las primeras víctimas de la epidemia en los Estados Unidos, conoceremos las consecuencias que la pandemia causa en la sociedad americana, cuyo confinamiento provoca pánico, saqueos y escasez. Damon ofrece el punto de vista de la gente normal y consigue dotar a su personaje de la perfecta humanidad ante lo que se le viene encima.

Laurence Fishburne es el Dr. Ellis Cheever responsable del Centro de Control de Enfermedades en Atlanta, y tendrá que enfrentarse a la vertiente científica pero también a la dimensión humana de la enfermedad, mostrando que nadie es perfecto y se puede ser un buen profesional y a la vez cometer errores. El Dr. Cheever manda a su amiga la Dra. Erin Mears (Kate Winslet) a investigar los primeros brotes en los Estados Unidos y a tratar de encontrar algún medio para controlar su propagación.

Mientras tanto, la Organización Mundial de la Salud manda a Hong Kong a la doctora Leonora Orantes (Marion Cotillard) para que se encargue de la investigación en el terreno, al creerse que la enfermedad se generó allí.

Mientras la doctora Ally Hextall (Jennifer Ehle) o el doctor Ian Sussman (Elliot Gould) intentan identificar el virus que provoca la pandemia y a su vez, encontrar una vacuna, Alan Krumweide (Jude Law), un bloguero online, extiende teorías de la conspiración contra la versión oficial y genera dudas entre la sociedad sobre las medicinas que se están preparando.

Soderbergh, que además de dirigir realiza la función de director de fotografía, siempre ha sido un maestro en el uso de la cámara y hace que desde el primer momento el espectador esté en el centro de la acción. Manteniendo además  un pulso narrativo brutal, consigue que todo se explique de forma clara y que no nos perdamos a pesar de los diferentes saltos entre personajes y localizaciones.

La música de Cliff Martínez transmite la sensación de frenetismo y drama aséptico ante una enfermedad contra la que no se puede combatir, solo asilarte para no enfermar. Además, con un estupendo montaje de Stephen Mirrione, consigue condensar un tema tan complejo con múltiples derivadas en una película perfecta de 100 minutos que condensa los principales temas que merecer ser considerados.

Soderbergh pone uno de los focos de la película en los medios de expansión de la enfermedad, que no son solo las personas, sino también los objetos que estos tocan y que serán tocados por otras personas que seguramente acabarán contagiadas. Este segundo detenido en los objetos, a veces ni siquiera tanto tiempo, tiene un efecto dramático increíble, sobre todo sabiendo como sabemos ahora cuales son los principales mecanismos de autoprotección.

Pero no es este el único hallazgo que Soderbergh nos ofrece durante la película, siendo de hecho una master class de síntesis y fluidez narrativa, de forma que ofrece una de las películas más redondas de su filmografía.

Lo alucinante de este Contagio es lo bien que muestra un motón de temas asociados a una pandemia que están de rabiosa y triste actualidad. Desde un gobierno chino que empieza con más interés de tapar el escándalo que de ofrecer soluciones, a un periódico que cuando conoce la existencia de la pendemia se resiste a publicarlo porque «no quiere ser el primero en gritar LOBO». O los funcionarios públicos de un estado que a pesar de haber ya muertes en su territorio no quiere que se tomen medidas drásticas porque pueden afectar a la temporada de ventas de Acción de Gracias, y ante la construcción de un hospital de campaña pregunta quien va a pagarlo.

El personaje de Jude Law también muestra con gran acierto la realidad de las fake-news y los «expertos» que desafían la verdad oficial para conseguir su propio beneficio, otro elemento de plena actualidad. Aunque esta no es una historia de buenos y malos, me parece que quizá para Soberbergh él simboliza al «villano» de la historia, que rompe la paz social y ayuda a sacar lo peor de nosotros mismos.

En general las empresas farmacéuticas no salen demasiado bien paradas, aunque no se realiza una crítica directa contra ellas. Tampoco los sindicatos tienen en esta historia una función positiva, y veremos  como la escasez y la enfermedad sacan lo peor de mucha gente. Desde ese punto de vista, el guión de Contagio lo veo super realista y un poco descreido.

En todo caso, igual que ha pasado en la vida real, los grandes héroes de Contagio son el personal sanitario y los investigadores que buscan una cura, que ponen su vocación de servicio por encima de su seguridad personal y que sufrirán en sus carnes la enfermedad. Estos profesionales dan el toque humano positivo al que aferrarse incluso aunque se equivoquen y a veces antepongan a su familia frente al bien común. También en este aspecto, el no convertirles en seres perfectos hace que todo transmita una mayor sensación de realismo y me creo algunas decisiones que se toman, incluso las equivocadas.

Además del pánico de masas y al colapso del orden social, veremos los problemas derivados por la escasez de recursos que sufren los sanitarios y en general todo el mundo, algo que también hemos visto en las últimas semanas.

Además de todo lo anterior, la película como experiencia audiovisual está también planteada en clave de thriller en la que se investiga el nacimiento de la epidemia y quien fue el paciente «cero» que comenzó su transmisión. Incluso ese elemento está perfectamente resuelto gracias a un perfecto montaje que consigue que el visionado haya sido excelente de principio a fin.

Contagio me parece una película excente que huye de efectismos baratos y presenta una dura realidad posible que nueve años más tarde se ha convertido en dolorosa realidad.

Comparto el trailer de la película:

Contagio es una película espectacular que aunque se estrenó en 2011 está de plena actualidad debido a la situación que estamos viviendo por la crisis del Covid-19. Si tienes el adecuado estado mental, te la recomiendo completamente.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Una historia de violencia de David Cronenberg (Prime Video)

David Cronenberg firmó con Una historia de violencia una de sus película más redondas, con un increíble Viggo Mortensen, en la que fue la primera de sus tres colaboraciones. Aprovechando que está disponible en Prime Video, hoy quiero recomendarla.

PUNTUACIÓN 8.5/10

Fecha de estreno: 2005.

Director: David Cronenberg.

Guión: Josh Olson, adaptando la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke.

Interpretado por: Viggo Mortensen, Maria Bello, Ed Harris y William Hurt.

Disponible en: Prime Video.

Tom Stall (Viggo Mortensen) vive tranquilamente con su mujer (Maria Bello) y sus dos hijos en un pequeño pueblo de Indiana, donde nunca pasa nada. Pero un día, tras evitar un robo en su restaurante, no sólo es considerado un héroe por todos, sino que además atrae la atención de los medios de comunicación. En estas circunstancias, recibe la extraña visita de alguien que asegura conocer su pasado… (FILMAFFINITY)

Antes de Una historia de violencia, David Cronenberg (Toronto, 1943) era principalmente conocido por una filmografía perturbadora inicialmente adscrita a los géneros del terror y la ciencia ficción, con títulos como Scanners (1981), La mosca (1986), El almuerzo desnudo (1991) o eXistenZ (1999). Es uno de los principales creadores y máximo exponente del género “body horror” o terror corporal, en el que aborda los miedos de la raza humana ante las enfermedades y las transformaciones físicas y psicológicas que provocan.

Sin embargo, Una historia de violencia supuso un cambio importante en su filmografía, al optar por una historia de género negro construida a partir del realismo que fue unánimemente alabada por crítica y público, siendo nominada en los Oscars de ese año en las categorías de Mejor Actor Secundario (William Hurt) y Mejor Guión Adaptado (Josh Olson). La película significó la primera colaboración de Viggo Mortensen con el director canadiense, que tuvo su continuación con las también notables Promesas del este (2007) y Un método peligroso (2011) .

En palabras del propio Cronenberg, el título de Una historia de violencia, además de ser el título de la novela gráfica en que se inspira la película, tiene para él tres significados: La historia de una persona con un largo historial de violencia; una reflexión sobre el uso histórico de la violencia como un medio para resolver disputas; y por último, como Darwinista convencido que es, cómo la naturaleza innata de los seres vivos provoca que sólo los mejores y más fuertes sobrevivan, reemplazando a los menos capaces que acaban extinguiéndose.

La película muestra la historia de un hombre aparentemente normal que vive una vida monótona y sin sobresaltos que se ve obligado a recordar una parte de su pasado que creía olvidada para sobrevivir. De hecho, Cronenberg utiliza una gran parte del primer arco a mostrarnos diferentes momentos de su vida para resaltar esta normalidad que luego saltará por los aires. Tom es el dueño de una cafetería de un pequeño pueblo sin mucha clientela al que su bella e inteligente mujer, Edie, tiene que llevar al trabajo cuando su coche se estropea. Su hija pequeña Sarah tiene pesadillas por la noche pensando en monstruos dentro de armarios y su hijo Jack sufre el acoso del típico matón de instituto e intenta pasar lo más desapercibido posible. Lo normal para una familia americana que vive en un área rural de los Estados Unidos.

El uso de la violencia para resolver conflictos es el tema fundamental de la película, y no sólo Tom tomará decisiones difíciles antes situaciones peligrosas sino que también su hijo Jack tendrá que enfrentarse a sus propios problemas, y quedará claro que los genes de su padre están firmemente asentados en su ADN. Aunque Cronenberg no pretende dar respuestas, ante la pregunta de si somos lo que dictan nuestros genes o fruto de la educación que recibimos, la respuesta acaba siendo seca y brutal.

Merece la pena detenerse en las interpretaciones de la película, que sin duda son uno de los elementos más destacables. Viggo Mortensen ha afirmado que para él esta película es una de las mejores en las que ha participado y una perfecta muestra de género negro. Realiza un despliegue actoral impresionante que debería estudiarse en todas las escuelas de interpretación. Su personaje, Tom, es a la vez dos personas diferentes, su yo presente que simboliza lo que aspira a ser y su yo pasado que creía enterrado. Mortensen realiza una interpretación contenida alejada de histrionismos en la que el brillo de sus ojos, su expresión corporal e incluso pequeños tics indican de forma prodigiosa ante qué Tom estamos.

Por su parte, Maria Bello como su mujer Edie está genial como una persona que ve como toda su ordenada y perfecta vida salta por los aires. Bello está perfecta en su papel y Cronenberg la muestra como una diosa griega de belleza perfecta y salvaje, con dos escenas de elevado contenido sexual que no son gratuitas sino que sirven para describir a los personajes, algo que Cronenberg ya empleó en la polémica Crash (1996).

Junto a ellos, hay que destacar a un contenido Ed Harris que transmite desde el primer fotograma que a pesar de su educación y su correcta sonrisa es un hombre extremadamente peligroso. William Hurt por su parte realmente aparece sólo en una escena, pero su carisma monopoliza los minutos que está en pantalla.

Cronenberg nos muestra la violencia de forma brutal y sin efectismos, un destello que dura un segundo y que altera para siempre la vida de los que la sufren. Quizá por eso impacta tanto al espectador. La película cuenta además con unos contenidos 97 minutos que son un prodigio de síntesis, dejándonos con un final abierto perfecto. Cuando se ha abierto la Caja de Pandora, ¿es posible volver a atrás y hacer como si nada hubiera sucedido? El director deja que seamos los espectadores los que contestemos a esa pregunta.

Comparto el trailer de la película:

Una historia de violencia triunfa en todo lo que plantea, y dentro de su simplicidad, o precisamente por ella, me ha parecido una pasada. Una película que merece mucho la pena.

PUNTUACIÓN 8.5/10

 

* Este texto se publicó originalmente en el nº5 del Fanzine El Colmo publicado online este mes de mayo.

 

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Crítica de Thor: El mundo oscuro de Alan Taylor (Marvel Cinematic Universe 8)

Thor: El mundo oscuro (Alan Taylor, 2013), la continuación de las aventuras de Thor tras la histórica Vengadores, significó una estupenda aventura que amplió el mundo de Thor y el carisma de su hermano Loki.

PUNTUACIÓN: 8/10

Thor lucha por restablecer el orden en el cosmos, pero una antigua raza liderada por el vengativo Malekith regresa con el propósito de volver a sumir el universo en la oscuridad. Se trata de un villano con el que ni siquiera Odín y Asgard se atreven a enfrentarse; por esa razón, Thor tendrá que emprender un viaje muy peligroso, durante el cual se reunirá con Jane Foster y la obligará a sacrificarlo todo para salvar el mundo. (FILMAFFINITY)

Marvel y Kevin Feige tenían una fe total en Thor, hasta el punto que llegaron a confirmar una secuela de Thor (Kenneth Branagh, 2011) antes incluso del estreno de su primera película. Dado el éxito de la película, nadad más estrenarse Marvel se lanzó a la preproducción de esta película, que acabó estrenándose en 2013, tan sólo dos años después, algo poco habitual.

Tras negociar con varios directores, finalmente Marvel contrató a Alan Taylor, veterano director de televisión que había trabajado en series como Juego de Tronos, Mad Men o Boardwalk Empire.

A partir de un primer guión escrito por por Robert Rodat y Don Payne, finalmente fueron acreditados como guionistas Christopher Yost, Christopher Markus y Stephen McFeely, aunque el propio Taylor reconoció que incluso Joss Whedon les ayudó a reescribir algunas escenas que no acababan de funcionar.

Alan Taylor se trajo a Kramer Morgenthau como director de fotografía, con el que ya había trabajado en Juego de Tronos, con el que buscaba dar un tono más sucio y realista en comparación con la brillante versión de Branagh. Brian Tyler, que había escrito la banda sonora de Iron Man 3 realizó a última hora la banda sonora de esta película, indicando que debido a la naturaleza motilógica del personaje pudo crear una música lo más épica posibleM.

Para el rodaje de Thor El mundo oscuro, Marvel contó con  Chris Hemsworth como Thor, Natalie Portman como Jane Foster, Tom Hiddleston como Loki, Anthony Hopkins como Odin, Rene Russo como Frigga (madre de Thor y Loki), Stellan Skarsgård como el Doctor Erik Selvig, Idris Elba como Heimdall, Kat Dennings como la becaria Darcy Lewis, Laimie Alexander como la Dama Guerrera Sif y los 3 Guerreros Volstagg (Ray Stevenson), Fandral (Zachary Levi), y Hogun (Tadanobu Asano).

La nueva amenaza a la que se enfrentarán serán los Elfos Oscuros de Svartalfheim liderados por Malekith, interpretado por Christopher Eccleston, que busca recuperar el Ether, un elemento mágico que puede destruir la realidad y que le fue arrebatado hace miles de años por Bor, el padre de Odin. Junto a Malekith, su lugarteniente Algrim, interpretado por Adewale Akinnuoye-Agbaje, se convertirá en Kurse por medio de la magia oscura de los Elfos. Kurse en uno de los grandes enemigos de Thor y su fuerza rivalizaba con la del Dios del Trueno.

Thor: El mundo Oscuro es la definición perfecta de continuación que construye a partir de lo existente para ampliar el mundo de los protagonistas cambiando para siempre su status-quo. De hecho, ojalá más secuelas funcionaran igual de bien que esta película.

A partir de un prólogo ambientado en el pasado en el que Bor, padre de Odin, venció a los Elfos Oscuros y les arrebató el Ether al igual que Odin les quitó el Cofre de los Inviernos a Laufey al comienzo de la primera película, la acción arranca con la llegada de Thor y Loki a Asgard, donde Odin le condena a prisión por los crímenes cometidos en la anterior película y en Los Vengadores (Joss Whedon, 2012).

A partir de ahí, la acción avanza varios meses, en los que se explica que Thor ha estado pacificando los nueve reinos tras las revueltas surgidas a partir de la destrucción del Bifrost, el Puente del Arco Iris al final de la primera película de Thor. De esta forma, si en la primera película conocimos Jotumhein, hogar de los Gigantes de Hielo, en esta segunda película viajaremos a Svartalfheim, hogar de los Elfos Oscuros, y Vanaheim, el mundo de Hogun, uno de los 3 Guerreros. De esta forma, tras dos películas los espectadores ya hemos visitado 5 de los 9 mundos.

El Mundo Oscuro vuelve a construirse a partir del carisma de Thor y su hermano Loki, y el conflicto emocional entre ambos al verse obligados a trabajar juntos para derrotar a Malekith vuelve a ser probablemente lo mejor de la película. Ambos protagonistas crecen y evolucionan durante la película y la sorpresa final rompe con todos los tópicos y nos sorprende de forma increíble y nos dajaba con muchísimas ganas de ver la siguiente película.

También Jane Foster (Natalie Portman) gana protagonismo en esta película y queda como un personaje más redondo tras una primera aparición en la que parecía una adolescente atontada ante el gran chico rubio. Además de tener una importancia fundamental para vencer a Malekith al usar su inteligencia, sirve para mostrarnos un elemento muy chulo del Marvel Cinematic Universe en su conjunto, y es que el tiempo transcurre igual que en mundo real. Así, tras estrenarse Thor en 2011, al comienzo de El Mundo Oscuro, estrenada en 2013, se queja a Thor cuando vuelven a encontrarse en Londres que está enfadada con él porque habían pasado dos años sin tener noticias suyas. Los dos años que han pasado en el mundo real, un tiempo que los guionistas justifican adecuadamente por la guerra en los 9 reinos que antes mencionaba.

Además, igual que en la primera película, El mundo oscuro vuelve a generar un correcto contraste entre el mundo fantástico y aventurero de Asgard con el tono humorístico que veremos en la Tierra gracias a unos super buenos Stellan Skarsgård como Erik Selvig y Kat Dennings como la becaria Darcy Lewis, que además, en esta película cuenta con su propio becario. Ambos personajes cuentan con momentos super divertidos que nos dan un respiro al drama que estamos viviendo en Asgard ante el ataque de Malekith y la muerte de Frigga. Este humor lo veo muy equilibrado y me funciona, al igual que la mayoría de elementos de la película.

Una crítica recurrente contra las películas de superhéroes es que son todas iguales. Thor: El mundo Oscuro claramente busca ofrecer elementos novedosos para el género y rompe sin duda con este falso tópico. Empezando por la invasión de las fuerzas de Malekith a Asgard, que ofrece unos excelentes cinco minutos de combate sin diálogos que transmite el feeling de películas bélicas tipo Salvar al Soldado Ryan y que sirve para recordarnos que ni este Asgard ni Thor son los mismos que los de la mitología escandinava, sino la traslación de los comics Marvel de Stan Lee y Jack Kirby, que eran aventuras con una elevada carga de ciencia ficción.

La muerte de Frigga no es un elemento novedoso, de hecho entraría dentro de los clichés del cine de aventuras y acción para convertir la lucha contra el villano en algo personal. Sin embargo, la escena con el entierro vikingo es super emocionante, y las buenísimas interpretaciones de Chris Hemsworth y Tom Hiddleston convierten su dolor en algo muy real. Comentaba Alan Taylor que “Lo brillante que hizo Kenneth Branagh en Thor fue hacer una historia de dos hermanos, una historia de hermanos compitiendo por el amor de su padre. Así que es pequeña, reducida y humana a la vez que está en este enorme mundo intergaláctico.” En Thor El Mundo Oscuro aplican el mismo concepto, aunque el destino de la galaxia está en juego, al final estamos ante la historia de un joven que busca salvar a su novia de la muerte y de dos hermanos que buscan venganza por su madre muerta.

También en el climax final en Greenwich destaca por intentar huir del clásico combate final a puñetazos entre el héroe y el villano, creando una lucha a través de diferentes portales dimensionales que ofrecen momentos brillantes visualmente con una elevada carga humorística. Esta escena claramente rompe con lo que se espera que tiene que ser una lucha final y a mi me funciona. El momento en el que Thor arriesga su vida entrando en el Ether para vencer a Malekith usando la tecnología creada por el Doctor Selvig y por Jane es otro momentazo visualmente brillante que consigue que la película tenga su propia personalidad y no sea en ningún caso una sucesión de batallas genéricas.

Hay que reconocer que a pesar de que Thor El mundo oscuro es una notable película de aventuras que hace casi todo bien, los villanos Malekith y su hombre fuerte Kurse se quedan en meramente funcionales para el argumento, y les faltan la fuerza y el carisma en pantalla que sí transmiten nuestros héroes de esta historia, Thor y Loki. Visualmente, los fans de los comics flipamos al ver a los clásicos villanos de la etapa de Walter Simonson adaptados a imagen real, pero quizá la película hubiera quedado más redonda si hubieran empleado 5 minutos más en dar sobre todo a Malekith una mayor profundidad aparte de “quiero cubrir de oscuridad toda la galaxia”.

Dado que la película dura unos ajustados 110 minutos, este añadido no hubiera afectado al ritmo de la película. Sin embargo, artículos de internet de la época sugieren que el empeño en mantener el presupuesto en niveles controlables marcó que la película no pudiera exceder las 2 horas. No se si esto es cierto, pero narrativamente la película hubiera sido aún más redonda con un villano que fuera una verdadera amenaza a nuestros héroes.

La película a mi me parece sin duda notable. Sin embargo, es público y notorio que Alan Taylor no quedó contento con el montaje final estrenado ni con los añadidos que supuestamente Marvel forzó. Es difícil saber quien tiene razón en este tema, pero sí debo comentar que la propuesta que inicialmente expresaba Taylor sobre cómo debía ser Asgard choca con el hecho incontestable que estas películas NO trasladan la mitología nórdica en ningún caso, sino la versión de los Comics Marvel. “La mayor diferencia que tengo [del enfoque de Branagh] de hecho tiene que ver con el aspecto y el tono. Todo se ve muy sucio. La primera de Thor era bastante brillante y fue una decisión muy consciente e inteligente. Cuando llegué, quise dar una idea mejor de la mitología nórdica: la cualidad vikinga, la textura y el peso de la historia. Él es un superhéroe, pero existe hace miles de años.” No tengo problema en esta premisa de Taylor, pero tampoco me supone ningún problema que exita un productor como Kevin Feige que controle que la visión del director no se desvíe de la que el estudio ha marcado para sus personajes y sus mundos.

Thor El mundo oscuro no es una obra de arte y ensayo, sino la segunda parte de la historia de un personaje dentro de un universo compartido con otros personajes, y prefiero que Feige imponga su criterio para asegurar la coherencia interna. Otro elemento que se comentó en su día es que Taylor quería que la muerte de Loki hubiera sido real y no le gustó la última escena en la que se descubre que está vivo. Sin embargo, dado el carisma de Hiddleston, entiendo la decisión de Marvel, y el hecho de convertirle en el Señor de Asgard tras engañar a todos cambiaba de forma dramática el status-quo y nos dejaba con la incertidumbre de saber qué había pasado con Odin ¿Estaba vivo, muerto, preso? Tuvieron que pasar 4 años hasta el estreno de Thor: Ragnarok (Taika Waitit, 2017) para conocer la continuación. Mientras, la película terminaba en una segunda escena post-créditos con el final feliz soñado por Thor, al quedarse por fín con la chica y renunciar al trono para poder seguir siendo el héroe que quería ser. Aunque para él todo había acabado bien, no se había dado cuenta del engaño perpetrado por su hermano.

Globalmente, el final me parece brillante en todos los aspectos. Y además, la primera de las escenas post-créditos sirve para ampliar la vertiente galáctica del Universo Marvel al presentarnos al Coleccionista (Benicio del Toro) que aparecería al año siguiente en la brillante Guardianes dela Galaxia (James Gunn, 2014).

A partir de un presupuesto de 170 millones, más elevado que el de Thor (150 millones), pero por debajo de otras superproducciones de la época, Thor El mundo oscuro recaudó 650 millones en todo el mundo, lo que unido al enorme éxito de Iron Man 3 ese mismo año asentó el poderío de Marvel Studios como creadora de grandes éxitos de taquilla, cosa que veriamos ampliarse en los años siguientes.

Comparto el trailer de la película:

Aunque para el fandom Thor El mundo oscuro es una de las películas más flojas del MCU, el nuevo visionado me muestra una notable película de aventuras que claramente buscó ofrecer cosas nunca antes vista en una película de Marvel y que, para mi, acierta la mayoría de las veces.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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