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Crítica de Nightwing 97-100 + Annual 2022 de Tom Taylor, Bruno Redondo y vv.aa. (DC Comics)

Nightwing alcanza los 100 números, un momento muy especial que me permite repasar los últimos comics de Tom Taylor y Bruno Redondo, que para este aniversario vienen acompañados por un all-star de dibujantes históricos como Scott McDaniel, Rick Leonardi, Eddie Barrows, Mikel Janín y Javier Fernández

PUNTUACIÓN NIGHTWING 100: 7.5/10

PUNTUACIÓN RESTO COMICS: 6/10

¡Únase a nosotros con grandes sonrisas y celebraciones aún más grandes mientras Nightwing llega a su hito número 100! Anima lo lejos que hemos llegado mirando a lo largo de las décadas lo que ha convertido a Nightwing en un héroe querido. ¿Qué mejor manera de celebrar que con amigos familiares y artistas? Luego, con Heartless creando una guarida en el corazón de Blüdhaven para tomar el trono de Blockbuster, Nightwing hará lo mismo y establecerá su propio cuartel general… ¡con la ayuda de algunos amigos que lo ayudaron a convertirse en quien es ahora, por supuesto!

Scott McDaniel Y Rick Leonardi ilustraron la primera serie regular de Nightwing de los años 90, que fue durante años uno de mis comics favoritos. En dicha etapa se introdujeron por primera vez conceptos que Tom Taylor ha traído de vuelta a la continuidad, como el villano Blockbuster, así como la base de operaciones del justiciero en Blüdhaven. Mikel Janin trabajó como artista en la etapa de Grayson de 2014 mientras que Javi Fernández se ocupo de ella en 2016 durante Rebirth. Eddie Barrows se encargó a su vez del relanzamiento de esta colección que ahora llega a su número 100.

Que DC plantee esta celebración como un especial de 56 páginas que de la oportunidad de poder disfrutar de todos estos artistas me parece un acierto total y un detalle muy chulo por parte de la editorial. Si algo no me gusta lo digo, pero de igual manera creo que hay que reconocer cuando las cosas se hacen bien. Y reconozco que mi corazoncito de fan veterano se emocionó al ver a McDaniel dibujando ¿una última vez? a Nightwing. En este sentido, la historia de Tom Taylor se siente casi como la excusa necesaria para provocar este team-up de grandes artistas, y la verdad es que narrativamente ver la enésima revuelta en las calles de Blüdhaven no es precisamente novedoso. Pero da igual, lo importante de este comic es el arte y lo he disfrutado un montón.

El comic si es importante ya que cambia el statu-quo de Blüdhaven y sirve de presentación de la nueva colección de Titanes que guionizará Taylor con dibujo de Nicola Scott. Y aunque es genial ver a todos los dibujantes de este comic, me parece normal que precisamente los momentos más chulos de Dick con los Titanes y con Bruce se los guarde a Bruno Redondo. Para algo es su compañero de etapa, aunque no se sabe por cuanto tiempo. La splash-page de Redondo de los Titanes es increíblemente emocionante.

Como siempre en la etapa de Taylor, el comic tiene un tono luminoso que se aleja de la oscuridad asociada a los títulos de Batman, ofreciendo una aventura ligera pero llena de corazón que tiene a Dick en el centro, el héroe que busca ayudar a quien lo necesita antes que castigar al que comete un delito. Taylor ha usado a los miembros de los Titanes repetidamente durante su etapa, y me encantan las interacciones entre ellos y la química y la complicidad que desprenden cada vez que se vuelven a reunir. Verles en acción en este especial confirma que Taylor creo que va a acertar con los Titanes como lo lleva haciendo con Nightwing en los últimos 2 años.

Realmente no le puedo poner ningún pero a este especial Nightwing 100, me ha alegrado la existencia. Bueno, siendo sincero todo lo relativo a Heartless ha resultado un bluff importante, ahora entro a ello, pero no es un tema de este comic en concreto, sino del arco planteado por Taylor. En todo caso, esto no empaña un comic que me ha parecido modélico, pura diversión.

El problema, por decirlo de alguna manera, lo tengo en las grapas anteriores a este especial. Tras el final del arco The fight for Blüdhaven´s heart que tuvo lugar hasta el número 96 USA, en el número 97 se inaugura un nuevo arco que nos lleva hasta el 100. Power Vacuum (Vacío de poder) de alguna manera sirve para mostrarnos la toma de control de Heartless de los bajos fondos de Blüdhaven, casi más por incomparecencia de ningún rival que por sus acciones proactivas mostradas en el comic, siendo de alguna manera un hecho consumado.

Este número 97 cuenta con dibujo de Bruno Redondo en 12 de las 21 páginas, con Geraldo Borges dibujando las otras 9. Y esto es un bajón total, porque Taylor plantea una historia luminosa, pero es Redondo con el color de Adriano Lucas el que consigue que el comic se salga de la norma convirtiéndolo en algo especial. En cuanto Redondo no está la diversión cae en picado, no siendo Borges mal dibujante. Dentro de lo malo, al menos Taylor plantea para Borges una escena autónoma, la persecución y pelea en la autopista, que te deja sensación de sólo correcto.

En cuanto a la historia en si de Taylor la verdad es que la excusa superheróica es un poco bastante chorra, pero eso permite a Taylor mostrar explícitamente que la relación de Dick y Barbara Gordon no es para nada platónica. Y esto tampoco es nuevo, porque el foco de Taylor siempre estuvo más en Dick como persona que en Nightwing como héroe, que es lo que en el fondo nos ha enganchado a esta colección. Dicho esto, tengo que reconocer que empieza a cansar un poco ver como todo el mundo expresa explícitamente casi todos los meses como Dick es el mejor héroe del universo DC, dado que lo que yo quiero es VERLO, no que me lo cuenten.

Si me supo mal que Redondo no dibujara en su totalidad el número 97, peor es la situación con el número 98, al ser un fill-in dibujado por Danielle DiNicuolo, artista que trabaja con Taylor en Seven Secrets, su comic publicado por Boom cuyo primer volumen no me gustó nada. El comic es una chorrada total que sirve de presentación de Nite-Mite (la versión de Nightwing del universo de Batmito), además de presentar un argumento relacionado con Nerón (el villano demoniaco presentado hace un montón de años en Underworld Unleashed) que aparentemente tendrá una gran importancia en el futuro de esta colección.

Este comic pone de relevancia la importancia de un buen dibujo para el disfrute de cualquier comic, porque lamento tener que decir que no me gusta nada DiNicuolo, no me gusta su estilo amerimanga pero es que su narrativa me parece nefasta. Desastre total cada vez que este artista aparece, no me ha gustado nada.

El Annual 2022 tiene su principal interés conocer el origen de Heartless, en una historia con guion de Tom Taylor y dibujo de Eduardo Pansica, tinta de Julio Ferreira y color de Adriano Lucas. Y dentro que esta historia muestra que Taylor no da puntadas sin hilo y consigue conectar de forma correcta esta historia con el pasado de Dick, y en concreto con cosas que Taylor nos ha mostrado a lo largo de su estancia en esta colección, mostrando planificación y buen hacer. Pero incluso reconociendo la habilidad de Taylor para crear y conectar todas sus historias, la verdad es que Heartless me está pareciendo un bluff. Ya lo era mientras mantenía el halo de misterio, y la cosa va a peor a partir de ahora que ya sabemos todo su origen.

El annual se completa con historias intrascendentes de Jay Kristoff (guion) y Eduardo Pansica (dibujo), y una segunda con guion de C.S. Pacat y dibujo de Iñaki Miranda. En especial, comentar que el dibujo de Miranda me ha parecido flojísimo, hasta el punto de dudar del criterio de quien se encarga en DC de buscar nuevos artistas. Si el nivel de calidad que busca DC está en el desempeño de Miranda en estas páginas, me da esperanzas de poderme dedicar profesionalmente al dibujo de pijameo. Así de flojo está el nivel.

El origen de Heartless enlaza con el arco de Power Vacuum y por tanto tiene su importancia en el arco general de Taylor. Por lo demás, tenemos un comic montonerísimanente dibujado de forma mediocre que pone en duda si me compensa el dinero que he pagado por él.

Redondo vuelva a la colección para el número 99, pero de nuevo Geraldo Borges tiene que dibujar 6 de las 21 páginas del comic. Y en la historia, Taylor aprovecha el actual vacío de poder para traer de vuelta a Tony Zucco. El mafioso culpable de la muerte de los padres de DicK cree poder aprovechar que su «hija» Melinda es la alcaldesa para hacerse con el control de la ciudad, aunque desconoce que realmente es hermanastra de Dick y trabaja en secreto con Nightwing para acabar con los jefes del crimen. El comic es correcto, y sirve además para que Taylor presente a una nueva organización en la sombra que guarda cajas de seguridad manteniendo el total anonimato, ¡que parece que guarda una caja a nombre de Dick! Un comic super entretenido que pinta puede tener su importancia de cara al futuro. Pero que de nuevo queda un poco empañado por el hecho que Redondo no dibuja el comic en su totalidad.

Me estoy leyendo y entiendo que me estoy poniendo un poco pesado con el cambio de dibujantes. Pero si vemos el último año de Nightwing, comprobamos que de los últimos 12 números, 5 NO han sido dibujados por Redondo, incluyendo el Annual 2022. Y si exceptuamos el especial 100, en las otras seis grapas Redondo ha necesitado ayuda en al menos 2. El comic es ante todo un medio gráfico, y en el momento que el dibujo empieza a cojear, la calidad se va a resentir. No me alegra tener que decirlo, pero las cosas son como son.

Por cierto, aprovecho para destacar las maravillosas portadas que el dibujante español ha realizado para estos números, que me parecen todas estupendas. La del número 97 con Nightwing y Batgirl en silueta me parece una obra de arte, e incluso la del 98 con Nite-Mite resalta el tono humorístico de la historia.

Si a esto sumamos que Tom Taylor anunció que el siguiente arco de cuatro números tendrá de dibujante a Travis Moore, me estoy encontrando una colección de Nightwing que cada vez es más difícil de calificar como «de Taylor y Redondo«. No se trata de poner la venda antes de la herida, pero si reconocer que el comic sin Redondo no es ni la mitad de carismático que cuando él lo dibuja. Lo cual es un bajón. Y a todo esto, ¿Redondo va a volver para el número 105 de la colección? Taylor calificaba a Moore de dibujante invitado, pero en estos meses quien sabe lo que puede pasar…

Como quiero dejar esta reseña en positivo, comparto las primeras páginas del especial nº 100 de Nightwing:

Nightwing sigue siendo un disfrute, aunque la trama avance a ritmo a tortuga y las ausencias de Redondo sean cada vez más frecuentes. En todo caso, ojalá dentro de 100 números pueda seguir repasando esta colección, lo que significará que me sigue interesando.

PUNTUACIÓN NIGHTWING 100: 7.5/10

PUNTUACIÓN RESTO COMICS: 6.5/10

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Crítica de The Mandalorian 3×02 (Disney+)

The Mandalorian no deja un segundo de respiro, como hemos podido disfrutar en el segundo episodio de la tercera temporada estrenado esta semana. Comparto lo más destacado de un episodio que me ha volado la cabeza por muchos motivos.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Episodio 18. Las minas de Mandalore

Mandi y Grogu exploran las ruinas de un planeta destruido.

Jon Favreau escribe el segundo episodio de esta tercera temporada, que ha sido dirigido por Rachel Morrison (1978) una directora de fotografía estadounidense. Por su trabajo en Mudbound (2017), Morrison fue nominada al Óscar a la mejor fotografía, convirtiéndose en la primera mujer nominada en esa categoría. Ha trabajado en dos ocasiones con el director Ryan Coogler, en las películas Fruitvale Station (2013) y Black Panther (2018).

Junto a Pedro Pascal como Mando / Din Djarin y Grogu, en este episodio podemos ver a Ami Sedaris como Peli Motto, la mecánica de Tattoine amiga de Mando, y a Katee Sackhoff como Bo-Katan Kryze.

Siempre intento escribir mis reseñas libres de spoilers, pero en este caso resulta completamente imposible. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad.

The Mandalorian me deja sin palabras. Jon Favreau están redefiniendo no sólo Star Wars, sino el standard de calidad en el entretenimiento mainstream. El trailer de esta temporada sugería que el tema principal sería seguir a Mando mientras preparaba su misión para ir a Mandalore para bañarse en las Aguas Vivientes situadas en las Minas, para redimirse de su pecado de quitarse el casco. La reconstrucción de IG-11 iniciada en el episodio anterior para ayudarle en la exploración de Mandalore parecía sugerirlo. Sin embargo, llegamos al segundo episodio y ¡voila! Mando y Grogu ya han viajado a Mandalore y encontradoel manantial debajo de los restos de la ciudad de Sundari. Lo que en otras series es el objetivo de la temporada, Favreau y su equipo lo han despachado en ¡el segundo episodio! Esta mentalidad de no guardarse nada me vuela la cabeza. Y todo ello con una aventura espectacular repleta de acción, sorpresas y momentos emocionantes. No se puede hacer mejor.

El episodio es una pasada. Empezando por ver en imagen real las ruinas de Mandalore y conocer a los habitantes que sobreviven bajo tierra. Grogu es una ricura maravillosa que me deja con la sonrisa en la cara cada vez que aparece en pantalla, pero además se añade una nueva capa de independencia y capacidad cuando está solo. Mando con la voz de Pedro Pascal está estupendo como siempre, pero en especial sus escenas con Bo-Katan son espectaculares, destacando el carisma que tienen ambos actores. Además, Favreau es un narrador muy listo, porque una de las cosas que se echaron de menos en el primer episodio fue el Dark Sable. Así que en los 40 minutos de este segundo episodio no es una sino dos las veces que podemos verlo en acción, unas escenas que están geniales.

La gran sorpresa del episodio, otra más, es la aparición de Bo-Katan. Y no viene para tomar café, sino que protagoniza algunos momentos de acción espectaculares que sirven para reforzar que es la puta ama, algo que siempre es genial ver en imagen real. Además de la acción, tiene momentos super emocionantes cuando visita las ruinas de su hogar y recuerda a su padre, siendo este otro de los momentazos del episodio. Por no hablar que frente a lo visto en el primer episodio, cuando descubre que algo le ha pasado a Mando hay verdadera preocupación por él y no duda un segundo en ir a su rescate. Frente a la dificultad que Mando sigue teniendo al usar el Dark Sable, Bo-Katan se muestra como una maestra en su uso porque ella sí cree ser la legítima líder de los Mandalorianos. Qué pasada.

Por cierto, me ha gustado la dirección de Rachel Morrison. Visualmente el episodio está lleno de momentazos, pero hubieron varias escenas que me sorprendieron y que transmiten verdadera sensación de peligro. Además de emoción, porque el momento cuando Bo-Katan encuentra a Grogu solo en la nave tiene una emoción bestial. Y junto a esto, hay un par de momentos rozando el terror también bestiales, como es la primera aparición del robot araña o de la criatura cyborg, así como el primer ataque de las criaturas que viven en las ruinas.

La sorpresa y el climax espectacular del episodio es cuando Mando y Bo-Katan descubren que el Mitosaurio, el ser mitológico de las leyendas Mandalorianas, está vivo bajo las aguas. La Armera ya dijo a Din Djarin en El Libro de Boba Fett que «Las canciones de eones pasados predijeron que el mitosaurio se alzaría para anunciar una nueva era de Mandalore». Se creía que los mitosaurios se habían extinguido hacía siglos y era un elemento de leyenda, pero el descubrimiento de que al menos uno sigue con vida, ¿puede sugerir que la temporada realmente va a centrarse en la lucha de Bo-Katan y Mando por devolver a la vida a su planeta y unir a todos los Mandalorianos? La sensación es que los tiros pueden ir por ahí. Pero en todo caso este final nos ha dejado un episodio que no ha dejado de ir a más.

Además, recordando el bautismo del joven mandaloriano de la semana pasada, la entrada de Mando en las Aguas Vivientes de las minas sirve claramente de bautismo para Din Djarin, que en este mismo episodio le cuenta a Grogu que el nació en una luna de Mandalore y realmente nunca había llegado a pisar el planeta, de forma que Mando puede salir renovado de la experiencia. Aparte del elemento religioso, quiero pensar que esto marque también el renacimiento de Mandalore y sus Mandalorianos. Y por cierto, ¿a alguien más le pareció que el descenso hacia las minas tenía unas reminiscencias bestiales a El Señor de los Anillos y la parte de Moria en La Comunidad del Anillo? Porque yo lo vi clarísimo.

Otro elemento que me ha sorprendido de este capítulo es que exceptuando los dos últimos episodios de la primera temporada, todos los episodios hasta ahora han contado una aventura autoconclusiva, dentro eso si de la narrativa general de la serie. Sin embargo, el episodio de esta semana nos ha dejado con un cliffhanger monumental, rompiendo la casi norma de historia por episodio. El hecho de estar en el segundo puede sugerir que este cambio en la estructura argumental de la serie se repita a lo largo de la temporada. Aparte de lo guay que es todo, sirve para reafirmar que todo puede pasar en The Mandalorian.

Por último, quiero comentar un elemento sobre el trailer de esta temporada. En este caso no es que Lucasfilm haya hecho «un Marvel» mostrando imágenes falsas para no mostrar elementos claves de la trama antes de tiempo. Pero diría que en estos dos primeros episodios han salido ya la mayoría de imágenes del trailer. Como imagen potente sólo falta por salir la mega escena en la que un equipo de Mandalorianos caen de una nave para iniciar un ataque. Pero exceptuando esa, realmente todo lo que vamos a ver a partir de ahora va a ser sorpresa absoluta, algo que me alegra un montón.

Este episodio me ha encantado. Me ha sorprendido, emocionado y me ha dejado en lo más alto. Y lo que es aún mejor aparte de todo en general en The Mandalorian, es la sensación que el próximo episodio puede ser aún mejor.

Comparto el teaser trailer de este episodio:

The Mandalorian es mandanga de la buena. ¡Qué manera de disfrutar!!

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Fargo temporada 4 (Prime Video)

Hace mil años que vi la tercera temporada de Fargo, y aprovechando que Prime Video la ha incorporado a su catálogo he podido ver la cuarta temporada de la serie creada por Noah Hawley, en este caso ambientada en 1950.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Serie de TV (2020). 11 episodios. En 1950, al final de dos grandes migraciones, en Kansas City (Missouri), dos sindicatos delictivos han negociado una incómoda paz. Uno dirigido por un italiano y el otro por un afroamericano. Juntos controlan una economía alternativa: la de la explotación, los sobornos y las drogas. Esta también es la historia de Estados Unidos. Para cimentar su paz, los jefes de ambas familias pactan intercambiar a sus hijos más jóvenes.

La cuarta temporada de Fargo, la antología de género policíaco y comedia negra creada por Noah Hawley, se estrenó el 27 de septiembre de 2020, a través de la cadena de cable FX. Esta temporada constó de 11 episodios, una duración bastante atípica en la televisión, ya sea para un canal normal o dirigido al streaming. Hawley dirige los dos primeros episodios. Dana Gonzales (4 episodios), Dearbhla Walsh (2 eps.), Sylvain White (2 eps.) y Michael Uppendahl (1 ep.) completan el listado de directores. En los guiones, Hawley escribe en solitario los dos primeros y los dos últimos episodios, contando con colaboradores como  Stefani Robinson, Francesca Sloane, Scott Wilson, Lee Edward Colston II y Enzo Mileti para los otros siete.

En el reparto, tenemos a Chris Rock como Loy Cannon, el líder del sindicato del crimen afroamericano Cannon Limited, así como un hombre de negocios que intenta hacer despegar su nueva idea, la tarjeta de crédito. Jessie Buckley interpreta a Oraetta Mayflower, una enfermera y asesina en serie. Jason Schwartzman es Josto Fadda, el poco imponente e impulsivo líder de la familia Fadda de Cerdeña. Ben Whishaw es Patrick «Rabbi» Milligan, un miembro irlandés-americano acogido por la familia Fadda. Por último, dentro de estar ante una serie coral destacaría a E’myri Crutchfield como Ethelrida Pearl Smutny, una adolescente afroamericana inteligente, que vive con sus padres dueños de una funeraria y conocerá a los principales jugadores del crimen de la ciudad.

En otros papeles tenemos a Jack Huston como Odis Weff, un policía con muchos tics nerviosos que sirvió en la Segunda Guerra Mundial y está en la nómina de los Fadda en secreto, Salvatore Esposito como Gaetano Fadda, el hermano menor pero mayor de Josto, un antiguo Blackshirt violento e implacable de Italia, Andrew Bird como Thurman Smutny, el padre de Ethelrida, propietario de una funeraria, y Anji White como Dibrell Smutny, la severa y protectora madre de Ethelrida. Jeremie Harris como Leon Bittle, un joven y ambicioso miembro de Cannon Limited, Matthew Elam como Lemuel Cannon, el hijo mayor de Loy cambiado por el hijo mayor de los Fadda para mantener la paz. Francesco Acquaroli es Ebal Violante, consigliere de la familia Fadda, Gaetano Bruno interpreta a Constant Calamita, sicario de la familia Fadda, Stephen Spencer hace del Dr. David Harvard, el prejuicioso director de un importante hospital privado de Kansas City, Karen Aldridge como Zelmare Roulette, la hermana de Dibrell, atracadora de bancos. Por último, Timothy Olyphant es Dick «Deafy» Wickware, un U.S. Marshal mormón que ha llegado a Kansas City para cazar a Zelmare y su novia Swanee tras escaparse de la prisión estatal.

Sabía que había pasado mucho tiempo desde que vi la tercera temporada, pero me ha volado la cabeza recordar que esa temporada es de ¡2017! Y el caso es que me enteré que esta cuarta temporada de Fargo existía, pero entre el COVID y que no tenía forma legal de verla, la verdad es que he tardado en ver esta de momento última temporada, una vez se ha incorporado al catálogo de Prime Video. Más vale tarde que nunca.

Fargo siempre fue una serie atípica poblada por freaks y personajes extravagantes que viven en el ambiente criminal de los Estados Unidos. En esta temporada, la acción se traslada a Kansas City en 1950 pero empieza mucho antes, con los enfrentamientos que se fueron produciendo a lo largo de las décadas anteriores entre el grupo mafioso dominante y el nuevo que amenaza con sacarles del tablero. Las situaciones son también atípicas, empezando por la decisión de los mafiosos de intercambiar a sus hijos mayores como forma de evitar la guerra entre familias. Una acción que no evitó que al final una de las familias fuera aniquilada por parte de la otra.

Una de las mejores cosas de esta temporada es la forma en que el racismo está omnipresente en todos los aspectos de la sociedad. Un racismo que no se ejecuta únicamente contra los afroamericanos sino contra cualquiera que llegara más tarde a los Estados Unidos que los protestantes británicos. Es por esto que a pesar de ser también blancos, los italianos son considerados como infraseres por poderes sociales y económicos. Y me gusta que la serie lo muestre pero sin que la serie vaya de eso, dentro que cualquier persona normal verá muchas cosas y sabe juzgar que la situación debía ser tremenda para esas comunidades.

La elección de la joven Ethelrida Pearl Smutny como narradora resulta muy interesante, ofreciendo reflexiones super potentes sobre la historia de los Estados Unidos, entre otras que son los vencedores los que imponen su relato de los hechos y transforman a su conveniencia la realidad con una política de hechos consumados. En cierto sentido, también parece que la historia es cíclica y está condenada a repetirse, no cumpliéndose eso de «tropezar dos veces en la misma piedra». Si hay que tropezar, se hace las veces que haga falta.

Esta temporada nos ha ofrecido momentazos increíbles en todos los episodios sobre todo en lo visual. Por ejemplo, cada uno de los pactos entre familias mafiosas o una escena que parece hija adoptiva del mítico tiroteo en la estación de Los Intocables de Elliot Ness. O el episodio en blanco y negro recordando a El Mago de Oz. Se nota que hay una intención estética para conseguir que la serie luzca de forma sobresaliente. Cosa que se consigue sin duda.

Y la verdad es que en los 11 episodios pasan un montón de cosas y hay un montón de giros y situaciones sorprendentes, lo que hace que saliera «rentable» el visionado semanal de los diferentes episodios. La enfermera asesina en serie que envenena a sus víctimas, la pareja de ladronas escapadas de la prisión o el policía con problemas mentales tras alistarse en la 2ª Guerra Mundial son algunos de los elementos más freaks de esta serie, cuya naturaleza coral consigue atraparte durante su visionado.

Dentro que todo lo que vi me gustó, quizá hay algo en esta historia ¿inspirada en hechos reales? que no me acabó de cuadrar. Me ha sorprendido para bien la potente interpretación de Chris Rock, normalmente asociado con la comedia, y sin embargo algo es su personaje me deja la sensación que podría haber estado mejor. Como de la serie en su conjunto. No es nada concreto, pero quizá todos los finales son super anticlimáticos, dentro que se refuerza la cualidad circular de todo el relato. Si me gusta en el arco del personaje de Rick que puede interpretarse como una metáfora de la lucha de la comunidad afroamericana que se enfrentaba a una sociedad con las cartas marcadas que no daban la posibilidad de que hubiera lucha real, estando dirigidos hacia su caída.

Me gusta mucho Fargo, y no me importaría que Noah Hawley, su creador, se quedara aquí toda la vida. Sin embargo, lamentablemente de momento esta es su última temporada, dado que Hawley está inmerso en otros proyectos. Hace tiempo se habló de un reinicio de Star Trek, proyecto que no salió adelante, pero también espero su serie ambientada en el universo de Alien, que podría ser la bomba, si llegamos a verla. Esperemos que sea el que sea, pronto se confirme su siguiente proyecto.

Comparto el trailer de esta temporada:

Fargo es un seguro de vida en lo relativo a televisión. ¡Más series así, por favor, Noah Hawley!

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Hombre Hormiga y la Avispa de Mark Waid y Javier Garrón (Marvel Comics – Panini)

Tras ver Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, me quedé con ganas de leer más historias de estos personajes, por lo que he recuperado la miniserie Hombre Hormiga y la Avispa de Mark Waid y Javier Garrón publicada por Panini en 2018, que en muchos aspectos sirvió de inspiración para la película.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

La Avispa está tratando de ayudar a El Hombre Hormiga a regresar a casa, pero se ha encontrado un pequeño problema en el camino. Muy pequeño… ¡subatómico, de hecho! Scott Lang se ha perdido en el espacio entre los átomos, y sólo Nadia Pym puede rescatarlo.

Por una de esas ideas de bombero torero de Brian Michael Bendis, Scott Lang pasó una temporada en el espacio junto a los Guardianes de la Galaxia, si mi memoria no me engaña. Su retorno a la Tierra y el estreno en 2018 de Ant-Man y la Avispa por parte de Marvel Studios animó a Marvel Comics a publicar esta miniserie que esperaba aprovecharse del posible hype con la película del MCU, al compartir título (aunque no protagonistas). Y es que la protagonista de esta serie no es Janet, sino Nadia Van Dyne, la joven hija perdida de Hank Pym adoptada por Janet unos años antes.

Como el título indica, esta miniserie nos cuenta la aventura en el Microverso de los protagonistas. Y Mark Waid firma un comic super divertido e ingenioso. Reconozco que hubo unos años coincidiendo con su descafeinada etapa en Los Vengadores que dejó de interesarme un poco el trabajo de Waid, pero en los últimos tiempos he vuelto a recuperarle, gracias sin ir más lejos a su excelente Batman / Superman: Los mejores del mundo con Dan Mora. Por ponerle un pero, estamos ante un comic en el que no hay un antagonista. Frente a la presentación de Kang en Quantumanía, en este comic los protagonistas llegan al microverso por casualidad y vamos viendo sus vicisitudes para volver a nuestra realidad, de forma que dentro de lo divertido de todo, no encontramos tensión ni sensación de peligro. Sin embargo, esto no evita que el comic se sienta fresco y con muchos elementos originales, aprovechando elementos científicos y algunas ideas muy locas. Además, es curioso leer un comic con elementos que la película del MCU cogió casi literalmente.

Javier Garrón con color de Israel Silva son los encargados del apartado gráfico. Me resulta muy curioso leer ahora este comic de Garrón, uno de sus primeros en Marvel tras Secret Warriors y Star-Lord, y recién nombrado Stormbreaker, el título con el que Marvel promocionaba a la siguiente hornada de jóvenes autores que esperaban convertir en hot. Lo primero que destacaría es que Garrón muestra la misma imaginación desbordante en este comic de 2018, aunque más recientemente he disfrutado de su trabajo en Los Vengadores junto a Jason Aaron. Si este comic funciona es precisamente por lo imaginativos que son los diseños de alienígenas que nos regala, con seres tan locamente divertidos como un patata con múltiples bocas.

El plus de calidad lo da Garrón con su dibujo, incluso cuando se le nota que se encuentra en fase de aprendizaje con algunas expresiones faciales y dinámicas corporales de los protagonistas un pelín más flojas a lo que ahora nos tiene acostumbrado. Pero esto que sólo es un tema puntual de alguna que otra viñeta no empaña que globalmente el dibujo me ha gustado bastante. Además de contar de maravilla la historia con una narrativa perfecta, aporta un montón en la creación de estos mundos y seres, consiguiendo que el trabajo de Waid luzca de maravilla. A todo esto, querría destacar también las estupendas portadas de David Nakayama para esta miniserie, que también me han gustado mucho.

Hombre Hormiga y la Avispa no es un comic que te cambie la vida, pero creo que está perfectamente ejecutado y su frescura, diversión y originalidad han conseguido que disfrutara un montón con su lectura. Un comic super recomendable.

Comparto las primeras páginas del comic:

Hombre Hormiga y la Avispa ha sido una aventura super divertida muy bien dibujada. Cuando hablamos de buenos comics Marvel, hablamos justo de esto.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Irati de Paul Urkijo

Tras su paso por el festival de Sitges, tenía ganas de ver Irati, mezcla de fantasía y épica creada por el director Paul Urkijo inspirado en el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa y en las historias populares del norte de España.

PUNTUACIÓN: 6/10

Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el ataque del ejército de Carlomagno atravesando los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Paul Urkijo Alijo nace en 1984 en Vitoria-Gasteiz (Pais Vasco). Desde muy pequeño le apasionan el cine, la ilustración, la literatura, y los cómics, con predilección por el género fantástico, siendo un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales. En 2008 Se licencia en Bellas Artes y profesionalmente se dedica a la realización de audiovisuales, la ilustración y la infografía. Así comienza a escribir y realizar sus propios cortometrajes de ficción y animación. Los cortometrajes que ha escrito y dirigido han ganado 85 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones por todo el mundo. En 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari, una película de género fantástico basada en el cuento del folclore vasco “Patxi Errementaria”.

Urkijo  escribe el guion adaptando libremente el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa. La película de 111 minutos de duración ha contado con un presupuesto superior a los 4 millones de €uros, siendo una coproducción española-francesa. El rodaje tuvo lugar en 2021​ en diferentes localizaciones de Álava, Guipúzcoa, Vizcaya, Navarra y Huesca. Irati cuenta con fotografía de Gorka Gómez Andreu, montaje de Elena Ruiz y música de Aránzazu Calleja y Maite Arroitajauregi. En el pasado festival de Sitges consiguió el Premio del Público y el premio a los Mejores Efectos Especiales. Irati obtuvo además 5 nominaciones para los Goya, aunque finalmente no ganó ninguno.

La película está protagonizada por Eneko Sagardoy como Eneko Haritza, Edurne Azkarate como Irati, Itziar Ituño como Mari, Elena Uriz como Luxa, Kepa Errasti como Belasko, Ramón Agirre Lasarte como Virila y Nagore Aranburu como Oneka. Por cierto, se me olvidaba comentar la particularidad que la película se ha rodado en euskera.

Empezando a comentar la película, la primera sorpresa fue comprobar que en el único cine donde se estrenó Irati había traído una copia doblada, por lo que no puede escuchar la versión original en euskera que yo esperaba. De hecho, no se porqué pensaba que se iba a distribuir únicamente en euskera, algo que obviamente ha resultado incorrecto. Y entiendo que igual parte de la epicidad y la guturalidad de los personajes se ha perdido en la traducción al no escucharles en euskera, pero no diría que el doblaje sea malo ni muchísimo menos.

Ya entrando a la película en si, hay que aplaudir que se hagan películas tan originales y diferentes a nada que se haya hecho en el cine español que yo recuerde ahora mismo, si exceptuamos la anterior película del director vasco, Errementari, inspirada en el folclore vasco, o El laberinto del fauno de Guillermo del Toro. Ver una película española que mezcle fantasía heroica con cuentos populares en una historia ambientada en el medievo español del siglo VIII resulta una refrescante sorpresa, incluso a pesar de algunos elementos menos buenos que luego comentaré también.

Viendo la película, tengo que decir que la fotografía de Gorka Gómez me ha volado la cabeza. Hay que decir que rodar en localizaciones naturales permite unas imágenes super poderosas con las figuras en penumbra mientras cruzan bosques de increíble belleza con unas entradas de luz entre la vegetación espectaculares. La verdad es que en la parte de las localizaciones naturales Gómez está espectacular, aunque al mismo tiempo también debo decir que la decisión de Paul Urkijo de rodar con iluminación naturalista todo el rato provoca que en algunas escenas nocturnas o en interiores no se acabe de ver bien a los personajes, lo cual no es algo tan positivo.

Para ser una película fantástica con numerosos elementos mitológicos y un buen puñado de efectos digitales, la verdad es que estos seres y estas escenas lucen fantásticas. También es cierto que hay varios efectos de fuego que no acaban de estar del todo bien conseguidos, pero globalmente creo que hay que quitarse el sombrero ante esta película de 4 millones de presupuesto, que consigue en muchos momentos lucir estupenda casi al nivel de otras producciones con presupuestos muy superiores.

Todo lo referido al diseño de producción, el vestuario o la música me parecen que están geniales y consiguen meterte completamente en esta historia fantástica medieval. También aquí encuentro elementos de los que estar contento. Conectando con el diseño de producción, hay algunas escenas que tienen lugar en grutas naturales que lucen de maravilla. En el lado técnico la verdad es que no le pongo un pero.

Aprovecho para destacar además el poster de la película, que me transmitió una épica y una fuerza casi como si lo hubiera pintado Drew Struzan. El feeling a Conan me parece la bomba, me ha gustado mucho. Lástima que de alguna manera la historia no ha estado a la altura de lo que este poster invitaba a soñar, cosa sobre la que entraré más adelante.

La película plantea una lucha entre las tradiciones ancestrales navarras frente al empuje del cristianismo. En este sentido, es importante la idea que las cosas existen mientras quede alguien que las recuerde, de forma que no sólo se pierden las tradiciones y folclore con la muerte de los ancianos, sino que también los dioses primigenios están condenados a desaparecer. (Una idea que por otro lado no es realmente original, habiéndosela leído a Neil Gaiman o a J.M. Strazynski, por poner dos ejemplos del mundo del comic).

Una parte importante de la película que parece estar construida casi con estructura de cuento o historia mítica, que también me parece un elemento original de Irati. Tengo que reconocer que no he visitado el bosque de Irati en Navarra, y lo digo porque seguro los habitantes de la zona habrán disfrutado un montón de esta película, además de por los bellísimos espacios naturales, por ver en imagen real el recuerdo de las tradiciones de la zona.

Como comentaba, hay un montón de elementos super chulos en Irati, por ejemplo muchísimos planos de la película los veo clarísimos dentro de unas semanas en el «One Perfect Shot» de Twitter. Sin embargo, me quedo con la sensación que el folclore navarro y los paisajes de ensueño son mucho más interesantes que la historia que Paul Urkijo ha planteado. No sólo eso, es que todo está rodado de la forma menos interesante posible, rompiendo la épica que la película nos vendía a priori. Por ejemplo, el trailer muestra una batalla multitudinaria que parecía mega épica, y su realización real, que para más inri es justo el principio de la película que marca de alguna manera el tono de todo, es un bajón, al ser mostrada siempre con planos cerrados de combates dos a dos que no pueden resultar más montoneros. Y entiendo el problema logístico de mostrar planos generales de una batalla multitudinaria además del propio presupuestario. Pero o se hace mal o se hace bien, y esta escena no está bien resuelta en pantalla. Y como eso prácticamente todo, a pesar de los hallazgos visuales, todo está rodado de la forma menos atractiva posible, lo que me ha producido un bajonazo increíble.

Irati tiene otro problema muy grande, y son los actores protagonistas. Eneko Sagardoy como el príncipe Eneko me ha parecido terrible. Nos reímos de la inexpresividad de gente como Steven Seagal, pero lo de este chaval me ha parecido un desastre que ha hecho imposible empatizar con nada de lo que le pasa. Y entiendo que el rodar en euskera ha limitado el número de actores de complexión física fuerte que exige el papel, pero este chico me parece limitadísimo. Pero no sólo en la interpretación, el combate a espada tampoco lo hace creíble, como si él mismo no se lo acabara de creer. Aparte de una deficiente coreografía, claro.

Edurne Azkarate, la actriz que interpreta a Irati, es también super limitada. He visto una actriz de una única pose en toda la película, mostrando igual el enfado que la preocupación, el odio del el amor. Sin embargo, al lado de Eneko Sagardoy parecía Cate Blanchett. A esto hay que añadir que no llegué a empatizar con nadie, porque más que personas son arquetipos, el malo malísimo que quiere robar el trono, el cura cristiano, la anciana pagana que busca mantener las tradiciones, o unos esbirros varios, todo lo veo excesivamente funcional. Es posible que la película pierda por no haberla visto en euskera, pero las interpretaciones montoneras lo son a pesar del idioma en que la escuche.

Y todo esto me sabe muy mal, porque tenía muchas ganas de que Irati me gustara. Sin embargo, estaba viéndola y la sensación de «funcional» y «mediocre» me vino más veces a la cabeza de lo que me hubiera gustado. En todo caso, me alegro que una producción española se haya atrevido a producir un fantástico medieval, y me gustaría que el rango de temas e historias se ampliara cada vez más.

Comparto el trailer de Irati:

Dentro que aplaudo la originalidad de la propuesta de Irati y que he encontrado numerosos elementos interesantes, no puedo decir que me haya parecido una gran película. Una pena. En todo caso, ojalá se puedan hacer más propuestas tan diferentes como esta.

PUNTUACIÓN: 6/10

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