Archivo de la etiqueta: Comic USA

Crítica de Oblivion Song vol.4 de Robert Kirkman, Lorenzo de Felici y Annalisa Leoni

Poder volver a leer un nuevo comic de Robert Kirkman es siempre una alegría, y el cuarto volumen de Oblivion Song junto a Lorenzo de Felici y Annalisa Leoni es un estupendo entretenimiento mientras hace avanzar un montón la trama y la dirige hacia un camino totalmente nuevo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hace una década, 300.000 ciudadanos de Filadelfia desaparecieron repentinamente en Oblivion. Desde entonces, Nathan Cola y otros han trabajado sin descanso para rescatar a los supervivientes de la Transferencia. Pero algo está en su camino, los Hombres Sin Rostro. ¿Quiénes son? ¿Qué están haciendo en Oblivion?

Todo será revelado es este volumen, que recopila los números 19 a 24 de la serie regular editada por el sello Skybound de Robert Kirkman dentro de Image Comics.

El concepto de Oblivion Song me parece tremendamente original, y se nota que Kirkman domina perfectamente el medio al construir esta ciencia ficción a partir del drama de Nathan Cole y su familia, cuya vida quedó alterada para siempre por la transferencia. Para que todo comic triunfe, debemos preocuparnos por los personajes, y estando Kirkman al mando, ese aspecto está perfectamente cubierto.

Otro elemento habitual dentro de la obra de Kirkman es que todo importa y es importante para construir la historia, no hay fill-ins ni números de relleno. Y esto se ve muy claro en este cuarto volumen en el que la historia avanza un montón y cambia el status-quo de cara al inicio del tercer año de publicación que se iniciará en el próximo número 25 de aniversario.

En el apartado artístico, me gusta mucho la personalidad que Lorenzo de Felici y la colorista Annalisa Leoni aportan a este comic. Debido al tiempo que pasa entre un tomo y otro, siempre tengo que acostumbrar el ojo a su estilo, sobre todo en lo referido a las figuras humanas y sus expresiones que siempre me parecen raras de inicio. Pero una vez acostumbrado, la narrativa me engancha y me creo el drama que viven los personajes.

Además, los colores vivos de Leoni consiguen crear un ambiente totalmente alienígena distinto a todo lo visto hasta la fecha, lo que es un plus adicional durante la lectura de este comic.

Oblivion Song es una estupenda lectura. No se si es lo mejor de Kirkman ni falta que hace, porque cumple de sobra su objetivo de ofrecer un gran entretenimiento y mientras mantengan este nivel, ya pueden alargar está está  lo que crean conveniente. Yo seguiré comprándolo encantado.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

 

 

Crítica de Hot Lunch Special, de Eliot Rahal y Jorge Fornés

Uno de los comics que mejores reseñas ha recibido en los últimos meses de confinamiento fue Hot Lunch Special, original mezcla de género negro con drama familiar creada por Eliot Rahal y el dibujante español Jorge Fornés, publicada en Estados Unidos en 2018 por Aftershock y que acabe de ser editada en España por Planeta Comic.

PUNTUACIÓN: 7/10

¿Les va bien la sangre a los sándwiches? La de los Khoury es la típica historia de éxito entre inmigrantes: una familia de libaneses que consigue su porción del sueño americano cuando se convierte en el mayor distribuidor de sándwiches para máquinas expendedoras de la zona norte del Medio Oeste.

Por desgracia, los Khoury han llegado adonde están con malas artes y una rama del crimen organizado irlandés de Chicago ha vuelto para recordárselo. Fidelidad, tiros… y los secretos que durante tanto tiempo había ocultado la familia salen a la luz. Ahora, Dorothy, nieta del primer Khoury que se estableció en los Estados Unidos, reunirá a su dividida estirpe para enfrentarse a los irlandeses.

Escrito por Eliot Rahal —Cult Classic, The Paybacks y Quantum & Woody—y dibujado por Jorge Fornés —Batman—.

En este volumen se incluye toda la saga de los Khoury, del número 1 al 5.

Hot Lunch Special es un drama familiar de una familia de libaneses-americanos,  los Khoury, dedicados al mundo de la restauración y cuyo éxito e intención de expandir sus negocios les pondrán en rumbo de colisión con la mafia de Chicago. En su introducción, el guionista Eliot Rahal comenta que bajo el transfondo del género negro, este comic es una historia sobre su propia familia, y cómo incluso a pesar de las diferencias y la distancia, la familia lo es todo para él.

Dentro del actual panorama comiquero dominado por los superhéroes, es siempre interesante poder leer una historia de género negro a la que no le encuentro referentes claros en el mundo del comic, algo muy importante hoy en día.

Lo primero que merece la pena resaltar es que la portada con el sandwitch con dos dedos cortados dentro sugería que podíamos estar ante una historia con un toque muy macabro y sangriento, cosa que no llega nunca, de forma que en parte creo que no es representativa del comic que vamos a leer, lo que en sí mismo veo que es un problema.

Debo indicar que globalmente creo que he sufrido un caso claro de hype excesivo que probablemente ha jugado en mi contra a la hora de disfrutar este comic. Como digo, leí varias reseñas super positivas pero intenté no enterarme nada de la trama para dejar que me sorprendiera. Y lo malo de esto es cuando la historia no cumple.

En este sentido, reconozco el intento de Eliot Rahal de crear una historia que se sienta personal construida alrededor de la gran familia Khoury, empleando tiempo en presentarnos a Michael, el patriarca de la familia, Jordan,  su hijo y responsable del negocio en el presente, y su hija Dorothy, entre otros miembros de la familia.

La historia, además de combinar el thriller con el drama familiar, cuenta con un poso de tristeza y casi de inevitabilidad ante lo difícil que es escapar del mundo criminal por mucho empeño que le pongas, lo cual es en todo caso algo super positivo.

Leí en Zona Negativa que Sergio Fernández, uno de sus articulistas, definía este comic como «Fargo sin humor negro”. Y creo que esta comparación no le hizo ningún bien al comic. Porque si, este comic entraría en la categoría de «rural-noir» en la que los Coen han triunfado una y otra vez. Y si, Hot Lunch Special no tiene nada de humor. Sin embargo, los Coen ponen especial empeño en construir unos personales carismáticos con los que empatizas instantáneamente, incluso con los paletos inútiles, de forma que te preocupas y te entretiene todo lo que les pasa. Y ese es precisamente el principal problema de este comic.

Rahal presenta a una gran familia, si, pero en ningún momento consigue que los personajes sean interesantes ante los dramas a los que se enfrentan. De hecho, hay un intento creo que muy evidente de crear una historia coral con múltiples personajes y puntos de vista, cambiando el foco de los diferentes miembros de la familia Khoury a la detective Olson de la policía que investiga la aparición de ese dedo en un sandwitch en la primera página, además del mafioso irlandés Jim Moran. Le agradezco que no adorne la historia con giros imposibles y todo se mueva dentro de lo previsible, dicho en el buen sentido, pero lo que cuente debe ser interesante, y en mi opinión, excepto por unos destellos puntuales, a la historia le falta fuerza por todos lados y los personajes me traen todos sin cuidado.

Comentaba antes en positivo que veo un punto de vista original a Eliot Rahal, pero debería aprender de los clásicos como Ed Brubaker, que consiguen que en 20 páginas conectes incluso con el peor de los criminales, algo en lo que vi a Rahal muy verde y que diría que es el principal problema de este comic. Porque sin conexión emocional o personajes carismáticos, la historia pierde la fueza que debería tener.

Eso si, el dibujo del español Jorge Fornés me parece una pasada y entiendo que DC Comics le haya contratado para dibujar Batman, porque en las historias urbanas brilla a un gran nivel. Fornés realiza un sobresaliente trabajo recreando en estas páginas las calles de Sioux Falls (Dakota del Sur), además de realizar un excelente diseño de todos los personajes, haciéndoles super reconocibles en todo momento.

Fornés realiza todo el trabajo artístico, lápiz, tinta y color, además del diseño de las icónicas portadas de esta serie, y ofrece un enorme trabajo narrativo con una páginas super detalladas con abundantes detalles y fondos que hacen que sólo por su dibujo haya merecido la pena comprar este comic. La comparación que leí en Sala de Peligro comparando a Fornés con Mazzucchelli la veo super adecuada y en mi opinión, creo que podemos estar ante uno de los grandes artistas de DC Comics de los próximos años.

Quizá la lectura de Hot Lunch Special no haya sido todo lo buena que me hubiera gustado, pero le reconozco a Rahal su intento de crear algo diferente que se sienta personal, con un dibujo de Fornés que quita el hipo y que explica completamente su actual status de super estrella en DC Comics.

PUNTUACIÓN: 7/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Costas Salvajes de Ram V, Sumit Kumar y Vittorio Astone (Vault Comics – Ed. Hidra)

Llevaba tiempo detrás de These Savage Shores desde que fue editada en Estados Unidos por Vault Comics. El comic de RAM V, Sumir Kunar y Vittorio Astone ha sido publicado por Editorial Hidra y me alegra comprobar que el hype estaba completamente justificado.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1766, dos siglos después de que el primer barco occidental llegara a la Costa Malabar, la compañía oriental de las Indias busca asegurar su futuro gracias a la lucrativa ruta de la seda.

Un ser maligno viaja a bordo de un barco de la compañía con la esperanza de establecerse en esta tierra lejana. Pero pronto descubrirá que se trata de un territorio que cuenta con criaturas y leyendas más antiguas que él mismo.

En estas costas salvajes, los días son largos y abrasadores, y las noches están llenas de dientes.

Incluye These savage shores 1-5 (Vault Comics)

Costas Salvajes ha supuesto una lectura estupenda totalmente inesperada. No creo haber leído nada previamente de estos autores, pero visto lo visto les auguro un brillante futuro en el mundo del comic.

Narrativamente, me ha gustado mucho el guión de Ram V, que nos traslada a la India del siglo XIII, un tierra envuelta en el mito y la leyenda y que se enfrentaba a un cambio histórico ante la llegada de los todopoderosos británicos con su ansia expansionista. Para sumergirnos en su historia, el guionista emplea la estructura de las novelas victorianas como Drácula de Bram Stoker, haciendo que las cartas cruzadas entre varios personajes nos sirvan de hilo conductor que nos desarrolle la historia y ofrezca el contexto histórico. Esta estructura me resulta tremendamente original en un comic y ayuda a crear el tono perfecto que esta historia necesitaba. El comic es parte historia de monstruos y parte drama histórico, pero también contiene elementos románticos y de la literatura de aventuras. Muchos elementos combinados que sin embargo funcionan.

Otro elemento a destacar de este comic es que a pesar de que me encanta descubrir nuevas lecturas que ofrezcan historias originales, a menudo me encuentro que muchos comics de editoriales independientes estadounidenses cuentan con un apartado artístico bastante cuestionable, sino directamente mediocre. No es el caso de estas Costas Salvajes.

El dibujo de Sumir Kumar me ha gustado, aunque le veo bastante margen de mejora. Kumar tiene un estilo de línea fina y trazo claro con una correcta narrativa centrado sobre todo en la ambientación, aunque quizá veo a sus figuras un tanto estáticas. Lo que está a otro nivel es el espectacular color de Vittorio Astone, que transmite un perfecto tono a cada momento. Además de evocar las novelas de viajes y aventuras de Walter Scott (entre otos) y elementos de la literatura romántica, Astone consigue crear momentos de gran tensión cercanos al terror. El trabajo de ambos autores consigue crear una obra de gran personalidad que sobresale sobre la mayoría de comics indys publicados actualmente.

Quizá lo menos bueno de este comic es que triunfa en la construcción de este mundo, con una ambientación perfecta, ofreciendo una lectura súper satisfactoria. Sin embargo, para el final acaba cayendo en el tópico más evidente, lo que en parte me pareció una pena, teniendo en cuenta en nivel de lo leído hasta ese momento. Además, aunque la historia es fantástica, Ram V la sitúa en un momento histórico real durante la expansión del imperio británico por la India. Y en lo relativo a este contexto histórico, me dejó con la sensación de que me nos han dejado con la miel en los labios y no acabaron de contarlo todo de la mejor forma posible.

Comparto a continuación una reflexión que me ha parecido muy interesante del guionista Ram V sobre lo que le llevó a escribir esta obra, declaraciones recogidas en la web The Comics Beat:

«Escribe sobre lo que conoces.»

«Apuesto a que a todos los escritores, en algún momento, se les ha ofrecido este consejo, un clásico de los clichés literarios transmitidos como prescripción contra los peligros de alcanzar cosas más allá de nuestro alcance. Pero es un consejo que distrae, en el mejor de los casos.»
“La verdadera pregunta es, ¿qué sabemos? ¿Qué es saber? ¿Es un agregado cuantitativo de información que obtenemos a través de la lectura, la observación y el análisis de datos? ¿Es familiaridad cualitativa-sensorial, empatía, memoria muscular?»
«Cuando me dijeron por primera vez,» Escribe lo que sabes «, mi reacción fue burlarme del consejo. Rebelarme contra eso. Lo encontré limitante, restrictivo. En retrospectiva, tal vez tanto el consejo como su interpretación carecían de matices. Saber es algo maravilloso. Es difícil describir exactamente qué es saber algo.»
«Costas Salvajes soy yo cavando profundamente en lo que sé. Sí, tiene vampiros. Sí, se establece en la década de 1760 mucho antes de que yo naciera. Su amor, romance, política fue todo antes de mi tiempo. Pero sé de dónde vengo. Sé sus secretos, sus historias. Leyendas transmitidas por los abuelos y sus padres. Historias escritas en registros reales e historias alternativas talladas en las paredes de las cuevas. He caminado por los pasillos donde mis personajes alguna vez deambularon. He visto desde el mirador donde alguna vez estuvieron y sentí el mismo tipo de amor y romance sobre el que solo se puede escribir y nunca se puede definir de manera tangible.»
“Puedo imaginar las cosas que perdimos en el colonialismo, puedo imaginar el dolor de un lugar cambiando por miedo a ser dejado atrás por el tiempo. Escribo sobre reyes, monstruos, supersticiones y guerras. Pero en cierto nivel, estoy escribiendo las historias que me contaron cuando era niño. Estoy escribiendo lo que sé. Y quizás, cuando lo leas, también lo sabrás. Como si nos sentáramos a la luz del fuego, en el aire fresco de la noche, y te contara la historia de un lugar desaparecido hace mucho tiempo. Uno que existe ahora, solo en nuestra memoria.»

Costas Salvajes ha sido un excelente comic que nos ha trasladado a una India envuelta en el mito y la leyenda, y que merece ser descubierto y disfrutado por todos los lectores que busquen lecturas diferentes.

PUNTUACIÓN: 8/10

*Las tres páginas de arte que he compartido son el Preview de este comic disponible en la web de Editorial Hidra.

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Veneno 18 de Donny Cates, Cullen Bunn, Mark Bagley y Gerardo Sandoval (Marvel Comics – Panini)

Tras el final del evento Matanza Absoluta, comienza la nueva fase de Veneno de la mano de Donny Cates con el dibujante invitado Mark Bagley: Isla Veneno pinta a que nos va a ofrecer un montón de emociones fuertes con el que se está convirtiendo en uno de mis personajes favoritos de la Marvel reciente.

PUNTUACIÓN: 7/10 

El comienzo de “Isla Veneno”, una gran saga que continúa a los sucesos de Matanza Absoluta, con el regreso de Mark Bagley, el artista que ilustrara algunas de las mejores aventuras de Veneno, incluyendo su primera saga en solitario.

Este comic de Veneno es consecuencia directa de Matanza Absoluta, y si pensábamos que Eddie Brock iba a tener un segundo de respiro, nos equivocábamos. Donny Cates está utilizando su revitalización de Veneno para recuperar y actualizar algunos de los argumentos claves del personaje de los años 90, como hizo en el evento recién finalizado. Y con esta Isla Veneno, Cates recupera a la Isla de los Huesos cuya primera aparición fue en 1991 en un arco de Amazing Spiderman.

Lo mejor de Cates es que ha convertido a Eddie Brock en un héroe con el que conectamos completamente ante su lucha por controlar a los simbiontes con los que convive. Nunca fui fan del personaje en el pasado, pero en estos 18 meses todo ha cambiado.

En el apartado artístico, Mark Bagley es un clásico que significa un seguro de vida. Su narrativa es perfecta, sus personajes son totalemente reconocibles y consigue hacer creíble la lucha interna y el drama de Brock, a la vez que sus Vengadores son mostrados como los Héroes más grande que la vida que son. Tener a Bagley como artista de este arco promete algunos momentos geniales, lo cual me alegra un montón.

Este comic tiene un gran pero, y no tiene nada que ver con Veneno. Debido a los tres meses de confinamiento, se me había olvidado completamente que en los últimos números Veneno contaban con un complemento terrible, la miniserie Grito de Cullen Bunn y Gerardo Sandoval que era un tie-in de Matanza Absoluta. Esta miniserie me parece terrible y me parece una estafa total, ya que me obligan a pagar 5 €uros por un comic que no me interesa lo más mínimo de una calidad totalmente cuestionable. Sin ir más lejos, el Inmortal Hulk de este mes, que cuenta con un único comic USA, me costó 3 €uros, lo que significa que he regalado dos a Panini por culpa de esta terrible historia de Grito.

Espero que Panini no vuelva a publicar estos complementos, ya que me parece una decisión más que cuestionable. En todo caso, este Veneno se ha convertido por méritos propios en una de las lecturas obligadas de la actual Marvel.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de DC: La Nueva Frontera de Darwyn Cooke

Si nunca has leído un tebeo de superhéroes y te preguntas qué los hace tan geniales, DC: The New Frontier de Darwyn Cooke es una obra magistral que responde a esa pregunta con una historia sobresaliente de los superhéroes de DC Comics mostrados en su visión más pura y atemporal.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO

“¿Dónde estaban los héroes del mañana?” Bienvenidos a la América de los años cincuenta. Un lugar de luces y sombras, de oportunidades y paranoia, de brillantes ciudades y segregación. Una tierra sin héroes, prohibidos por sus acciones tras la Segunda Guerra Mundial. Y sin embargo… esta América necesita a sus héroes más que nunca. Con una creciente amenaza en el horizonte, solo una nueva generación de aventureros podrá protegernos. Es el reto de la Nueva Frontera. El artista Darwyn Cooke y el colorista Dave Stewart, ganadores del premio Eisner, presentan DC: La nueva frontera, una historia atemporal sobre el idealismo que se ha convertido en uno de los cómics de superhéroes más aclamados del siglo XXI.

“Los cómics mainstream pueden ser atractivos sin tener que acudir al “grim-n-gritty”. Intenté crear comics que nos recuerden que las historias deben entretener, sin necesidad de aplicar golpes de efecto vacíos ni asesinar personajes. […] He hecho todo lo posible para recordarnos que los cómics de superhéroes y aventuras no siempre fueron el asunto oscuro en el que se han convertido. Es, por definición, un género esperanzador dirigido a los jóvenes de corazón, y esas son las historias que he tratado de contar.” Darwyn Cooke, Comics Journal #285

Darwyn Cooke (Toronto, 16 de noviembre de 1962 – Florida, 14 de mayo de 2016) fue un artista de cómics, escritor, dibujante y animador canadiense, principalmente conocido por su rediseño de Catwoman junto a Ed Brubaker, la miniserie DC: The New Frontier, y la adaptación de las novelas Richard Stark protagonizadas por Parker. Gracias a estas dos últimas obras, Cooke ganó trece Premios Eisner, ocho Premios Harvey y cinco Premios Joe Shuster.

A pesar de ser el autor de algunos de los comics atemporales más icónicos del mundo del comic americano mainstream, Cooke no fue un profesional consolidado del medio hasta 2000, año en el que DC Comics publicó su Batman: Ego con 37 años. Cooke intentó trabajar en DC en los años 80, pero en ese momento consideró que no le resultaba rentable trabajar en el sector debido a las tarifas que pagaban por página, que él consideraba totalmente insuficientes, lo que le hizo alternar trabajos como director de arte de una revista, diseñador gráfico y de producto durante más de una década.

A principios de la década de 1990, Cooke intentó regresar a los cómics, pero encontró poco interés por su trabajo en las principales editoriales, debido a que su estilo cartoon de dibujo no encajaba con la moda del “grim-n-gritty” de la época. Afortunadamente, fue contratado por Warner Bros. Animation, y pudo trabajar con Bruce Timm en series como The New Batman Adventures y Superman: The Animated Series. El trabajo en animación hizo que centrara su arte para capturar el momento y la caracterización más icónica de cada personaje.

Además, merece la pena destacar que la propuesta de 14 páginas que Cooke envío a Timm que le consiguió el trabajo en Warner Animation fue lo que posteriormente desarrolló para DC Comics y acabó convirtiéndose en Batman: Ego en 2000.

En 2001 realizó junto a Ed Brubaker un rediseño completo de Catwoman con un feeling próximo al noir que marcó al personaje durante más de una década. Junto a Brubaker presentaron en el universo DC moderno a Slam Bradley, un detective que hizo su primera aparición en Detective Comics 1 en 1937, antes incluso de la creación de Batman, y que convirtieron en un secundario importante del comic. Además, en 2002 Cooke publicó en solitario la novela gráfica Selina’s Big Score.

Junto a DC: The New Frontier (2004-2005), el otro gran trabajo de Cooke fueron las 4 novelás gráficas que realizó para IDW adaptando las novelas de Richard Stark protagonizadas por Parker: The Hunter (2009), The Outfit (2010), The Score (2012) y Slayground (2013), que confirmaron el amor de Cooke por el género negro y las historias de detectives y antihéroes. Para la creación de estas novelas gráficas, Cooke se encargó de todo, no solo del guión y dibujo, sino también del color y del propio diseño de publicación.

The New Frontier es una historia ambientada en los años 40, 50 y primeros años 60, en el periodo entre la retirada de los héroes clásicos de la Silver Age, la mítica JSA, y el nacimiento de la edad moderna de los superhéroes, con La Liga de la Justicia formada por Superman, Batman, Wonder Woman, Green Lantern, El Detectivo Marciano, Flash, Aquaman.

Un periodo de grandes turbulencias sociales en los Estados Unidos, dominada por la paranoia anticomunista, el miedo atómico, la guerra de Corea y la lucha por los derechos civiles, elementos que son reflejados en la historia de Cooke. Pero aunque el transfondo histórico es fundamental para The New Frontier, al final estamos  ante una historia de ciencia-ficción que nos recuerda por qué el mundo necesita los superhéroes, unos héroes positivos, brillantes y que inspiran a los lectores a convertirnos en nuestra mejor versión. No es extraño por tanto que el título «The New Frontier» esté inspirado en el discurso de Kennedy de 1960, que para Cooke fue «la primera vez que (la promesa de la América moderna) fue correctamente articulado».

The New Frontier es una obra coral en la que aparecen muchísimos personajes de ambas eras, y daba igual si su papel era principal o secundario, largo o breve, Cooke siempre conseguía que te preocuparas por él y que quisieras saber más de ellos. Desde John Cloud de los Losers , el Coronel Flagg, John Jones (Detective Marciano), John Henry o los Challengers of the Unknown, todos disfrutan de su momento de gloria y nunca han lucido mejor.

Que Cooke era un extraordinario dibujante era algo que ya habíamos descubierto en sus obra previas. Lo realmente destacable para mi de este comic es su habilidad a la hora de escribir un guión tan complejo narrativamente conectando a todos los personajes con lo sucesos históricos de la época, mostrándoles en su versión más icónica.

DC: The New Frontier es un Elseworlds fuera de continuidad que permitió a Cooke jugar con los mejores juguetes de DC. Sin embargo, esto no significa que Cooke no muestre un extraordinario respeto y amor por todos los personajes sin importar su importancia. Empezando por los miembros retirados de la JSA, o personajes ahora casi desconocidos pero que tuvieron una gran importancia en la DC de los años 50 como  Suicide Squad o los Challengers of the Unknown.

Otro elemento muy chulo de The New Frontier es que Cooke sitúa la creación de los héroes de la Silver Age en el año en que realmente aparecieron sus primeros comics, como Flash (1956) o Green Lantern (1959), de forma que el comic sirve de alguna manera de una cronología ordenada del Universo DC.

En este sentido, es interesante comentar que la carrera espacial de los años 50 y 60 sirvió de perfecto escenario para que Hal Jordan tuviera una gran importancia en este comic. Pero para Cooke esta comic sirvió de reividicación de un personaje que sufrió un destrozo terrible en los años 90 y primeros 2000 en los que fue convertido en el villano Parallax y sustituido por Kyle Rayner, algo que a Cooke no le gustó nada y que consideraba uno de los grandes problemas de los comics de los 90 dominados por el «grim-n-gritty».

Además, al plantear The New Frontier como una historia de origen de la Justice League of America, otros personajes como El Detective Marciano, Batman, Wonder Woman o Flash entre otros también tuvieron momentos para brillar en este comic.

En el apartado artístico, Cooke junto al multipremiado colorista Dave Stewart crean unas páginas maravillosas repletas de detalles con un perfecto feeling retro de los años 50 y 60. Los decorados, vehículos, vestuarios e incluso peinados son siempre perfectos. Las mujeres con sus estilismos años 50 están siempre bellísimas y aparecen con su mejor versión, y los héroes son mostrados en su versión más icónica.

La experiencia de Cooke en animación permite que capture en cada viñeta el momento más icónico que transmita el mayor impacto emocional, y su estilo cartoon sin embargo posee una enorme expresividad.

Cuando pensamos en comics para recomendar para posibles nuevos lectores, DC: The New Frontier es un comic maravilloso al que no le pongo ningún pero. A pesar de los momentos dramáticos y la muerte de muchos personajes, su final es perfecto y está lleno de optimismo ante el futuro, y muestra sin duda por qué los iconos de DC Comics son los mejores personajes del género de superhéroes, sobre todo en esta versión atemporal.

Da igual en qué momento leas estas líneas, DC: The New Frontier de Darwyn Cooke es una lectura obligada para todos los fans del comic de super-héroes, independientemente de cual sea tu editorial favorita.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO

 

Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que sigas mi blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!